LA CRÍTICA. Hasta el último hombre (Hacksaw Ridge)

Amor por las barras y estrellas

Existe una tendencia preocupante en el cine made in USA contemporáneo, la de centrarse en una figura heroica y ensalzar sus virtudes, no sus defectos, para sostener un panfleto en pro de la bandera norteamericana. Una especie de llamamiento a las armas y la concienciación patriótica de una nación que siempre ha disfrutado con este tipo de ejercicios propagandísticos, pero que ahora parece estar arrastrando consigo a cineastas del más alto calibre, con la idea de que así el discurso llegará más alto y más lejos.

“Hasta el último hombre” –una traducción del “Hackaw Ridge” original que potencia aún más si cabe sus intenciones- es otro ejemplo más de esta corriente moderna. No es más que otro folleto del tío Sam sobre la gloria americana, en este caso centrado en el relato de un hombre que se negó a usar armas durante la II Guerra Mundial, y que fue capaz de salvar vidas pese a no llevarse consigo ni una sola vida.

Pero hay una característica diferenciadora fundamental en la que nos ocupa que la hace distanciarse de otras propuestas recientes, como los dos fallidos intentos de Clint Eastwood de congratularse con la bandera de su país, “American Sniper” y “Sully”, y es que tras la cámara se sienta todo un animal de la realización capaz de vendernos con suma facilidad el american way of life.

Sí, aquí sigue habiendo escenas que invitan al respetable a sonrojarse, como la del manotazo a la bomba o la exaltación de la figura del héroe como único reducto de las tropas hacia la victoria antes de la batalla final. Y sigue existiendo ese empeño por humanizar al protagonista con un tramo inicial repleto de ingenuidad –tanto como la cara de un Andrew Garfield que a veces acierta en sus expresiones, y otras veces sigue siendo el mismo chaval bonachón y con cara de memo al que nos tiene acostumbrados- y un desconcertante sentido del humor. Pero Mel Gibson sabe cómo imprimir de enorme potencia sus imágenes, sabe servirnos en bandeja algunas de las escenas bélicas más salvajes y sangrientas de los últimos tiempos, y sabe perfectamente cómo no convertir la vena patriótica en un circo bochornoso, de esos que dan vergüenza ajena. No siempre lo consigue, pero cuando se distancia de ella, el conjunto remonta.

Pero no nos engañemos. Esto sigue siendo cine propagandístico. Uno bien articulado y a ratos disimulado, pero propagandístico al fin y al cabo. Y es aquí donde tiene su arma de doble filo. Porque los que no conjuguen con este amor exacerbado hacia las barras y estrellas, la odiarán. Los que prefieran quedarse con la parte cinematográfica, disfrutarán del enorme trabajo de dirección de uno de los más grandes cineastas silentes del Hollywood actual.

A favor: las escenas bélicas y la labor de dirección

En contra: que la dirección no consiga tapar en muchas ocasiones su condición de cine propagandístico

Calificación ***1/2

Merece mucho la pena

EN PAZ DESCANSE... James Horner (1953-2015)

Un excelente compositor cuyas bandas sonoras han marcado nuestras infancias. James Horner compuso las partituras de más de un centenar de películas, cortometrajes y series para televisión. Las películas de James Cameron o Ron Howard no serían lo mismo sin su excepcional trabajo. Algunas de las joyas de animación de nuestra infancia no habrían tenido el mismo impacto ni su poder mágico sin él.

Horner comenzó a interesarse por la música desde una edad muy temprana. A los cinco año ya tocaba el piano, y tras obtener su licenciatura y el grado de maestro, y colaborar con el American Film Institute, comenzó su carrera cinematográfica a finales de los años 70, siendo su primera obra importante “La dama de rojo”, y sobre todo, al lado del productor Roger Corman en “Humanoides del abismo” y “Los 7 magníficos del espacio”. Continuó en el cine de género con propuestas como “La mano”, de Oliver Stone, antes de dar un salto en su carrera gracias a “Star Trek II: La ira de Khan” y su secuela, “Star Trek III: En busca de Spock”.

A partir de aquí empezó a ganar notoriedad durante la década de los 80, con trabajos en “Límite: 48 horas”, “El carnaval de las tinieblas”, “Proyecto Brainstorm”, “Commando”, “Gorky Park”, “El nombre de la rosa” y “Danko: Calor rojo”. “Aliens (El regreso)” y “Cocoon” marcarían el inicio de su amistad con James Cameron y Ron Howard, directores con los que lograría partituras que le granjearían los mayores elogios de su carrera. Junto a Cameron llegaron “Avatar” y “Titanic”, consiguiendo con esta última dos Oscar. A las órdenes de Howard haría “Apolo 13”, "Willow" o “Una mente maravillosa”. Pero también se convertiría en el compositor preferido de Mel Gibson (“Braveheart”, “Apocalypto”) o Edward Zwick (“Tiempos de gloria”, “Leyendas de pasión”).

Y en las dos últimas décadas continuó dándonos momentos inolvidables. “Juego de patriotas” y su secuela, “Peligro inminente”, “El informe pelícano”, “Deep Impact”, “La máscara del Zorro”, “La tormenta perfecta”, “Enemigo a las puertas”, “Troya”, “El nuevo mundo” o “El niño con el pijama de rayas” son algunos buenos ejemplos. Pero también contribuyó de manera importante a construir nuestra infancia, siendo el autor de las bandas sonoras de títulos familiares como “Cariño, he encogido a los niños”, “Fievel y el nuevo mundo”, “En busca del valle encantado” (estas dos últimas del gran Don Bluth), “Casper” o “Jumanji”.

Durante estos últimos cinco años se ha prodigado menos, pero hemos podido escuchar sus composiciones en filmes como “The Amazing Spider-Man” o “El último lobo”, y tiene pendiente de estreno “Southpaw”. En su carrera llegó a acumular un Globo de Oro, tres Grammy e innumerables premios de la crítica. Muchos le criticaban por ser repetitivo, por reciclar parte de sus partituras en varios trabajos. Incluso por su característico “Parabará”, el cual ha sonado en prácticamente toda su obra como sello personal. Pero no se puede negar que fue un grande, un compositor histórico que ha marcado buena parte de nuestra vida. Horner fallecía ayer a los 61 años de manera inesperada, cuando su avioneta se estrellaba en Santa Bárbara. La mejor manera de recordarle es repasando su obra. Descanse en paz, maestro.

LA CRÍTICA: Machete Kills

Para incondicionales del mexicano

“Machete Kills” comienza muy a lo Grindhouse, con un tráiler cuasi oficial de la próxima aventura espacial del adalid de las comunicaciones entre estadounidenses y mexicanos, un libertario de su pueblo, el azote de quienes quieren joder las relaciones inter gubernamentales. Un avance cafre, cutre, muy freak y kitsch de un producto que ni siquiera ha comenzado a rodarse. Casi imposible para el entendimiento humano que esta tercera entrega llegue alguna vez a materializarse, y más imposible aún que aquello que comenzara hace cuatro años como la extensión de un tráiler que acompañaba al díptico Planet Terror/Death Proof acabase convirtiéndose en trilogía fronteriza. Pero con Robert Rodriguez todo es posible, y para muestra esta secuela que en España no disfrutaremos en pantalla grande, sino en insano formato doméstico, y seguramente con un doblaje penoso.

Ya entonces, la existencia de aquel “Machete” con el que tan bien lo pasamos muchos solamente se justificaba en base a la idea de recuperar ese tipo de cine de serie Z y sesión doble que tan bien homenajearan Jim Sharman y Richard O’ Brien en los créditos iniciales de uno de los mejores musicales de la historia del cine. Y, con todo, la gracia ya se había perdido, algo que ya en esta nueva entrega se ha dejado notar más, especialmente porque el estilo visual de copia cinematográfica quemada y desgastada ya no existe por ningún lado, por desgracia. Dejada a un lado esta argucia formal, que daba sentido a todo el proyecto emprendido por Rodriguez, Tarantino y amiguetes, lo cierto es que no debería haber nada en este film que no podamos ver en una de esas baratas producciones televisivas del canal SyFy.

Pero sí que hay, y todo se reduce a un concepto. “Machete Kills” es una película hecha para incondicionales de Rodriguez y sus idas de olla extravagantes, ésas con las que el del sombrero nos asalta de vez en cuando, tipo “Spy Kids” y sus secuelas. Una cinta no destinada a contentar a un amplio sector del público, sino más bien a todos aquellos que le ríen las gracias al mexicano, tanto al que está detrás como al que se pone frente a ella con semblante recio, se pase de la raya o no. Cine para consumir sin prejuicios, para disfrutar entre amigos, con nachos y tequilas, y muchas risas.

Es decir, no es una buena película, pero Rodriguez consigue un divertimento de duración exagerada –le sobran fácilmente veinte minutos-, de acción exacerbada y estructura episódica, caótica, capaz de mutar de “El Mariachi” a “Star Wars”, pasando por “Teléfono Rojo, ¿volamos hacia Moscú?” con la misma facilidad y temple con que James Bond pasada de “La espía que me amó” a “Moonraker”, y que funciona como una spoof movie fronteriza del agente 007.

Por supuesto, un divertimento sólo al alcance de aquellos que no le pidan peras al olmo y estén dispuestos a dejarse timar por Rodriguez, en el mejor sentido de la palabra. Sólo así disfrutarán de este mejunje que se toma aún menos en serio que su predecesora, sincera en todo momento en sus intenciones, y en el que tienen cabida esbirros clonados, prostitutas de senos guerrilleros, villanos estrafalarios, matones que sirven de misiles, armas que vuelven todo del revés y corazones explosivos, consciente de sus propios excesos y repleto de cameos imposibles –brillante la idea del asesino de mil caras para justificar algunos de ellos-, con Mel Gibson, Demián Bichir y Charlie Sheen –aquí presentado como Carlos Estévez- sobresaliendo por encima del resto. Y lo mejor, que seguramente “Machete Kills Again… in Space” acabará siendo una realidad. Si sigue esta tónica, bienvenida sea.

A favor: los cameos, y que se toma aún menos en serio que su predecesora

En contra: le sobra metraje, se echa en falta el estilo Grindhouse, y sólo es para aquellos que estén dispuestos a reírle las gracias a Rodriguez

Calificación ***1/2

POSTERS. Explosivo póster en movimiento de "The Expendables 3"

Sólo aviso. Es tan explosivo y sonoro que la BSO comienza automáticamente, así que a ajustar los auriculares o los altavoces del PC antes de que dé comienzo la fiesta. Pero para fiesta la que viviremos a partir del 15 de agosto, fecha de estreno USA del film. Gracias a Collider por la info.

Y de regalo, este explosivo spot de tv. Porque lo bueno, si breve, tres veces bueno.

LA CRÍTICA: El castor

Ante una crisis, muñeco de trapo

La filmografía de Jodie Foster como directora, aunque corta, es tan interesante como su trayectoria como actriz. Con “El castor”, vuelve a hablar de la familia, aunque con la depresión como telón de fondo. Su protagonista, Walter Black, está deprimido, apático. El hombre feliz capaz de enamorarse que hubo una vez ya es pasado. Está en algún rincón de su interior, pero no consigue salir a la superficie. Su estado le ha hecho ser rechazado por su familia y expulsado de su casa, su empresa está al borde de la quiebra y tiene tendencias suicidas. Hasta que aparece el castor, una marioneta adherida a su mano a través de la que hablará y que pondrá en orden su vida. Temporalmente.

A nivel estético y visual, Foster afronta su película más lograda –la fotografía y la dirección de actores es excelente-, aunque igual de pequeña e independiente que anteriores obras. Pero a la vez, es su film más arriesgado. Y no por el tema que trata, sino por su protagonista. Habrá quienes prejuzguen la cinta porque Mel Gibson es cabeza de cartel, y de hecho así ha sido en vista de sus resultados en taquilla. Sus escándalos recientes le pasan factura entre el público, pero desde aquí animo a todos a darle una oportunidad a la película, pues es precisamente Gibson lo mejor de la propuesta. El actor da sobradas muestras de solvencia modulando su voz para transformarse en el castor, expresando depresión y felicidad con la misma facilidad con que se recita Hamlet, y dominando la función por encima de su compañero de trapo. Un gran actor que, desafortunadamente, ya no consigue bombones como este papel, que le permiten lucirse.

Desgraciadamente, el castor no domina la pantalla tanto como debiera. El guión da demasiada cancha a la desdibujada figura del hijo mayor, y el conjunto es tan irregular que, cuando no aparece su protagonista, puede resultar hasta aburrido. El retrato del hombre que se convierte en castor para aprender a ser padre y descubrir que no está solo acaba siendo un mosaico demasiado coral de personajes que piensan que la mejor manera de superar una crisis es pasar página, obviar el pasado y transmutarse en otras personas, ya sea utilizando un muñeco de trapo, renegando de la herencia paterna y escudriñando las vidas ajenas, refugiándose en el trabajo o convirtiéndose en el reflejo de lo que los demás quieren. Aún así, se deja ver.

A favor: Mel Gibson, soberbio

En contra: el guión se distrae demasiado en la figura del hijo

Valoración: ***

LA CRÍTICA

Al límite ***1/2

(Edge Of Darkness)

Ya en su comienzo, antecedido por un lago de cadáveres, “Al límite” –deshonrosa y carente de alma traducción del “Edge Of Darkness” original- se posiciona como atípica propuesta de acción de una estrella de antaño que vuelve al tipo de papel que le dio la fama. Vemos a un Mel Gibson, ocho años retirado de la interpretación, ajado por la edad que recibe a una hija con las horas contadas. Todo con un tempo cinematográfico pausado, cercano más a un thriller setentero de John Frankenheimer que a la película comercial deudora de la saga “Arma letal” que se esperaba de ella.

Y es que “Al límite” no sigue los cánones del cine en el que Gibson despuntara como Martin Riggs, sino que prefiere sorprender al público con una reposada historia de venganza y corrupción que toca las más altas esferas del poder.

Martin Campbell, virtuoso a la vez que elegante realizador de piruetas enérgicas como “Casino Royale”, “La máscara del Zorro” o “Límite vertical”, para más señas realizador de la miniserie británica en la que se basa la película, apuesta por la sobriedad frente al espectáculo con un personaje hecho a la medida de su protagonista y descaradamente concebido como vehículo de lucimiento que el actor, que demuestra haber adquirido una madurez interpretativa de la que solo una superestrella legendaria como él puede presumir, aprovecha de principio a fin en la que es, posiblemente, una de las mejores interpretaciones de su carrera.

“Al límite” posee un desarrollo con más diálogos que acción, aunque la trama de corrupción nuclear se torna un tanto floja. Pero lo que nos prepara el director, otro que parece haber madurado con los años, ayudado eso sí por un equipo técnico soberbio que va desde la banda sonora de Howard Shore hasta el montaje de Stuart Baird, es la antesala de un deseo de venganza reprimido que estalla por fin en una secuencia final de una violencia exquisita, que sigue los aires clásicos que desprende el resto del metraje. Secundan al protagonista los siempre magníficos Danny Huston y Ray Winstone, este último dando la perfecta réplica a Gibson en todo momento, estableciendo así una complicidad que traspasa la pantalla.

El plano final puede estropear el conjunto en cierta medida pero sin llegar a cargárselo del todo, ciertos puntos de la historia no están del todo bien explicados y puede que haya quien se aburra con este Gibson crepuscular que no obstante vuelve a interpretar el rol más ajustado a su perfil, el del muerto viviente de código ético intachable que busca una forma de morir, sin necesidad de razones. Pero este retorno es mucho más que una simple película de tiros y persecuciones: es un filme sin presentación de personajes ni de esquema narrativo, un thriller oscuro y seco sin ansias de espectáculo que nos regala un tipo de thriller hermano de un cine negro que hace tiempo que no nos llega a las carteleras.

A favor: un Mel Gibson crepuscular y la venganza final
En contra: el innecesario plano final y que muchos esperen otra cosa