El Corto Cinéfago: "Lights Out", el corto que ha aterrorizado a más de 5 millones de internautas

Menos de 180 segundos de duración. Menos de 1.000 dólares de presupuesto. Más de 5 millones de usuarios. Tres cifras mareantes para un corto que se ha convertido en toda una sensación en la red, hasta el punto que los internautas han intercambiado con los creadores el impacto que su visionado les ha causado.

Ganador del premio a mejor director en el certamen de cortos de terror “Who’s There?” para su director, el sueco de 33 años David F. Sandberg, “Lights Out” juega con ese miedo tan ancestral para el ser humano que es la oscuridad, y lo une a experiencias paranormales reales relacionadas con las sombras oscuras, siluetas de seres de origen fantasmagórico o demoniaco que muchas personas dicen haber visto aunque sea por el rabillo del ojo.

¿El resultado? Pues apenas tres minutos de una atmósfera muy bien conseguida, de pura tensión y bastante efectismo que culmina en un desenlace que lo mismo puede hacer que te salgas por la pata abajo o que te mees de la risa. A mí, particularmente, me ha ocurrido lo primero. Su impacto ha sido tan grande, que su número de visionados en la red ha superado con creces al de los tres títulos ganadores de un concurso que este año se enfrentaba a una primera edición de lo más exitosa. Que lo disfruten, y a ser posible a verlo de noche, a oscuras y a todo volumen. Aunque, visto lo visto, el mismo peligro tiene la luz que la oscuridad.

Votaciones 2014: Elige tus películas favoritas del mes de marzo

Continuamos con las votaciones a mejores películas de 2014, unas votaciones cuyas candidatas son elegidas mes a mes de entre todas las estrenadas en España. Así, damos el pistoletazo de salida para las votaciones del mes de marzo. Recuerden que mediante un comentario pueden introducirse propuestas de títulos de difícil distribución en nuestro país y que posiblemente jamás lleguen a estrenarse aquí, siempre que sean estrenos de 2013 o 2014, o bien insertar títulos de filmes que se hayan pasado por alto en la lista. Pueden elegirse cuantas películas quieran y cuantas veces deseen, aunque como siempre apelo a la buena fe de los votantes para no elegir demasiadas veces la misma película y manipular así los resultados. Hay hasta enero del año que viene para efectuar el voto. Y las votaciones de enero y febrero siguen abiertas. ¡A votar!

LA CRÍTICA: Noé

El fallido blockbuster antediluviano

Un genio matemático que encuentra un orden divino dentro del caos, una bailarina que se convierte en mártir de su propia obsesión por la perfección, la búsqueda de un árbol de la vida legendario capaz de otorgar la inmortalidad… o sencillamente los momentos de epifanía que un buen chute lisérgico es capaz de proporcionar. No hay duda. La religión ha estado presente en toda la carrera cinematográfica de Darren Aronofsky, hasta el punto que sus propuestas han convertido al cineasta en un sacrificado de sus propias pulsiones. Para algunos, un profeta a seguir. Para otros, un director al que crucificar.

Podríamos decir a priori que “Noé” es la película más abierta y directamente religiosa de Aronofsky. Pero sólo por su título y su trama, pues su visión del mítico pasaje bíblico, si no fuera por sus personajes e historia, bien podría pasar por una epopeya post apocalíptica y pro vegana en la que el hombre merece ser ajusticiado por sus pecados por un Creador de cuya denominación divina huye Aronofsky en un sabio juego con las palabras. O bien podríamos estar ante una aventura de fantasía épica que transcurre en un universo ficticio, en el que unos gigantescos ángeles de piedra ayudan al protagonista en su empresa. Y es precisamente aquí donde reside su primer punto débil, en la imposibilidad de desligarse del mito y dejarse llevar por una supuesta fantasía antediluviana, sin preguntarnos si estamos ante una tomadura de pelo o ante una genialidad más de su máximo responsable.

Lo que sí queda claro es que estamos ante el film más comercial de su director, pero por causas ajenas a sí mismo, y aquí estriba su segundo gran defecto. Paramount la ha vendido como el blockbuster que no es, cuando realmente en una pieza autoral con un abultado presupuesto. Un fallido intento de cine comercial que resulta tan soso como, por ejemplo, el “Robin Hood” de Ridley Scott, y que pretende ser tanto que finalmente se queda en muy poco. Una cinta ambiciosa que mete la pata a la hora de intentar aunar comercialidad y cine de autor, incapaz de estirar casi dos horas y media un pasaje que apenas daría para los noventa minutos de metraje.

Sin embargo, no todo es negativo en ella. Russell Crowe está inmenso, tiene su presencia característica en pantalla como para sostener el personaje protagonista. El toque Aronofsky, así como su temática de sacrificio y obsesión, está presente a cuentagotas, y cuando aparece, como en su forma de narrar el Génesis en imágenes, se agradece. La fotografía, los medios técnicos, los efectos, la banda sonora… El presupuesto se nota para bien. Pero sobre todo, una doble moraleja a aplaudir: que el perdón familiar es más importante que el divino, y que de Tolkien a las sagradas escrituras hay solamente un paso.

A favor: los toques fugaces de autoría, los medios, la doble moraleja final y Russell Crowe, cómo no

En contra: su fallido intento de aunar comercialidad y cine de autor

Calificación **

En paz descanse... Mickey Rooney (1920-2014)

Tuvo una de las carreras cinematográficas más largas de toda la historia del cine. Incluso tenía tres proyectos en fase de pre-producción y filmación para este 2014. Mickey Rooney nos ha dejado a los 93 años, y con él se apaga una pequeña gran luz del cine clásico.

Pequeño por sus dimensiones, pero grande por su inmenso talento, el cual fue explotado a la temprana edad de los 6 años. Y es que la sangre de artista le corría por las venas. Rooney nació en 1920 en el seno de una familia de cómicos, y durante la Gran Depresión consiguió hacerse un hueco como estrella infantil en la serie de cortos protagonizados por su personaje Mickey McGuire, que a su vez sería el nombre con el que comenzaría su dilatada carrera. Casi medio centenar de cortometrajes protagonizó bajo este pseudónimo en apenas cinco años, hasta que le llegó su primer papel protagonista en un largometraje en la exitosa “El enemigo público número 1”.

A esta le siguieron trabajos como “Gente de arriba”, “Capitanes intrépidos, “Hijos de la farándula” o “National Velvet”, en las que ya evidenciaba un importante cambio físico que acabaría minando su carrera como estrella infantil. Hasta que llegó “Asuntos de familia” a finales de los años 30, con la que nacería su personaje más famoso, Andy Hardy, y con él su segunda vida artística. Casi una veintena de películas protagonizó con este personaje durante una década, y gracias a él se convirtió en un rostro famoso durante los años 30 y 40.

El fin de Andy Hardy, que posteriormente volvería en 1958 en forma de despedida cinematográfica, no marcaría el fin de su carrera. Ni mucho menos, pues durante las tres décadas siguientes no paró de trabajar, a una media de tres trabajos por año. Así, participó en filmes como “Los puentes de Toko-Ri”, “Baby Face Nelson”, “Réquiem por un campeón”, “El mundo está loco, loco, loco”, “Pedro y el dragón Elliot” o la mítica “Desayuno con diamantes”, a la vez que hacía su aparición en televisión en “The Dick Powell Show”, “The Mickey Rooney Show”, “Mickey”, “The Red Skelton Show” o “El fugitivo”, entre otras.

Los 80 no podían comenzar mejor para Rooney. Fue nominado al Oscar por cuarta vez por “El Corcel Negro” –el film daría lugar a una exitosa serie de televisión una década después, en la que Rooney recuperó su papel-, galardón que nunca llegó a ganar hasta 1983 en forma de Oscar honorífico, ganó el Globo de Oro y el Emmy por “Bill”,  y se especializó en poner su voz a las animadas “Tod y Toby” o “El pequeño Nemo”, a la vez que aparecía en series como “Vacaciones en el mar” o “Las chicas de oro”.

Sin embargo, sus apariciones comenzarían ya a ser cada vez más escasas, y no volvería a participar en ningún film de renombre, a excepción de las recientes “Noche en el museo”, “The Muppets” y el thriller “The Woods”, la última cinta estrenada en salas comerciales por el actor. Aunque esto no significó su desaparición, pues la pequeña pantalla siempre tuvo un hueco para él, paseándose por series como “Se ha escrito un crimen”, “Padres forzosos” o “Urgencias”.

Más de 300 títulos llegó a atesorar Mickey Rooney en casi 90 años de carrera. Una carrera que se mantuvo activa hasta el final, a pesar de su delicado estado de salud. De hecho, el realizador Shawn Levy confirmó tras su muerte que había rodado algunas escenas para “Noche en el museo 3”. Cálido, vital y gentil. Así le definió el cineasta. Toda una vida dedicada a entretener al público. Sin miramientos. Y encima, se llevó a Ava Gardner. Un grande. Descanse en paz.

Taquilla USA: El Capitán América vuelve con récord bajo el escudo

Marvel lo ha vuelto a hacer. “Captain America: The Winter Soldier” se ha convertido en el mejor estreno del mes de abril de la historia, un mes en el que los estudios no se atreven a estrenar grandes eventos, pero cuando lo hacen dejan huella. El conjunto del fin de semana ha sido el mejor para el mes de abril desde 2010, y los 96 millones de $ conseguidos por el Capi en su nueva aventura dan buena cuenta de la buena forma en que se encuentra Marvel en estos momentos, además de desplazar a “Fast Five” como mejor estreno del mes de abril. Durante su primer día recaudó unos excelentes 37 millones de $, lo cual hacía pensar que superaría fácilmente los 100 millones de $ en el conjunto del fin de semana. Sin embargo, durante el sábado presentó una caída sólo atribuible al fan base.

Aún así, la cifra supera de largo los 65 millones de $ de la primera entrega y los 85 millones de $ del último Thor, por lo que debería esperarse de ella que se acabe situando por encima de los 206 millones de $ que esta última consiguió a lo largo de toda su trayectoria en vista de la excelente acogida que está teniendo entre crítica y público, además de no tener enemigos a la vista durante hasta la llegada de “The Amazing Spider-Man 2” a comienzos de mayo. Por si fuera poco, a nivel mundial ya lleva 303 millones de $ recaudados, muy cerca de los 370 millones que la primera parte consiguió durante toda su carrera comercial. Raro sería que no superase los 644 millones de “Thor 2” en todo el mundo.

Del resto de estrenos, todos en exhibición limitada, sólo destacar otro título protagonizado por Scarlett Johansson. La esperada cinta de ciencia-ficción “Under the Skin”, que también ha convencido a la crítica y al público, debuta con unos espectaculares 140.000$ en cuatro salas, lo cual la deja con la mejor media por copia de toda la cartelera.

Entrando en los mantenimientos, el comportamiento de la mayoría de las cintas ha sido previsible ante la llegada de un must-see como “Captain America 2”. Especialmente “Noah”, que confirma que el buen estreno de hace una semana se debió al efecto fan que arrastra su director y a lo esperado de un título tan polémico que, sin embargo, no ha gozado de un buen día a día una vez se ha comprobado que había mucho ruido y pocas nueces. No ha convencido del todo al público, y en su segundo asalto cae un fuerte 61% hasta los 72 millones de $. No obstante, era de esperar, y aún así tiene opciones de superar los 100 millones de $, aunque sea por poco. El gran problema radica en que a nivel internacional, los 106 millones de $ que lleva cosechados saben aún a poco y son muy mejorables, pero habrá que esperar a que el Arca de Noé desembarque en todos los territorios.

Bastante mejor ha resultado el aguante de “Divergent”, “God’s Not Dead” y “The Grand Budapest Hotel”, especialmente el de estos dos últimos, aunque ambas aumentaban su presencia frente al descenso de copias de la primera. Su total es de 114, 32 y 33 millones de $, respectivamente, y en el primer caso, ante los 85 millones que ha costado y los 22 que lleva en países donde no se esperaba que fuera precisamente un bombazo, la franquicia parece más que segura.

Del resto de la lista poco que destacar, a excepción del aún sin confirmar alcance final de “Frozen”. El fin de semana pasado se convertía en la décima cinta más taquillera de la historia, además de la película de animación con mayor recaudación. Este fin de semana escala un puesto y se coloca como el noveno mayor éxito a nivel mundial con 1.097 millones de $. ¿Su próximo objetivo? Rebasar los 1.108 millones de “Skyfall”, algo que tiene prácticamente seguro.

Fuente: Box Office Mojo

LA CRÍTICA: El Gran Hotel Budapest

La deliciosa casa de muñecas de Wes Anderson

"Todavía queda un atisbo de civilización en este matadero de barbarie que conocemos como Humanidad", clama el refinado conserje del mítico Hotel Budapest, Gustave H., en más de un momento de la historia. Un personaje y un edificio que representan los buenos modales en tiempo de entreguerras, en un país ficticio enfrentado a una ocupación inminente por parte de una también ficticia facción que avanza por Europa sin cuartel. El fin de un estilo de vida al que se resiste su protagonista con la misma elegancia aristocrática con la que el señor Zorro se oponía ante el avance de Boggis, Bunce y Bean.

Y, a la vez, una frase que supone toda una declaración de intenciones de Wes Anderson. “El gran Hotel Budapest”, bajo su pomposidad, la plasticidad de unos planos que bien podrían pasar por cuadros y que desprenden olor a dulces de Mendl, su carácter de farsa, su hilaridad propia del cine mudo, y su galería de estrafalarios personajes, esconde el sentimiento de nostalgia de un romántico ante una época perdida, en la que sin duda le habría encantado vivir.

Anderson abandona el encanto infantil de su anterior trabajo y lo cambia por la malicia de un relato de una enorme ligereza argumental pero de una aún más enorme complejidad artística. Habrá quien la acuse de ser demasiado ligera, pero este aspecto lo compensa el cineasta tratando al hotel que da título a la cinta como si de una fastuosa casa de muñecas se tratase. Y, para ser más exactos, como si la misma casa fuera en sí misma una gigantesca muñeca rusa, relatando una historia que en realidad está compuesta de relatos que cuentan otros relatos.

Absurda en su concepción del sentido del humor, pero tratada con la seriedad y cariño suficientes por parte de su autor como para que el conjunto no caiga en el ridículo, “El gran Hotel Budapest” es la enésima constatación de que Wes Anderson sigue utilizando los mismos recursos de siempre, pero que su universo es infinitamente creativo y está en continua expansión. Aquí exhibe un dominio absoluto de su propio universo, haciéndonos atravesar hasta cuatro épocas distintas, narradas con estilos cinematográficos y tonos bien distintos.

Y, como guinde del pastel, un reparto de altura, también marca de la casa, capitaneado por un estiloso, comedido e hilarante Ralph Fiennes. De fondo, la música del nuevamente acertado Alexandre Desplat. Ante la cámara, una galería de personajes que bien merecería un corto para ellos solos. Travellings horizontales, planos cenitales, una obsesión desmesurada por los detalles, un ritmo frenético… En definitiva, una absoluta delicia para los sentidos, y una casa de muñecas con la que queda claro que Anderson se ha divertido de lo lindo. Y nosotros con él.

A favor: es puro Wes Anderson, le pese a quien le pese

En contra: habrá quien la acuse de ser demasiado ligera

Calificación ****

16 pósters de personajes de "The Expendables 3". Entre amigos... y testosterona

Las venas de Sly, el arma de tío Arnie, el bidón del tamaño de Jet Li, Terry Cres como el alma de la fiesta… Que nadie me diga que estos tíos no son grandes. Enormes. Mi favorita, la de Lundgren. Una reunión de amiguetes para no perderse.

LA CRÍTICA: Ocho apellidos vascos

Con denominación de origen

A veces me pregunto qué convierte en éxito a determinadas películas hasta el punto de convertirlas en fenómenos sociales. Será la campaña de promoción, o un boca a boca que ensalza las pocas virtudes del producto. O será, simplemente, que soy incapaz de reírme a mandíbula abierta como esa señora que suele estar presente en todo cine en este tipo de propuestas, y que se parte la caja con cualquier plano o frase. Vamos, que no tengo sentido del humor.

Que no se malinterpreten mis palabras. No es que “Ocho apellidos vascos” no merezca el éxito que está cosechando. Es una buena película, y una efectiva comedia, y me alegro por ella, su equipo responsable y por todo el cine español. Fenómenos así le hacen mucha falta, y ojalá se sigan produciendo. Pero tras verla no hay nada en ella que justifique todo el revuelo que se ha montado a su alrededor. Es una comedia simpática, resultona, pero sencilla y nada destacable. Por hacernos una idea, otras propuestas mucho más hilarantes y acertadas en lo que a comedia se refiere como las recientes “Tres bodas de más” y “La gran familia española”, aunque fueron taquillazos en su momento, merecían arrasar tanto como la que nos ocupa o incluso más.

“Ocho apellidos vascos” es una comedia local, muy española, con denominación de origen. Fuera de nuestras fronteras tiene muy difícil el triunfo. Sus gags son puro diálogo basado en las diferencias entre pueblos, entre norte y sur, entre andaluces y vascos. Su guión recoge una selección de tópicos interminable sobre sendas regiones, y los explota sin complejos. Unos tópicos con los que más de un espectador podría sentirse ofendido.

Se ve con facilidad y ligereza, pero a pesar de su denominación de origen, no hay nada en ella que tenga pedigrí. Su director, Emilio Martínez-Lázaro no aporta un estilo personal reconocible más allá de la comedia española costumbrista que viene confeccionando desde los comienzos de su carrera. En su guión, escrito a cuatro manos por el tándem Borja Cobeaga-Diego San José, no se reconoce el tipo de humor de los autores de las imprescindibles “Pagafantas” y “No Controles”. Es decir, que podría haber sido dirigida y escrita por cualquier otro, y habría dado lo mismo.

Eso sí, buena parte de que no se quede en una colección de tópicos graciosa está en su acertadísimo reparto. Dani Rovira y Clara Lago, graciosísimos los dos y tan deliciosa ella como siempre, soportan sobre sus espaldas con convicción y naturalidad el protagonismo de la cinta. Carmen Machi demuestra una vez más su buena mano para la comedia, si bien su personaje demandaba algo más de desarrollo. Y Karra Elejalde viene a confirmar de nuevo el gran actor que es, y cómo mejora trabajo tras trabajo. Lo demás, una cinta simpática, pero no rompedora ni inolvidable. Pero ante el capote que le está echando a nuestro cine, bien necesitamos más estrenos como este.

A favor: su reparto, sin excepción

En contra: su infinita colección de tópicos con la que más de uno puede ofenderse

Calificación ***

Taquilla USA: "Noah" inunda la taquilla

Por primera vez desde hace semanas, un fin de semana algo inferior al de hace un año, pero con muy poca diferencia. Solamente un estreno ha acaparado el interés general, y ése ha sido “Noah”, la polémica versión de Aronofsky sobre el mítico relato del Arca de Noé que ha entrado con contundencia, rozando los 44 millones de $. Una cifra que es claramente un éxito, pero superando por poco las previsiones y sin dar una gran sorpresa. Todo dentro de lo esperado para un film que tuvo su gran día el viernes pero cuyo ritmo durante los dos días restantes no ha sido demasiado esperanzador.

Y es que su descenso durante el sábado se asemeja al del gran batacazo –eso sí, previsible-  del fin de semana, “Sabotage”, lo nuevo de Schwarzenegger que no consigue enganchar a la audiencia y se queda en unos pobres 5 millones de $. Ahora bien, la diferencia de costes entre ambas obliga a “Noah” a apretar mucho durante las próximas semanas, algo que habrá que ver si consigue ante los comentarios desiguales que está generando entre los espectadores, y no así entre la crítica, que la ha valorado positivamente. Veremos si el tirón de Russell Crowe y esa mezcla de superproducción bíblica y polémica la lleva a dar buenos resultados, especialmente con Marvel a la vuelta de la esquina. Por lo pronto, en todo el mundo se acerca a los 100 millones de $, y es por ahora el segundo mejor estreno de su protagonista, así como el mejor para su director.

Poco entusiasmo en torno al resto de estrenos, todos ellos minoritarios. “César Chávez”, por ejemplo, entra con unos discretos 3 millones de $ en 664 salas. El contraste lo pone el mejor estreno del fin de semana, “The Raid 2”, secuela del título de culto de origen indonesio de 2011 que amasa unos potentes 177.000$ en 7 cines. La primera parte debutó hace dos años con más de 200.000$ pero en el doble de salas, siendo su media por sala más baja. Acabó en su momento por encima de los 4 millones de $, marca que esta nueva entrega está dispuesta a batir.

En el resto del ranking, decentes mantenimientos este fin de semana. “Divergent” cae mejor de lo esperado, un 52%, y se sitúa en los 95 millones de $ en diez días, ya más de lo que ha costado y lo cual asegura su transformación en franquicia. “Muppets Most Wanted” desciende de manera moderada hasta los 33 millones de $, mientras que “Mr. Peabody & Sherman” mejora el dato de hace una semana cediendo un modesto 20% y acercándose ya a los 95 millones. Pero sin duda la sorpresa la vuelve a dar “God’s Not Dead”, que cierra el top 5 sin variar apenas su cifra con respecto a hace una semana y colocándose ya en los 22 millones de $.

A nivel de mantenimientos, las ganadoras son “The Grand Hotel Budapest”, que amplía sustancialmente su presencia y pasa al sexto puesto con 24 millones de $ en total, 4 veces más que “Moonrise Kingdom” en el mismo periodo de tiempo. El mejor ascenso del fin de semana no obstante recae en “Bad Words”, que también amplía su presencia mejorando así un 423% con 3,5 millones de $ recaudados.

Por último, el techo de “Frozen” sigue estando aún lejos. Este fin de semana se ha colocado no sólo como la décima película más taquillera de la historia en todo el mundo con 1.072 millones de $, sino como la película de animación más taquillera de todos los tiempos, trono que hasta ahora dominaba “Toy Story 3”. Y aún le queda cuerda para ganar puestos.

Fuente: Box Office Mojo

En paz descanse... James Rebhorn (1948-2014)

Uno de mis secundarios favoritos nos ha dejado. Un actor que atesoró más de 120 títulos a lo largo de su trayectoria de casi medio siglo. Un maestro que nunca estuvo en primera fila y que nunca gozó del reconocimiento que merecía como actor de reparto. James Rebhorn ha fallecido a los 65 años de edad víctima de un cáncer de piel del que se llevaba tratando desde 1992.

Con apenas 20 años convencía sobre los escenarios, donde encarnó principalmente a políticos, doctores y abogados. En la televisión debutó a comienzos de los 60, y en cine a finales de los 70, en productos más bien olvidables y prodigándose muy poco ante la pantalla. De hecho, hasta 1980 no había intervenido más que en dos series y una película, y seguía centrándose en su labor en el teatro.

En los 80 comenzó a despuntar como actor de reparto en títulos como “Silkwood” o “Los ojos del gato”, pero no fue hasta los 90 cuando su carrera empezó a ascender de manera meteórica, llegando a encadenar más de media decena de películas en un mismo año. Trabajó a las órdenes de cineastas como Mike Nichols (“A propósito de Henry”), Martin Brest (“Esencia de mujer”), Brian de Palma (“Carlito’s Way”), Woody Allen (“Sombras y niebla”), Jonathan Lynn (“Mi primo Vinny”), Paul Verhoeven (“Instinto básico”), George Miller (“Lorenzo’s Oil”), Roland Emmerich (“Independence Day”), David Fincher (“The Game”), Scott Hicks (“Mientras niebla sobre los cedros”), Anthony Minghella (“El talento de Mr. Ripley”, “Cold Mountain”), Jay Roach (“Los padres de ella”), Todd Haynes (“Lejos del cielo”) o Shawn Levy (“Acero Puro”), entre otros, y paseó su inconfundible e inolvidable porte por series como “Kojak”, “De la Tierra a la Luna”, “Seinfeld”, “El abogado”, “Boston Legal”, “Turno de guardia”, “Ley y Orden”, “Rockefeller Plaza” o “The Good Wife”.

Fue en la pequeña pantalla donde acabó refugiándose durante sus últimos años. De hecho, una de sus últimas apariciones, y de las más recordadas últimamente, fue como padre de Claire Danes en la célebre “Homeland”. Un actorazo más preocupado por interpretar que por los premios y los reconocimientos. Un secundario a reivindicar. Descanse en paz.

Taquilla USA: "Divergent" huele a nueva franquicia juvenil

Nuevamente un fin de semana que supera por poco al del año pasado, marcado por el acierto de “Divergent”, que rompe la mala racha en taquilla de las adaptaciones de sagas literarias juveniles a la gran pantalla. No llega al nivel de “Crepúsculo” y ha costado bastante más, pero sus 56 millones de $ son todo un taquillazo. Ahora será crucial la respuesta del público en su resultado final, porque si fuera por la crítica, que la ha vapuleado sin compasión, no obtendría más ingresos que las recientes “The Host” o “Beautiful Creatures”. A juzgar por la buena acogida de la audiencia, podríamos estar ante una nueva franquicia.

Por su parte, la nueva aventura de Los Teleñecos, “Muppets Most Wanted”, se estrena por debajo de su predecesora, pero por encima de lo esperado con 16 millones de $. Aún así, ante su presupuesto de 50 millones, lo logrado sabe a poco, y habrá que compensar con las recaudaciones internacionales para que un producto de consumo rápido como este genere beneficios.

La gran sorpresa del fin de semana la da “God’s Not Dead”, cinta de marcado carácter cristiano que cierra el top 5 con unos estimables 8 millones de $ en menos de 1.000 salas. Su buen dato se une al que ya cosechara hace unas semanas “Son of God”, que lleva ya 55 millones de $ cosechados.

En el circuito limitado también se han registrado grandes cifras.  Especialmente el documental “Jodorowsky’s Dune”, que en tres salas ha amasado 36.700$, y “Rob the Mob”, con Brad Pitt y Andy Garcia, que en tan sólo una sala logra 11.600$.

Pero la gran vencedora del fin de semana ha vuelto a ser “The Grand Budapest Hotel”, que suma salas y sube hasta el séptimo puesto con una mejora del 85% y la mejor media por sala de toda la cartelera, yéndose ya a los 12 millones de $, más 33 millones de $ en el resto del mundo. Por su parte, los mayores aumentos los registran “Bad Words”, debut de Jason Bateman en la dirección, que llega a 87 salas y sube un 341% con 656.000$; y “Le Week-End”, que sube un 113% con 205.000$ en total.

El resto de títulos presenta importantes descensos ante los estrenos de la semana. “Mr. Peabody & Sherman” aguanta peor de lo esperado cediendo casi un 48% con 81 millones de $. Mejor le va a “300: Rise of an Empire”, que está resistiendo mejor de lo esperado con 93 millones de $ en tres semanas. El mejor descenso del top 10 lo encontramos en “Non-Stop”, de la que se podía esperar que fuera un éxito de combustión rápida, pero que ha gustado mucho más de lo que se esperaba. Pierde salas pero cede tan sólo un 40%, y su total es ya de 78 millones de $, a lo que hay que sumar otros 63 millones cosechados en el resto del globo.

Fuente: Box Office Mojo

Votaciones 2014: Elige tus películas favoritas del mes de febrero

Abrimos votaciones. Ya pueden elegirse las mejores películas del mes de febrero entre todas las cintas estrenadas durante dicho mes en España. Recuerden que además pueden introducirse mediante comentarios propuestas de títulos de difícil distribución en nuestro país y que posiblemente jamás lleguen a estrenarse aquí, siempre que sean estrenos de 2013 o 2014, o bien insertar títulos de filmes que haya pasado por alto en la lista. Pueden elegirse cuantas películas quieran y cuantas veces deseen, aunque como siempre apelo a la buena fe de los votantes para no elegir demasiadas veces la misma película y manipular así los resultados. Hay hasta enero del año que viene para efectuar el voto. Muchas gracias a quienes voten, y a aquellos que se lo estén pensando, que sepan que es gratis. ¡A votar! Y no olviden que las votaciones de enero están ya abiertas.

LA CRÍTICA: Nymphomaniac (Volumen 2)

La cruz del penitente

Vamos a reconocerlo. “Kill Bill: Volumen 1” descolocó a más de un espectador que recordara los tres primeros trabajos de Tarantino tras las cámaras. Y eso que no era más que un nuevo compendio de la cinefilia de su creador, que es en lo que se basa toda su filmografía. Parte de la crítica, y del público fan del cineasta, no entendieron el supuesto cambio de registro del director. Había que esperar a ver el cuadro completo, cuya representación culminaría en un fabuloso segundo volumen en el que Leone, Fulci y Ford se darían la mano como hermanos del lejano oeste. Que la segunda fue mejor que la primera es un hecho casi incuestionable, pero no olvidemos que entre los estrenos de ambas, pese a rodarse a la vez, pasaron varios meses, y Tarantino pudo reflexionar cómo acabar su obra.

Con “Nymphomaniac: Volumen II” ocurre prácticamente lo mismo. Es, a todas luces, muy superior a su predecesora. Mejor a nivel cinematográfico, con un Lars Von Trier que parece querer recitar poesía en imágenes a la vez que da algunas de sus habituales e incómodas reprimendas visuales al espectador, buscando la provocación constante, y se permite un auto homenaje que da mucho juego como herramienta de suspense. Mejor a nivel interpretativo, aunque cante el cambio entre la deliciosa Stacy Martin y la morbosa y dura Charlotte Gainsbourg, actriz que maneja los latigazos, físicos y sentimentales, como pocas.

Y mejor a nivel de guión y desarrollo. Por fin tiene algo de dimensión el personaje de Stellan Skarsgard más allá de ser una Wikipedia ambulante, sus aportes son menos forzados y una vez descubrimos su pasado la compenetración con el personaje de Joe es casi perfecta –el fundido en negro final ayuda a derrumbar esta idea en cuanto el deseo fulmina la complicidad-. Los diálogos entre ambos son mucho más fluidos y naturales, no hay tanta traca intelectual, a pesar de que el punto de partida inverosímil de la anterior entrega sigue presente. Al fin puede haber cierto acercamiento entre el espectador y esa mujer que, una vez descubre que ya no puede sentir nada, intenta recuperarlo a toda costa y debe cargar con su adicción a cuestas, aunque eso la lleve a extremos sadomasoquistas. Sublime en ese sentido es toda la (incómoda) intervención de Jamie Bell y el estrafalario trabajo posterior de Joe. El sexo aquí es más sucio, más duro, más carnal y más amoral… y está mucho más justificado.

“Nymphomaniac: Volumen II” es, en esencia, un compendio de toda la obra anterior de Von Trier. El gran danés vuelve a cargar contra la sociedad hipócrita y traidora en la que vivimos poniéndonos en el otro extremo de la balanza, ese en el que no queremos estar, ese en el que seremos juzgados por este mundo depredador en el que nos movemos. Convierte a Joe en algo más que una adicta, en una penitente que carga una pesada cruz, y se atreve incluso a ligarlo con el espinoso tema de la pedofilia en una de las reflexiones más lúcidas que se han podido ver en los últimos tiempos acerca del estigma del que tiene un vicio y agoniza en su interior por vivir con una sexualidad reprimida.

Y, con todo, es tremendamente complicado valorarla como film independiente. Esto no es “Kill Bill”. Von Trier no ha tenido tiempo para meditar lo que hizo mal en la anterior. Estamos ante un film partido en dos, y no necesariamente supervisado por él mismo. Este segundo volumen no puede evitar verse lastrado por el aséptico primer episodio, pese a sus muchas virtudes. Y eso hace su valoración final tan sumamente compleja. A esperar a la versión íntegra.

A favor: que es, en todo, muy superior a su predecesora; los escarceos morales con la pedofilia y físicos con el sadomasoquismo

En contra: que existe la primera

Calificación ***