LA CRÍTICA. Valerian y la ciudad de los mil planetas

Trash Space Odyssey

Quizá sea Luc Besson el cineasta mainstream europeo que mejor ha sabido hacerse un hueco en Hollywood, ya sea como productor, como guionista o como director. De los que mejor han sabido mimetizarse con la industria del entretenimiento venido del Nuevo Mundo, también sea dicho de paso. Es difícil saber dónde empieza la maquinaria hollywoodiense y dónde acaba la impronta europea en sus filmes, incluso en aquellos que cuentan con capital del viejo continente. También podría decirse que Besson es un auténtico sibarita de la imagen. Cuando se le da el capital suficiente no escatima en medios para ofrecer experiencias audiovisuales difíciles de igualar, ni siquiera para los más veteranos directores de la Meca del Cine.

“Valerian y la ciudad de los mil planetas” tiene mucho de ambas vertientes. Es un producto europeo, local por así decirlo, pero con la impronta de un blockbuster norteamericano. Efectos especiales de infarto y un trabajo de escenografía, maquillaje, dirección artística, vestuario, montaje y sonido ejemplares. Todo su apartado técnico es tan fastuoso, tan atractivo y está tan cuidado al detalle, que aquellos a los que sólo les importa la parte visual de un producto la elevarán, y con razón, más allá del universo conocido.

Y es la enésima muestra de que el galo, más que experiencias audiovisuales, propone viajes extrasensoriales, en este caso de odisea espacial cargada de alucinógenos, de space opera psicotrópica con poco miedo al ridículo. Ahí están las pasadas de vueltas aportaciones de Ethan Hawke y Alain Chabat para atestiguarlo, compensadas con el rictus actoral del otrora excelente actor Clive Owen.

Aunque quizá no demasiado psicotrópica. Porque Besson parece empeñado en convertir su producto en algo cercano al gran público, tratando de ser cool a pinceladas. Los créditos iniciales son guay, a ritmo del Bowie de “Space Oddity”, pero baja el listón con una interminable escena en un planeta en el que da rienda suelta a sus ansias visuales, y con la posterior presentación de personajes. No ayuda tampoco que meta tramas secundarias aún más sosas que la principal –ay, esa Rihanna-, ni que la pareja protagonista esté encarnada por Dane DeHaan y Cara Delevingne, posiblemente el dúo con menos química del cine reciente. Él porque no cuela como héroe intergaláctico, y ella porque debería aprender que actuar es algo más que echar miradas. Hay momentos puntuales de puro entretenimiento, como la escena de escape en el Big Market, y la excelente partitura de Alexandre Desplat intenta incrementar la sensación de que todo es cool, pero las imágenes y el guión a los que acompaña no ayudan.

Es como si Besson tratase de llegar a más espectadores convirtiendo su nueva propuesta en “Guardianes de la galaxia”, o en su ya icónica “El quinto elemento”, pero con miedo a las comparaciones. Y lo que resulta es un quiero y no puedo constante entre una película que quiere ser guay, graciosa y la quintaesencia del cine de entretenimiento, y una serie de situaciones y personajes que no aportan su grano de arena a que ello ocurra. Eso sí, bien merece la entrada por su apartado visual. Lo demás, directo a un agujero negro. Pura Trash Space Odyssey. Y no es un cumplido.

A favor: el apartado audiovisual, sublime

En contra: su quiero y no puedo constante entre el film cool y divertido en que pretende convertirse pero que no alcanza a ser

Calificación **

Se deja ver

LA CRÍTICA. Wonder Woman

La octava maravilla de DC

“Creerás que el hombre puede volar”. Ésta era la frase promocional con que se vendía la que a día de hoy sigue siendo la película más trascendental dentro de cine de superhéroes, por aquel entonces confinados a la serie B o a las escuetas dimensiones de la caja tonta. Richard Donner ponía los cimientos de la primera maravilla de DC, de lo que sería un nuevo género a explotar, uno que sorprendería y maravillaría a toda una generación de espectadores.

No se puede decir que “Wonder Woman” consiga el mismo objetivo que el “Superman” de Donner. No es una película que innove ni lleve el género a otro nuevo nivel, pero sí que durante su metraje se puede vislumbrar un sentimiento de nostalgia hacia ella y un pulso narrativo que la alejan de lo que DC nos viene ofreciendo desde que Zack Snyder diera el pistoletazo de salida a un nuevo universo compartido con “El hombre de acero”. Aquí no existe la trascendencia de Nolan, no estamos ante la oscuridad de Burton, ni ante la grandilocuencia mal interpretada y aún menos valorada del propio Snyder.

Lo que tenemos es una aventura épica y entretenida de más de dos horas consciente de su esencia de blockbuster, más enfocada al gran público que las más recientes cintas de DC, pero sin perder de vista el tono oscuro y maduro que la editorial exige. Todo nos remite automáticamente a lo que hace casi cuarenta años pretendía y conseguía el realizador de “Los Goonies”, pero con el hándicap de que todo en ella ya lo hemos visto antes, de que no ofrece nada nuevo.

Pese a esta convencionalidad, a no destacar precisamente por su autoría, a un ¿inevitable? tercer acto de dimensiones divinas algo desfasado con respecto al resto de la cinta, y pese a unos efectos especiales bastante mejorables, la sensación que deja es de satisfacción personal, de film robusto a nivel argumental, temático y narrativo. Cumple sobradamente su doble propósito de entretener y tomarse lo suficientemente en serio a sí misma como para presentar con solidez a su personaje protagonista. Y además constituye todo un logro en varios frentes. En primer lugar, por su marcado y acertado carácter feminista y humanista, que no cae en el discurso panfletario, y en segundo lugar, porque permite la reconciliación de gran parte de la audiencia -críticos incluidos- con DC, después de los recientes patinazos de guión y/o montaje de “Batman v Superman” y “Suicide Squad”.

Warner y DC pueden estar orgullosos de esta Mujer Maravilla. De la belleza inabarcable y el talento interpretativo de Gal Gadot, de su química en pantalla con Chris Pine, de hacer un producto convencional y correcto pero necesario para la compañía y consistente por sí solo, con la que se quita esa espina clavada por culpa de las malas decisiones tomadas en los despachos de algún ejecutivo con no demasiadas luces. No sabemos si se impondrá esta tendencia, lo cual podría suponer una menor autoría de sus responsables, pero ya es un comienzo. Su ansiada octava maravilla.

A favor: Gal Gadot y la convencionalidad y corrección de la cinta, justo lo que DC necesitaba

En contra: un tercer acto algo desfasado y exagerado

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Guardianes de la Galaxia Vol. 2

Todos somos Groot

Aquel “Somos Groot” con el que daba por finalizada la space opera de James Gunn en el primer volumen de este Awesome Mix que amenaza con volver en un futuro más digital, con casi 300 canciones, definía aquello en lo que se convertiría con los años su entrada triunfal en el universo marvelita. El realizador lograba insuflar de vida a una casa en la que el ingenio y la autoría no son el ideal a seguir a través de unos personajes, de un simpaticón toque retro y de un sentido del humor a medio camino entre la comedia familiar y el chiste friqui y pasado de rosca. Elementos todos ya tan característicos e identificables que nos obligaban a todos a decir eso de “Todos somos Groot”.

Porque Starlord, Gamora, Drax –bravo por darle más cancha-, Rocket Fox –perdón, Racoon-, Yondu y ahora el pequeño Baby Groot, convertido en amo y señor de los momentos más divertidos y tiernos de esta secuela, a sabiendas del enorme tirón que tiene entre las masas, ya son viejos conocidos. Y es ésta la carta más difícil que debe jugar “Guardianes de la galaxia Vol. 2”, la de desmarcarse de su predecesora, la de evitar las comparaciones. No es que salga perdiendo, pero tampoco ganando.

Gunn sabe de sobra que superar lo hecho hace tres años es inútil, y se limita a dejarse llevar por el devenir de su historia y por sus carismáticos personajes. Es ligeramente más profunda y oscura, pero el espíritu festivo sigue ahí. El sentido del humor sigue siendo cristalino y a veces subido de tono, pero ya lo hemos visto. La escena de créditos iniciales, a ritmo de música y baile, y ahora plano secuencia y a la vez fuera de campo, divierte, pero ya la hemos visto. A sus protagonistas, aunque les conozcamos un poquito más con este film, ya les conocemos.

Y así y todo, no le hace falta desmarcarse para ser un ente propio. Sí, carece del elemento sorpresa, pero Gunn sabe imprimirle la suficiente alma al producto para asegurar dos horas de diversión a raudales, más una buena dosis de inventiva –atención a la escena de fuga de la nave de los Ravagers, o el psicodélico viaje entre universos-, que sigue alejándola de otros productos marvelitas. Incluso su incidencia en la trama principal de “Los vengadores” es menos significativa, por no decir que inexistente. Sabe cómo no copiarse a sí mismo, y ahí demuestra su libertad creativa dentro de una casa en la que esto es prácticamente una quimera.

Los Guardianes de la Galaxia, ahora más salvadores que guardianes, volverán en una nueva odisea pulp espacial. Y seguramente la capacidad de sorpresa será aún menor. Pero si el nivel de entretenimiento es tan alto y la fuerza de las ataduras comerciales son tan flojas como en la que nos ocupa, habrá que unirse de nuevo a la fiesta. Y decidir si somos de los que bailan, o de los que no mueven un pelo hasta parecer cadáveres.

A favor: su capacidad de inventiva y la sobredosis de entretenimiento que propone

En contra: ha perdido ligeramente la capacidad de sorpresa

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Kong: La Isla Calavera

Hail to the King!

A veces no somos realmente conscientes de que las grandes superproducciones hollywoodienses no están exentas de una ideología, de que bajo sus fotogramas subyace una serie de ideas que sus responsables tratan de transmitirnos, propias muchas veces de la época en que se concibieron. Y aquella historia con la que Merian C. Coper y Ernest B.Schoedshack llevan maravillándonos desde hace más de 80 años, sobre un enorme gorila que acababa encandilado por la belleza y arrastrado por la codicia del ser humano fuera de su hábitat, no iba a ser menos.

Pero sobre todo, “King Kong” ha sido, y será siempre, una historia de aventuras. Y lo ha sido en cada una de sus distintas versiones. “Kong: La Isla Calavera” explota ese concepto, quizá más que cualquiera de sus predecesoras. Eso no quiere decir que los temas recurrentes de toda la serie protagonizada por este simio no estén presentes. Lo están, pero esta película es, ante todo, puro cine de aventuras.

El film es deudor, especialmente, de la denostada versión que John Guillermin dirigiera en 1976.  Y de la de Peter Jackson, pero sin sus delirios de grandeza transformados en exceso de metraje. Y de la de 1933. De todas en general. Porque “Kong: La Isla Calavera” no es más que un pastiche de algo que ya hemos visto, un cúmulo de clichés, situaciones inverosímiles –el momento sable en medio de la nube de humo tóxica, para enmarcar- y personajes de encefalograma plano. Pero lo compensa con una sobredosis de entretenimiento. Buscar en ella algo más que esto, algo como un guión robusto y unos personajes perfectamente trabajados sobre el papel, es perder el tiempo. Su objetivo no es otro que entretener durante las dos horas que dura. Es el pulso en la dirección, el sentido del ritmo y múltiples golpes de ingenio tras la cámara por parte de su responsable, Jordan Vogt-Roberts, lo que la convierten en un producto absolutamente disfrutable y divertido.

Pero un producto prefabricado.  “Kong: La Isla Calavera” no es solamente un torrente de formidables efectos especiales y entretenimiento a raudales, no es solamente un feliz regreso al mejor cine de aventuras y monstruos clásicos. Es un film que pertenece a un plan mayor que sí mismo. La continuación de ese monstruoverso que Warner comenzara con la aburrida y sosa “Godzilla” de Gareth Edwards. Los blockbusters de bichos gigantes de mediados del siglo XX, ese que hace poco más de medio siglo hiciera enfrentarse a Kong, a Godzilla o a King Ghidorah, están de vuelta. Y de enhorabuena si siguen este camino. Ahora sólo falta coronar al nuevo rey en este universo. Hail to the King!

A favor: lo bien que recupera la esencia del mejor cine de aventuras y monstruos clásicos, y lo mucho que entretiene

En contra: su cúmulo de clichés y su encefalograma plano

Calificación ***1/2

Merece mucho la pena

LA CRÍTICA. Rogue One: Una historia de Star Wars

Una nueva esperanza

Todo comienza con unas palabras ya implantadas con fuerza en el imaginario colectivo. Unas letras azules sobre un fondo negro que ya son historia del cine, que anuncian una historia que comenzó hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana. Pero a continuación, se produce un corte. No vemos el título que todos esperamos, ni la famosa secuencia inicial de letras amarillas que se pierden en el vacío del espacio.

Es la primera de muchas rupturas formales que propone “Rogue One: Una historia de Star Wars”, consciente de su propia independencia. Más dura, más oscura, menos cercana a todos los públicos. A partir de ahí, ni cortinillas ni la partitura de John Williams, elementos característicos de un universo que no deja de expandirse, hasta ahora en televisión, videojuegos, cómics y libros.

Porque el mundo creado por George Lucas es tan rico en historias como estrellas hay en el firmamento. Y la película de Gareth Edwards demuestra que no es necesario tirar de nostalgia impostada, de copiar el trabajo ya hecho para atrapar a las viejas y nuevas audiencias. En ese sentido, la bofetada que le da a J.J. Abrams es más que sonora.

Pero a la vez que acierta con un relato que igualmente pudo haberse narrado en cualquier otro medio, la ruptura que plantea la hace distanciarse de lo que es realmente esta saga. Y es ahí donde “El despertar de la fuerza” se erige por encima de ella. A este producto destinado a amasar millones a toda costa, idea de una factoría que todo lo fagocita y en cierto modo prostituye –ahí quedan sus clásicos animados convertidos a innecesaria imagen real-, le falta la magia ochentera que Abrams sí supo capturar. No hay carisma ni trascendencia en sus personajes protagonistas –algunos de los secundarios sí salvan la función del hastío-, ni en sus villanos, ni siquiera en su trama. La baña una sosería general que ya acompañaba a la anterior obra de su director, aquella “Godzilla” de poderosas imágenes pero de encefalograma plano.

Afortunadamente, la última hora consigue aumentar el nivel de la producción, con la mejores escenas de acción y bélicas que ha dado toda la serie de películas. Pero no consigue compensar una primera mitad carente de la emoción y de esa capacidad para perdurar en la memoria que han ido de la mano desde que Lucas nos maravillara hace casi cuarenta años. Lo que queda es un fanfiction destinado a vender tickets, que en ningún momento llega a ser una mala película, pero sí una que no consigue unir al espectador con lo que se cuenta. Un acto de rebelión hacia “Star Wars” por parte de sus responsables, pero que no conduce hacia una nueva esperanza.

A favor: su ruptura con la estructura clásica de la saga, y la poderosa segunda mitad

En contra: la sosa primera mitad, y que el acto de rebelión formal que propone no conduce a una nueva esperanza

Calificación ***

Merece la pena

LA CRÍTICA. Star Trek: Más Allá

Esperanza en lo imposible

“Star Trek: Más Allá” comienza de manera contemplativa, con James T. Kirk echando la vista atrás y haciendo balance de una misión que se alarga ya tres años en el tiempo y que separa a toda su tripulación de sus familias.  No es extraño que la USS Enterprise afronte su nueva travesía de manera pausada, reposada, sin apostar por el non stop que suponían los comienzos de sus dos predecesoras. Porque a la creación de Gene Roddenberry le pesan los años tanto como a su ahora más experimentado y maduro capitán. Cincuenta, para ser exactos.

Y lo hace de manera nostálgica. Porque si bien no está a la altura de las dos anteriores, este nuevo salto hacia territorio inexplorado recupera buena parte de la esencia del referente catódico y la serie de películas original. Con un lavado de cara acorde a los tiempos que corren, por supuesto, y aunando el sentido del espectáculo con el que J.J. Abrams renovara la franquicia allá por 2009 con ese aroma a opereta especial tan encantadoramente geek que convirtiese al producto original en todo el fenómeno de masas que es hoy en día.

Todo en ella es distinto a lo que ya habíamos visto en los dos primeros capítulos. El guión se nota escrito por Simon Pegg por la predominancia de un humor de lo más inteligente y acertado, muy propio del comediante británico pero también de lo más trekkie, que tiene enormes aciertos como convertir a Bones y Spock en una nostálgica pareja cómica, y la ágil dirección de Justin Lin apuesta por pervertir las leyes físicas, concibiendo los escenarios como si de una cámara antigravedad se tratase, donde el arriba y el abajo se confunden continuamente. El villano cumple, el reparto mucho más –atención, porque aquí Chris Pine tiene más porte de capitán que nunca-, y la espectacularidad de las escenas de acción está garantizada. Y todo acompañado, por si fuera poco, por la excelente, y también reflexiva, partitura de Michael Giacchino.

Puede que haya quien eche de menos a Abrams y su manera de inyectar savia nueva a la saga, y quien se muestre temeroso ante la elección de Lin. Pero esta vuelta a los orígenes, pese a ofrecer algo ya visto, contiene la suficiente dosis de diversión como para hacer pasar el rato en una cartelera veraniega algo falta de entretenimiento con pedigrí de blockbuster. Y permite a su director, además, continuar con el discurso sobre la importancia de la familia que ya iniciase con “Fast & Furious”. Aquí a una escala mucho mayor. Interplanetaria. Así que tranquilos. Sus muchos problemas de producción no dañan el resultado final. La Enterprise sigue en buenas manos. A veces hay que mantener la esperanza en lo imposible.

A favor: la vuelta a los orígenes de la franquicia, pero sin dejar de lavarle la cara

En contra: que habrá quien eche de menos lo iniciado por sus dos predecesoras

Calificación *****

Imprescindible

LA CRÍTICA. Star Trek: Más Allá

Esperanza en lo imposible

“Star Trek: Más Allá” comienza de manera contemplativa, con James T. Kirk echando la vista atrás y haciendo balance de una misión que se alarga ya tres años en el tiempo y que separa a toda su tripulación de sus familias.  No es extraño que la USS Enterprise afronte su nueva travesía de manera pausada, reposada, sin apostar por el non stop que suponían los comienzos de sus dos predecesoras. Porque a la creación de Gene Roddenberry le pesan los años tanto como a su ahora más experimentado y maduro capitán. Cincuenta, para ser exactos.

Y lo hace de manera nostálgica. Porque si bien no está a la altura de las dos anteriores, este nuevo salto hacia territorio inexplorado recupera buena parte de la esencia del referente catódico y la serie de películas original. Con un lavado de cara acorde a los tiempos que corren, por supuesto, y aunando el sentido del espectáculo con el que J.J. Abrams renovara la franquicia allá por 2009 con ese aroma a opereta especial tan encantadoramente geek que convirtiese al producto original en todo el fenómeno de masas que es hoy en día.

Todo en ella es distinto a lo que ya habíamos visto en los dos primeros capítulos. El guión se nota escrito por Simon Pegg por la predominancia de un humor de lo más inteligente y acertado, muy propio del comediante británico pero también de lo más trekkie, que tiene enormes aciertos como convertir a Bones y Spock en una nostálgica pareja cómica, y la ágil dirección de Justin Lin apuesta por pervertir las leyes físicas, concibiendo los escenarios como si de una cámara antigravedad se tratase, donde el arriba y el abajo se confunden continuamente. El villano cumple, el reparto mucho más –atención, porque aquí Chris Pine tiene más porte de capitán que nunca-, y la espectacularidad de las escenas de acción está garantizada. Y todo acompañado, por si fuera poco, por la excelente, y también reflexiva, partitura de Michael Giacchino.

Puede que haya quien eche de menos a Abrams y su manera de inyectar savia nueva a la saga, y quien se muestre temeroso ante la elección de Lin. Pero esta vuelta a los orígenes, pese a ofrecer algo ya visto, contiene la suficiente dosis de diversión como para hacer pasar el rato en una cartelera veraniega algo falta de entretenimiento con pedigrí de blockbuster. Y permite a su director, además, continuar con el discurso sobre la importancia de la familia que ya iniciase con “Fast & Furious”. Aquí a una escala mucho mayor. Interplanetaria. Así que tranquilos. Sus muchos problemas de producción no dañan el resultado final. La Enterprise sigue en buenas manos. A veces hay que mantener la esperanza en lo imposible.

A favor: la vuelta a los orígenes de la franquicia, pero sin dejar de lavarle la cara

En contra: que habrá quien eche de menos lo iniciado por sus dos predecesoras

Calificación *****

Imprescindible

LA CRÍTICA. Sharknado: Que la 4ª te acompañe

Entretenimiento a la cuarta

Hace ya una entrega que “Sharknado” dejó de ser el fenómeno más rentable de la historia de la cadena SyFy, la abanderada del cine cutre, a pesar de que hay más ilustres y entretenidas producciones de serie B y Z por ahí pululando, para pasar a ser una franquicia en toda regla. Concretamente desde que se atreviera con las odiseas espaciales y mostrase un afán continuista que suponía un rara avis en la saga.

Pero esta serie de filmes no puede ser analizada como cualquier otra franquicia conocida porque, sencillamente, sus responsables hacen lo que les da la gana y no atienden a las reglas de la industria. Por ello, esperar que cada nueva entrega supere a la anterior es una pérdida absoluta de tiempo.

De hecho, la concepción que del concepto de franquicia tiene el señor Anthony C. Ferrante y el guionista Thunder Levin es más básica que el mecanismo de funcionamiento de una motosierra. “Sharknado: Que la 4ª te acompañe” apuesta por el más difícil todavía, por elevar a la cuarta una fórmula que lleva dando éxito a sus creadores desde hace tres años. Esto se traduce en más chistes cafres a costa de sus cameos y referencias cinematográficas –desde “La matanza de Texas” o “El mago de Oz” hasta “Los vigilantes de la playa”, pasando, cómo no, por “Star Wars: El despertar de la fuerza”-, y una absoluta falta de sentido del ridículo a la hora de manejar personajes, interpretaciones, pasajes que dejarían la imposibilidad de la franquicia “Fast & Furious” en entredicho, y todo aquello que Hollywood atesora como estandarte de sus blockbusters. Es decir, espectacularidad y aparatosos efectos especiales.

Y pese a que sigue siendo un divertimento para desconectar neuronas durante hora y media, lo que más podría achacársele a estas alturas es que no explote hasta el infinito todo su potencial. Nunca llega a tirar la casa por la ventana. Se contenta, simple y llanamente, con ser lo que se espera de ella. Para muestra, una escena, aquella en la que sus protagonistas resurgen del interior de un pez grande que se ha comido al más chico. Hasta ahí llega su nivel de innovación. Hasta la cuarta potencia. Pero quizá el error sea seguir buscándole las cuatro aletas al tiburón a una producción de esta cadena.

A favor: que entretiene, lo cual ya es mucho

En contra: sigue sin explotar todo su potencial

Calificación **

Se deja ver

LA CRÍTICA. Dioses de Egipto

Mitología de cartón piedra

Hubo un tiempo en que los dioses compartían la Tierra con su imperfecta creación, los humanos. Un tiempo de paz en el que todos tenían ganado el acceso al Más Allá. Y hubo un tiempo en que Alex Proyas engrosaba la lista de cineastas prometedores, de directores mundanos que con el paso de los años podrían ocupar un lugar entre los dioses de la realización. Al menos en lo que a fantástico se refiere.

“Dioses de Egipto” es la misiva definitiva, la prueba irrefutable de que el visionario director de las espléndidas “Dark City” o “El cuervo” está perdido en el infierno de la comercialidad, sin posibilidad aparente de redención. Una comercialidad de la que lleva haciendo gala desde que Hollywood le fagocitara con “Yo, Robot” y posteriormente con la incomprendida e infravalorada “Señales del futuro”. Pero incluso entonces seguía manteniendo cierta carga de profundidad, oscuridad y, especialmente, calidad.

Aquí todo eso se ha perdido. Su nuevo film tiene ideas de lo más interesantes y atrevidas, todas ellas surgidas de su manera de reformular la mitología en forma de escenarios digitales de lo más imaginativos, de deidades pasadas de rosca y de criaturas egipcias fantásticas. Pero la mitología que exhibe es de cartón piedra, pura amalgama digital en la que sus actores se desenvuelven sin un solo atisbo de credibilidad interpretativa -se salva Nikolaj Coster-Waldau, el único que parece tomarse en serio la función- ni técnica –los efectos especiales pierden en cuanto los personajes de carne y hueso deben interactuar con ellos-, en la que el guión se muestra soso y aburrido, con una estructura episódica por fases que se resuelven de la manera más simple posible, y en la que sus dos horas de metraje pesan como si duraran el doble.

Y es una lástima, porque “Dioses de Egipto” tiene una componente de lo más kitsch en su diseño artístico, que debió ir acompañada de un desarrollo mucho más entretenido, más desvergonzado y audaz. En su lugar tenemos una insulsa película de aventuras que convierte a la nueva “Furia de titanes” y su secuela en piezas cuanto menos entretenidas, y que no merece ocupar un puesto junto a los dioses. Al contrario, merece estar entre lo peor del año.

A favor: su manera de jugar con la mitología egipcia

En contra: que dirección, efectos, actores y guión no la acompañen

Calificación *

Ni se moleste

LA CRÍTICA. Orgullo + Prejuicio + Zombis

Espadas y sortijas

Antes de que la serie “The Walking Dead” pusiera de moda a los muertos vivientes, Seth Grahame-Smith pervertía el clásico de Jane Austen situándolo en plena hecatombe zombi victoriana, en forma de parodia que jugaba con la historia a su antojo hasta tal punto que ni la locura del rey Jorge III podía salvarse de su influjo. Pero ahora que nos encontramos ante una fiebre masiva de títulos televisivos y cinematográficos que tratan de explotar con mayor o menor fortuna la temática, parecía obligatorio para el séptimo arte llevar a la gran pantalla esta obra en forma de despreocupado divertimento para masas no demasiado exigentes.

Y eso es “Orgullo + Prejuicio + Zombis”, un intento de entretenimiento ligero para espectadores que no pidan mucho a la hora de dejarse dinero en taquilla. Porque sólo de esa manera se puede disfrutar de este despropósito en el que no priman las espadas sobre las sortijas, sino curiosamente todo lo contrario. Hay más de “Orgullo y prejuicio” en sus minutos de metraje que de vísceras, acción y sangre. Que la hay, pero muy mal digitalizada. Y hay zombis, sí, pero el maquillaje digital canta a la lengua. Y hay acción, no se preocupen, pero acaban imponiéndose y pesando esos diálogos petulantes que intentan convertirla en un film de época. Es decir, que no combina nada bien su pretensión de ser esto último con la de convertirse en un blockbuster digno y divertido, en el que lo único destacable es el concepto de zombi que maneja.

Y no ayuda tampoco un reparto de actores que no está por la labor de hacer verosímiles a sus personajes –ni Lena Headey ni Charles Dance se salvan de la quema-, unas escenas de acción mal rodadas, el exceso de CGI del cutre, la inclusión de más de una salida de tono para aligerar la pesada carga que suponen sus casi 100 minutos de duración –ay, Matt Smith; ay, esa escena de discusión entre sus dos protagonistas-, y la sensación de film inacabado, como hecho con prisas, donde ni la iluminación de los exteriores ni el ritmo son los adecuados.

Lo que queda es una amalgama de amoríos, de dimes y diretes entre personajes. Los zombis están de más, no son sino una excusa para activar la trama. De hecho, no se preocupan por ellos hasta el acto final, cuando parece acordarse de que había algo que contar en ese sentido y deja atrás los continuos tiras y aflojas entre sus protagonistas. Para hacer otra nueva versión de la novela de Austen no era necesario tomar como excusa la de Grahame-Smith. Habrá a quien le interese y vaya al cine a verla. Incluso quien la disfrute. Pero hay que tener las expectativas realmente por los suelos para lograrlo. Y verdaderas ganas de seguir engullendo historias sobre muertos vivientes. Yo ya estoy servido.

A favor: el concepto de los zombis que maneja

En contra: todo lo demás

Calificación *

Ni se moleste

LA CRÍTICA. El renacido (The Revenant)

La venganza está en manos del creador

Hay filmes que llegan revestidos de una generosa pirotecnia, de una condición de must see impuesta por una crítica supuestamente especializada que sabe ver más allá de los artificios, mucho más que el resto de los simples mortales. Puro espectáculo visual, como diría el Cuarón de “Gravity”, pero en ocasiones carente de un contenido argumental que te haga sentir lo que las imágenes tratan de evocar.

Viendo “The Revenant” es imposible no pensar en el cine de Terrence Malick. No porque la película tenga una importante carga moral y metafísica, que no la tiene ni por asomo, ni por el uso de la voz en off en ciertos pasajes del relato, sino porque tras la fotografía figura un genio como Emmanuel Lubezki.

Sin embargo, hay algo que distancia a Alejandro G. Iñárritu de Malick, y es la sensibilidad con la que contar una historia que pretende evocar sentimientos a través de sus bellas imágenes. Porque Malick y Lubezki han sabido fusionarse tanto en lo argumental como en lo meramente técnico. Iñárritu, desafortunadamente, parte de un guión mucho más básico que no acaba por darse la mano con la forma en que se cuentan algunos de los pasajes más hermosos de esta historia de supervivencia cruda y realista.

Porque eso sí consigue ser “The Revenant”, un survival duro, salvaje, que martilla y golpea al espectador en lo visual, pero que deja frío en el guión. Y con todo, no deja de ser una muy buena película. Por sus planos secuencia, por escenas tan difíciles para la vista humana como la del ataque del oso, por dos actores como Leonardo DiCaprio y Tom Hardy que se comen la pantalla, por la ambientación y la banda sonora. Y cómo no, por la excelente fotografía de todo un genio de nuestro tiempo.

Pero le sigue faltando el acompañamiento de un guión mucho más rico en matices y significados. En ese sentido, “Birdman” era mucho más robusta, más experimental y satisfactoria. Y por qué no decirlo, más deliciosa en todos los aspectos, tanto a nivel cinematográfico como conceptual. Aquí lo que queda es un trabajo más alimenticio en el que el verdadero creador es Lubezki. En sus manos queda esta historia de venganza, de la cual su amigo mexicano es más espectador pasivo que artífice.

A favor: la parte técnica del producto, y sobre todo el trabajo de Lubezki

En contra: la parte argumental y el guión

Calificación ***1/2

Merece mucho la pena

LA CRÍTICA. Pesadillas (Goosebumps)

La risa del muñeco malvado

En un momento de “Pesadillas”, el personaje de R.L. Stine se ríe de Stephen King, argumentando que ya quisiera el autor de “It” o “El resplandor” escribir como él. Curiosamente, estas palabras encierran más un intento de ridiculizar al propio Stine que de encumbrarle o rendirle homenaje. Porque ambos autores comparten algo más que su predilección por el fantástico, y es su condición de escritores mecánicos, capaces de escribir libros como si de una cadena de montaje se tratase.

La adaptación cinematográfica obedece a esta misma concepción de producto prefabricado, marca Sony, destinado a satisfacer a familias enteras sin mayor ambición que esa. Un concepto que también encerraba el material de partida, y que esta película ha heredado. Porque a diferencia de King, las historias de Stine acabaron siendo carne de niños y adolescentes, tal y como confirmaría la célebre serie de televisión basada en las páginas de sus libros.

Así, “Pesadillas” rinde homenaje a toda una serie de novelas de mayor o menor calidad. Sin ensalzarlas, utilizándolas solamente como McGuffin de una historia en la que el propio novelista, encarnado por un carismático Jack Black, se enfrenta a toda una horda de sus criaturas. Zombies, mantis religiosas, gnomos asesinos, y por supuesto el inolvidable Slappy, pueblan los fotogramas de esta aventura de terror familiar dirigida por Rob Letterman, todo un especialista en el género, que se homenajea a la vez a sí mismo en forma de dinamismo –el mismo que la divertidísima “Monstruos contra alienígenas”- y de fantasías gulliverianas previas.

Lo que resulta es un film entretenidísimo, muy propio tanto de las navidades como de Halloween, que hará las delicias de los mayores, por pura nostalgia, y de los más pequeños. Por el camino, eso sí, atesora no pocas incongruencias de guión, y deja un regusto a “Jumanji” del que le es imposible desprenderse. Pero lo solventa con una buena dosis de humor para todos los públicos, entretenimiento a raudales, y la funcional banda sonora de Danny Elfman. Aquellos que busquen algo más respetuoso hacia el original, bien deberían revisar aquellas pesadillas que les quitaban el sueño de pequeños. Hoy en día no quedan más que carcajadas de muñeco malvado.

A favor: que entretiene, y ya eso es algo

En contra: habrá quien no encaje la propuesta por su amor al material original

Calificación ***

Merece la pena