La película del mes

Viernes 13 ****

El destino perfecto para las vacaciones

Fin de las vacaciones veraniegas para muchos. Época de playa, piscina, viajes, excursiones campestres, campamentos de verano… En concreto uno se hizo célebre hace tres décadas, cuando un grupo de jóvenes decidió reabrir sus puertas tras permanecer 22 años cerrado. Para comprender las razones que llevaron a su clausura habría que remontarse años atrás, cuando en 1957 un niño, Jason Voorhees, moría ahogado en el lago por culpa del descuido de sus cuidadores, cuya muerte un año después llevó a echar el cierre a las instalaciones.

Ésta sería la semilla de la que acabaría germinando uno de los grandes psychokillers del séptimo arte, pero que a diferencia de compañeros de juerga como Freddy Krueger o Michael Myers, no aparecería hasta dos secuelas después tal y como le conocemos hoy en día. En esta primera entrega, quien se lleva las vidas de estos pobres incautos no fue otra que su madre, personaje del que no habíamos oído hablar hasta que quedan veinte minutos para el desenlace, en un giro de guión ya visto en filmes como “Carrie” o incluso “Psicosis” –en este caso fue al revés: la madre trastornada por la pérdida de su hijo se tomaba la justicia por su mano como poseída por su espíritu, hasta el punto de mantener conversaciones ficticias consigo misma.

¿Les suena el argumento? Es normal, porque aunque “Viernes 13” –o “Martes 13” en Argentina- no inventara el slasher, sí que recoge los tópicos recurrentes que salpicarían sus interminables secuelas, sus parodias y todas aquellas copias que a raíz de ella surgieron y que en nuestros días seguimos padeciendo. Chicas ligeras de ropa, adolescentes con las hormonas revolucionadas, muertes a cual más sangrienta e imaginativa, una localización apartada y una buena dosis de gore. Todo esto ya estaba presente en los trabajos de Brian de Palma, de John Carpenter, de Tobe Hooper y en el giallo de Mario Bava, pero fue precisamente “Viernes 13” la encargada de convertir esos referentes en carne de hacer películas basura –de serie muy pero que muy B, para entendernos, no de malas películas precisamente.

Así que no estamos ante una buena película para los entendidos en cine, pero sí ante una muy importante, nacida de la mente de un agudo hombre de negocios más que gran director llamado Sean S. Cunningham. Un año después de que John Carpenter barriera en taquilla con “Halloween”, Cunningham necesitaba un éxito, y fue precisamente con la cinta de Carpenter con la que se dio cuenta de que era el terror el mejor camino para conseguirlo. Habían pasado ya ocho años desde el reconocimiento de su última gran producción, “La última casa a la izquierda”, y sus películas como director, que iban desde absurdas comedias hasta flirteos tímidos con el terror más insustancial, no gozaban de demasiado interés ni para el público ni para la crítica. Así que se le ocurrió una historia de terror sencilla pero salvaje, que rompiera con el clasicismo que Carpenter mostrara en su “Halloween”. Así nació la originalmente titulada como “A long night at Camp Blood”. De aquel título sólo quedó el mote Camp Blood con el que se conocía por el lugar a Crystal Lake, el campamento ficticio donde se desarrolla la acción.

Con un presupuesto modesto de 700.000$ salidos del bolsillo del propio Cunningham, el rodaje duró cuatro semanas en el campamento Nobebosco, en Nueva Jersey, donde gracias a la fama alcanzada con la película figura una placa que recuerda a todo aquel que lo visite que ahí se rodó el filme. El presupuesto se fue en los efectos especiales, la distribución, los actores y el escaso equipo técnico y artístico que trabajaron en ella.

Para los efectos, uno de los puntos más logrados de la película a pesar de ser una producción independiente de serie B, se contó con el mago Tom Savini, a quien Cunningham admiraba tras ver su trabajo en “Zombie (Dawn of the Dead)” de George A. Romero, y que hace algún cameo, aunque no muestra su rostro.

El miembro del reparto que más cobró fue la veterana de la pequeña pantalla Betsy Palmer, que aceptó encarnar a la Sra.Voorhees tras ver el cheque de 10.000$, cantidad que se embolsaría por los escasos 15 minutos que permanece en pantalla, en una época en la que tenía más deudas que ingresos. Dicho papel estaba en manos de Estelle Parsons (“Bonnie & Clyde”), pero declinó antes de comenzar el rodaje por la escasa calidad de la propuesta. Para el resto del cast, Cunningham quería chicos que parecieran salidos de un anuncio de Pepsi, y los encontró en los rostros de Adrianne King, para cuyo papel se presentó una por entonces desconocida Sally Field, y Kevin Bacon, en una de sus primeras apariciones antes del triunfo de “Footloose”.

Cunningham, a pesar de no ser un genial cineasta, supo jugar con los elementos comunes del género y hacer uso de la cámara subjetiva para generar tensión y suspense. Unido a la desasosegante banda sonora de Harry Manfredini y a un final sorpresa que aún no consigo sacar de mi retina, con Jason emergiendo del agua y dando pie a una más que posible secuela, todos estos elementos hacen de “Viernes 13” una imprescindible dentro de su gremio.

A todo esto, ¿y Jason Voorhees? Pues el archifamoso asesino de la máscara de hockey no hizo su aparición hasta la inminente secuela, y no se hizo con su elemento de atrezzo más característico hasta la tercera entrega, quedando en la primera únicamente ese horripilante aspecto del niño del desenlace, obra y gracia de Savini en una escena que no estaba en el guión de Victor Miller. De hecho, Miller dijo que nunca quiso una franquicia con Jason como asesino. Pero su aparición creó tanto impacto, y el final es tan ambiguo en su escenificación de lo que pueden llegar a esconder las aguas de Crystal Lake, que la segunda parte no se hizo esperar y Steve Miner, productor asociado de la primera, se puso tras las cámaras en “Viernes 13. 2ª parte”, donde Jason porta un saco en la cabeza que le confiere un temible aire de espantapájaros.Y así son las cosas. Jason es ya una celebridad dentro de los asesinos más despiadados del celuloide, a pesar de que no fuera más que un rumor en su comienzo, un mero elemento narrativo. En cada nueva entrega, cada una con menos calidad que la anterior, la importancia está en la originalidad y crueldad de las muertes, y en cuántos jóvenes sucumbirán a su machete.

La taquilla mandó, y los 40 millones de dólares recaudados solamente en suelo americano justificaron la aparición de hasta nueve secuelas, una serie de televisión, cómics, videojuegos y hasta un enfrentamiento con Freddy Krueger en la reivindicable “Freddy vs. Jason”. Pero la crítica no fue tan benevolente, nominándola a los Razzie como peor director y secundaria para Betsy Palmer, quien poco después renegó de la película. Eso sí, durante tres décadas ha vivido de ser la Sra. Voorhees. En cuanto a su director, como tal no volvió a repetir ni el éxito ni la calidad logradas con esta cinta, estando sus mayores logros en la producción de obras como “House” o alguna de las secuelas de la que nos ocupa. Pero el éxito estaba servido, y los acertados rumores de que la versión cinematográfica final contenía escenas censuradas para evitar la tan temida calificación X, que sí consiguió en países como Inglaterra, no hicieron más que arrastrar al público a las salas.

Y ahí tenemos a Jason Voorhees, convertido en todo un icono del género, en una película sobre la que me he encontrado todo tipo de comentarios. Hay quien la adora, y hay quien la detesta. Eso, y que es fin de las vacaciones y esta película para mí es tan veraniega como “Tiburón”, es lo que me ha animado a seleccionarla como película del mes. Porque merece un respeto, que la defiendan. Porque “Viernes 13” no es una obra maestra, no aportó mucho al terror más allá de una ominosa franquicia y un puñado de producciones que se extienden hasta nuestros días, pero es una película importante. Y por qué no, da miedo, especialmente cuando se es más inocente. Que levante la mano quien no ha tenido pesadillas con lo que se escondía bajo las aguas de Crystal Lake. Treinta años después, aún sufrimos las consecuencias.

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Emmy 2010: "Lost" y "Rockefeller Plaza" fracasan

Ya está todo el pescado vendido. Anoche se entregaron los Emmy de 2010, en una gala que, como la mayoría de las galas, resultó tediosa y aburrida, pese a los geniales momentos que nos regalaba, a base de cameos, George Clooney. En el apartado de drama no ha habido novedad, con “Mad men” como triunfadora, aunque el Emmy a Kyra Sedgwick fue bastante inesperado, si bien ya iba siendo hora. Bryan Cranston confirmaba su hegemonía con su tercer Emmy consecutivo por “Breaking Bad”, viéndose reconocido también el esfuerzo de su compañero de reparto, Aaron Paul, en el que es su primer galardón. Como miniserie triunfó la producción de Spielberg y Hanks, “The Pacific”, y en comedia a nadie sorprendió que Jane Lynch se llevara el premio como secundaria en “Glee”.

Pero la sorpresa vino de la mano de la comedia. “Rockefeller Plaza” cede el puesto a “Modern Family”, que además se hizo con importantes premios al guión, secundario (merecidísimo lo de Eric Stonestreet) y al reparto en general. Y por fin subió al escenario Jim Parsons, el imprescindible e irritante Sheldon Cooper de “The Big Bang Theory”.

¿Los perdedores? Pues, contra todo pronóstico si analizamos ceremonias anteriores, “Rockefeller Plaza”, aunque con la presencia de “Modern Family” poco tenía que hacer. Y, aunque duela decirlo, “Lost”, que solamente ha obtenido el galardón a mejor montaje por su episodio final. Y enhorabuena al gran John Lithgow por su recreación del perfecto asesino en serie en “Dexter” y a la entrañable Betty White por su aparición en "The Saturday Night Live", ambos con reconocimiento como estrellas invitadas.

A continuación, los ganadores en las categorías más relevantes. Para consultar la lista completa, visiten la web oficial de los premios.

Mejor Serie de Drama:

'Mad Men' (AMC)

Mejor Serie de Comedia:

'Modern Family' (ABC)

Mejor Miniserie:

'The Pacific' (HBO)

Mejor Reality o Programa de Competición

'Top Chef'

Mejor Programa de Variedades

'The Daily Show with Jon Stewart'

Mejor Actriz en serie de Drama:

Kyra Sedgwick ('The Closer')

Mejor Actor en serie de Drama:

Bryan Cranston ('Breaking Bad')

Mejor Actriz en serie de Comedia:

Edie Falco ('Nurse Jackie')

Mejor Actor en serie de Comedia:

Jim Parsons ('The Big Bang Theory')

Mejor Actriz de Reparto en serie de Drama:

Archie Panjabi ('The Good Wife')

Mejor Actor de Reparto en serie de Drama:

Aaron Paul ('Breaking Bad')

Mejor Actriz de Reparto en serie de Comedia:

Jane Lynch ('Glee')

Mejor Actor de Reparto en serie de Comedia:

Eric Stonestreet ('Modern Family')

Mejor Actriz invitada en serie de Drama:

Ann-Margret ('Ley y orden: Unidad de víctimas especiales')

Mejor Actor invitado en serie de Drama:

John Lithgow ('Dexter')

Mejor Actriz invitada en serie de Comedia:

Betty White ('Saturday night live')

Actor invitado en serie de Comedia:

Neil Patrick Harris ('Glee')

Mejor Actriz Principal de Miniserie o Película

Claire Danes (Temple Grandin)

Mejor Actor Principal de Miniserie o Película

Al Pacino (You Don’t Know Jack)

Mejor Actor Secundario de Miniserie o Película

David Strathairn (Temple Grandin)

Mejor actriz secundaria de miniserie o película

Julia Ormond (Temple Grandin)

Mejor Película hecha para Televisión

Temple Grandin

Mejor Programa de Animación

Disney Prep and Landing

Mejor Programa Infantil

Los magos de Waverly Place: La Película

Mejor Guión en serie de Drama:

'Mad Men' ('Shut The Door, Have a Seat')

Mejor Guión en serie de Comedia:

Modern Family ('Piloto')

Mejor Dirección en serie de Drama:

Steve Shill ('Dexter', 'The Getaway')

Mejor Dirección en serie de Comedia:

Ryan Murphy ('Glee', 'Piloto')

Mejor Fotografía en serie de media hora:

'Weeds, 'A modest proposal'

Mejor Fotografía en serie de una hora:

'CSI', 'Family affair'

Mejor Montaje en serie de Drama:

'Perdidos', 'The end'

Mejor Montaje en serie de Comedia:

'Modern Family', 'Piloto'

Mejor Reparto en serie de Drama:

'Mad Men'

Mejor Reparto en serie de Comedia:

'Modern Family'

Mejor Reparto en miniserie o telefilm:

'Temple Grandin'

Mejor Vestuario en una serie:

'Los Tudor'

Mejores Títulos de Crédito:

'Bored To Death'

Mejor Banda Sonora en una serie:

'24'

Joaquin Phoenix desmonta su retirada del cine

¿Qué le está pasando a Joaquin Phoenix? Es la pregunta que desde hace un año se hace mucha gente. El actor, protagonista de filmes como "Two lovers" o "Walk the line (En la cuerda floja)", anunciaba su retirada del cine para dedicarse de lleno al hip-hop. Vendió su carísima casa, hizo apariciones estrafalarias en los medios y hasta descuidó su aspecto físico, dejándose barba y ganando bastante kilos de más. Pues bien, el mismo Phoenix  ha anunciado que no se trata de las excentricidades de un famoso, sino de una especie de juego con su cuñado Casey Affleck, juego del cual ha resultado el documental "I'm still here: The Lost Year of Joaquin Phoenix". A esto sí que se le puede llamar meterse en el papel, pues nos la coló a todos durante un año, además de una llamativa manera de hacer publicidad. El documental se estrena en Septiembre en Estados Unidos, mientras que aquí por ahora tendremos que conformarnos con este tráiler. Y ya podemos respirar tranquilos, no hemos perdido a uno de los mejores actores de los últimos tiempos.

El corto cinéfago: "Joe en el Facebook"

Misógino, machista, putero, facha, egoísta, desconsiderado, malhablado, salido, ... no, no hablo de Torrente, sino de esa genial creación infraurbanita de Manuel Ortega Lasaga que es Joe. Ninguno de los dos requiere ya carta de presentación para los que sigan el blog. Los que aún no les conozcan, pueden consultar aquí siguiendo las etiquetas. Su creador nos presenta a Joe en esta ocasión frente a las nuevas tecnologías, concretamente frente a Facebook, para que suelte sus bonitas perlas verbales. Porque da igual si nuestro héroe se actualiza, si se le pueden dedicar todos los apelativos cariñosos con los que introduje el corto cinéfago de esta semana. Joe seguirá siendo el mismo insufrible desperdicio humano de siempre. Pero lo peor de todo es que, a pesar de sus múltiples defectos, no le falta razón. Incluso se le ha cogido afecto.

LA CRÍTICA

The Girlfriend Experience **

En plena jungla urbana poblada de tiburones financieros afectados por la incipiente crisis económica y sus conflictos familiares y en medio de las elecciones presidenciales estadounidenses se encuentra Chelsea, una prostituta de lujo que ofrece a sus clientes algo más que sexo: la experiencia de disfrutar de su compañía, de sentir que tienen una novia. Una experiencia que debe compaginar con su crecimiento como empresaria y dueña de su propio negocio -del que ella es su única, e imprescindible, empleada- y con la relación abierta que mantiene con su novio Chris. El trabajo de Chelsea le impide implicarse emocionalmente y mostrar otra cara para sus clientes que la de la pareja fiel y sumisa.

Bien conocida es la afición de Steven Soderbergh por los experimentos cinematográficos –la muy recomendable “Bubble” es buena prueba de ello-, para los cuales solamente necesita un buen guión, un puñado de actores y su más que consagrada mano para la dirección, la puesta en escena y la fotografía –de hecho, se encarga él mismo de este apartado bajo el pseudónimo de Peter Andrew-. Y “The girlfriend experience” no es más que otro experimento, de esos que suele alternar con las grandes producciones.

Una vez acaba esta película el espectador se queda con la sensación de que no ha podido interiorizar en el día a día del personaje de Chelsea. Tiene un motivo. Soderbergh rehúye de cualquier atisbo de morbo y presenta la historia de una manera fría, impersonal, para que al finalizar el escaso metraje sintamos que, al igual que sus clientes, seremos incapaces de descubrir la verdadera cara de esta compañera de lujo para ricos.

Es una visión acertada la del director, pero poco o nada condescendiente con el público. “The girlfriend experience”, por su fría puesta en escena y desarrollo, es demasiado distante, impenetrable, y eso incomoda su visionado. Ni el que una estrella del porno como Sasha Grey sea su actriz protagonista –su interpretación es tan gélida como la cinta en sí-, ni el que Soderbergh cuente la historia sin seguir una estructura lineal, ni el que estéticamente sea sobresaliente ayudan a este filme soso, intrascendente y tan deslumbrante en su envoltorio como vacío en su contenido. Si desean seguir el día a día de una prostituta de lujo a través de una narración mucho más atrevida, osada y provocativa pero sin por ello dejar de ser respetuosa, les recomiendo la serie “Secret Diary of a Call Girl", más conocida en España bajo el nada sugerente título de "Servicio completo".

A favor: su precioso envoltorio

En contra: que el contenido esté vacío

Elige tus películas favoritas del mes de Julio

Volvemos con la votación a mejores películas de cada mes, en este caso dedicada al mes de Julio. Recuerden que tienen hasta el 15 de Enero de 2011 para votar y que pueden elegir cuantas películas deseen, así como cambiar el voto cuando crean conveniente. El objetivo será recopilar las votaciones y sacar una lista con las mejores películas del año para todos los cinéfagos que hayan participado.Para votar sólo tienen que ir al menú derecho de la página, justo debajo del apartado Blogs y webs que sigo. Pueden escoger el número de películas que deseen y modificar la votación cuando quieran. Y recuerden que aún pueden votar por sus favoritas de los seis meses anteriores. Muchas gracias por participar. Las candidatas para el mes de Julio son:

El circo de los extraños (Cirque du Freak)

El Diario de Carlota

El Equipo A (The A-Team)

El silencio de Lorna (Le silence de Lorna)

Ella, una joven china (She, a Chinese)

Gainsbourg

Intrusos en Manasés

La vida en tiempos de guerra (Life during wartime)

Las vidas posibles de Mr Nobody

London river

Madres e hijas

Mamá está en la peluquería (Maman est chez le coiffeur)

Mi segunda vez (The rebound)

Splice

Niños Grandes (Grown ups)

Noche y Día (Knight & Day)

Nothing Personal

Pesadilla en Elm Street. El origen (A Nightmare on Elm Street)

Shrek. Felices para siempre (Shrek Forever After)

Sunshine Cleaning

Toy Story 3

Un regalo para ella (Trésor)

Una hora más en Canarias

NOTA: "Madres e hijas" se estrenó el 30 de Junio, pero olvidé incluirla en la lista de dicho mes, por lo que figura en las de Julio. Si alguien detecta alguna omisión más que me lo haga saber.

LA CRÍTICA

Origen (Inception) ****1/2

Viaje alucinante al fondo de la mente

Christopher Nolan se ha convertido en un habilidoso prestidigitador de nuestro tiempo, un artesano y autor capaz de aunar en una sola película comercialidad y calidad, cine de autor y espectacularidad. Pero Nolan es, sobre todo, un analista de la mente humana y sus rincones más oscuros. Ya sea en forma de complejo puzzle montado en sentido inverso donde mantener la memoria ejercitada es vital para encajar todas las piezas, o diseccionando la oscuridad del héroe de Gotham y su archienemigo el Joker, Nolan se ha erigido como el arquitecto de ese laberinto imposible de superar en un minuto que es la mente humana.

Si en “Insomnia”, una de sus obras más lejanas e injustamente olvidadas, el personaje de Pacino era incapaz de dormir en un ambiente en el que nunca se ponía el sol debido al peso de la culpa, en “Origen (Inception)”, el personaje de Leonardo DiCaprio –formidable su interpretación, un juego de espejos que impide ver su verdadera personalidad y que demuestra que el actor ha madurado hasta el punto de que parece interpretar con facilidad cualquier personaje- puede dormir, pero la culpabilidad no le deja soñar. A Dom Cobb, su personaje, no le queda más remedio que vivir en los sueños de otros, y la única vida que le queda son esos escasos y adecuadamente escogidos recuerdos con los que rellena su subconsciente. Es así como se ha convertido en el mejor de los extractores de ideas, una tarea que implica adentrarse en lo más profundo de la mente de otra persona durante el sueño y arrebatarle sus secretos. Entre conspiraciones corporativas e intereses económicos se moverá nuestro protagonista, que ahora debe hacer frente a algo más complicado: implantar una idea en otra persona, un procedimiento conocido como Origen.

Cuando acaba la proyección de “Origen (Inception)”, el espectador se siente como recién despertado de un sueño, o una pesadilla según se mire, continuo. Y a pesar de que le cueste avanzar durante su primer tramo, demasiado explicativo y explícito en sus diálogos, el filme va en un in crescendo progresivo que regala algunos de los mejores momentos cinematográficos de nuestro tiempo, como esa ciudad que se pliega sobre sí misma o la pelea en los pasillos del hotel que desafía todos los límites de la gravedad, dos secuencias que demuestran que, con buenas ideas, aún no está todo visto en el cine.

El cineasta ha vuelto a conseguirlo. Ha arrastrado al público a las salas a ver una película densa, de autor, una historia absorbente y compleja –quizá demasiado, en lo que puede constituir su mayor defecto, pero a la vez su mayor virtud- y ha vuelto a adentrarse en el subconsciente humano como pocos, tornándolo algo físico –las cajas de seguridad que atesoran los secretos, por ejemplo- pero mutable e inestable. Viaje alucinante al fondo de la mente, “Origen (Inception)” está llamada a ser, como ocurriera con “Matrix”, un clásico moderno de la ciencia-ficción por derecho propio. Y lo que sorprende es el poder de convocatoria de Nolan, que a pesar de la profundidad de su nueva propuesta, algo que ocurría con su anterior trabajo, no hace más que aumentar los ingresos en taquilla con esta onírica obra que le convierte en un imprescindible del nuevo siglo. Porque es posible unir a David Lynch, el Rosebud de “Ciudadano Kane” o Jean-Paul Sartre en un blockbuster sin perder un ápice de seriedad entre tiroteos y secuencias imposibles en el mundo real. Ya lo decía Kafka, “El sueño revela la realidad”. Y Nolan ha convertido en realidad los sueños.

A favor: la secuencia en los pasillos del hotel

En contra: su complejidad puede resultar insoportable

Epílogo de "Lost": "The new man in charge" online, para descarga directa, y con subtítulos

Hace dos meses y varios días que "Lost" llegó a su fin, y muchos fans (no me incluyo) se sintieron defraudados por no haberse respondido a los múltiples interrogantes que presentaba la serie. Tras la finale de la sexta temporada y del show en sí se supo que existía material adicional que no podía ser ubicado en el metraje por la sencilla razón de que no había dónde encajarlo. Por esto, los creadores decidieron incluirlo en los extras del DVD de la última temporada, que saldrá a la venta en Estados Unidos el 24 de Agosto y en España el 22 de Septiembre. Pues bien, Internet es muy poderosa, y se han filtrado los 12 minutos de "The new man in charge", que es como se titula este epílogo centrado en Ben y Hurley y su trabajo como amos y señores de la isla tiempo después del final que pudimos ver en su momento. Dicho epílogo era largamente esperado, pues se esperaba que resolviera algunas incógnitas. Tras verlo, no era necesario conocer las respuestas a los misterios que resuelve, pues eran bastante obvias (salvo una, que no desvelaré y que se resuelve al comienzo, y que no me esperaba en absoluto), pero lo que sí tiene de interés es lo gratificante que resulta volver a disfrutar de esta magnífica serie que mantuvo enganchados a millones de personas en todo el mundo, aunque sea solo durante poco tiempo. Que la disfruten antes de que lo eliminen, porque puede que no volvamos a ver nada sobre "Lost" en mucho tiempo. Y por cierto, estoy seguro de que el desenlace de este mini-episodio volverá a defraudar a más de uno.

Si no pueden ver bien el vídeo, sigan este enlace

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Subtítulos

Gracias a los chicos de Lostph

Vuelven las series USA: Fechas de estreno

Hace poco, con la marcha de "Lost", le perdí la pista al resto de series, salvo a unas pocas. Aún así, merecerá la pena continuar con algunas de ellas y echar un ojo a las nuevas. Lo que les traigo es la fecha de estreno confirmada por las cadenas televisivas americanas de sus series estrella. Entre paréntesis se indica la temporada que comienza para cada una de ellas.

16 de agosto
Weeds (6)
The C Word (1)


17 de agosto
Big lake (1)

20 de agosto
The kids in the hall: Death comes to town

8 de septiembre
Crónicas vampíricas (2)
Hellcats (1)
Nikita (1)


13 de septiembre
Gossip girl (4)
90210 (3)


14 de septiembre
One Tree Hill (8)
Parenthood (2)
Life unexpected (2)


19 de septiembre
Boardwalk empire (1)


20 de septiembre
Dos hombres y medio (8)
House (7)
Cómo conocí a vuestra madre (6)
Reglas de compromiso (5)
Chuck (4)
Castle (3)
Chase (1)
Hawaii Five-0 (2010) (1)
Lone star (1)
Mike and Molly (1)
The event (1)

21 de septiembre
NCIS (8)
NCIS: Los Angeles (2)
Glee (2)
Detroit 1-8-7 (1)
Raising Hope (1)
Running Wilde (1)


22 de septiembre
Ley y orden: Unidad de Víctimas Especiales (12)
Mentes criminales (6)
Cougar town (2)
Modern family (2)
The middle (2)
Better with you (1)
The defenders (1)
The whole truth (1)
Undercovers (1)


23 de septiembre
CSI: Las Vegas (11)
Anatomía de Grey (7)
The office (7)
Bones (6)
Rockefeller Plaza (5)
Sin cita previa (4)
The big bang theory (4)
El mentalista (3)
Fringe (3)
Community (2)
My generation (1)
Outsourced (1)
$#*! my dad says (1)


24 de septiembre
Smallville (10)
CSI: Nueva York (7)
Medium (7)
Sobrenatural (6)
Escudo humano (2)
Blue bloods (1)
Outlaw (1)
School pride (1)


26 de septiembre
Los Simpson (22)
Padre de familia (9)
Mujeres desesperadas (7)
American dad (6)
Cinco hermanos (5)
Dexter (5)
Bored to death (2)
El show de Cleveland (2)


28 de septiembre
The good wife (2)
No ordinary family (1)


29 de septiembre
Ley y orden: Los Angeles (1)


3 de octubre
CSI: Miami (9)
 10 de noviembre
Miénteme (3)

LA CRÍTICA

Splice: Experimento mortal **

El horroroso monstruo de Vincenzo Natali

El gran problema de ser Vincenzo Natali es que, tras una opera prima que se ha convertido, por derecho propio, en una obra de culto, con cada nuevo trabajo se espera de él que se supere, que geste otra obra maestra como fue aquella pesadilla en forma de insuperable cubo. Y resulta decepcionante que no lo consiga. Y a pesar de que “Cypher” fue más que acertada, diría incluso que brillante pero injustamente olvidada, con su nueva película sigue sin llegar su gran momento de grandeza. Es más, si con tan pocos medios era capaz de crear incómodas parábolas de ciencia-ficción que diseccionaban con atrocidad la dudosa moralidad del ser humano, con un presupuesto más holgado las expectativas eran mayores. Pero curiosamente, a más medios menor capacidad de resolución.

“Splice” habla de un experimento, a fin de cuentas, y de cómo se va desarrollando a la vez que se deconstruye la pareja protagonista, tanto en conjunto como por separado, cruzando incesantemente la delgada línea que nos hace superar los límites éticos. Dos científicos, convincentemente recreados por Sarah Polley y Adrien Brody, que ofrecen la luz y la sombra de su propia especie, y no respectivamente, para crear a esta criatura que pasa por distintas fases humanas como el miedo, la inocencia, la ternura y la voracidad sexual.

Lo mejor de esta película es su planteamiento moral y por supuesto, el desarrollo de la criatura en sus distintas etapas. Una criatura capaz de inspirar terror y compasión a partes iguales, y que incluso puede resultar seductora en su etapa de madurez. Pero Natali echa por tierra la prometedora premisa inicial pisando terrenos demasiado convencionales, resolviendo mal las situaciones que presenta, hasta derivar en un tramo final cercano a los horror films con monstruo suelto que crea el pánico, y culminando en una escena previsible y que pretende extender su debate moral más allá, cuando hace ya bastante metraje que transita entre la ridiculez y el interés de manera equitativa.

“Splice” está llena de grandes momentos, pero el realizador los lleva hacia el ridículo y el resultado final es frustrante. Sus protagonistas, a pesar de dar una solvente interpretación, resultan más bidimensionales que la criatura mezcla de CGI –bastante pobre a veces, por cierto, a pesar del galardón a los mejores efectos especiales en el último Festival de Sitges- y maquillaje –esto sí merece un diez, gracias al portentoso trabajo de Berger y Nicotero-. A medida que la trama avanza se pierde el interés por sus acciones, sus consecuencias, mientras crece en interés el estado de su creación.

Lo que comienza siendo un inteligente cruce entre Frankenstein y el primer Lynch de “Eraserhead” –dos personajes amorales que crean una criatura y que sin haber sido padres deben hacerse cargo de un monstruo humanizado- con ciertos toques a “la nueva carne” de David Cronenberg acaba por convertirse en una obra fallida en ejecución repleta, eso sí, de momentos fascinantes, pero que deja un regusto amargo, como si el espectador estuviera viendo más bien un episodio alargado de la serie “Masters of Horror”. La criatura de Natali en un sin sentido de ideas interesantes llevadas a mal puerto, que no acaban de despuntar del todo y que podrían haber dado para mucho más. En definitiva, en un monstruo. O será que aún sigo esperando esa gran película suya que no llega.

A favor: la criatura
En contra: Natali estropea la prometedora premisa de la que parte

9 brutales y salvajes minutos de Piranha 3D

AVISO: las imágenes que están a punto de ver pueden herir su sensibilidad. No es una advertencia gratuita, y quien avisa no es traidor. Lo que les dejo son nueve minutos de lo que traerá Piranha 3D, la nueva película de mi venerado Alexandre Aja, donde el realizador galo nos brinda secuencias muy salvajes, quizás demasiado bestias, bastante difíciles de digerir. Está grabado en un pase paralelo a la Comic-Con de San Diego y aunque la calidad de audio es muy pobre, lo que importa es que el vídeo se ve, y lo suficiente como para hacernos una idea de lo que nos deparará este remake del clásico de los 70. A mí particularmente me ha recordado, aunque adaptado a los tiempos que corren, al Tiburón de Spielberg. Incluso hace aparición el genial Richard Dreyfuss. A continuación, el vídeo. Y recuerden que avisé.