LA CRÍTICA. Un monstruo viene a verme

Criaturas salvajes

¿Cómo empieza esta historia? Con un chico. Demasiado mayor para ser un niño. Demasiado joven para ser un hombre. Un niño que llamó a un monstruo para superar el miedo a la pérdida, para seguir adelante. Un monstruo que es la historia en sí mismo. Una criatura salvaje que, como cualquier historia, no sabes los desastres que es capaz de causar una vez lo sueltas.

Con su nueva criatura cinematográfica, J.A. Bayona esgrime la que es su cinta más madura, que no la mejor de su filmografía, pero sí la que reboza una mayor sabiduría cinematográfica en cada fotograma. Y ya eso es mucho decir teniendo en cuenta su currículum. Pero también se perfila como un excelente narrador de historias, algo que lleva haciendo desde sus comienzos en esto del séptimo arte, pero que en esta ocasión alcanza unas cotas de excelencia que no son propias de un cineasta que presenta su tercer trabajo tras las cámaras.

Con “Un monstruo viene a verme”, Bayona vuelve a hablar como antaño de la familia y el legado, del dolor que provoca la pérdida de un ser querido y cómo afrontarlo, poniendo nuevamente a un menor de edad en el epicentro de la trama. Pero además modula su discurso cinematográfico para hablar del arte de contar relatos, no sólo a nivel visual –maravillosa la forma de contar los tres cuentos que componen cada visita del monstruo-, sino como tradición oral que sirva para canalizar esa ira y esa frustración que provocan algo tan difícil como decir adiós a un ser querido.

Un cuento formado por otros cuentos que no sólo hace gala de una excelente factura técnica y artística, sino de un formidable trabajo actoral, destacando el pequeño Lewis MacDougall y la siempre eficaz Sigourney Weaver –excluyamos a Toby Kebbell, por favor-, de una emotiva partitura a cargo de Fernando Velázquez, de un libreto repleto de sublecturas y aristas escrito por el propio autor de la novela, y de un deslumbrante trabajo de fotografía de un habitual patrio, Óscar Faura.

Estamos, muy probablemente, ante la obra para toda la familia más adulta y madura del año. Un torrente de emociones de lo más comedido, dados los antecedentes de su autor, que pese a las raíces lacrimógenas y sensibleras sobre las que se levanta este monstruoso árbol fílmico, no cae en los excesos manipuladores y efectistas de su anterior película. En su lugar, Bayona deja respirar a su fábula, con el convencimiento de que no necesita más que eso para relatar el cuento que tiene en mente. Porque con contarlo basta y sobra. Porque una historia puede transformar al ser humano, las que nos cuentan nuestros antepasados. Porque todos nosotros somos criaturas salvajes, y estamos hechos de historias.

A favor: su madurez, que no caiga en la sensiblería gratuita, y su excelente factura técnica y artística

En contra: habrá quien siga tachando a Bayona de manipulador y sensiblero

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA: El Hobbit. Un viaje inesperado

Como enanos

Se apagan las luces. Aparecen el logo de la Warner, el de New Line y el león de la Metro.  Unos créditos dorados sobre un fondo en negro reconocibles bañados por una banda sonora no menos reconocible inundan la sala entera. Te recorre un escalofrío, uno que no sentías desde que hace casi diez años abandonáramos a Frodo y compañía escribiendo un nuevo capítulo en el imaginario colectivo de toda una generación. La nostalgia está ahí, has vuelto a la Tierra Media. La misma nostalgia que supone un arma de doble filo. Porque casi una década después todos hemos avanzado, hemos madurado, somos más exigentes que entonces, y el efecto sorpresa ha desaparecido. La Tierra Media es ya una vieja conocida.

Consciente de que ya está todo el pescado vendido, Peter Jackson no varía formalmente –efectos especiales, fotografías, banda sonora, maquillaje… todo está presente y en algunos casos mejorado- lo que hace años nos regaló como una de las experiencias cinematográficas más gratificantes de nuestro tiempo, aquella que nos recordó que el cine puede ser aún mágico. Apuesta sobre seguro, no arriesga, y la nostalgia no es suficiente para abandonar la idea de que “El Hobbit” no aporta nada nuevo más allá que recaudar ingentes cantidades de dinero.

Pero este hándicap no consigue lastrar lo que supone volver a la Tierra Media. Y es que esta nueva visita a los mismos lugares comunes de siempre tiene bastante de distinto con respecto a la Trilogía del Anillo. Concebida como una aventura infantil, pensada para toda la familia y expresamente para los hijos de Tolkien, “El Hobbit” era también épica, pero no llegaba a la épica de “El señor de los anillos”. Flotaba por ella el aroma a cuento clásico de hadas, y su adaptación lo sabe de sobra. Juega en una liga totalmente distinta, la del cine de aventuras familiar a la antigua usanza, sin florituras ni medias tintas, sin buscar ser la gran película que fue en su momento la susodicha trilogía. Esto es cine para todos los públicos consciente de su propia naturaleza, y punto. Y un blockbuster bien orquestado, con una hora final de infarto, con un Martin Freeman que está soberbio como nuevo Bilbo, con una partida de enanos entrañables y carismáticos, con abundantes momentos de humor, con la vuelta de una criatura a la que todos añoramos…

Muchos dirán que se repite más que el ajo, que es más de lo mismo, incluso que Guillermo del Toro podría haber dado un enfoque distinto. Otros que tiene demasiados diálogos, que estira más que un chicle situaciones para rellenar una trilogía basada en un libro que no da para más de dos filmes. Quizá tengan razón, pero yo les digo que todo eso era achacable a la trilogía original, que hay mucho de aquella en esta, lo que la memoria nos juega una mala pasada. Eso o que la nostalgia ha podido conmigo, y me he dejado llevar por esta nueva aventura que ya no me descubre que el cine aún puede estar lleno de magia, ya que desde entonces todos nos hemos curtido en mil lides. Pero con ella me lo he pasado como un enano. Así de claro.

A favor: que es consciente de su naturaleza familiar, y su última hora

En contra: que ya Gandalf, los hobbits y compañía son viejos conocidos

Calificación: ****1/2 

LA CRÍTICA: La invención de Hugo

La fábrica de sueños

No, Scorsese no se ha vuelto loco al dar un giro radical en su filmografía y filmar su primera película infantil. Adaptación del libro con ilustraciones de Brian Selznick “La invención de Hugo Cabret”, este triple salto mortal del que en su momento radiografiara la violencia subyacente en las calles de Nueva York viene a culminar su etapa de documentalista, compuesta por obras como “Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano” o “El aviador”. Se le puede tachar de haberse domesticado, acusación con la que no estoy de acuerdo, pero Scorsese confirma con “La invención de Hugo” su amor por el celuloide y su status de historiador cinematográfico.

En su primera parte, y esto lo arrastra durante toda la cinta, la película tiene ese tufillo a cine familiar e infantil que busca, persigue y alcanza, ese que tanto se atraganta a veces y que te desconecta de ella en ocasiones, lastrada por algunas tramas secundarias que ralentizan la trama, en especial la que protagonizan Sacha Baron Cohen y Emily Mortimer. Eso sí, técnica y artísticamente hablando, estamos ante una joya. Porque cuando las piezas encajan a la perfección y son de primerísima calidad, la gran maquinaria que constituye una película funciona como un reloj. Ahí están el fastuoso diseño de producción de Dante Ferreti, el incuestionable oído musical de Howard Shore, o la evocadora fotografía de Robert Richardson, capaz de iluminar un París infográfico y cosmopolita, en el que, cual “Midnight in Paris” de Woody Allen, confluyen personalidades como Django Reinhardt, James Joyce o Salvador Dalí.

Pero es en el segundo acto en el que Scorsese, que además se permite un ilustre cameo, nos recuerda que el cine es magia, ilusión, y nos enseña por qué lo amamos tanto. Y lo hace, sorprendentemente, conjugando las nuevas tecnologías y los albores del séptimo arte, cuando el tren de los Lumiére llegaba a la estación –magistral la escena del tren tridimensional saliéndose de la vía-, cuando Harold Lloyd colgaba de las manecillas de un reloj o cuando Georges Mélies cumplía la fantasía de Julio Verne de enviar al hombre a la Luna.

Méliès, ese prestidigitador al que Scorsese dedica este homenaje a la magia del cine, con el inconfundible e inmejorable rostro del gran Ben Kingsley, al que desgraciadamente no han reconocido por su interpretación. Una reivindicación del cine como fábrica de sueños, como arma evasiva contra una realidad devastadora. Gracias a Mélies por descubrirnos su aplicación. Más de cien años después, sigue siendo la mejor forma de evadirnos en la oscuridad.

A favor: el segundo acto, en el que Scorsese nos recuerda por qué amamos el cine

En contra: el tufillo a cine infantil, y algunas tramas secundarias, especialmente la de Sacha Baron Cohen, te hacen desconectar en ocasiones

Valoración: ***1/2

Los Teleñecos parodian a David Fincher

Los Teleñecos se están ganando que me presente en los cines estas navidades para ver su última aventura cinematográfica. Y es que llegan arrasando, con una parodia tras otras. Tras los superhéroes o la comedia romántica, le llega el turno nada más ni nada menos que al David Fincher de "The Girl with the Dragon Tattoo", el remake in USA de "Millennium", que también se estrena estas navidades. Esta vez, cómo no, la señorita Peggy hace las veces de una recatada, cómo no, Rooney Mara. Por cierto, el final se reserva una sorpresa en forma de Green Album.Y de regalo, la parodia de Green Lantern.

Primer tráiler "serio" de "The Muppets"

Tras varios teaser parodia, que les muestro a continuación, llega por fin el primer tráiler "serio" de "The Muppets", la vuelta -esperemos que triunfal, pues me caen bien estos muñequitos- de Los Teleñecos a la gran pantalla. Jason Segel ("Cómo conocí a vuestra madre") escribe y protagoniza este nuevo asalto de los personajes de Jim Henson que prometen dominar estas navidades la cartelera. En Estados Unidos se estrena en Acción de Gracias, y en España lo hará... ¡en febrero del año que viene! Habrá que esperar para ver a Segel, Amy Adams, Chris Cooper, la Rana Gustavo -René en Hispanoamérica y Kermit en inglés-, la cerdita Peggy -o Miss Piggy para los amantes de la V.O.- y toda la tropa.

Tráiler en "serio"

Los Teleñecos parodiando la comedia romántica

Los Teleñecos parodiando el cine de superhéroes

Vuelve "Spy Kids", esta vez en 4D

Adoro a Robert Rodríguez, pero detesto su vena infantiloide, cuando se apunta al carro de las nuevas tecnologías y hace filmes para niños que interesan a poca gente. Pero la taquilla manda, y gracias al 3D, "Spy Kids 3D" fue un taquillazo mundial en un año, 2003, en el cual las tres dimensiones eran aún una novedad. Pues ahora tenemos nueva entrega, con los mismos niños de anteriores entregas, aunque mucho más creciditos, y nuevas incorporaciones, como la de Jessica Alba. Aunque, eso sí, ni rastro de Banderas y Carla Gugino en el tráiler. Pero la gran novedad es que se proyectará en 4D, un sistema perfeccionado por Luc Besson que combina 3D y una experiencia aún más realista, en la que, por ejemplo, si alguien pota en una peli, te caerá en la cara, literalmente -o algo así-. Lo que viene siendo una atracción dentro de un cine, con sus decorados y sillas móviles.

 

LA CRÍTICA

Las aventuras de Sammy: Un viaje 

extraordinario **1/2

El mundo a través de los ojos de una tortuga

Ya desde su nacimiento, Sammy demostró ser una tortuga especial. Mientras que sus hermanos rompían el cascarón y se hacían a la mar en el que supone el primer gran viaje para cualquier tortuga, él lo hacía el último, como si no tuviera prisa por nacer. Y no se zambulló en el agua hasta pasado un tiempo, tras navegar a la deriva en un improvisado bote. La gran aventura de Sammy llegaría mucho después, cuando da muestras de un interés insólito en su especie para el descubrimiento y decide poner rumbo a aguas heladas y de paso buscar al amor de su vida, al que conoció en su primer día de vida y al que, por cosas del destino, no volvió a ver nunca más. Ésta es la premisa de “Las aventuras de Sammy”, que desde Bélgica pretende desmarcarse de las grandes superproducciones norteamericanas de los gigantes Pixar o Dreamworks. Y lo ha conseguido visto su resultado en taquilla y su nominación a los Premios del Cine Europeo. 

 

Para un adulto es muy difícil ponerse en la piel de un niño y hacer una crítica de una película puramente infantil. Porque esta película, más preocupada por encantar a pequeños que a grandes y por lucir un notable despliegue visual que aprovecha el 3D de manera más coherente que la mayoría de filmes que llegan en dicho formato, es puro entretenimiento para los más pequeños de la casa. Por ese motivo no me atreveré a calificarla según mi gusto, porque hace tiempo que perdí la inocencia propia de un niño, y la juzgaré según lo que aporte a los más pequeños de la casa y a sus virtudes técnicas.

En ese sentido, nos encontramos ante un producto infantil perfecto, aleccionador y didáctico a la vez que simpático y entretenido. El gran acierto de “Las aventuras de Sammy” es mostrar el mundo a través de los inocentes e imparciales ojos de una tortuga. El recorrido por la vida de Sammy parece que dura unos pocos días, pero su crecimiento conlleva 50 años de la vida humana, durante los cuales Sammy será testigo de lo mejor y lo peor que es capaz de dar el hombre. Desde el movimiento hippie hasta la explotación de la selva, pasando por el accidente de un petrolero, la caza de ballenas, el vertido de residuos al mar o el amerizaje de un módulo lunar, seguramente de alguna de las misiones Apolo. Al final, el mismo Sammy admite no entender a los humanos, pero sí reconoce necesitar su ayuda más que nunca para preservar la naturaleza.

Desde el punto de vista técnico, la peor parte se la lleva el diseño de los seres humanos, no tan cuidado como el de los animales y los pasajes bajo el mar, capaces estos de dar imágenes de una gran belleza. En definitiva, “Las aventuras de Sammy” es cine para toda la familia, pero hace hincapié en hacer disfrutar a los más pequeños, con una clara crítica nada excesiva en su tratamiento acerca de hacia dónde va el mundo por culpa de nosotros mismos, pero consciente de que también tenemos nuestro lado bueno. Muy recomendable para ver en familia.

A favor: mostrar la actitud del hombre ante la naturaleza a través de los ojos de una tortuga

En contra: lo difícil que es juzgarla cuando no se es un niño

LA CRÍTICA

Donde viven los monstruos ****1/2

(Where the wild things are)

Los reyes del mundo

Quizás sea el libro de Maurice Sendak uno de los relatos infantiles más difíciles de llevar a la gran pantalla. Convertir en largometraje sus escasas 40 páginas acompañadas de dibujos y frases tan precisas como elocuentes, capaces de activar la imaginación de los lectores, no es tarea fácil, hasta el punto de que solo se habían realizado hasta la fecha cortos animados basados en la obra. Pero aún más difícil es extraer de sus páginas la esencia misma del cuento, plasmar convincentemente en imágenes y diálogos una moraleja que se explicaba de manera locuaz en unas pocas frases.

Con el beneplácito del mismísimo Sendak, Spike Jonze hace realidad el sueño de muchas generaciones: una adaptación distante pero a la vez fiel de una de las obras más ricas de la literatura infantil, mucho más sutil, y por ende menos macabra, que las que propusieran otros grandes como Roald Dahl o Dr. Seuss. Y es Jonze, con su particular imaginería visual, el director idóneo para llevar a cabo la tarea.

“Donde viven los monstruos” consigue lo que parecía imposible, trasladar la filosofía del papel a la imagen real sin que al final se pierda el eje central de la historia, aportando prácticamente las mismas sensaciones que causaba la obra original al leerla. Y ya para empezar es en su presentación formal, en sus paisajes naturales sin artificios, en su realización aparentemente simple y en su apuesta por lo artesanal más que por lo artificial donde esta película sorprende y mucho. Mención especial en este sentido merece la recreación física de esos monstruos tan realistas como solamente la factoría Henson es capaz de conseguir, como ya hiciera en el pasado en otro clásico infantil a reivindicar, “Dentro del laberinto”.

La analogía con el filme de 1986 no debería ser mera casualidad, pues en sus fotogramas deberíamos advertir cierta inspiración hacia el trabajo de Sendak. Como ella, “Donde viven los monstruos” logra retrotraernos a otra época, a esa en la que aún éramos niños con nuestros sentimientos encontrados y nuestras ansias de ser los reyes del mundo. Algo que sin duda consigue Max –gran interpretación del pequeño Max Records-, y nosotros también, al adentrarnos en esa isla donde habita su estado más salvaje, ese en el que sin presencia de los molestos adultos somos dueños y señores de hacer lo que nos plazca, pero que a la vez sirve como precoz, e inevitable, camino a la madurez.

Metáfora lúcida acerca de la niñez como ínsula única y personal en la que el libre albedrío da paso a la toma de responsabilidades, “Donde viven los monstruos” supone la película más imaginativa -casi nada de alguien que nos regalara “Cómo ser John Malkovich” y “Adaptation. El ladrón de orquídeas”- de la carrera de Jonze, la más rica en matices con menos ardid de montaje que las anteriores. Una banda sonora encomiable, una fotografía evocadora, momentos memorables –atención a la conversación entre Max y Carol acerca del futuro del sol-, una variedad de temas que transitan la adultez y la infancia como la muerte o la soledad, y unas voces originales totalmente acertadas en las que encontramos a James Gandolfini, Chris Cooper o Forest Whitaker, entre otros. Aciertos todos de una película que le toca a los espectadores decidir si debería encuadrarse como cine meramente infantil. Pero ya se les avisa a los padres desde aquí de la austeridad de la propuesta.

A favor: la fabulosa aportación de Jonze al universo de Sendak, y los portentosos monstruos

En contra: la visión del director puede que no congenie con lo que el público espere de una película infantil