LA CRÍTICA. El ritual

La caída de los dioses

Si algo destacaba en la filmografía de David Bruckner hasta ahora era su condición de segundo –incluso tercero- al mando, de ser el responsable de los segmentos más potentes de todas las antologías de género en las que ha participado. Y poco a poco, se ha ido haciendo gracias a ello un hueco en la industria como un nombre a seguir.

Curiosamente, este film podría ser la consecuencia de uno de sus trabajos más famosos, el “Amateur Night” de “V/H/S”. Es como si se centrase en la figura de ese grupo de amigos en lugar del de su depredadora, como si les diera una segunda oportunidad aquella fatídica noche, para luego volver a impartir su particular justicia divina.

Sendos trabajos vienen a tratar el mismo tema. La deconstrucción de la idealizada figura del macho de turno, del gallito que todos creemos llevar dentro, de ese palomo que saca pecho ante sus amigos pero que a la hora de la verdad se descubre como un auténtico cobarde. Pero más atractivo incluso que ese mensaje de trasfondo, “El Ritual” lleva más allá esta imagen que teníamos de Bruckner como cineasta, acabando por confirmarle como uno de los más estimulantes realizadores que ha dado el terror en los últimos años. Ya en solitario, cambia el cruce de caminos argumental por una única historia planteada de manera coral, por ese grupo de amigos que recorren a pie un bosque como forma de catarsis para esa generación en plena crisis de los 30.

Y lo hace con temple, impregnando de una atmósfera sólida un relato que, en esencia, ya hemos visto antes. Una especie de “Blair Witch” pero bien hecha, con un reparto sobresaliente –formidable la camaradería que desprende el cuarteto protagonista-, historia simple y bien encarrilada y una amenaza inteligentemente oculta que deja momentos tan escalofriantes como esa enorme mano confundiéndose entre los árboles.

Se la puede acusar de cierta previsibilidad, de no partir de un concepto excesivamente original. Lo que no se puede negar es que Bruckner ha conseguido con creces su doble objetivo. Por un lado, demostrar que tiene algo que contar como director y que sabe cómo hacerlo, que merece un hueco en el terror y fantástico por derecho propio. Y por el otro, que los mitos están para romperlos. Que nuestros propios dioses sangran, sufren, y que al fin y al cabo, son tan humanos como nosotros. Y que como tales, también ellos pueden caer.

A favor: la sencillez pero efectividad de su atmosférica propuesta

En contra: algunos la acusarán de cierta previsibilidad y escasa originalidad

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Creep 2

Terror de verdad

Habría que preguntarse qué convierte a una película de terror en remarcable, en digna de perdurar en la memoria. Para quien esto escribe, es sencillo. Que tras su visionado temas a la oscuridad, a quedarte solo en tu casa, que veas sombras tras las ventanas, que sientas una presencia que te acecha en el rincón menos iluminado de tu habitación. Sí, se agradece también que te lo hagan pasar mal durante la proyección, pero lo realmente complicado es lo que viene después.

Desde este punto de vista, “Creep” era una película de lo más terrorífica. Un film que hacía de su sencillez y cotidianidad sus mejores armas para provocar desasosiego in crescendo en el espectador. Y finalmente, terror. Porque lo que Patrick Brice y Mark Duplass contaban en ella podía ocurrirle a cualquiera. Josef podía ser nuestro vecino, nuestro amigo de toda la vida. La persona en la que más confiamos, y por ello la más peligrosa, podría vivir en nuestra calle, o puerta con puerta.

En su secuela, guionista y director repiten la fórmula. A todos los niveles. El found footage como excusa formal, y de nuevo un ser ávido de historias nuevas –en este caso una bloguera, desnuda en cuerpo y alma en plena devoción por sus followers- que acabará metiéndose en la guarida del lobo. Humor negro, insano, bastante puñetero, que se extiende incluso a sus sustos de manual, con los que sus creadores juegan a sabiendas de que ya forman parte de la caótica personalidad de su personaje protagonista. Y un McGuffin que viene a intentar responder a la pregunta existencial de qué le ocurre a un serial killer cuando pierde la motivación, cuando asesinar ya no le llena el alma.

Todos sus ingredientes son de sobra conocidos para los que disfrutaron o sencillamente vieron la primera entrega, pero sus responsables se resisten a ofrecer más de lo mismo. Porque pese a su carácter de secuela de fórmula heredada y extendida, casi copiada, esto no es más que un sentimiento impostado. “Creep 2” sigue sorprendiendo, sigue mostrando un carácter imprevisible, infectado por un Mark Duplass que vuelve a ofrecer todo un recital del horror en su rostro, ya adueñado de su propio personaje. Y del humor. Sigue haciendo gala de ese humor tan incómodo. Tan creepy. Es difícil saber por dónde va a tirar este juego del ratón y el lobo, por dónde va a asestar el golpe al espectador. Lo que sí es cierto, es que el mayor golpe para un servidor ha sido tener miedo a enfrentarme a la oscuridad y la soledad de mi casa. Eso, queridos aficionados al género, es terror de verdad. Gracias, Josef, Aaron… o como quiera que te llames ahora.

A favor: Mark Duplass, su carácter juguetón e imprevisible, y que provoca auténtico terror

En contra: algunos puede que solo vean más de lo mismo

Calificación ***1/2

Merece mucho la pena

LA CRÍTICA. Revenge

En un bucle infernal

Resulta cuanto menos curioso que, en la última edición del Nocturna, se acompañara la proyección de “Revenge” con la del cortometraje “I´m the Doorway”, basado en un relato de Stephen King. La pieza de Robin Kasparik narra la pesadilla de un hombre sumido en su propia paranoia, que no deja de vivir, en primera persona, en sus propias carnes, una situación que, a pesar de sus variantes, se repite una y otra vez.

Y resulta curioso porque sendos trabajos podrían pertenecer a la misma sesión doble. Ambos tienen algo en común: el bucle como eje central de la narración, como piedra angular de su estructura, historia e intenciones. De hecho, hay una larga escena que ejemplifica perfectamente cuál es el espíritu de la película de Coralie Fargeat, aquélla en la que víctima y verdugo se persiguen, intercambiando constantemente los roles, alrededor de un pasillo en círculo.

Todo en ella se repite, todo suena a ya visto. No es sólo que lo que ofrezca “Revenge” sea un rape and revenge de manual, repleto de tópicos mil veces vistos y explotados con mayor sabiduría en otras cintas del mismo subgénero -¿alguien recuerda una tal “I Spit On Your Grave”?-, es que en sí misma es una cinta que se repite sin cesar. No es más que un juego del gato y el ratón extenuante, que alarga sus escenas hasta el hartazgo, y que podría haberse contado perfectamente con la mitad de su metraje.

Es decir, da la sensación de no avanzar, de estancarse continuamente y demorar el encuentro de la heroína con sus perseguidores. Como ejemplo, esa otra escena que repite el sueño dentro del sueño una y otra vez, como si no hubiera sido suficiente con una sola. Es como si a su realizadora no se le hubiera ocurrido otra manera de rellenar metraje que tirar de los mismos recursos reiteradamente. El resultado es una propuesta que se fagocita a sí misma, que se muerde la cola continuamente y avanza en círculos, repleta además de incongruencias de guión –la protagonista avanzará a pie y herida más rápido que sus perseguidores, a conveniencia del guión- que podrían haberse perdonado de haber ofrecido algo de diversión. Pero ni eso. Entretenimiento nulo, solamente ganas de estar en casa con el mando a distancia en la mano.

No todo en ella es malo, ojo. A destacar la enérgica dirección, la fotografía y un reparto solvente, encabezado por una Matilda Lutz que supone lo mejor del conjunto. Lo mejor, aunque no memorable. No si se compara con otras guerreras del subgénero. Porque nada, ni siquiera su nada disimulado y distorsionado mensaje feminista, puede prevalecer cuando no haces más que moverte dentro de un bucle infernal.

A favor: su protagonista

En contra: que se mueve en bucle y no avanza, y no ofrece nada nuevo

Calificación *

No pierda el tiempo

LA CRÍTICA. Feliz día de tu muerte

Vive, muere y repite

Todos hemos tenido la sensación de estar viviendo un determinado momento por segunda vez. Eso que los franceses llaman déjá vu . “Atrapado en el tiempo”, convertida a día de hoy en un clásico contemporáneo por derecho propio, llevaba al extremo de lo razonable esta idea. Un periodista gruñón, antipático y pagado de sí mismo condenado a vivir el mismo día una y otra vez. Una comedia atemporal, con ecos del mejor Frank Capra, que no caía ni en sensiblerías ni adoctrinamientos, a pesar de que su original premisa daba para ello.

Desde entonces, hemos vivido no pocas visitas al mismo concepto, ya fuera en formato televisivo –la serie “Sobrenatural” ya flirteaba con la idea en un divertido episodio que cambiaba el “I Got You, Babe” por el “Back in Time” de “Regreso al futuro”, en un doble juego de referencias temporales- o en forma de inspirado entretenimiento de ciencia-ficción –la siempre reivindicable “Al filo del mañana”. Pero todas con algo en común: el uso de la original como excusa para el divertimento, sin ahondar en moralina ni dobles lecturas.

“Feliz día de tu muerte” adapta esta idea al subgénero slasher. Una scream queen, con el sex appeal e incuestionable talento de Jessica Rothe –sin duda, uno de los mayores reclamos de la cinta- metida en su particular bucle temporal mortal, esta vez con un horroroso politono como tema central cada vez que sale el Sol. Pero con una salvedad. Al final del día, su personaje sabe que va a morir a manos del asesino enmascarado de turno. Como si Sidney Prescott concentrase cuatro películas de “Scream” en una sola jornada.

El mayor punto a favor de esta comedia de terror es su honestidad. No, no pretende exprimir el discurso del film en el que se basa. Su protagonista aprenderá una valiosa lección vital, sí, pero no es el centro de interés de la propuesta. Lo que pretende Christopher Landon –responsable máximo de encarrilar por el buen camino la saga “Paranormal Activity”, especialmente en aquel spin-off latino que fue toda una sorpresa- es hacer pasar al respetable una hora y media divertida, de desconexión. Por el camino, lo cual no está de más, alguna idea ingeniosa, pero en ningún momento trata de ser más de lo que es.

Sin embargo, lo mismo que se convierte en una fortaleza, se convierte en su mayor impedimento para ser memorable. Porque “Feliz día de tu muerte” se conforma con ser eso, un divertimento para grandes audiencias. No va más allá, no tira la casa por la ventana, no se esfuerza por perdurar en la memoria. Lo que queda es sencillamente un film que se deja ver muy bien, simplemente como pasatiempo, pero que va perdiendo fuelle conforme avanza el metraje y se olvida uno de su conocida idea principal. Hasta que llega a un desenlace que echa por la borda con su facilona y convencional resolución la posibilidad de estar ante un nuevo referente del género en lo que a psychokiller se refiere. Tran convencional que, aunque suene a broma, se hace repetitiva. Una pena, pues la máscara y el concepto del asesino podrían haber dado mucho más de sí, y podría haber quedado una franquicia que explotar en el futuro. O en el pasado, que con tanto bucle temporal ya me he perdido.

A favor: su protagonista, su honestidad, y que entretiene

En contra: que no explote y exprima todas sus bazas, y que se vuelva convencional conforme avanza el metraje

Calificación ***

Merece la pena

EL TERMÓMETRO. Nocturna 2017: El respeto hace al cinéfilo

Este año me he desvirgado en lo que a festivales de género se refiere. Había estado anteriormente en otros festivales de cine, pero es la primera vez que acudo a uno dedicado única y exclusivamente al cine fantástico y de terror. Y pese a que la calidad de los trabajos presentados pudiera ser más o menos discutible –esto depende de los gustos de cada uno, claro está-, lo mejor de la experiencia ha sido compartir momentos y pareceres con aficionados al género, con personas que viven este tipo de festivales como si de algo vital se tratase. Y por supuesto, uno de los puntos fuertes es el conocer a aquellas personas que admiras.

Ha sido en el Nocturna donde he perdido mi virginidad festivalera. Un festival pequeño, modesto, pero al que sus responsables le ponen ganas, empeño. Eso se nota, pero no en su organización. Se nota en su gente, en los fans que llenan sus salas, en el prodigioso ambiente que se crea en éstas. Todo es contagioso. Risas, gritos, comentarios jocosos, aplausos. Es una fiesta, una que merece la pena vivir.

Este año ha acudido un maestro del terror. Don Coscarelli llegó el primer día, y no se fue hasta el último. No sólo iba para recoger premio, sino también para presentar la edición remasterizada de su ya mítica “Phantasma”. Tuve la suerte de hablar con él, aunque fuera unos pocos segundos por culpa de una mala organización durante la recogida de autógrafos, y no puedo decir más que cosas positivas. Amable, simpático, entregado… Un hombre que sabe perfectamente que debe mucho a su público, y lo demuestra. Un tipo de lo más majo que, según dicen, se quedó a ver la película. Al menos, tras la proyección, allí seguía, para recibir personalmente a sus seguidores.

Dentro de la sala, la fiesta habitual. Algo que comparto. Es un festival de género y se presta al jolgorio. Pero dentro de unos límites. No se debe confundir el ambiente festivalero con el reírse porque sí, con faltar al respeto. Independientemente de que Coscarelli estuviera allí o no, lo que no es de recibo es el escuchar resoplidos y comentarios jocosos cuando ves algo que te resulta ridículo. O ver cómo el tipo que tienes al lado suelta algún que otro “Madre mía” mientras se distrae con su móvil.

A un festival de cine de género debe irse con conocimiento de causa, consciente ya de lo que vas a ver. En el caso de un clásico como “Phantasma”, con mayor razón. En el caso del individuo que nos ocupa, sus resoplidos me hacen pensar que nunca había visto la película. Muchos dirán que esos actos son propios de un festival de estas características, que la gente que acude a ellos va sabiendo a qué se expone. No parece ser el caso de este tipo, que parecía que ni siquiera había visto la cinta.

Pero esto se extiende a otras proyecciones en las que algunas risas y gritos sobran, llegando a cargarse todo el buen ambiente que debería haber en una sala de cine. Y ya que estamos, esto se extiende a cualquier tipo de cine, a cualquier tipo de festival, al día a día, a todos esos que van al cine a tocar las narices, impidiendo disfrutar al resto. Por respeto, por educación, que a algunos les falta, escudándose en eso de que “Es que es el ambiente del festival”, que usan como excusa y como mantra. No se es más fan o festivalero por comportarse así. El hábito no hace al monje. Pero sí que el respeto hace al buen cinéfilo.

LA CRÍTICA. 1922

Esas malditas ratas

1922. Las cosas eran distintas aquel año. Más sencillas. El mayor orgullo de un hombre eran sus tierras. Sus tierras y una descendencia a la que dejárselas. Ésta es la historia de aquel año, de lo que supuso para un granjero y su familia. También es la historia de un confabulador, de un hombre que vio en su mujer a un enemigo del que librarse por el bien de su propio progreso. Porque en 1922, las cosas eran distintas, y deshacerse de alguien era más sencillo. O eso creía él.

2017. Sin duda el año de Stephen King. Mientras en la gran pantalla triunfa el nuevo “It”, en las plataformas digitales se explota el talento del maestro del terror, con Netflix a la cabeza. Unas veces con poca fortuna –ahí está esa “La niebla”, que no ha pasado de la primera temporada-, y otras sabiendo balancear a la perfección la temática del autor con la historia que se cuenta.

“1922” pertenece a este ilustro último grupo, como ya lo hiciera la recomendable “El juego de Gerald” antes. Zack Hilditch dirige con brío, con una excelente fotografía y una atmosférica banda sonora, este relato a medio camino entre el drama familiar, el suspense, el terror y el western, que si bien tiene sus peros de guión y montaje, como el hecho de que las razones que motivan a su personaje principal no acaban de estar del todo bien expuestas, sí que consigue un equilibrio de lo más loable entre lo que quiere contar y cómo lo hace. Tomándose su tiempo, de manera pausada –quizá demasiado, ya que tarda bastante en entrar en materia-, dando más importancia en poner al espectador en situación que en darle lo que busca, beneficiada además por la imponente y convincente figura de un Thomas Jane en estado de gracia.

El cineasta ha sabido captar a la perfección el espíritu de la obra de King. Es una historia de terror, pero sin necesidad de recurrir a sustos ni golpes de efecto. El terror está en otro lado, en la pesadilla que vivirá su protagonista, por esa culpa que le corroerá por dentro. Una culpa que se extiende como un virus. Como una plaga que afecta a todo su entorno, a los que le rodean. Como esas malditas ratas que devoran todo a su paso, que te martillean el cerebro al otro lado de la pared. En aquel fatídico 1922, este granjero conspirador aprendió la lección. Esas ratas acaban alcanzándonos a todos.

A favor: la dirección, la atmósfera, la banda sonora, la fotografía y Thomas Jane

En contra: alguno se desesperará por su lentitud

Calificación ***1/2

Merece mucho la pena 

LA CRÍTICA. Annabelle: Creation

La muñeca en el armario

Puede que suene un poco drástico, pero hay filmes que jamás deberían ver la luz. Especialmente aquellos que tratan sin demasiada suerte de subirse al caballo del éxito de algún otro producto mega taquillero. Igual es también demasiado drástico meter a “Annabelle” en este grupo, principalmente porque tampoco es que para un servidor fuera una película deleznable.

Pero si en algo coincidía es en que era un trabajo menor, a años luz de aquel “Expediente Warren: El conjuro” de cuyo universo creativo pretendía formar parte. Un intento frustrado de expansión que convertía la atractiva temática en algo banal, ya visto, soso y con poca sustancia, y que hacía plantearse si no hubiera sido mejor mantener encerrada a la célebre muñeca en el armario.

No es que “Annabelle: Creation” descubra la pólvora ni rompa moldes, pero por lo menos ayuda a resarcirse de las calamidades de su predecesora. O será por eso de que sale victoriosa cuando se las compara. Sea como fuere, lo que queda es una cinta entretenida, que no trata al espectador como un idiota, repleta de tópicos del género pero utilizados con bastante inteligencia, una mejor puesta en escena y un desarrollo que no invita al bostezo.

Por el camino, la triste pero agradecida pérdida de identidad de su responsable, un David F. Sandberg que no abusa de las manías de realización que le han hecho famoso –es decir, repetir una situación que acaba en el susto de turno-, apostando más por el terror clásico y efectivo. Mejora de paso el resultado de aquella ópera prima, “Nunca apagues la luz”, que suponía un catálogo de lo que no debe ser una propuesta de terror. Eso sí, a costa de activar el piloto automático y venderse en cierto modo a la industria del entretenimiento.

Pero en general, la sensación que sigue dejando esta precuela de la precuela es la de que las muñecas diabólicas ya no son lo que eran, de que los tiempos del mejor Chucky –el de los 90, para entendernos- quedaron atrás, y de que seguimos estando ante una muestra de que la idea original, aquella con la que James Wan nos aterrorizara hace unos pocos años, no es que dé demasiado de sí. Al menos no en las manos erróneas. Y en ese sentido, mejor volver a dejar a la muñeca en el armario.

A favor: la apuesta de su director por un terror clásico y efectivo

En contra: sigue sin estar a la altura de la idea original, y no ofrece nada nuevo salvo efectividad

Calificación ***

Merece la pena

LA CRÍTICA. It

Un monstruo viene a vernos

De todo el imaginario literario que Stephen King ha parido como fuente de inspiración en este casi medio siglo de profesión, quizá sea “It” el libro que mejor atesora y resume las pulsiones del escritor de Maine. Los miedos infantiles, la dolorosa transición de la infancia a la madurez, la pérdida de la inocencia de la manera más traumática posible… Podría decirse que es su obra definitiva a nivel temático, que no la mejor, dentro del género que le ha dado los mayores réditos en ventas.

En ese sentido, podría también asegurarse que Andy Muschietti ha hecho muy bien los deberes, y que está llamado por derecho propio a ser uno de los cineastas que mejor ha sabido entender la psicología tras las páginas de King. Su “It” constituye la adaptación definitiva que se ha hecho de una novela del maestro del terror a la pantalla grande. Muschietti ha conseguido abarcar como pocos el complejo universo de King, y su film se erige como una adaptación de la obra del escritor en general, y no solamente del libro que le da título.

Así, “It” no es únicamente una película de terror. Es una cinta sobre el terror, sobre los miedos de toda una etapa de nuestras vidas que, como adultos, seremos siempre incapaces de rememorar con detalle, por mucho que nos empeñemos en asegurar que recordamos nuestra infancia. El miedo encarnado por un malévolo payaso –formidable y aterrador Bill Skarsgard- y sus múltiples formas, el miedo que ejercen sobre nosotros nuestros propios familiares, el matón de la escuela, las amistades y alianzas rotas, la pérdida… Un miedo que su director acierta a retratar como si de un episodio de la serie “Pesadillas” se tratase, como si estuviéramos encerrados en una casa del terror. O incluso peor, en esa casa de Neibolt cuyas escenas constituyen de lo mejor y más escalofriante de todo el film.

Un relato sombrío sobre la muerte de la infancia, que exige del espectador precisamente volver la vista atrás, a los amores de verano montados en bicicletas, a la nostalgia de una época pasada dulce, pero tristemente dejada atrás. Un pacto con la infancia que nos permitirá disfrutar de su espléndido reparto de jóvenes actores, de la fantástica y tenebrosa atmósfera que ha conseguido Muschietti en cada escena, que si bien arrastra algunos escollos propios de los tiempos que corren –esos dichosos jump scares de los que tanto abusa- o del material original –las apariciones del payaso pueden hacerse repetitivas en su primer tramo-, sí que mejora algunos aspectos de éste –la escena de las diapositivas o el tramo final, de mayor contundencia-, a la par que sacrifica algunos detalles de la historia que podrían haberla enriquecido mucho más, como la historia del pueblo y sus habitantes y el papel de Pennywise en ella.

Pero en general, King puede estar más que contento. Pocas películas han logrado abarcar el ideario completo de su obra de esta manera, para recordarnos, una vez más, que los monstruos viven dentro de nosotros. Nos visitan, disfrutan viniendo a vernos y aterrorizándonos. Y como diría el propio autor, a veces ellos ganan. A veces.

A favor: lo bien que Muschietti ha sabido plasmar los miedos infantiles y la obra de King en general

En contra: que más de uno no se una al pacto de infancia que supone verla, el abuso de los jump scares

Calificación ****

No se la pierda

TAQUILLA USA. "It" devora todo a su paso, y llega con récords bajo el brazo

La taquilla USA necesitaba un empujón, después de presenciar los dos peores fines de semana de su historia en los últimos 15 años. Y lo que nadie esperaba es que dicho empujón llegase de la mano de un film de terror.

Había un enorme fanbase, el hype estaba por las nubes, y las recientes críticas positivas no habían hecho más que acrecentarlo. It, la nueva adaptación de la novela de Stephen King, llega devorando todo a su paso como un auténtico must see, entrando dentro de lo esperado con 117 millones de $. Pero además, con varios récords bajo el brazo. Por ejemplo, se ha erigido como el mejor estreno del mes de septiembre de la historia, superando a “Hotel Transylvania 2”, y como mejor dato de apertura del otoño, doblando el de “Gravity”, así como el de mejor estreno R de la historia, podio que arrebata a “Logan”.

Ante este comienzo, la pregunta es hasta dónde llegará, y lo que se espera de ella es que se convierta en la cinta de terror más taquillera de la historia, un honor del que presume “The Sixth Sense”, o que por lo menos desbanque a “El exorcista” como película de terror R más exitosa de la historia.

A nivel mundial, la cinta de Andrés Muschietti ha logrado en tres días 179 millones de $, siendo el Reino Unido el país donde más recaudación ha obtenido. Y ojo, que ya en su primer día se convertía en rentable, dado su modesto presupuesto de 35 millones de $.

Más allá de este fenómeno, poco que destacar de una taquilla hasta ahora moribunda. La comedia romántica con Reese Witherspoon Home Again no acaba de despegar y se conforma con entrar en segundo puesto con 9 millones de $. El top 5 lo completan: The Hitman´s Bodyguard, que lleva semanas aprovechando el vacío existente para dominar el box office y rascar millones, llegando ya a unos excelentes 64 millones de $; Annabelle: Creation, que pese a la presencia del monstruo de King desciende por debajo del 50%, demostrando que ha gustado al gran público, y se va ya a los 96 millones de $, además de acumular nada más y nada menos que 280 millones de $ en todo el mundo; y el drama con Jeremz Renner y Elizabeth Olsen Wind River, que ha ido escalando posiciones y en su sexto fin de semana ya atesora 25 millones de $, el doble de lo que ha costado.

Fuente: Box Office Mojo

LA CRÍTICA. Llega de noche

En el fin del mundo

El cine de terror, como los fantasmas de Guillermo del Toro en “El espinazo del diablo”, es un evento condenado a repetirse una y otra vez, a reformular viejas constantes y clichés en una mezcolanza que puede hacer parecer a las nuevas propuestas originales y rompedoras.

Esta constante universal cinematográfica, aceptada y digerida por los fans del género como imprescindible y casi inevitable, no es nada en comparación con la tendencia actual de vender los productos como algo que no son. Filmes como “Get Out”, “The Witch” o “Babadook” son buena prueba de ello, de títulos promocionados como novedosos y transgresores, pero además como cine de terror más convencional, algo que desde luego no constituyen. El que se acerca a ellas como el que se aproxima a “The Conjuring” comete un grave error, para entendernos.

 “Llega de noche”, segundo largo escrito y dirigido por Trey Edward Shults, es quizá el caso más extremo de esta publicidad peligrosa que nos hemos podido encontrar en los últimos tiempos. Porque si bien, pese a quien le pese, los casos expuestos anteriormente corresponden al cine de terror, por mucho que sus detractores aseguren que no debido a unas falsas expectativas no cubiertas, en el que nos ocupa la línea que transita va más enfocada hacia el drama y thriller rurales con leves tintes post apocalípticos, muy en la línea de “Infected” o “The Road”.

Y es una lástima que más de un espectador se sienta defraudado si se deja llevar por sus tráilers o por lo que se comenta en las redes sobre ella, porque no podrá disfrutar del tempo que el director imprime a la narración, entre tenso y pausado, de su uso de los sonidos y la banda sonora para crear ambiente, de la atmósfera opresiva que encierra un relato cuyo guión vale más por lo que no dice que por lo que realmente cuenta, del inteligente uso de un sencillo recurso cinematográfico que obliga a reflexionar sobre su desarrollo y en especial sobre su desenlace, y de un reparto plenamente convincente en el que destacan ese todoterreno llamado Joel Edgerton y el joven Kelvin Harrison Jr., auténtico motor de la trama.

Pero sobre todo, porque no podrá disfrutar del verdadero leit motiv de la película, que no es otro que ofrecer un retrato de esa especie tan temerosa de lo desconocido, tan proclive a crear barreras ante lo que viene de fuera. Ante todo aquello que no solamente llega de noche, sino que intenta refugiarse y sobrevivir en el fin del mundo.

A favor: su inteligente narrativa, su ambigüedad y su discurso

En contra: que haya quien se acerque a ella esperando un film de terror convencional

Calificación ***1/2

Merece mucho la pena

LA CRÍTICA. Déjame salir

Esa América progre

A veces es contraproducente vender un determinado producto como lo que no es. Sí, conseguirás atraer a las masas a los cines, pero corres el riesgo de que buena parte de la audiencia abandone la sala sintiéndose cuanto menos engañada porque no han visto cubiertas sus expectativas.

“Déjame salir” es uno de esos filmes que se ha sabido vender bien. No debería sorprendernos, pues el dinero lo pone un tal Jason Blum, todo un hacha en esto de saber cómo atraer al público a las salas invirtiendo más bien poco por el camino. Esto ha dado sin duda sus frutos en la cartelera USA, donde ha sido todo un bombazo en taquilla. Pero a la vez, no es que la campaña de promoción de esta película haya sido del todo acertada a la hora de mostrar en sus numerosos avances lo que en realidad nos depara la ópera prima del otrora comediante Jordan Peele, porque lo que nos regala no es terror al uso.

Que nadie se lleve a engaño ante esto. Esto sigue siendo cine de terror. Por su contenido, porque consigue meter la desconfianza y el miedo en el cuerpo, porque Peele sabe muy bien cómo enrarecer la atmósfera de su obra a través de la música y los actos de sus personajes –fantástico reparto, sin excepción-, por la historia en sí misma, todo un ensayo sobre la paranoia en esa América tan progre en su superficie pero podridamente racista en su interior. Pero no es cine de terror al uso. Es cine de terror inteligente y psicológico, una de las cintas más lúcidas y malévolas de lo que llevamos de siglo.

Una paranoia de nueva era no exenta de un soterrado y cabrón –con perdón, pero no se me ocurría otra palabra mejor para definirlo- sentido del humor, que a un servidor le ha hecho pensar en la formidable “Society” de Brian Yuzna. El director juega con el espectador continuamente, le ofrece un enorme McGuffin tras otro sin que se dé cuenta de lo que realmente está pasando, y cuando por fin se percate de dónde está el meollo de la cuestión será cuando esa manera tan mezquina y ruin de pensar que todos atesoramos en nuestro interior brote como la espuma.

Subversiva, valiente, repleta de mucha mala baba, hilarante hasta cierto punto, manipuladora hasta otro cierto punto tan arriesgado como bienvenido… Lo más loable de esta “Déjame salir” es que logra que el espectador entre en su juego y se revele como lo que realmente es. Como lo que realmente es esa América guay surgida de la era post Obama, ésa que cacarea a los cuatro vientos con orgullo su tolerancia ante la racista política Trump. Toda una nación cuyos ideales son extrapolables a los de todo el universo conocido. En el fondo, aunque no lo reconozcamos, todos somos un pelín racistas.

A favor: lo bien que sabe jugar con el espectador

En contra: haberla vendido casi como lo que no es

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Múltiple (Split)

Juguetes rotos

Podemos confirmarlo. Ya la estupenda e infravalorada “La visita” lo anticipaba. Pero con su nuevo trabajo podemos confirmarlo. M. Night Shyamalan, el contador de historias, el del sentido del humor marciano, el creador de atmósferas y situaciones que bordean lo inverosímil y lo fascinante, ha vuelto. “Split” es la confirmación que necesitábamos. La vuelta de un cineasta clave en el género fantástico del nuevo siglo.

Con ella, el cineasta de origen indio nos brinda a su particular Norman Bates –los ecos del “Psicosis” de Hitchcock resuenan en más de una línea narrativa y plano-, en las 23 –más una, la más escalofriante de todas- personalidades de ese Kevin al que un descomunal James McAvoy presta aptitudes y maneras, capaz de matizar cada nueva identidad con una simple mirada o un gesto en su rostro. Un thriller psicológico que habla de las capacidades infinitas de la mente humana para hacer realidad aquello en lo que cree, bien expuesto y desarrollado, en el que posiblemente sea uno de los trabajos más concienzudos del director a nivel de guión, lo cual no es moco de pavo viniendo del responsable de joyas como “El bosque” o “El sexto sentido”.

Una vez más, lo que inquieta y sorprende de la película es la facilidad con la que Shyamalan consigue hacerte entrar en su juego y que sigas sus reglas, que te dejes llevar por su distorsionada manera de entender la ficción, y que aquello que en otras manos resultaría pasado de rosca y ridículo, aquí se torna estremecedor –el momento reptil en la pared, por ejemplo-. Pero por supuesto, exige una enorme predisposición por parte del espectador para dejarse llevar, algo que no supondrá un gran problema para los fans del realizador.

Ésa ha sido siempre el arma de doble filo de Shyamalan, un arma que en esta ocasión está más afilada que nunca. Porque esta fábula macabra sobre la lucha contra los miedos internos y las bestias personales, este tour de force entre dos juguetes rotos por circunstancias similares pero con recorridos vitales totalmente opuestos -maravillosa y magnética Anya Taylor-Joy, la antagonista perfecta para el monstruo-, es la más arriesgada y osada de su creador hasta la fecha. Y lo es por ese desenlace en el que Shyamalan se quita una espina que tiene clavada desde hace más de quince años. Lo que viene antes son casi dos horas de excusa para, como dice Kevin durante el film, dar la bienvenida a algo mayor. Su manera de decir al séptimo arte que sigue aquí, y que él es capaz de crear su propio universo cinemático. Y si es ésa su idea, bienvenida sea. Al fin y al cabo, él también es otro juguete roto. Disneyiano, para ser exactos.

A favor: James McAvoy, la confirmación de la vuelta de Shyamalan, y la osadía de su desenlace

En contra: que su osadía puede ser confundida con el ridículo

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. La autopsia de Jane Doe

Necropsia narrativa

Puede parecer que aún es demasiado pronto para hablar en estos términos, puesto que tan sólo cuenta con tres trabajos a sus espaldas, pero ha sido suficiente para vislumbrar cierta coherencia en la carrera que hasta ahora lleva el noruego André Øverdal. Si en “Future Murder” hablaba de la paranoia como manera de fundir de manera peligrosa la realidad con las ensoñaciones, y en “Troll Hunter”, su mejor obra hasta la fecha, aprovechaba el found footage como portal cinematográfico capaz de unir esa misma realidad y el folklore, en su nuevo trabajo se adentra progresivamente en otra leyenda popular, en este caso norteamericana, al mismo ritmo que sus dos protagonistas van diseccionando el cadáver de esa Juana Nadie que da título al film.

Porque “La autopsia de Jane Doe” es, en sí mismo, un ejercicio de necropsia narrativa que va mutando hacia el terror, sustentado fundamentalmente en la fuerza de un libreto que sabe captar interés y generar suspense en torno a las causas de la muerte de su inerte coprotagonista. Øverdal no necesita de mayores artificios que dejarse llevar por el desarrollo de la historia para intrigar al espectador, valiéndose además del solvente trabajo de Emile Hirsch y el gran Brian Cox.

Pero tan sólo en el relato. Uno de sus talones de Aquiles reside precisamente en el hecho de que su director no es capaz de sorprender a nivel cinematográfico con su trabajo tras la cámara. El resultado es una propuesta que vale más por lo que cuenta que por el cómo lo hace, y que acaba convirtiendo sus giros de guión en un film de terror repleto de tópicos, uno de manual filmado con más corrección que inspiración, a ratos inquietante y estremecedor, pero nada trascendente ni remarcable.

Así, lo que queda es una película bastante sugerente, mejor que otras mejor valoradas del pasado año, a pesar de que termine usando buena parte del manido abanico de recursos del género. Una que confirma la predilección de Øverdal por el fantástico, por jugar con la “realidad”. Aunque en este caso no lo haya hecho a nivel artístico, y el proceso de necropsia que propone se va pudriendo más que creciendo interiormente. Justo lo contrario que nuestra querida Jane Doe.

A favor: lo bien que atrapa su guión

En contra: su rutinaria y correcta dirección

Calificación ***

Merece la pena