100 películas que debes ver antes de morir

Siempre he pensado que las listas cinéfilas son para los valientes, especialmente si van numeradas en un ranking. Yahoo se ha tirado a la piscina y ha publicado una selecta lista con las 100 películas que marcaron un antes y un después en la historia del séptimo arte. O como ellos mismos la han llamado, "100 películas que debes ver antes de morir". Con semejante título y dada la importancia del tema que trata, me quito el sombrero ante el blog de cine. Eso sí, como el cine es cuestión de gustos, por supuesto que faltan y sobran algunos filmes. Pero mejor hablo de eso otro día.

Doce hombres sin piedad (1957) - Sidney Lumet
2001, odisea del espacio (1968) - Stanley Kubrick
Los cuatrocientos golpes (1959) - Francois Truffaut
Ocho y medio (1963) - Federico Fellini
La reina de Africa (1951) - John Huston
Alien, el octavo pasajero (1979) - Ridley Scott
Eva al desnudo (1950) - Joseph L. Mankiewicz
Annie Hall (1977) - Woody Allen
Apocalypse Now (1979) - Francis Coppola
La batalla de Algiers (1967) - Gillo Pontecorvo
Ladrón de bicicletas (1948) - Vittorio De Sica
Blade Runner (1982) - Ridley Scott
Sillas de montar calientes (1974) - Mel Brooks
Blow Up, deseo de una mañana de verano (1966) - Michelangelo Antonioni
Terciopelo azul (1986) - David Lynch
Bonnie And Clyde (1967) - Arthur Penn
Breathless (1960) - Jean-Luc Godard
El puente sobre el río Kwai (1957) - David Lean
La fiera de mi niña (1938) - Howard Hawks
Dos hombres y un destino (1969) - George Roy Hill
Casablanca (1942) - Michael Curtiz
Chinatown (1974) - Roman Polanski
Ciudadano Kane (1941) - Orson Welles
Tigre y dragón (2000) - Ang Lee
La jungla de cristal (1988) - John McTiernan
Haz lo que debas (1989) - Spike Lee
Perdición (1944) - Billy Wilder
¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964) - Stanley Kubrick
Sopa de ganso (1933) - Leo McCarey
E.T. El Extraterrestre (1982) - Steven Spielberg
Operación Dragón (1973) - Robert Clouse
El exorcista (1973) - William Friedkin
Aquel excitante curso (1982) - Amy Heckerling
French connection: contra el imperio de la droga (1971) - William Friedkin
El Padrino (1972) - Francis Ford Coppola
El padrino, segunda parte (1974) - Francis Ford Coppola
James Bond contra Goldfinger (1964) - Guy Hamilton
El Bueno, el Feo y el Malo (1966) - Sergio Leone
Uno de los nuestros (1990) - Martin Scorsese
El graduado (1967) - Mike Nichols
La bestia humana (1938) - Jean Renoir
Atrapado en el tiempo (1993) - Harold Ramis
¡Qué noche la de aquel día! (1964) - Richard Lester
Deseando amar (2000) - Wong Kar-wai
Sucedió una noche (1934) - Frank Capra
¡Qué bello es vivir! (1946) - Frank Capra
Tiburón (1975) - Steven Spielberg
King Kong (1933) - Ernest B. Schoedsack, E. Schoedsack, Merian C. Cooper
Las tres noches de Eva (1941) - Preston Sturges
Lawrence de Arabia (1962) - David Lean
El señor de los anillos: La comunidad del anillo (2001) - Peter Jackson
M, el Vampiro de Dusseldorf (1931) - Fritz Lang
M.A.S.H (1970) - Robert Altman
El halcón maltés (1941) - John Huston
Matrix (1999) - Andy Wachowski, Larry Wachowski
Tiempos modernos (1936) - Charles Chaplin
Los caballeros de la mesa cuadrada (1975) - Terry Jones, Terry Gilliam
Desmadre a la americana (1978) - John Landis
Network, un mundo implacable (1976) - Sidney Lumet
Nosferatu (1922) - Friedrich Wilhelm Murnau
Un tranvía llamado deseo (1951) - Elia Kazan
Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) - Milos Forman
Senderos de gloria (1957) - Stanley Kubrick
La princesa Mononoke (1997) - Hayao Miyazaki
Psicosis (1960) - Alfred Hitchcock
Pulp fiction (1994) - Quentin Tarantino
Toro salvaje (1980) - Martin Scorsese
En busca del arca perdida (1981) - Steven Spielberg
La linterna roja (1992) - Zhang Yimou
Rashomon - Akira Kurosawa
La ventana indiscreta (1954) - Alfred Hitchcock
Rebelde sin causa (1955) - Nicholas Ray
Rocky (1976) - John G. Avildsen
Vacaciones en Roma (1953) - William Wyler
Salvar al soldado Ryan (1998) - Steven Spielberg
La lista de Schindler (1993) - Steven Spielberg
Centauros del desierto (1956) - John Ford
Los siete samuráis (1954) - Akira Kurosawa
Cadena perpetua (1994) - Frank Darabont
El silencio de los corderos (1991) - Jonathan Demme
Cantando bajo la lluvia (1952) - Gene Kelly, Stanley Donen
Blancanieves y los Siete Enanitos (1937) - David Hand
Con faldas y a lo loco (1959) - Billy Wilder
Sonrisas y lágrimas (1965) - Robert Wise
La guerra de las galaxias (1977) - George Lucas
El crepúsculo de los dioses (1950) - Billy Wilder
Terminator 2: el juicio final (1991) - James Cameron
El tercer hombre (1949) - Carol Reed
This Is Spinal Tap (1984) - Rob Reiner
Titanic (1997) - James Cameron
Matar un ruiseñor (1962) - Robert Mulligan
Toy Story (1996) - John Lasseter
Sospechosos habituales (1995) - Bryan Singer
Vértigo (De entre los muertos) (1958) - Alfred Hitchcock
Cuando Harry encontró a Sally (1989) - Rob Reiner
Fresas salvajes (1957) - Ingmar Bergman
El cielo sobre Berlín (1987) - Wim Wenders
El Mago de Oz (1939) - Victor Fleming
Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) - Pedro Almodóvar
El mundo de Apu (1959) - Satyajit Ray

LA CRÍTICA

Los abrazos rotos ****

“Chicas y maletas” iba a ser una obra cumbre en la carrera del director Mateo Blanco. Salvajemente mutilada para hundir la carrera del realizador, el montaje que se presentó al gran público contenía solamente las peores tomas. Era la gran mentira que el resentido productor, Ernesto Martel, estrenaba con un gran revuelo en los cines de todo el país. El montaje bueno nos lo brinda Almodóvar en sus abrazos rotos. En él, la comedia desenfadada que lucía el manchego en la década de los 80 inunda la pantalla durante los últimos minutos de película. Se trata del único buen sabor de boca de una historia salpicada de celos, remordimientos, recuerdos malsanos y la autoimposición del olvido.

Lo que viene antes es un auténtico dramón salpicado de las constantes melodramáticas del cineasta. Asistimos a la mentira personal que se auto inflinge el mismo Mateo cuando se exilia del mundo y del cine absorbido por su propio pseudónimo, Harry Caine, para tratar de no tener que recomponer las fotos de una vida que lo ligaban a un amor imposible y obsesivo, el que sintió por Lena, una bellísima actriz no muy buena como intérprete, pero que a sus ojos se volvía la mismísima Audrey Hepburn. Una ceguera personal que afectaba a todo su trabajo y que culminó en una ceguera física que le obligó a vivir como escritor y guionista. A través de flashbacks, Almodóvar nos cuenta los orígenes de esa relación, la imposibilidad del amor con Lena por culpa de la pareja de ésta, el productor Martel, y varias tramas secundarias que es mejor no desvelar. Todo intercalado con el rodaje de esas “Chicas y maletas” que supone un soplo de aire fresco de una película necesariamente amarga, una vuelta a los orígenes del director.

Almodóvar juega inteligentemente con el montaje en su última película, y en definitiva juega con el mismo cine. “Los abrazos rotos” mezcla el cine negro, la intriga hitchcockiana, el melodrama de Douglas Sirk –eso sí, pasado por su filtro particular- y finalmente inserta el liberador toque de humor y la estética almodovarianos. Incluso se pueden entrever ciertas reminiscencias a David Lynch en esa forma de presentar parte del pasado de Penélope Cruz haciendo uso de un teléfono solitario sobre una mesa y una enigmática conversación con la recuperada Kiti Manver.

Una de las constantes del cine de Almodóvar, sus actores y actrices, vuelve a sobresalir con fuerza en la película. Lluís Homar y Penélope Cruz soportan con muy buena mano el peso de la narración, secundados por los siempre soberbios José Luis Gómez y Blanca Portillo. A ellos se unen las habituales Rossy de Palma y Chus Lampreave, y una aparición de lujo, la de una Carmen Machi cuyo desternillante papel prosigue en el recomendable cortometraje “La concejala antropófaga”. Solo chirría en el conjunto Rubén Ochandiano, cuya caracterización –y peinado- es bastante irrisoria. De las apariciones estelares de Kira Miró y Daniel Martín mejor no hablar. Solo agradecer su corta presencia en pantalla.

“Los abrazos rotos” no deja de ser una película de Almodóvar más, con todo lo bueno y malo que ello implica. Entre lo bueno están los actores, el guión, la puesta en escena y el universo personal de su director. Entre lo malo, principalmente, esa tendencia a la grandilocuencia final, que pone en boca de un personaje la aclaración de todos los misterios y que se hace un tanto repetitivo y sobrante para quien esto escribe. Y la sensación de que al ser una película más dentro de su filmografía no esté a la altura de sus obras más redondas. No obstante, este dramón de amantes que nunca se fundieron en un abrazo eterno pero sí en un beso final es puro cine del manchego, y eso es ya de por sí garantía de cine con mayúsculas.

A favor: sencillamente, que es una película Almodóvar

En contra: la manía del director de los finales melodramáticos sobre-explicados

LA CRÍTICA

A ciegas ***1/2

(Blindness)

En el reino de los ciegos

El “Ensayo sobre la ceguera” de José Saramago es un trabajo sumamente complicado de adaptar. Cualquier cineasta quedaría cegado por sus múltiples metáforas y esa prosa de frases largas y estructura distópica que le han valido ser una de las grandes, que no mejores, novelas de su autor.

La versión cinematográfica, titulada convenientemente “A ciegas (Blindness)”, parte de de un comienzo absolutamente prodigioso, aquel en el que un conductor queda ciego de repente paralizando el tráfico. Posteriormente, los sucesos se repiten y los casos de ceguera repentina se multiplican, conformando un futuro a sabiendas apocalíptico, un reino de ciegos en el que solo una mujer –la como de costumbre convincente Julianne Moore- puede ver el caos que la rodea fingiendo ser ciega para estar con su marido -genial y comedido Mark Ruffalo-, siendo el de ella el personaje que precisamente más sufre por su condición vidente.

Consciente de la delicadeza del material que tiene entre manos, el director brasileño Fernando Meirelles construye en “A ciegas”, una vez planteado el sobresaliente comienzo, todo un díptico poco complaciente con el espectador que hurga en las miserias humanas, desde el afán de liderazgo que lleva al abuso de poder a la toma de las medidas extremas necesarias para sobrevivir. Es capaz de mostrar, sin ahorrar detalles escabrosos –sobrecogedora la secuencia del intercambio de mujeres por comida-, a lo que es capaz de llegar el ser humano cuando se le priva de algo más que de la vista, de la libertad, en un microcosmos multicultural vigilado por las armas de un gobierno que prefiere contener lo que considera una epidemia a costa de vidas humanas.

No le faltan las lecturas políticas al género de la ciencia-ficción post apocalíptica, en el que posiblemente mejor encaje, pero en esencia se trata de una película tan inclasificable como el material que le sirve de referencia. Lecturas, eso sí, que se ven frenadas por un cierto exceso de grandilocuencia por parte de la voz en off de un Danny Glover tan estupendo en actuación como redundante en sus líneas de diálogo excesivamente explícitas para una historia cuyos matices deben ser fáciles de leer por el público inteligente por debajo de esa cegadora luz blanca que acompaña toda la cinta.

Meirelles no se conforma con plasmar con bastante fortuna el desasosiego narrativo de la obra de Saramago, el de una sociedad que no lo ve todo negro, sino blanco como la leche. Porque de un realizador como él se espera una obra de arte visual. Y eso es lo que más sobresale en su particular forma de entender la novela. El cineasta baña toda la cinta de un blanco lácteo sólo ennegrecido por las secuencias nocturnas y los desvanes oscuros, en un intento por trasladar con éxito al espectador a la condición invidente de sus personajes. Es más, hace un uso inteligente de los sonidos y de la banda sonora para potenciar ese mismo empeño, muy acertado, de lograr una película perceptible más por el oído que por la vista.

Como era de esperar, eso sí, el resultado es irregular si se compara con la novela, pero absolutamente prodigioso como película poseedora de una imaginería audiovisual apabullante, ayudada por un relato suculento y que en su ambiente apocalíptico recuerda mucho a “Hijos de los hombres”, de Alfonso Cuarón. Todo un prodigio luminoso únicamente ensombrecido por la obra de Saramago acerca de la condición del ser humano, de su ceguera tanto actual como histórica ante sus propios errores, condenado a sucumbir al reino de los ciegos. Un reino en el que ni siquiera el que ve es el rey, sino una persona más.

A favor: su poderío audiovisual

En contra: como era de esperar, es inferior a la novela

"La concejala antropófaga", el prólogo almodovariano de "Los abrazos rotos"

Cinco días quedan para la última película de Almodóvar, que él mismo define como "Un drama, en el que participan otros géneros, pero un drama. Puro thriller con incursiones en el cine americano de los 50". Habrá que esperar al 18 de este mes para ver este cruce del cine almodovariano de dos épocas, el melodrama de "La flor de mi deseo" o "Hable con ella" y los felices 80 de "Mujeres al borde de un ataque de nervios". La primera parte la pone la historia de amor inconclusa del director invidente Mateo Blanco y y Lena, y la segunda la conforma el inacabado trabajo del ficticio cineasta, "Chicas y maletas", por el que dembulan intérpretes clásicos del universo del realizador manchego como Chus Lampreave y Rossy de Palma. Es precisamente en esta película dentro de la película en la que se enmarca el cortometraje "La concejala antropófaga", escrito, en la ficción, por Harry 'Huracán' Caine, el pseudónimo de Mateo, y dirigido por éste. Dicho corto, que se les presenta a continuación, supone la preparación para lo que veremos en cinco días, y destaca en él el monólogo de la soberbia Carmen Machi, a la que solo le falla no el estampado, sino ese horrible peinado.

LA CRÍTICA

WATCHMEN ****

¿Quién vigila a los vigilantes?

Una gran novela no tiene por qué dar lugar a una gran película. Cada medio, ya sea literario o audiovisual, tiene su propio lenguaje. Los videojuegos poseen una manera única de contar sus historias, al igual que las novelas. Incluso el cortometraje tiene su particular universo propio. Esto se traduce en que no es posible realizar una traslación fidedigna de un medio al cine, pues las reglas del juego de éste son bien distintas. El cómic no es ajeno a este hecho. Posiblemente, si Bryan Singer hubiera optado por adaptar fielmente “La Patrulla X” habría hastiado al público con sus aires futuristas y sus tramas solo admisibles en las viñetas de un tebeo.
En ese sentido, la novela gráfica considerada como la gran “novela gráfica de todos los tiempos”, es la más difícil de adaptar de todas. No por su historia, sino por el tratamiento de la misma. Sus continuos flashbacks, sus detalles solo visibles en su relectura, las tramas paralelas… todo ello hacía de “Watchmen” la obra cumbre universal del arte gráfico, pero a su vez todo un reto para quien se atreviera a llevarla a la gran pantalla.

Tras varios intentos fallidos, podríamos decir que el trabajo de Zack Snyder, quien otrora lograra ensombrecer al gran clásico “Zombi” de Romero o llevar con máximo detalle la Batalla de las Termópilas según Frank Miller, se erige como la mejor adaptación que la obra de Alan Moore y Dave Gibbons podía tener. Más que esto, y pongo la mano en el fuego, es casi imposible. Si bien el director abusa de las secuencias a cámara lenta y de sus aportaciones sexuales y viscerales –admitámoslo, Snyder es un provocador en lo que a violencia y temas tabúes en el cine comercial se refiere, y a la vez un valiente- en un montaje un tanto exagerado, “Watchmen” ha caído finalmente en buenas manos.

La ambientación sigue a rajatabla los bocetos de Gibbons, se obvian pasajes de la historia original como “Los relatos del Navío Negro” –tranquilos, podremos disfrutarlos en una futura edición en DVD-, el monstruoso calamar gigante del final y su explicación, la isla con las mentes más brillantes –todo esperamos poder verlo en un futuro montaje del director- y un largo etcétera, pero podemos agradecer todo lo demás: un Rorschach perfectamente conseguido, tanto en su versión enmascarada como con el rostro que hay debajo, el del actor Jackie Earle Haley, que realiza un trabajo formidable; buen aroma a años 80; flashbacks muy bien insertados y lejos de romper la estructura narrativa, y en definitiva una adaptación muy lograda y bien contada.

Es llamativo ver cómo Snyder ha conseguido trasladar la historia en toda su crudeza, sin edulcorarla y sin perder el mensaje original en su desenlace, en el que debemos preguntarnos “¿Quién vigila a los vigilantes?”. Pero hay algo que en sus 163 minutos de duración, imprescindibles para tratar a esta novela gráfica como merece, hace que “Watchmen” no resulte tan redonda como el material en el que se inspira. Snyder ha realizado un tributo al cómic original bajo su sanguinario enfoque, pero más allá de las licencias que haya podido tomar en ese aspecto, de lo que languidece seriamente esta película es de ser precisamente demasiado fiel al cómic. Porque lo que es verosímil para el papel no tiene por qué serlo para la pantalla. El que sea fan acérrimo del original verá la película o bien como un insulto o bien como una gran película, pero el espectador ignoto podría sufrir la extenuación por culpa de un desarrollo con poca acción y mucha disección de personajes, mientras que para los fans todo pasará en un suspiro. Es un inconveniente que Snyder debió prever a tiempo antes de realizar un film tan fiel a su material de partida que en su versión cinematográfica puede resultar poco verosímil y a ratos ridícula, además de larga y pesada, para un sector del público que desconoce la fuente. Para nosotros los fans, en cambio, la mejor película de “Watchmen” posible, muy lejos, eso sí, de ser una obra maestra, por mucho que la novela gráfica sea de culto.

A favor: la valentía de Snyder, en todos los sentidos

En contra: que el cine es cine, y el cómic es cómic

Pepe Rubianes: el justo homenaje de Buenafuente

Este fin de semana nos dejaba, a los 61 años, y víctima de un cáncer de pulmón que jamás le arrebató la sonrisa, Pepe Rubianes, uno de nuestros grandes cómicos. Si no he escrito antes sobre él ha sido porque esperaba a las palabras de Andreu Buenafuente en su programa, porque estaba seguro que le haría un merecido homenaje. Anoche, Buenafuente realizó un emotivo pero humorístico recordatorio, como el maestro habría deseado. Como bien dijo, prefiere pensar que se ha ido a otro sitio, muy lejos, porque al cielo no le habrán dejado entrar. Y esté donde esté, seguro que se está riendo de todos nosotros que seguimos viviendo en este país de serios. Les dejo el monólogo de Buenafuente y un "Hasta luego, maestro".

Buenafuente - Homenaje a Pepe Rubianes

LA CRÍTICA

Valkiria ***1/2
(Valkyrie)

Contenido antes que envoltorio

Que Bryan Singer considera a los nazis como una importante fuente histórica a partir de la cual construir historias es un hecho. Incluso antes de mostrar los poderes de un infante Magneto en los campos de Auschwitz en la primera entrega de “X-Men”, el mismo actor, Ian McKellen, se convertía por obra del director en un nazi oculto en la injustamente olvidada “Verano de corrupción”. Es ahora, con la Operación Valkiria, destinada a asesinar a Hitler e instaurar un gobierno provisional usando como elemento de coacción a su propio ejército reserva, cuando Synger ha venido a realizar un film totalmente ambientado en la misma época que ha intentado esbozar en reiteradas ocasiones.

Podría esperarse de otro director que esta “Valkiria” se mostrara en pantalla en todo su esplendor, como una odisea épica de un grupo de hombres justos trufada de sensibilidad y honor, y con unos medios y un metraje generosos. El camino de Synger transcurre paralelamente a este planteamiento. Si bien no falta honor en la historia, y si lo que se nos cuenta es igualmente el intento de esos hombres justos por acabar con un régimen en decadencia como las ratas que abandonan un barco que se hunde, el planteamiento del director transcurre en su primera hora en reuniones de despacho, lo que la hace algo lenta en ese tramo, y sobre todo, y esto es lo más importante, con un tono cerrado, más bien discreto, en sus enérgicos últimos cuarenta minutos. Lo que Synger propone pues no es la típica historia épica, sino una trama de espionaje que una vez arranca, y a pesar de que el final de la historia sea conocido por muchos, absorbe al espectador en su butaca y no lo suelta hasta ese glorioso final en el que sentimos que la operación no tuviera éxito.

Este cambio de registro en la historia y su ajustado metraje es lo que hacen de “Valkiria” una película entretenida y amena, obra de un director que, como en “Sospechosos habituales”, prefiere sorprender con la puesta en escena y un guión milimétricamente elaborado antes que con la grandiosidad del conjunto. “Valkiria” hereda no sólo así el tono intimista de aquel segundo trabajo que le llevó a la fama, que también puede verse en el primer “X-Men”, sino la unión de nuevo con el guionista de aquella, Christopher McQuarrie, en una decisión que engrandece aún más esta película, y que devuelve a un director que, tras el batacazo de la resurrección de Superman, aún parece tener mucho que contar.

Poco importa que se omitan las ansias ocultistas de Claus von Stauffenberg, pues el objetivo de Synger es el de brindar una trama de intriga, en una película a la que le lastra el fantasma de la mala fama de Tom Cruise y su Iglesia de la Cienciología. Pero es la fama del actor lo que hace huir al público, y no el actor en sí mismo. Cruise realiza un trabajo sólido a las órdenes de Synger. Ni se trata de un vehículo de lucimiento actoral ni mucho menos de su última oportunidad de redimirse. El intérprete consigue transmitir veracidad a su personaje y lo que es más difícil, no ser la estrella del conjunto ni ser eclipsado por unos secundarios de lujo como Kenneth Branagh, Terence Stamp, Tom Wilkinson, Bill Nighy o Thomas Kretschmann, entre otros. No obstante, la película no consigue resultar majestuosa a pesar de su cuidada ambientación debido precisamente a ese tratamiento tan discreto. Pero un servidor prefiere el contenido y no el envoltorio.

A favor: la recuperación de Synger en plena forma, contando la historia como un thriller

En contra: La lentitud de la primera hora

And the Oscar went to...

Aires de renovación soplan a la Academia. Desde que el año pasado venciera la cinta de los hermanos Coen, parece que la flecha apunta con fuerza al cine independiente. Y ha vuelto a ocurrir. Una película pequeña ha vencido sobre una grande. “El curioso caso de Benjamin Button” partía como favorita, pero algo hacía presagiar que se iría prácticamente de manos vacías. Ocurrió en los Globos de Oro, luego en los BAFTA, y ahora en los Oscar. “Slumdog Millionaire” avanzaba imbatible en una noche que ha brillado por la previsibilidad en los galardones principales, a excepción de uno, el de actor. Si hace unos años nos preguntábamos cuándo darían la estatuilla a Sean Penn, ahora nos debemos preguntar cuándo será la próxima vez, pues contra todo pronóstico triunfó sobre el favorito, Michey Rourke. Lo demás cumplía con las quinielas. Kate Winslet recibió su primer Oscar, Heath Ledger alargó su sombra hasta alcanzar el premio, y “Wall-E” fue considerada mejor película de animación del año.
Y previsible, aunque igualmente emocionante, fue el Oscar para Pe. La madrileña recogía emocionada la mención como secundaria alternando el inglés y el español. Recordó a todos, profesionales o no, que han pasado por su vida. Brilló con luz propia en la que, desde España, fue su gran noche. Y donde se saltó la Academia el guión, no solo en la categoría de actor, fue en la de película de habla no inglesa, donde ni “La clase” ni “Vals con Bashir” fueron elegidas. En su lugar, Japón se hacía con su Oscar para “Okuribito”.

En cuanto a la gala, Hugo Jackman demostró que aparte de ser el hombre más sexy vivo y un gran intérprete, es un gran anfitrión. Fino en sus comentarios, muy suelto en los números musicales y tan elegante y atractivo como manda su status de sex symbol, fue el artífice de una de las galas más amenas que se recuerdan. Acertada la decisión de la gala de entregar algunos galardones de mano de quintetos de lujo. Para el recuerdo destaco el momento en que Robert de Niro, Ben Kingsley, Anthony Hopkins, Adrien brody y Michael Douglas entregaban el premio a mejor actor a Sean Penn. Y un detalle: el orden de entrega, relegando para el final los premios a los actores y película por encima del de director.

Algunos emocionados (Danny Boyle, merecidísimo mejor director, dando saltitos), otros sorprendidos (Penn, cuya cara de asombro equiparaba a la de Russell Crowe en su momento) y otros tantos inexpresivos (Mickey Rourke, aunque se entiende por qué), el momento estelar fue el premio honorífico a Jerry Lewis, quien fue recibido, cómo no, entre vitoreos y aplausos de una platea puesta en pie para la ocasión. Y el suyo no fue, insisto, el galardón más previsible de una gala, cuyo reparto ha sido justo, aunque Fincher y Howard salieran perdiendo.

"El caballero oscuro" ya es multimillonaria

La idea de reestrenar "El caballero oscuro" a comienzos de este año ha dado resultado. La película de Christopher Nolan, que aspira esta noche a varios Oscar, de los cuales ya tiene uno ganado, ha llegado a los 1000 millones de dólares en todo el mundo. Desgraciadamente, no logrará superar la barrera de los 600 millones en Estados Unidos, cifra que debía batir para superar a la inquebrantable "Titanic". Es más, debe conformarse con un merecidísimo tercer puesto, tras otra grande. "El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey". Aún así, el objetivo está más que conseguido. Enhorabuena.

LA CRÍTICA

Slumdog Millionaire ****

Hacía trece años que Danny Boyle no sorprendía tan gratamente. “Trainspotting” fue una película pequeña que acabó convirtiéndose, con el paso de los años, en un fenómeno de culto, en algo grande. Pero que a nadie pille por sorpresa en su nueva película, pues ha venido a confirmar lo que los que hemos seguido fervientemente sus trabajos posteriores sabemos desde los tiempos de “Tumba abierta” o incluso la incomprendida “La playa”. Boyle es un enérgico, inquieto y habilidoso malabarista de la imagen y el sonido, un realizador capaz de insuflar sus obras de vitalidad pese a lo duro de algunos de sus temas.

“Slumdog Millionaire” sigue la estela de su segundo trabajo, y lo mezcla con las dosis de optimismo e inocencia de “Millones”. En “Slumdog Millionaire” asistimos a la historia de Jamal, un joven criado en el duro ambiente suburbano del Mumbai de la década de los 70. La historia comienza planteando una cuestión y cuatro opciones, como bien hubiese ocurrido en el eje conductor de la trama, el concurso televisivo “¿Quién quiere ser millionario?”. Jamal, pese a ser un iletrado, ha conseguido entrar como concursante y llegar a la pregunta final. ¿Pero cómo lo ha hecho? A: Hizo trampa; B: Tuvo suerte; C: Es un genio; D: Está escrito.

La opción A es en la que se sustenta buena parte del film. Los responsables del concurso creen que Jamal es un fraude, y por eso le arrestan y le torturan, dentro de los límites de los derechos humanos, para descubrirlo. Es en la comisaría, frente al comprensivo comisario, donde se repasan una a una las preguntas del concurso y se le pide a Jamal que explique cómo conocía las respuestas. Es entonces cuando el interrogatorio se transforma en flashbacks, uno por respuesta. Cada respuesta de Jamal va acompañada de una razón, y ésta está contenida en su propia experiencia. Sabiendo esto, las opciones A y C quedan descartadas.

A través de las preguntas del concurso veremos la inocencia de Jamal, poco consciente de su propia miseria; la relación con su oscuro hermano, de personalidad opuesta a la suya; su obsesión por Latika, aquella niña a la que ofreció cobijo cuando era pequeña y a la que busca desesperadamente... Todo conduce a pensar que Jamal ha tenido suerte.

Esta película tan pequeña en apariencia como aquel trabajo con el que despuntara hace más de una década esconde una fuerza interior, tal como ocurrió entonces, que va más allá de su mensaje de amor y optimismo. Lo grandioso en “Slumdog Millionaire” es su montaje. Y no solo en el apartado audiovisual, sino en la misma manera de enfocar la historia. Boyle alterna sabiamente la crudeza de algunas situaciones, sin abusar de sentimentalismos baratos, con el sentido del humor desde los ojos de un niño en cuya inocencia radica buena parte del optimismo de la cinta. Gracias a él las situaciones no son tan crudas. Y una vez ha crecido y parece consciente de su lugar en ese mundo, lo paradójico es que no abandona dicho optimismo, sino que el amor que siente por Latika le impulsa a presentarse al concurso, una posible vía de escape de esa vida.

Así, “Slumdog Millionaire” no abandona un solo momento su premisa inicial de canto a la vida en un ambiente difícil. El humanizado personaje de Jamal nos enseña los múltiples caminos que puede seguir la vida, tan variopintos como vías tiene un tren. Finalmente, triunfa el amor en este sincero y emotivo relato al que pueden sobrarles algunos minutos -aunque no acierto a decir dónde- debido a que puede tornarse un poco pesada por su metraje. Boyle nos regala en los créditos finales un musical al más puro estilo Bollywood que ensalza el vivo carácter de una película en la que nada queda al azar, sino que todo está escrito.

A favor: El enérgico montaje, la dirección, la forma de enfocar la historia...

En contra: Puede hacerse algo larga

Lo mejor ( y lo peor) de 2008

He tardado más de lo habitual, pero no podía resistirme a publicar mi lista personal de las mejores películas de 2008. O de las peores en sentido inverso, según se mire. Entre lo mejorcito una película que ya es un clásico contemporáneo, “El caballero oscuro”, una sorpresa que se convertirá espero en film de culto, “La niebla”, y una española, “Los cronocrímenes”, el prometedor debut de Vigalondo, sin olvidar la última genialidad de Sidney Lumet y el regreso de Indy. Y entre lo peor, la infantiloide secuela de Mortadelo y Filemón y dos de terror, “Los extraños” y la desaprovechada visión de Rob Zombie acerca de Michael Myers y “Halloween”. Y entre las decepciones, el último Bond, además de la innecesaria "Ultimátum a La Tierra". Aún me quedan muchas por ver, pero no podía aguantar las ganas.

1. El caballero oscuro, de Christopher Nolan
2. Los cronocrímenes, de Nacho Vigalondo
3. Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal, de Steven Spielberg
4. Antes que el diablo sepa que has muerto, de Sidney Lumet
5. The Mist (La niebla) ,de Frank Darabont
6. Monstruoso, de Matt Reeves
7. Wall-E , de Andrew Stanton
8. Los crímenes de Oxford, de Álex de la Iglesia
9. No es país para viejos, de Joel y Ethan Coen
10. Soy un cyborg, de Park Chan-wook

    

11. Quemar después de leer, de Joel y Ethan Coen
12. Camino, de Javier Fesser
13. Pozos de ambición, de Paul Thomas Anderson
14. Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet, de Tim Burton
15. El tren de las 3:10, de James Mangold
16. Seraphim Falls (Enfrentados), de Daniel Von Acken
17. El rey de la montaña, de Gonzalo López-Gallego
18. Viaje a Darjeeling, de Wes Anderson
19. Tropic Thunder, de Ben Stiller
20. Hellboy II: El ejército dorado, de Guillermo del Toro
21. 30 días de oscuridad, de David Slade
22. X-Files: Creer es la clave, de Chris Carter
23. Hancock, de Peter Berg
24. Funny Games, de Michael Haneke
25. Kung Fu Panda, de Mark Osborne y John Stevenson
26. Cometas en el cielo, de Marc Foster
27. Juno, de Jason Reitman
28. Iron Man, de Jon Favreau
29. John Rambo, de Silvester Stallone
30. Mongol, de Sergei Bodrov
31. Ultimátum a La Tierra, de Scott Derrickson
32. Quantum of Solace, de Marc Forster
33. Breath (Aliento), de Kim Ki Duk
34. El incidente, de M. Night Shyamalan
    
35. En el punto de mira, de Pete Travis
36. Transsiberian, de Brad Anderson
37. Los girasoles ciegos, de José Luis Cuerda
38. Halloween: El origen, de Rob Zombie
39. Los extraños, de Bryan Bertino
40. Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra, de Miguel Bardem

Los bastardos de Tarantino ya tienen trailer

Ha tardado, pero por fin tenemos el trailer en español de esos "Malditos Bastardos" de Tarantino. A juzgar por el trailer, la visión del cine bélico del director va a ser extremadamente peculiar. Desde el mismo montaje del trailer, con esos rótulos estilo spaghetti western, hasta un sobreactuado pero seguramente genial Brad Pitt (éste parece ser su año), lo que nos promete ahora es algo que no hemos visto antes en pantalla. Y en vista de este avance, parece que es cierto.

LA CRÍTICA

El curioso caso de Benjamin Button ****
(The curious case of Benjamin Buton)

Días contados

“El curioso caso de Benjamin Button” comienza de una manera magnífica, con la historia de un relojero ciego que, con la esperanza de recuperar a su hijo fallecido en la guerra, construye un enorme reloj que gira en sentido antihorario. Justo al final del viaje de Button -el apellido, efectivamente, tiene que ver con los botones- por su larga y contradictoria vida, el reloj es descolgado y abandonado en un desván, pero sigue inexorable en su particular manera de marcar las horas.

Totalmente desubicado en espacio y en tiempo, Benjamin Button vive su vida al revés: comienza siendo un bebé anciano y acaba siendo un niño que debería ser anciano. Eso le lleva a estar fuera no solo de tiempo, sino de espacio: no pudo jugar con niños; se crió en un geriátrico, rodeado de las muertes de los que le rodeaban; no pudo disfrutar de su paternidad por temor a no ser un buen padre mientras se hacía un niño...

David Fincher aborda un ambicioso proyecto alejado aparentemente de sus trabajos anteriores. Pero como ya le ocurriera a Paul Thomas Anderson en la genial “Pozos de ambición”, en el corazón de esta formidable historia, que se convierte en su mayor aliciente, late con fuerza el despliegue técnico y visual que ya derrochara en todos sus trabajos anteriores y en sus spots publicitarios y vídeos musicales. No es tan salvaje como “El club de la lucha” o “Seven”, eso está claro, pero sí comparte con “Zodiac” el poseer una trama reposada, sin más necesidad que una gran historia, un buen guión y una perfecta puesta en escena. Habrá quienes piensen, no obstante, que Fincher se ha ablandado, y más teniendo en cuenta que el guionista es Eric Roth, responsable de la oscarizada “Forrest Gump”. Muchas son las similitudes entre el film de Robert Zemeckis y el que nos ocupa, como el avance a lo largo de la historia americana o la historia de superación “bigger than life”, pero ahí acaba el asunto. El director consigue alejarse de cualquier cursilería, incluso en las escenas de amor, e imprime su propia mirada a un relato quizás un tanto extenso en metraje, pero ágil en desarrollo y sincero en contenido.

Prodigio técnico donde los haya, algo propio de su realizador, este curioso caso del hombre que rejuvenece recuerda a otro caso, el de “El increíble hombre menguante”, por su retrato contrarreloj de una vida que tiene los días contados y su disección de la existencia. Sin llegar al nivel de profundidad cósmica al que pretendía llegar el film de Jack Arnold en su desenlace, a lo que sí llega esta película es a plasmar cómo para todos y cada uno de nosotros, nos dediquemos a lo que nos dediquemos y envejezcamos en el sentido en el que lo hagamos, el tiempo pasa inquebrantable no en el sentido horario, sino como una fatal cuenta atrás que nos alcanzará tarde o temprano. Y lo hace con una poderosa banda sonora, con una bellísima Cate Blanchet, con un muy comedido y físicamente perfecto Brad Pitt -eso sí, el maquillaje según pasan los años de algunos personajes, Cate Blanchet incluida, no resulta tan convincente como el suyo- que en su vejez recuerda mucho a Robert Redford, con una fotografía deslumbrante y con una de las historias de amor temporal más digestivas que un servidor recuerda, intercalada con un affaire al que se le saca muy poco partido, al igual que a una de las mejores actrices del cine actual, Tilda Swinton.

Lo mejor: un contenido Brad Pitt, la misma historia y que Fincher siga fiel a su estilo

Lo peor: el poco partido que se saca a la relación con Tilda Swinton