LA CRÍTICA. Lady Bird

Al otro lado de las vías

“Lady Bird” comienza con una secuencia que transcurre con normalidad. Una conversación banal entre una madre castrante y su inconformista hija. Hasta que sucede algo inesperado, algo que el espectador jamás esperaría.

Greta Gerwig parece decir con esta rotunda, desconcertante e hilarante carta de presentación que su historia irá por derroteros de lo más insólitos, que el humor que va a desprender su segundo trabajo tras la cámara va a traspasar las fronteras de lo racional e imaginable. Como su propia protagonista, una rebelde enclaustrada en un mundo en el que el hedonismo es una utopía, en el que lo mejor es que el año en el que se sitúa la acción es un palíndromo.

Pero no, para lo que servía esa escena de apertura era simplemente para presentar la personalidad de su protagonista femenina, y la opresiva presencia de su progenitora, en el Sacramento de comienzos de siglo. Y no hay más. La mejor carta que podía jugar la historia de este pájaro enjaulado que sueña con escapar de un ambiente en el que religión y puritanismo son el pan nuestro de cada día se queda ahí, en unos minutos que prometen mucho, pero que no acaban por dar lo que prometían.

Es una buena película, sí, pero no hay en ella nada tan arriesgado como para justificar sus primeros minutos. El resto discurre convencional, sin demasiado arrojo en la dirección –sí, Gerwig sabe poner la cámara, pero su ojo no se diferencia del de cualquier otro realizador independiente contemporáneo-, y apoyándose en un convincente guión y en la fuerza de dos actrices en estado de gracia como Saoirse Ronan y, especialmente, Laurie Metcalf. Pero sin que ninguna encandile ni destaque especialmente. Y esta última no es la primera vez que afronta un personaje similar y con los mismos tics interpretativos –véase la serie “The Big Bang Theory”.

Así, “Lady Bird” es otra película más, otra de tantas independientes que llegan a nuestras pantallas. Sin nada que destaque en ella. Y si lo hace, es fruto de los tiempos que vivimos. Su poderío reside en un trío de mujeres que, ya sea frente a la cámara o tras el libreto, gobiernan con convicción una propuesta que bien podría haber volado libremente hacia otros derroteros más originales y llamativos, saltando de un coche en marcha durante todo su metraje. Así sí merecería vivir al otro lado de las vías, donde todo es mejor. Gerwig, desgraciadamente, prefiere quedarse en el extremo seguro.

A favor: el guión, la secuencia de apertura y sus dos actrices protagonistas

En contra: tras esa escena inicial, va derivando en algo de lo más convencional y poco arriesgado

Calificación **

Se deja ver

LA CRÍTICA. Los archivos del Pentágono

El mecánico toque Spielberg

Que una película como ésta llegue a las carteleras en un momento como este no es fruto de mera casualidad. Más allá de cierta sub lectura que pueda extraerse de ella en pos del movimiento feminista que sacude Hollywood recientemente, lo más relevante de lo nuevo de Steven Spielberg es la defensa que hace de la libertad de prensa, enmarcando la trama en un periodo histórico que no dista del que hoy en día se vive en Estados Unidos. Décadas de mentiras por parte del sistema, que culminaron con uno de los episodios más bochornosos protagonizados por un ex presidente, mientras la prensa escrita era obligada a callar o enfrentarse a querellas multimillonarias.

Y que llegue en plena era Trump no es casualidad, es necesario y además es de agradecer. Porque el thriller político de corte periodístico suele dar buenos resultados en pantalla grande si tras la cámara existe un cineasta capaz de otorgar a la interesante historia del dinamismo que la propuesta requiere. En eso, Spielberg es un maestro. “Los archivos del Pentágono”, si algo tiene, es dinamismo, conseguido a base de plantear la historia como si de una trama de espionaje se tratase.

Pero además, como no podía ser de otra manera, es un film de una factura técnica impecable, que la hacen reconocible para los que están familiarizados con la obra del responsable de “La lista de Schindler”. La fotografía de Janusz Kaminski o la banda sonora de John Williams son marcas de identidad del cine de Spielberg, y si a eso unimos a una excepcional pareja protagonista como Tom Hanks y Meryl Streep, el trabajo parece estar ya hecho.

Sin embargo, lo que constituyen puntos positivos para la película, pueden acabar convirtiéndose en no tan positivos si al final la sensación que queda es la de producto mecánico, prefabricado con el toque Spielberg. Porque lo peor de esta etapa que ha emprendido estos últimos diez años es su escasa capacidad para sorprender, para maravillarnos como antaño y mantener su status de creador de sueños en celuloide, de Rey Midas de la Meca del Cine que se ganó a pulso especialmente en los 80 y 90. Da la sensación de que dirige cualquier trabajo que le caiga en las manos, con la eficiencia de un gran artesano, pero sin demasiada alma más allá de una serie de virtudes precocinadas, programadas de antemano para funcionar con la precisión y frialdad de un reloj atómico.

Igual lo peor de acercarse a cada nueva propuesta suya sea esperar eso, que vuelva a sorprendernos, pero es lo menos que se le puede pedir a alguien que nos ha regalado obras tan personales y mágicas como “El imperio del sol” o “El color púrpura”, o ya en este nuevo siglo “Atrápame si puedes” o “Múnich”. Sí, sigue haciendo buenas películas, pero los tiempos en los que nos hacía soñar parecen haber quedado atrás. A ver si lo consigue con su próxima aventura, y conseguimos reconciliarnos con este viejo maestro.

A favor: la pareja protagonista, su dinamismo, y el toque Spielberg

En contra: hace tiempo que ese toque se convirtió en algo mecánico y prefabricado

Calificación ***

Merece la pena 

LA CRÍTICA. The Disaster Artist

El verdadero Hollywood

Espero que sus adoradores no se me echen encima por decir esto, pero “The Room” no es una buena película. De hecho, es mala si nos atenemos a lo estrictamente cinematográfico. Mala dirección, caótico montaje, un guión con ínfulas de emular a Tennessee Williams pero con alma de telenovela, escenas eróticas que invitan al suicidio colectivo, y un nefasto actor protagonista incapaz de pronunciar sus líneas de diálogo con un mínimo de verosimilitud.

Una calamidad de film que parece estar mal hecho aposta. Pero una calamidad que ha acabado convirtiéndose en pieza de culto para toda una generación. Es difícil dar una explicación razonable al fenómeno “The Room”, y sólo es entendible si metemos de por medio la fiebre que únicamente las redes sociales son capaces de propagar. Para quien esto escribe, su éxito reside en el hecho de que es una propuesta que pretende ser seria, pero que no puede ser tomada en serio en absoluto y acaba convirtiéndose en una comedia involuntaria.

Aunque comience con la típica advertencia de “Basada en hechos reales”, lo más loable de “The Disaster Artist”, la crónica de cómo se gestó aquel engendro fílmico, es que acaba erigiéndose también como una comedia involuntaria, que en ese sentido captura el alma de su referente con asombrosa precisión. Y eso que trata el material de referencia con respeto, sin caer en la parodia o la burla facilona.

Sin embargo, es imposible tomarse la historia que cuenta en serio, por muy real que sea. James Franco sabe de sobra que basta con contarla, que el público será el encargado de reírse con ella aunque él mismo no pretenda hacer una comedia. Sin arriesgar, con una narración de lo más convencional y haciendo que se eche de menos el ahondar aún más en el rodaje de esa obra maestra del cine trash. Porque basta con la presencia de su Tommy Wiseau, con su acento y sus inciertos orígenes, con algunos pasajes de su personalidad y pasado nada claros –seguimos sin saber de dónde sacó los millones que costó hacer su obra de culto, de qué vivía ni cómo costeaba su vida-, para que nos entre la risa. Y nos reconocemos estupefactos al descubrir que estamos alabando a un actor que interpreta magistralmente a un mal intérprete.

Ésa es la dualidad que más sobresale en “The Disaster Artist”, la de un público que disfrutará enormemente de una buena película que retrata la gestación de una mala película. La de un drama que se convierte en comedia sin pretenderlo. La de un actor cuya forzada encarnación de un mal actor es para quitarse el sombrero. Y la de un relato que habla del verdadero Hollywood, de ése que sobrevive como puede en la basura de la industria, del que triunfa solo para los paladares más selectos.

A favor: James Franco, su condición de comedia involuntaria, y las incontables dualidades que esconde su relato

En contra: su narración es convencional, se apoya únicamente en su historia sin arriesgar

Calificación ***1/2

Merece mucho la pena

TAQUILLA USA. La carrera al Oscar aprovecha el vacío en la cartelera

Fin de semana más bien olvidable para una taquilla que aguarda impaciente el ciclón Star Wars. Sólo dos estrenos en estos tres días, y uno de ellos se ha llevado el gato al agua, pero en exhibición limitada.

I, Tonya, el esperadísimo biopic de la patinadora Tanya Harding protagonizado por Margot Robbie, que huele a nominación al Oscar para la actriz, consigue la mejor media por copia de toda la cartelera al recaudar 245.602$ en cuatro salas, y situándose en el puesto número 17.

El cine de la carrera de premios ha sido el gran protagonista, debido a la ausencia de películas quwe acaparen la atención. Así, The Disaster Artist añade 821 salas más a las 19 que ya tenía, y esto ocasiona que suba un 431% hasta el cuarto puesto del ranking, con 8 millones de $ en diez días. Se mantienen en el top 10 también Lady Bird y Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, aunque descendiendo espectadores y con 21 y 18 millones de $, respectivamente.

Fuera del top 10, The Shape of Water y Darkest Hour escalan posiciones, colocándose de manera consecutiva en los puestos 12 y 13, y aumentando por encima del 550% con 1,3 y 1,2 millones de $ cada una. Y lejos de los premios, Wonder Wheel, de Woody Allen, mejora un discreto 24% con 321.985$ en diez días, pero con la sensación en vista de su mantenimiento y sus críticas de que no durará mucho en cartelera.

A partir de aquí, en el podio repite Coco, que en tres semanas amasa 135 millones de $. Buena cifra, pero mejorable si atendemos a antecedentes como “Moana”, y que podría verse afectada por la llegada de “Star Wars: The Last Jedi”. Aún así, tiene todas las vacaciones navideñas para recuperar terreno, y en todo el globo sus 307 millones de $ invitan al optimismo.

Le sigue Justice League, que sigue quemando cartuchos ante la ausencia de competencia –Star Wars debería dejarla KO-, y en cuatro semanas lleva recaudados unos muy mejorables 212 millones de $. En todo el mundo supera los 600 millones de $, pero no son suficientes para una cinta de sus dimensiones.

El top 5 lo completan, en el puesto tres, Wonder, y en el quinto, Thor: Ragnarok, ambas convertidas en auténticos taquillazos. La primera ya ha alcanzado los 100 millones de $, y aún tiene camino comercial por delante durante el próximo mes, mientras que la segunda ha alcanzado los 301 millones de $. Y además, la aventura marvelita se hace con 827 millones de $ en todo el mundo.

Por último, destacar cómo Daddy’s Home 2 ha ido recuperando el terreno perdido y va salvando los muebles con sus 91 millones de $, aún con opciones a acabar en torno a los 110 millones, eso sí, lejos de los 150 millones de la primera entrega. Mientras, Murder on the Orient Express suma ya 92 millones de $, y también con opciones a rondar la misma cifra que la anterior en lo que queda de mes. A esto hay que agregar que a nivel mundial su total es de 250 millones de $, más que suficientes para una producción de 55 millones de $.

Fuente: Box Office Mojo

EL TERMÓMETRO. Oscars Too Black

Desconozco qué hora era al otro lado del charco cuando se dio el gran premio de la noche. Pero sí recuerdo qué hora era aquí, en Alemania. La misma que en España, para abreviar. Pasadas las 6 de la mañana me desperté solamente para ver cómo iba la ceremonia. Bonnie & Clyde anunciaban la gran vencedora de la noche. “La La Land”, leía ella. Todo en orden. Podía volver a dormir tranquilo. Reinaba la cordura y la coherencia… hasta que me enteré de lo sucedido. Como emulando ese final de ensueño del film de Damien Chazelle, me despertaba de un sueño y me enfrentaba a una pesadilla. Todo había sido un error. Warren Beatty sostuvo todo el rato un sobre duplicado de la categoría de mejor actriz, de ahí su cara de extrañeza. Faye Dunaway se limitó a leer el nombre de la película. Ninguno de los dos se percató del error hasta que fue tarde.

La historia es ya conocida. No voy a entrar en si todo fue una broma de mal gusto de la Academia, si todo estaba preparado o si por el contrario fue, efectivamente, un fallo. Sí diré que en ambos casos, alguien debería estar engrosando la lista del paro desde hoy mismo. Y también daré una palmada en la espalda al productor de “La La Land”, Jordan Horowitz, que fue el primero en decir ante todos que era un error y que los responsables de “Moonlight” debían subir a recoger su premio como justos ganadores. Y, por qué no, daré una bofetada al bochornoso comportamiento de los asistentes a la gala, que reían y aplaudían a rabiar, como si se hubiera hecho justicia, o como si el momento tuviese la más mínima gracia. Porque no lo tenía. Los productores de “La La Land” se mostraron conformes, perdieron con deportividad, pero dudo que por dentro les estuviera haciendo gracia. A mí no me la haría. Y, cómo no, daré una reprimenda a la propia Academia. Porque es bochornoso que en los premios más importantes del séptimo arte pase esto. Y más después de 89 años de historia. Un error inadmisible que pone en entredicho su valía. Aquí no valen el “todos somos humanos y nos podemos equivocar”. ¡Que son los Oscar!

Hay mucho que decir sobre el tema, pero quería centrarme en otro asunto. En esta primera entrada de “El Termómetro”, que espero que tenga muchas más, he venido a quejarme de algo aún más bochornoso que todo este supuesto error. Y voy a dejar claro que “Moonlight” me parece una buena película –ver crítica-, y que en este post no tiene nada que ver el hecho de que “La La Land” –ver crítica- me parezca muy superior al resto de nominadas. Estoy indignado porque no haya ganado mi favorita, por supuesto, y porque el otro título lo haya hecho después de saber que hubo un error. Pero la indignación es otra.

Llevo años soportando la corrección política de la Academia. Esa que hizo que ganasen títulos recientes como “Shakespeare in love”, “Una mente maravillosa”, “El discurso del rey”, “12 años de esclavitud” o “Crash”. Y lo que ha hecho la Academia con “Moonlight” es demostrar que, una vez más, impera el quedar bien. El ser hipócritas. Tanto como ese patio de butacas que aplaudía el error. Hace unos días leía un artículo acerca de por qué “La La Land” no debía ganar el Oscar a mejor película. En resumen, venía a decir que era una película blanca para blancos, un espejismo idealizado de la América de Donald Trump, y que la Academia debía dar un zasca al presidente norteamericano premiando a un film de temática racial como el dirigido por Barry Jenkins. Y más aún si se tiene en cuenta la temática homosexual que lleva implícita. Es decir, que los Oscar deberían, una vez más, politizarse y adecuarse a los requerimientos de una sociedad que quiere usarlos como arma arrojadiza anti política. Finalmente, lo que promulgaba dicho artículo se ha cumplido, y si “Moonlight” ha ganado por esa razón, implica que no merecía la dorada estatuilla.

Y no sólo queda aquí la cosa. El actor musulmán Mahershala Ali, que hace tanto en “Moonlight” como Mark Hamill en “El despertar de la fuerza”, o la iraní “The Salesman”, de Asghar Farhadi, cineasta que tuvo prohibida la entrada al país por la política Trump, también vienen a convertir lo que teorizaba el artículo en algo más que una teoría. Y aquí es donde aprovecho para lanzar un mensaje a ese Hollywood hipócrita y pagado de sí mismo, que es el primero en discriminar a sus estrellas por su etnia o condición sexual, por aplaudir de cara a la galería esa cansina campaña anual que pretende obligar a que la comunidad afroamericana tenga presencia en los Oscar.

Si un actor, director o película merece ser nominado es por el trabajo realizado, independientemente de su raza, sexo, religión o tamaño de su cartera. No hace ningún favor a la comunidad afroamericana el hecho de que títulos como “Selma” estuvieran presentes el año pasado en la categoría de mejor película solamente porque debía haber presencia afroamericana en la ceremonia, y no por méritos propios. O que ganase “12 años de esclavitud”. La discriminación positiva puede acabar siendo negativa. No seamos hipócritas. No politicemos ni socialicemos los Oscar. Ni ningún tipo de premio. Lo merecen los que lo merecen, y si un año determinado no hay ningún trabajo destacable por parte de ningún profesional afroamericano, pues no se le nomina.

Pero así las cosas, ha ganado “Moonlight”. Si es porque la Academia pensaba que era la mejor del año, pues bien, aunque el error final suene algo forzado para quien esto escribe. Si no, si lo han hecho por enviar un mensaje a Donald Trump, o por solventar el Oscars So White del año pasado, mal hecho. Han conseguido justo lo contrario en ese caso. Perder credibilidad y perjudicar a toda una comunidad que ha luchado a pulso por ganarse su respeto. El Oscars Too Black no es la solución. Más bien es un mal a erradicar.

LA CRÍTICA. Moonlight

Little. Chiron. Black

Vamos a admitirlo. Sin tapujos. Vivimos en un mundo cargado de odio, de ira y desconfianza hacia lo que se nos ha impuesto moralmente como “normal”. Y convivimos con ese odio cada día. El que nos inculcan en nuestro entorno, ése en el que homofobia, sexismo o racismo se dan peligrosamente la mano. Ése en el que las palabras “marica” o “negro” son usadas como adjetivos descalificativos.

Barry Jenkins juega hábilmente a intercambiar los roles que muchos de manera inconsciente tenemos ya preestablecidos en nuestras mentes, centrando parte de la acción en la Miami afroamericana de los 80, en una época y un lugar en los que no conjuga nada bien el hecho de ser negro y homosexual. Y el pequeño Chiron vive en ese mundo. Un mundo que, no obstante, no dista en espacio ni en tiempo de ninguna otra región del planeta.

Porque pese a que estamos ante una de las cintas más valientes del año, precisamente por azotar nuestras consciencias con una a priori imposible subversión de estereotipos, su discurso no deja de ser extrapolable a otros momentos y lugares. Y es ahí donde su mensaje sobre la búsqueda de la identidad personal en ambientes no demasiado propicios para ello cobra su mayor fuerza, y es esto lo que posiblemente le haya valido el título de ser una de las mejores propuestas del pasado año.

En lo estrictamente cinematográfico, nada se le puede reprochar a Jenkins. Su trabajo está muy bien hecho. Excelente fotografía, muy buena banda sonora, y un reparto en estado de gracia, donde destacan quizá las tres versiones temporales del personaje protagonista, y no aquellos que finalmente han logrado su nominación al Oscar. En lo meramente conceptual y narrativo es donde su película se resiente. Para quien esto escribe, la fuerza de su relato va en caída libre conforme avanza cada uno de los tres segmentos en los que se divide. Fascina cómo se presenta la problemática del film en la versión del pequeño Chiron, pero esa fascinación se atenúa cuando la temática se desarrolla en su etapa adolescente, y acaba perdiéndose en ese “positivo” acto final cuyo avance es lógico para la historia que cuenta, pero que implica un cambio tonal demasiado acuciado que rompe la estructura natural de la narración.

Pero tampoco es que esto empañe demasiado a “Moonlight”. Simplemente, en conjunto, encaja dentro de la media de títulos nominados al Oscar este año, la cual tampoco es que sea demasiado elevada. Sin embargo, lo que es remarcable en ella no es tanto el hecho de que parezca una mezcla afroamericana entre “Boyhood” y “Brokeback Mountain” en versión afroamericana, sino que rompe tabúes en una sociedad que lo necesita con urgencia. Da igual que estemos en pleno siglo XXI. Nada nos diferencia aún de esa Florida de hace treinta años. El marica sigue siendo marica, y el negro sigue siendo negro. Y el pequeño Chiron, aunque ahora sea Black, seguirá siendo el pequeño Chiron, y seguirá atrapado en el tiempo.

A favor: la fotografía, la dirección, la banda sonora y el reparto, y cómo juega a subvertir los roles preestablecidos

En contra: que el relato pierda fuerza e interés conforme avance

Calificación ***1/2

Merece mucho la pena

LA CRÍTICA. La La Land (La ciudad de las estrellas)

Otro día más de Sol en LA

Es imposible no enamorarse de “La La Land“. Desde su misma escena inicial, que nos introduce en el Cinemascope, en un mundo en Technicolor acompañado por un tema musical que llama a introducirse en la gran pantalla, seduce, enamora y embriaga. El mismo sentimiento de amor que profesan todos esos soñadores que acuden a la Meca del Cine buscando una oportunidad, a perseguir las luces que brillan en la ciudad de las estrellas, a subir hasta las alturas de la colina más famosa del séptimo arte, esa desde la que sólo puedes caer o mantenerte eterno.

Imposible no enamorarse de ella, porque lo nuevo de Damien Chazelle es una carta de amor a la música, algo que ya destilara su anterior obra, con sus subidas y bajadas sentimentales. Y también al musical en particular. Por sus fotogramas resuenan los ecos del cine de Donen y Demy, y de otros tantos maestros que han rubricado todo un género para expresar sentimientos y emociones. Todo en ella destila técnica. Música, sonido, fotografía, escenografía… Chazelle no sirve un musical al uso, prefiere jugar con el género y no pervertir su esencia, sino contarnos su particular visión sobre el mismo, una visión en la que las canciones alegres y el colorido menguan conforme se abandona el amor por alcanzar algo más importante: las metas personales.

Por supuesto, es una historia de amor entre dos soñadores, interpretados con la soltura para la comedia de un cada vez más acertado Ryan Gosling y la delicadeza y espontaneidad naturales de una Emma Stone que se erige como reina absoluta de la función. Pero también es un mensaje de amor al cine en general. De amor y por supuesto de desamor, dos conceptos antagónicos pero inevitablemente unidos. Al cine como fábrica de sueños y desilusiones.

Todo en ella es para ser amada. Y aunque le ocurra lo mismo que a su anterior film, y el ritmo pueda parecer que decaiga hacia mitad del metraje, en este caso por abandonar deliberadamente los tópicos del musical, su director vuelve a retomar el pulso en un epílogo que supone todo una moraleja sobre el cine como mecanismo para contar historias, pervertirlas y encauzarlas a su manera. Es lo bueno del séptimo arte, que siempre puede reiniciarse a sí mismo y acabar en un ensoñador final feliz. No importa lo que pase hoy. Mañana será otro día más de Sol en Los Ángeles.

A favor: el amor que profesa al cine, la fotografía, la música, el sonido, la escenografía, su pareja protagonista…

En contra: que su distanciamiento del musical tradicional pueda ser visto como un bajón de ritmo

Calificación *****

Imprescindible

GLOBOS DE ORO 2017. "La La Land" enamora dentro y fuera de Hollywood

Es la gran favorita en la carrera al Oscar. Hollywood se ha rendido a los pies del musical de Damien Chazelle “La La Land”. Pero ya no sólo Hollywood, sino ahora también la prensa extranjera afincada en la ciudad. Los Globos de Oro anunciaban anoche sus ganadores a ritmo de musical, rindiendo homenaje a la que se va confirmando como la cinta del año. Siete han sido los galardones que ha logrado el film, entre ellos mejor comedia, director, actor –Ryan Gosling- y actriz –Emma Stone- de comedia, haciendo pleno. Siete nominaciones, siete estatuillas. Un hecho sin precedentes en los 74 años de historia de estos premios, mal considerados la antesala de los Oscar. Aunque este año bien merecen ser tenidos en cuenta, pues esta película va a por todas.

En drama, “Moonlight” ha sido la triunfadora pero solamente con un galardón, el de mejor película, yendo a parar el de actor a manos de Casey Affleck por “Manchester By The Sea” y el de actriz para, sorpresa, Isabelle Huppert, cuyo film, “Elle”, también ha salido victorioso en la pugna por mejor film extranjero –no olvidemos que ha quedado fuera de los Oscar. Esta señora va mereciendo una estatuilla dorada. Por lo demás, noche de récords y más sorpresas, como la de ver a Aaron Taylor-Johnson subiendo a recoger su premio a mejor actor de reparto por “Nocturnal Animals”. A continuación, la lista completa de ganadores.

MEJOR PELÍCULA (COMEDIA O MUSICAL)

La La Land

MEJOR DIRECTOR

Damien Chazelle por La La Land

MEJOR ACTOR (COMEDIA O MUSICAL)

Ryan Gosling por La La Land

MEJOR ACTRIZ (COMEDIA O MUSICAL)

Emma Stone por La La Land

MEJOR ACTOR (DRAMA)

Casey Affleck por Manchester By The Sea

MEJOR ACTRIZ (DRAMA)

Isabelle Huppert por Elle

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Aaron Taylor-Johnson por Nocturnal Animals

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Viola Davis por Fences

MEJOR GUIÓN

La La Land

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

La La Land

MEJOR BANDA SONORA

La La Land

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Zootopia

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

Elle

LA CRÍTICA. Hasta el último hombre (Hacksaw Ridge)

Amor por las barras y estrellas

Existe una tendencia preocupante en el cine made in USA contemporáneo, la de centrarse en una figura heroica y ensalzar sus virtudes, no sus defectos, para sostener un panfleto en pro de la bandera norteamericana. Una especie de llamamiento a las armas y la concienciación patriótica de una nación que siempre ha disfrutado con este tipo de ejercicios propagandísticos, pero que ahora parece estar arrastrando consigo a cineastas del más alto calibre, con la idea de que así el discurso llegará más alto y más lejos.

“Hasta el último hombre” –una traducción del “Hackaw Ridge” original que potencia aún más si cabe sus intenciones- es otro ejemplo más de esta corriente moderna. No es más que otro folleto del tío Sam sobre la gloria americana, en este caso centrado en el relato de un hombre que se negó a usar armas durante la II Guerra Mundial, y que fue capaz de salvar vidas pese a no llevarse consigo ni una sola vida.

Pero hay una característica diferenciadora fundamental en la que nos ocupa que la hace distanciarse de otras propuestas recientes, como los dos fallidos intentos de Clint Eastwood de congratularse con la bandera de su país, “American Sniper” y “Sully”, y es que tras la cámara se sienta todo un animal de la realización capaz de vendernos con suma facilidad el american way of life.

Sí, aquí sigue habiendo escenas que invitan al respetable a sonrojarse, como la del manotazo a la bomba o la exaltación de la figura del héroe como único reducto de las tropas hacia la victoria antes de la batalla final. Y sigue existiendo ese empeño por humanizar al protagonista con un tramo inicial repleto de ingenuidad –tanto como la cara de un Andrew Garfield que a veces acierta en sus expresiones, y otras veces sigue siendo el mismo chaval bonachón y con cara de memo al que nos tiene acostumbrados- y un desconcertante sentido del humor. Pero Mel Gibson sabe cómo imprimir de enorme potencia sus imágenes, sabe servirnos en bandeja algunas de las escenas bélicas más salvajes y sangrientas de los últimos tiempos, y sabe perfectamente cómo no convertir la vena patriótica en un circo bochornoso, de esos que dan vergüenza ajena. No siempre lo consigue, pero cuando se distancia de ella, el conjunto remonta.

Pero no nos engañemos. Esto sigue siendo cine propagandístico. Uno bien articulado y a ratos disimulado, pero propagandístico al fin y al cabo. Y es aquí donde tiene su arma de doble filo. Porque los que no conjuguen con este amor exacerbado hacia las barras y estrellas, la odiarán. Los que prefieran quedarse con la parte cinematográfica, disfrutarán del enorme trabajo de dirección de uno de los más grandes cineastas silentes del Hollywood actual.

A favor: las escenas bélicas y la labor de dirección

En contra: que la dirección no consiga tapar en muchas ocasiones su condición de cine propagandístico

Calificación ***1/2

Merece mucho la pena

TAQUILLA USA. La fiesta navideña de Jennifer Aniston no puede con "Moana"

Otra semana de capa caída en la taquilla USA, pero al menos ligeramente más exitosa que la de hace un año, cuando “The Heart of the Sea” no alcanzaba el número uno por poco, viéndose superada por el final de “The Hunger Games”. Una cartelera que levantará el vuelo una vez la nueva “Star Wars” haga acto de presencia.

Se ha vuelto a vivir una situación similar a la de 2015 a estas alturas, pero con mejores cifras. Ha habido una batalla bastante reñida entre Moana y Office Christmas Party, y finalmente ha sido Disney la triunfadora. Su nueva propuesta animada alcanza 145 millones de $ en tres semanas, con un ritmo superior al de “Frozen”, pero con cifras más bajas semana tras semana. Aún así, raro será que tras las vacaciones navideñas no se quede cerca de los 300 millones de $. En todo el mundo acumula 238 millones de $, teniendo aún muchísimo camino por delante.

En cuanto a la comedia de Paramount, entra de manera positiva, sin sorpresas y dentro de lo esperado. No viene rodeada de buenas críticas, pero eso no debería impedirle al menos triplicar los 17,5 millones de $ que ha amasado en tres días. Su presupuesto de 45 millones de $ le permitirá ser rentable incluso antes de que comiencen las vacaciones. Además, sin contar las propuestas animadas en las que ambos han prestado sus cuerdas vocales, el dato supone el mejor para Jennifer Aniston y Jason Bateman en tres años.

Sin embargo, un estreno ha centrado todas las miradas. En tan sólo cinco cines ha debutado la esperadísima La La Land, de Damien Chazelle, que se postula como una de las grandes protagonistas de la temporada de premios. Entra directa al puesto 15 con 855.000$, y con una de las mejores medias por sala del año. Un título que dará que hablar.

A nivel de mantenimientos, son los filmes de la carrera al Oscar los que se convierten en protagonistas. Este fin de semana mejoran sus datos: Nocturnal Animals, que pasa del puesto 16 al 7 tras ampliar más de mil salas, y con 6,2 millones de $ en total; le sigue Manchester By The Sea, que entra también en el top 10 con una mejor media por copia y 8,3 millones de $ en el mismo periodo de tiempo, cuatro semanas; Miss Sloane, que mejora por encima del 4.000% tras sumar más de mil salas, y superando ya los 2 millones de $, a punto de entrar en el top 10; Jackie, con la segunda mejor media por sala y 829.025$ en diez días; y Lion, la tercera en media por copia con 494.099$ en tres semanas.

Más allá del top 5, poco que destacar. La lista de las cinco más vistas la completan: Fantastic Beasts and Where to Find Them, rozando los 200 millones de $ a nivel local y con 680 millones de $ en todo el mundo; Arrival, que semana tras semana aguanta el tirón, ya con unos excelentes 81 millones de $ sólo en Estados Unidos, y 129 en todo el globo; y Doctor Strange, con 222 millones de $ a nivel doméstico y 645 millones de $ en todo el mundo. Las tres con bastante camino aún por delante.

Fuente: Box Office Mojo

OSCAR 2016. "Mad Max: Fury Road" y "Spotlight", las grandes triunfadoras

La gran noche del cine ha acabado, y ya tenemos ganadores. Un palmarés bastante extraño, con la ganadora haciéndose solamente con dos estatuillas, y con la vencedora en cantidad de galardones arrasando a nivel técnico. Por fin DiCaprio tiene su Oscar, Stallone pierde el suyo, Iñárritu repite hazaña como director en lugar de George Miller, los efectos visuales van a parar a la más modesta de las producciones… Lo dicho, una noche bastante extraña, donde pocas cosas han salido como se esperaban. Al menos, eso sí, Lubezki se ha hecho con su tercer premio consecutivo. A continuación, la lista completa de premiados.

MEJOR PELÍCULA

Spotlight

MEJOR DIRECCIÓN

Alejandro G. Iñárritu por The Revenant

MEJOR ACTOR

Leonardo DiCaprio por The Revenant

MEJOR ACTRIZ

Brie Larson por Room

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Mark Rylance por Bridge of Spies

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Alicia Vikander por The Danish Girl

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Spotlight

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Charles Randolph y Adam McKay por The Big Short

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA

Son of Saul

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Inside Out

MEJOR FOTOGRAFÍA

The Revenant

MEJOR BANDA SONORA

The Hateful Eight

MEJOR CANCIÓN

“Writing’s On The Wall”, de Spectre

MEJOR MONTAJE DE SONIDO

Mad Max: Fury Road

MEJOR MEZCLA DE SONIDO

Mad Max: Fury Road

MEJOR DOCUMENTAL

Amy

MEJOR MONTAJE

Mad Max: Fury Road

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road)

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

Mad Max: Fury Road

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

Mad Max: Fury Road

MEJOR EFECTOS VISUALES

Ex Machina