LA CRÍTICA. El maestro del agua

Los fantasmas de Galípoli

20 de diciembre de 1915. Los otomanos y los alemanes ven cómo las tropas enemigas, formadas fundamentalmente por franceses y británicos, abandonan la península de Galípoli tras varios intentos de invasión frustrados, dando comienzo al fin de una batalla que en menos de un año se cobró la vida de más de medio millón de personas entre uno y otro bando. Cuatro años después, los hijos de Joshua Connor no han vuelto a casa de la contienda. Ya sea con vida o no, el zahorí partirá en busca de sus tres hijos como promesa a su esposa.

Russell Crowe, que se reserva también el papel principal, afronta su debut en la dirección con aires clásicos, y de hecho podría considerarse que tiene ecos del cine de David Lean. Pero además, “El maestro del agua” viene a ser un cruce entre “Salvar al soldado Ryan”, “Largo domingo de noviazgo” y, sobre todo, el “Gallipoli” de Peter Weir. Porque esta ambiciosa ópera prima recuerda mucho a los trabajos tras la cámara del formidable director de origen australiano.

Pero mientras que el responsable de obras tan míticas como “El año que vivimos misteriosamente”, “La costa de los mosquitos” o “Master & Commander” consigue sacar partido a cualquier historia épica con su elegante puesta en escena y su vibrante dirección a todos los niveles, Crowe tira de ingenuidad y extrema bondad y se muestra torpe y atropellado. El protagonista de “Gladiator” no sabe cómo utilizar la música, abusa de ella, así como de la distorsión de la imagen, los zooms, la cámara lenta o los flashbacks, estos últimos mal insertados en la narración y repetidos tantas veces que rompen la linealidad del relato. Por ejemplo, muestra imágenes de la guerra una y otra vez como si su personaje en el film hubiera estado en el campo de batalla, o instantes del futuro que acaban volviéndola previsible y restan emoción al conjunto.

Y más allá de la dirección, donde también hace aguas es en la historia. El film trata de tocar tantos palos en la narración, vagando entre el melodrama romántico o el cine bélico y con una presentación tan forzada, que finalmente no le saca la punta a ninguno de ellos. La trama no termina de arrancar en ningún momento ni emocionar. Le falta pasión, empuje, y le sobra más de un pasaje que ha sido metido con calzador.

Ahora bien, está lejos de ser una mala película. “El maestro del agua” se ve con comodidad y aunque se haga pesada en ciertos tramos –la historia de amor forzada, por ejemplo, rompe el ritmo y no acaba de cuajar-, no llega a aburrir del todo. Por otro lado, está lujosamente ambientada, los actores están corrector y la fotografía, obra del maestro Andrew Lesnie, es soberbia. Pero se queda en un intento de cine clásico irregular y falto de amor, de emociones. Los fantasmas de Galípoli ya fueron homenajeados como merecían hace más de treinta años, a través de la historia de los dos atletas australianos unidos en el horror de la guerra.

A favor: la ambientación y la fotografía, y que se hace ligera

En contra: la torpe y nada pasional dirección de Crowe, los tropezones de una trama a la que le sobran algunas líneas argumentales

Calificación **

                                                                              Se deja ver

LA CRÍTICA: Noé

El fallido blockbuster antediluviano

Un genio matemático que encuentra un orden divino dentro del caos, una bailarina que se convierte en mártir de su propia obsesión por la perfección, la búsqueda de un árbol de la vida legendario capaz de otorgar la inmortalidad… o sencillamente los momentos de epifanía que un buen chute lisérgico es capaz de proporcionar. No hay duda. La religión ha estado presente en toda la carrera cinematográfica de Darren Aronofsky, hasta el punto que sus propuestas han convertido al cineasta en un sacrificado de sus propias pulsiones. Para algunos, un profeta a seguir. Para otros, un director al que crucificar.

Podríamos decir a priori que “Noé” es la película más abierta y directamente religiosa de Aronofsky. Pero sólo por su título y su trama, pues su visión del mítico pasaje bíblico, si no fuera por sus personajes e historia, bien podría pasar por una epopeya post apocalíptica y pro vegana en la que el hombre merece ser ajusticiado por sus pecados por un Creador de cuya denominación divina huye Aronofsky en un sabio juego con las palabras. O bien podríamos estar ante una aventura de fantasía épica que transcurre en un universo ficticio, en el que unos gigantescos ángeles de piedra ayudan al protagonista en su empresa. Y es precisamente aquí donde reside su primer punto débil, en la imposibilidad de desligarse del mito y dejarse llevar por una supuesta fantasía antediluviana, sin preguntarnos si estamos ante una tomadura de pelo o ante una genialidad más de su máximo responsable.

Lo que sí queda claro es que estamos ante el film más comercial de su director, pero por causas ajenas a sí mismo, y aquí estriba su segundo gran defecto. Paramount la ha vendido como el blockbuster que no es, cuando realmente en una pieza autoral con un abultado presupuesto. Un fallido intento de cine comercial que resulta tan soso como, por ejemplo, el “Robin Hood” de Ridley Scott, y que pretende ser tanto que finalmente se queda en muy poco. Una cinta ambiciosa que mete la pata a la hora de intentar aunar comercialidad y cine de autor, incapaz de estirar casi dos horas y media un pasaje que apenas daría para los noventa minutos de metraje.

Sin embargo, no todo es negativo en ella. Russell Crowe está inmenso, tiene su presencia característica en pantalla como para sostener el personaje protagonista. El toque Aronofsky, así como su temática de sacrificio y obsesión, está presente a cuentagotas, y cuando aparece, como en su forma de narrar el Génesis en imágenes, se agradece. La fotografía, los medios técnicos, los efectos, la banda sonora… El presupuesto se nota para bien. Pero sobre todo, una doble moraleja a aplaudir: que el perdón familiar es más importante que el divino, y que de Tolkien a las sagradas escrituras hay solamente un paso.

A favor: los toques fugaces de autoría, los medios, la doble moraleja final y Russell Crowe, cómo no

En contra: su fallido intento de aunar comercialidad y cine de autor

Calificación **

Taquilla USA: "Noah" inunda la taquilla

Por primera vez desde hace semanas, un fin de semana algo inferior al de hace un año, pero con muy poca diferencia. Solamente un estreno ha acaparado el interés general, y ése ha sido “Noah”, la polémica versión de Aronofsky sobre el mítico relato del Arca de Noé que ha entrado con contundencia, rozando los 44 millones de $. Una cifra que es claramente un éxito, pero superando por poco las previsiones y sin dar una gran sorpresa. Todo dentro de lo esperado para un film que tuvo su gran día el viernes pero cuyo ritmo durante los dos días restantes no ha sido demasiado esperanzador.

Y es que su descenso durante el sábado se asemeja al del gran batacazo –eso sí, previsible-  del fin de semana, “Sabotage”, lo nuevo de Schwarzenegger que no consigue enganchar a la audiencia y se queda en unos pobres 5 millones de $. Ahora bien, la diferencia de costes entre ambas obliga a “Noah” a apretar mucho durante las próximas semanas, algo que habrá que ver si consigue ante los comentarios desiguales que está generando entre los espectadores, y no así entre la crítica, que la ha valorado positivamente. Veremos si el tirón de Russell Crowe y esa mezcla de superproducción bíblica y polémica la lleva a dar buenos resultados, especialmente con Marvel a la vuelta de la esquina. Por lo pronto, en todo el mundo se acerca a los 100 millones de $, y es por ahora el segundo mejor estreno de su protagonista, así como el mejor para su director.

Poco entusiasmo en torno al resto de estrenos, todos ellos minoritarios. “César Chávez”, por ejemplo, entra con unos discretos 3 millones de $ en 664 salas. El contraste lo pone el mejor estreno del fin de semana, “The Raid 2”, secuela del título de culto de origen indonesio de 2011 que amasa unos potentes 177.000$ en 7 cines. La primera parte debutó hace dos años con más de 200.000$ pero en el doble de salas, siendo su media por sala más baja. Acabó en su momento por encima de los 4 millones de $, marca que esta nueva entrega está dispuesta a batir.

En el resto del ranking, decentes mantenimientos este fin de semana. “Divergent” cae mejor de lo esperado, un 52%, y se sitúa en los 95 millones de $ en diez días, ya más de lo que ha costado y lo cual asegura su transformación en franquicia. “Muppets Most Wanted” desciende de manera moderada hasta los 33 millones de $, mientras que “Mr. Peabody & Sherman” mejora el dato de hace una semana cediendo un modesto 20% y acercándose ya a los 95 millones. Pero sin duda la sorpresa la vuelve a dar “God’s Not Dead”, que cierra el top 5 sin variar apenas su cifra con respecto a hace una semana y colocándose ya en los 22 millones de $.

A nivel de mantenimientos, las ganadoras son “The Grand Hotel Budapest”, que amplía sustancialmente su presencia y pasa al sexto puesto con 24 millones de $ en total, 4 veces más que “Moonrise Kingdom” en el mismo periodo de tiempo. El mejor ascenso del fin de semana no obstante recae en “Bad Words”, que también amplía su presencia mejorando así un 423% con 3,5 millones de $ recaudados.

Por último, el techo de “Frozen” sigue estando aún lejos. Este fin de semana se ha colocado no sólo como la décima película más taquillera de la historia en todo el mundo con 1.072 millones de $, sino como la película de animación más taquillera de todos los tiempos, trono que hasta ahora dominaba “Toy Story 3”. Y aún le queda cuerda para ganar puestos.

Fuente: Box Office Mojo

Tráiler de "Noah". Aronofsky se nos pone épico... con 100 millones bajo el brazo

Los que sigan el blog y hayan leído alguna vez mis impresiones personales acerca de Darren Aronofsky, resumidas en el comienzo de la crítica de la estupenda “Cisne negro”, sabrán que no siempre es santo de mi devoción. Y lo siento, pero en estos épicos avances no veo al Aronofsky de anteriores trabajos, sino que veo una serie de trailers que tratan de vender algo que seguramente no nos encontraremos en una sala de cine. Porque es Aronofsky, sé que es un auteur, y que esta mezcla de film épico con Russell Crowe a lo “Gladiator” o “Robin Hood” mezclado con el cine catastrofista de Roland Emmerich, aunque con una fotografía mucho más elaborada, que intentan vendernos no es ni de lejos lo que nos tiene preparados el director. Por eso, y porque tras su anterior trabajo confío en él, le daré el beneficio de la duda. Vamos, que tengo ganas de verla.

Tráiler USA

Tráiler Internacional

Tráiler en castellano

LA CRÍTICA: El hombre de acero

Superman: Año Uno

Cuando John Byrne se hizo con el control del personaje estrella de la editorial DC tenía una ardua tarea: hacer novedoso y original un superhéroe ya caduco por casi medio siglo de multiversos y poderes ilimitados que habían convertido al Hombre de Acero en una triste caricatura de sí mismo. Y su tarea era doblemente ardua, pues su cometido llegó después del exitazo del “Superman” de Donner, un clásico del género que había convertido la mitología del original de Jerry Siegel y Joe Shuster en algo tan cercano al gran público como la mitología griega o la figura de Jesucristo, y que a su vez trataba de conciliar décadas de historia del personaje en un solo metraje. Y con todo, lo consiguió con creces, revitalizando el cómic en una época en la que sus adaptaciones cinematográficas se erigirían como el peor reflejo de aquello hacia lo que había evolucionado Kal-El sobre el papel.

Bebiendo de manera bastante directa, y nada disimulada, de la obra de Byrne, “El hombre de acero” tiene el mismo objetivo, el de adaptar Superman a los tiempos que corren, intentar contar lo mismo sin que suene a ya visto. Y lo primero que se desprende de ella es que posee una irregularidad fruto de su condición de hija de varios padres. Por un lado posee esa hondura dramática y reflexiva, así como su sentido de la estructuración narrativa enfocada al gran público, de Christopher Nolan. Por otro, la labor de David S. Goyer sobre el libreto, un especialista en captar esencias pero no siempre desarrollarlas, a no ser que tenga alguien a su lado que le ate bien corto. Y por último, de Zack Snyder, un cineasta nervioso, adicto a las anatomías humanas perfectas, director que maneja la cámara como un rockero su guitarra eléctrica, y más dado a lograr un plano para el recuerdo y enérgico que a la profundidad de sus historias.

Esta película está influenciada pues por las lecciones de tres padres diferentes, como Kal-El/Clark Kent lo está de las contrapuestas enseñanzas de sus dos padres en la ficción, el terrenal y el kryptoniano. Y esto se nota mucho en la película, que se puede dividir en los dos mismos actos en los que se fragmentaba “Batman Begins”. Tras abrazar abiertamente los cimientos de la ciencia-ficción más espectacular que nos muestra Krypton como nunca antes se había hecho, asistimos al viaje de realización personal y de búsqueda de sus orígenes, a la vez que de su significado para este mundo, de nuestro protagonista. Un collage de relaciones paterno-filiales contado a base de flashbacks que pretende abarcar mucho en poco tiempo, y que en su segundo acto cobra importancia y significado, dándote cuenta de que entre tanta irregularidad en el montaje, había algo que contar, la historia de un héroe que debe descubrir el amor por la raza humana, una razón para que ésta merezca ser salvada, algo no demasiado fácil para un personaje con el corazón dividido entre dos mundos.

Y es curioso que la parte más equilibrada de la función sea precisamente la más caótica, sin entender este término como peyorativo. Zack Snyder modula su estilo por el bien de la propuesta, carga la cámara al hombro y acierta en la filmación de los pasajes más dramáticos, pero es en el segundo acto donde da rienda suelta a sus manías cinematográficas personales y nos brinda un espectáculo visual de caos y destrucción que deja la escena en Manhattan de “Los Vengadores” en pañales. Abandona su fanatismo por las cámaras lentas, pero lo cambia por el zoom digital y vuelve a hacer gala de su gusto por las anatomías de cómic clásicas, persigue al personaje en su vuelo, nos hace sentir el vértigo y los mareos, pero consiguiendo que nunca nos perdamos entre tanta acción y movimiento en una planificación de la acción repetitiva pero efectiva. En una película de un gran estudio como esta, es llamativo que se le haya dado libertad, y el resultado ha sido inmejorable.

No es perfecta, y ahí está el primer acto para atestiguarlo, un chiste final impropio de la sobriedad del conjunto o la falta de fuerza de los personajes femeninos –otra constante del cosmos nolaniano, librándose solamente la malísima Faora, un personaje más acorde a la filmografía de Snyder- frente a los masculinos –soberbios Kevin Costner, Michael Shannon y Russell Crowe, y correcto Henry Cavill, que se limita a dejarse llevar por la aparatosidad de la función-, pero su segunda mitad es todo lo estruendosa y sobrehumana que hace falta como para que al final todo encaje en su sitio. Tampoco es la obra sobre Superman definitiva. Simplemente es una adaptada a los nuevos tiempos, una que, ahora sí, puede rivalizar con el universo marvelita. Una revitalización cinematográfica necesaria y completa. Nuestro Superman: Año Uno.

A favor: la rotundidad de su prólogo y el acto final, capaz de crear solidez entre el caos

En contra: el primer acto, el más irregular

Calificación: ****

LA CRÍTICA: Los Miserables

Libertad, igualdad, fraternidad

Fantine, arrojada a la miseria del Montreuil del primer cuarto del siglo XIX, se ve obligada a vender su cabello, sus dientes, su cuerpo y su dignidad para sacar adelante a su pequeña Cosette. Una vez a solas, cuenta su historia de amor y abandono. La música sube, suena “I dreamed a dream”, y los pelos se erizan. Un escalofrío recorre todo el cuerpo y la piel se pone de gallina. Anne Hathaway ha hecho acto de presencia y acaba de regalar el momento más memorable y álgido de la adaptación del célebre musical “Los miserables”. Uno de esos instantes que merecen alabanzas, premios, Oscar. Consigue transmitir el pesar de su personaje con su voz, con sus gestos, con su mirada. Hathaway confirma lo que ya sospechábamos los que nos fascinamos con su aparición en pantalla, que es una actriz enorme. Suyo es el momento, y no volverá a repetirse.

A partir de entonces, “Los Miserables” no vuelve a alcanzar esas cotas de magnificencia, aunque lo que resta es más que digno. Otros números musicales, como el coral “One day more”, son magníficos, pero en la película no están a su altura. E ignoro si es así en la obra original, pues reconozco que nunca la he visto. Tan sólo conozco la novela de Victor Hugo, y no se puede criticar el film en base a ella pues es una adaptación del musical. Así que esta reseña es solamente sobre la película, y en ningún momento los defectos de esta deben entenderse como arrastrados desde la fuente original. No podría asegurar entonces si dichos defectos son debidos a una adaptación incompleta o al hecho de que todo lo que queda bien sobre los escenarios puede no resultar igual en la pantalla grande.

Pero lo cierto es que su extensa duración, aquello que corre el riesgo de lastrarla por completo, es una losa que acaba pesando, y mucho. “Los Miserables” se hace larga, extenuante, y pierde fuerza hacia mitad de su relato. Es más bien una obra operística, un drama cantado, que un musical al uso. No hay grandes coreografías, puede hacerse plomiza a buena parte de los espectadores. Algunos pasajes, como las motivaciones del desenlace final de Javert o el triángulo amoroso del que sale perdiendo una ausente y nada aprovechada Amanda Seyfried, están algo desdibujados sobre el papel y el montaje. Algunas decisiones de cast, como la de Russell Crowe, son cuestionables no por su calidad vocal, sino por resultar demasiado estáticas en pantalla con respecto a sus compañeros de reparto. La dirección tan correcta y british de Tom Hooper, con sus molestos planos inclinados y su abuso del gran angular y los primeros planos, da la talla a la hora de intimar con los actores, pero supone un error en unos planos generales un tanto artificiales dominados, eso sí,  por una dirección artística y técnica sobresaliente. Y su tramo final, aunque alargado, es fugaz y un tanto precipitado.

Y pese a todo esto, el espíritu del original es tan fuerte, sus canciones tan pegadizas, y me pirran tanto los musicales, que casi todos estos pecados pueden ser perdonados. Porque así lo vale un grandioso Hugh Jackman, el hombre que nació para interpretar sobre las tablas más que para liderar a los mutantes de la Marvel. Así lo vale el poderío de Samantha Barks, el vozarrón de Eddie Redmayne y los bufones Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter amenizando la función. Así lo vale ese pedazo de actriz que se marca uno de los mejores números del género musical reciente. Así lo vale este canto a la libertad, a la igualdad, a la fraternidad, al amor, de una sociedad a punto de estallar. Y porque tras salir de la sala de cine, dan ganas de pagar la entrada y meterse en un teatro.

A favor: Anne Hathaway y su “I dreamed a dream”; sin palabras

En contra: su extensa duración

Calificación: ****

LA CRÍTICA

Robin Hood ***

La verdadera historia jamás contada

Diez años justos han pasado desde la primera y fructífera colaboración entre Ridley Scott y su actor fetiche, Russell Crowe. Sería muy injusto comparar “Gladiator” con este nuevo acercamiento a la figura de uno de los máximos exponentes del folclore inglés. Pero sí es inevitable acordarse de lo bien que otros hace ya bastante tiempo se enfundaron las características mallas verdes del personaje. Desde el porte clásico de Douglas Fairbanks hasta la melena de Kevin Costner, pasando por supuesto por la gracia del pizpireto Robin de los bosques que encarnara Erroll Flynn, todos han salido más airosos de portar la carga del mito que este Russell Crowe que luce el mismo look que en la película que le uniera a Scott hace una década, como si Máximo Décimo Meridio saltara de la arena del coliseo a los bosques de Sherwood cambiando una espada y su casco por un arco y una flecha.

Las comparaciones son odiosas, pero no sale tan mal parado Scott de la hazaña, o por lo menos no deja ese mal sabor de boca que sí dejara su anterior cinta épica, la olvidable “El Reino de los Cielos”. Y puestos a no repetir la historia ya conocida, lo que presenta es una especie de precuela que bien podría visionarse como antesala del filme de Kevin Reynolds “Robin Hood, príncipe de los ladrones”. Una visión del arquetípico personaje pasada por el filtro scottiano –a saber, bastante dosis de violencia y un empeño desmesurado por el efectismo- que nos muestra la supuesta historia que forjó la figura que todos conocemos, aunque nos la hayan vendido como la única posible, como la verdad absoluta.

Muchos se llevarán las manos a la cabeza por el arriesgado giro argumental que propone, pero yo particularmente lo aplaudo. Porque la historia de cómo el hombre llegó a ser el libertador de todo un pueblo oprimido es casi tan creíble, aunque no tan mordaz, como la de esos Robin y Marian de la tercera edad encarnados por Sean Connery y Audrey Hepburn en la película de Richard Lester. El problema no radica en su osadía de reinventar la leyenda, sino en el guión de un Brian Hedgeland, gran guionista por otra parte, que peca en esta ocasión de exceso de ambición. Tal es su afán de pretensión y su deseo de abarcar lo máximo posible que el libreto resulta a veces demasiado confuso y trillado. Cuesta diferenciar a los verdaderos malos de la trama, y cuesta aún más, especialmente durante la primera media hora, seguir los complots palaciegos; y consta además de unos personajes a veces desbidujados, como ese séquito de incorregibles que siguen a nuestro héroe. Incluso la relación entre Robin y la Lady Marian encarnada sin demasiado esfuerzo por Cate Blanchett es demasiado repentina. Pasan rápidamente de llorar la muerte de un ser querido a intercambiar miradas cómplices.

Pero por lo general, el realizador entretiene a la platea con su visión de los hechos, con un malo malísimo con el rostro cicatrizado del ya imprescindible Mark Strong y el paso fulminante, pero que deja huella como siempre, del gran Danny Huston, y con esas batallas bien insertadas en el desarrollo de la cinta, especialmente el desenlace en la playa que nos lleva a acordarnos del desembarco de Normandía trasladado a finales del siglo XXII. Sin embargo, no es la mejor película sobre el personaje y nos obliga a mirar a otro tiempo con nostalgia, cuando la verdadera historia de Robin Hood fue contada.

A favor: el pulso en la narración de Scott y que entretiene, que es lo importante

En contra: un guión quizás un poco ambicioso en sus pretensiones

LA CRÍTICA

El tren de las 3:10 ***1/2

Hace unos meses, el debutante David Von Ancken presentaba su ópera prima, “Seraphim Falls (Enfrentados)”, western a caballo entre el spaghetti más sucio y polvoriento y el clasicismo americano. También con retraso llega ahora “El tren de las 3:10”, que junto a la cinta de Von Ancken podría emitirse en sesión doble como uno de los mejores acercamientos del cine actual al cine del oeste.

Al igual que en “Seraphim Falls, “El tren de las 3:10” plantea el careo entre dos figuras antagónicas. Pero lo que en aquella se trataba de un ajuste de cuentas sin cuartel, en esta ocasión se torna en la necesidad de un hombre de sacar adelante a su familia llevando a uno de los criminales más buscados al tren que le conducirá a la horca.

Ambas películas comparten características. En primer lugar, ofrecen todo un enfrentamiento actoral entre dos grandes intérpretes. Lo que en “Seraphim Falls” era un duelo entre dos figuras británicas consagradas, Pierce Brosnan y Liam Neeson, en la que nos ocupa es un forcejeo magistralmente llevado por dos estrellas de nuestro tiempo que con los años pisan más fuerte, el de moda Christian Bale y el siempre fenomenal Russell Crowe. Es de estos dos monstruos de los que depende buena parte del resultado final.

Como segundo punto en común está el acierto por mostrar los grandes cambios que durante el siglo XIX se produjeron en los Estados Unidos. La modernización de un país como telón de fondo, modernización que trajo consigo expropiación de tierras, construcción del ferrocarril, contratación de mano de obra extranjera o una de las más deplorables, la del diezmado de los indios nativos, cultura que tuvo que sucumbir a las costumbres del nuevo mundo, ya fuera como criados o usando las armas de fuego para defenderse.

Pero existe un nexo de unión básico entre ambos filmes, aquel por el cual son una realidad: la recuperación de un género poco arraigado en el cine moderno, tan poco artesanal que el western ya parece no tener cabida en él. Y es en ese sentido en el que ambas obras consiguen su objetivo, tomando modelos que son inevitables y obligatorios.

“El tren de las 3:10” es un western modélico, que rescata del olvido la esencia del western, y se diferencia de “Seraphim Falls”, al igual que de la película homónima que remakea, en la misma concepción del producto. James Mangold, director regular pero interesante donde los haya, realiza una peli con muchas balas y muchas armas, en la que impera más la acción y la espectacularidad que las escenas melodramáticas y filosóficas que insuflaban al original de Delmer Daves. Donde aquella flaqueaba, que era precisamente en esa carga de escenas dramáticas sentimentaloides, esta pasa muy a su favor de puntillas.

Mangold dirige con solvencia una de sus mejores películas, junto a “Cop Land”, en la que falla precisamente lo mismo que en “Seraphim Falls” y en la original “El tren de las 3:10”, el desenlace. El gran problema es que en una historia de estas características, en el cual la lucha entre el bien y el mal está tan acentuada, es fácil caer en la autocomplaciencia, en el final que mejor se ajuste a lo estrictamente correcto. Sin embargo, suficientes son los alicientes de esta película como para no permitir que ese detalle acabe con el conjunto de lo que es una vuelta al género con mayúsculas, con un pie en el cine de antaño y otro en el actual. Como último detalle, la recuperación del gran Peter Fonda y el revólver que pasa de mano en mano, que me sirve para aconsejar otro gran clásico, “Winchester 73”, de Anthony Mann.

A favor: Crowe y Bale, gigantescos

En contra: el desenlace, demasiado autocomplaciente, y que haya tardado un año en estrenarse

3.10 to Yuma

------------------------------------------------------------------------------------

Western, EEUU, 2007, 117 minutos

Dirección: James Mangold

Intérpretes: Russell Crowe, Christian Bale, Logan Lerman, Ben Foster, Peter Fonda Gretchen Mol, Vinessa Shaw