LA CRÍTICA. Blade Runner 2049

Ángeles en el paraíso

“Blade Runner” siempre ha sido lo que el tiempo ha hecho de ella. De su leyenda más que del film en sí mismo. Una indiscutible joya, por supuesto, pero beneficiada por el paso de los años, por las múltiples relecturas y versiones, por los oníricos unicornios capaces de cambiar todo su significado, y porque por aquella época no se había visto nada igual. Bien contada, pero con una trama de lo más simple.

Su esperada secuela no puede beneficiarse de ese factor temporal. Muchas lágrimas bajo la lluvia se han derramado desde el estreno de su predecesora, demasiadas odiseas científico-tecnológicas hemos disfrutado –o padecido-, muchas de ellas deudoras de la obra maestra de Ridley Scott. La nueva entrega no puede aspirar a sorprender en ese sentido, y aún tiene mucho camino que recorrer para ganarse el título de clásico del séptimo arte.

Sin embargo, “Blade Runner 2049” logra algo que es casi imposible. Consigue durante su abultado metraje –quizá demasiado abultado, todo hay que decirlo- no caer en el ridículo, no palidecer frente a su referente, lo cual era su mayor desafío. Porque esta película no es más que una expansión del universo creado por Philip K. Dick e inmortalizado por el talento de sus adaptadores cinematográficos, una propuesta en un proceso evolutivo tan claro y lógico como el de sus replicantes, o como el de la evocadora banda sonora de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch, una extensión del score de Vangelis.

Lo demás, pues una trama de lo más sencilla servida con aparente complejidad, estética cyberpunk tuneada por la mano maestra de Roger Deakins, y el saber hacer de un cineasta con tanto pulso narrativo como Denis Villeneuve, que hace primar el ritmo pausado sobre el espectáculo, pero con el suficiente nervio como para no caer en el hastío. Un Villeneuve pasado por el filtro comercial –su guión tan masticado es quizá el precio que ha tenido que pagar en el salto-, que no imita esquemas, haciendo suyo este vasto universo creativo.

Y es que no se puede replicar una joya. Sería un tremendo error. Pese a las facilonas decisiones e inevitables huecos argumentales, “Blade Runner” es un entidad propia capaz de sobrevivir por sí misma, independiente de sus progenitores, y una nueva ocasión para explorar lo que nos hace humanos, que no es más que la capacidad de decidir. De manera extendida, expandida, en pleno proceso evolutivo. Un nuevo ángel en el paraíso con el que deleitarnos.

A favor: Villeneuve haciendo suyo el universo “Blade Runner”, la fotografía y su capacidad para evolucionar y tener entidad propia

En contra: su exceso de metraje y el filtro comercial de su director

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. La La Land (La ciudad de las estrellas)

Otro día más de Sol en LA

Es imposible no enamorarse de “La La Land“. Desde su misma escena inicial, que nos introduce en el Cinemascope, en un mundo en Technicolor acompañado por un tema musical que llama a introducirse en la gran pantalla, seduce, enamora y embriaga. El mismo sentimiento de amor que profesan todos esos soñadores que acuden a la Meca del Cine buscando una oportunidad, a perseguir las luces que brillan en la ciudad de las estrellas, a subir hasta las alturas de la colina más famosa del séptimo arte, esa desde la que sólo puedes caer o mantenerte eterno.

Imposible no enamorarse de ella, porque lo nuevo de Damien Chazelle es una carta de amor a la música, algo que ya destilara su anterior obra, con sus subidas y bajadas sentimentales. Y también al musical en particular. Por sus fotogramas resuenan los ecos del cine de Donen y Demy, y de otros tantos maestros que han rubricado todo un género para expresar sentimientos y emociones. Todo en ella destila técnica. Música, sonido, fotografía, escenografía… Chazelle no sirve un musical al uso, prefiere jugar con el género y no pervertir su esencia, sino contarnos su particular visión sobre el mismo, una visión en la que las canciones alegres y el colorido menguan conforme se abandona el amor por alcanzar algo más importante: las metas personales.

Por supuesto, es una historia de amor entre dos soñadores, interpretados con la soltura para la comedia de un cada vez más acertado Ryan Gosling y la delicadeza y espontaneidad naturales de una Emma Stone que se erige como reina absoluta de la función. Pero también es un mensaje de amor al cine en general. De amor y por supuesto de desamor, dos conceptos antagónicos pero inevitablemente unidos. Al cine como fábrica de sueños y desilusiones.

Todo en ella es para ser amada. Y aunque le ocurra lo mismo que a su anterior film, y el ritmo pueda parecer que decaiga hacia mitad del metraje, en este caso por abandonar deliberadamente los tópicos del musical, su director vuelve a retomar el pulso en un epílogo que supone todo una moraleja sobre el cine como mecanismo para contar historias, pervertirlas y encauzarlas a su manera. Es lo bueno del séptimo arte, que siempre puede reiniciarse a sí mismo y acabar en un ensoñador final feliz. No importa lo que pase hoy. Mañana será otro día más de Sol en Los Ángeles.

A favor: el amor que profesa al cine, la fotografía, la música, el sonido, la escenografía, su pareja protagonista…

En contra: que su distanciamiento del musical tradicional pueda ser visto como un bajón de ritmo

Calificación *****

Imprescindible

AVANCES. Primer tráiler de "The Big Short". Pitt, Gosling, Carell y Bale en plena crisis inmobiliaria

Adam McKay, responsable de “Anchorman”, cambia de registro. O no tanto. “The Big Short” supone su primera incursión en un film de alto prestigio dramático, aunque este primer tráiler tenga un tono desenfadado y cierta propensión a la comicidad. Un reparto de lujo compuesto por Christian Bale, Brad Pitt, Ryan Gosling, Steve Carell, Melissa Leo y Finn Wittrock –la gran revelación de “American Horror Story: Freak Show”- avala una película basada en hechos reales, ambientada en la antesala de lo que sería la quiebra del sector inmobiliario en 2008 y la posterior crisis económica mundial, y cómo cuatro expertos la previeron antes de tiempo. Paramount adelanta su estreno al 23 de diciembre, para permitir que entre en la lucha por el Oscar.

LA CRÍTICA. Lost River

Bajo la superficie de las aguas

Siempre es interesante ver cómo un actor se pasa al otro lado de una cámara y asume el rol de director, cómo recoge influencias de todos los cineastas para los que ha trabajado y encuentra su propio camino como contador de historias. Ya lo han hecho con éxito Clint Eastwood, Mel Gibson o Robert Redford, y más recientemente Ben Affleck, George Clooney o Tommy Lee Jones, todos ellos con resultados en muchos casos sobresalientes.

Ahora es Ryan Gosling quien se sienta en la butaca del director para presentar “Lost River”, una oscura fábula que se mueve entre los suburbios de un Detroit en bancarrota, una ciudad fantasma sometida a un hechizo que la impide salir a flote de su propia inmundicia. Lo que el actor propone es un perturbador cuento de hadas repleto de lobos al acecho de los débiles, de los que hacen lo que sea necesario por sobrevivir y los monstruos que se aprovechan de esa situación.

A nivel argumental, este siniestro relato sobre el capitalismo y la conquista del sueño americano escondido bajo la superficie del agua está bien perfilado, a pesar de un desenlace que cruza la línea del absurdo y la presuntuosidad. Gosling consigue transmitir al espectador su mensaje a nivel de guión, y logra un mundo tan retorcidamente onírico como aterradoramente real repleto de personajes bastante bien matizados sometidos a todo aquello que se le pasa por la cabeza al director.

Sin embargo, a nivel de dirección, pese a momentos puntuales de ingenio y fuerza autoral, Gosling se acomoda en la silla como realizador tanto como viene haciendo como intérprete desde “Drive”. Y es precisamente al cine de Nicolas Winding Refn a lo que recuerda esta ópera prima, pero como una versión sucia y empantanada del trabajo del cineasta danés. Se mira tanto en el espejo de su maestro que otras referencias al cine de David Lynch o Terrence Malick quedan como meras copias a un nivel mucho menor.

Lo que resulta en definitiva es una obra mal equilibrada, con una historia potente, una buena dirección de actores –aunque Ben Mendelsohn se los come a todos- y un universo bastante atractivo, pero que adolece de una realización totalmente desprovista de personalidad. Puede hacerse extremadamente extraña para muchos espectadores, pero éste es el menor de sus males cuando trata de asemejarse a otros directores. Una lástima, porque de haber sido más original tras la cámara, su debut apuntaría maneras de prometedor realizador, y no se hallaría ahogado bajo la superficie de las aguas de ese río perdido del título. Y ya que como actor viene repitiendo el mismo personaje desde hace cuatro años, siempre le quedará como salvoconducto ser guionista. Su río aún no está perdido.

A favor: la potencia del relato relato y el muestrario de personajes del que hace gala Gosling en su guión

En contra: la dirección nada personal, que recuerda demasiado al cine de Winding Refn

Calificación **

                                                                                Se deja ver 

LA CRÍTICA: Cruce de caminos (The Place Beyond the Pines)

Corre como un rayo, estréllate como un trueno

Si algo demostró “Blue Valentine”, además de que el amor se puede transformar en desamor por la acción del desgaste del tiempo, es que Derek Cianfrance es un tipo grandilocuente. Le preocupa el amor, la pérdida, las relaciones entre padres e hijos, entre seres humanos, sus actos y los resultados de los mismos, cómo es fácil juzgar por los primeros y cómo se puede convertir en héroe en base a los logros personales, merecidos o no. Y ser grandilocuente no es un aspecto negativo, no es malo tratar de aleccionar sobre la vida, siempre que se haga desde la sencillez y con una estructura coherente como la de su anterior trabajo.

“The Place Beyond the Pines” –una matrícula de honor para el simio que traduce los títulos en España- responde a esa ambición temática de su realizador. La película no solamente juega con el paso del tiempo como elemento que saca a relucir una verdad oculta a punto de ebullición, sino con el paso del testigo en la narración de unos personajes a otros, de una generación a la siguiente. Sus protagonistas corren como rayos en sus acciones, y acaban estrellándose como truenos ante las consecuencias de las mismas, y la moraleja final es que somos consecuencia de los errores de nuestros padres.

Así, Cianfrance divide la narración en tres actos, una decisión lógica para plasmar ese paso del testigo de padres a hijos, pero no necesariamente obligatoria. Su anterior película jugaba sabiamente con el montaje oscilando constantemente entre el pasado y el presente, mostrando primero a la pareja protagonista en un momento de felicidad para a continuación darle la vuelta y presentar esa misma situación desde el otro lado del espejo. Aquí, la estructura del film es lo que más juega en su contra.

El director no consigue que las tres historias entrecruzadas que componen su ambicioso retrato generacional despierten el mismo interés, y de hecho éste va en caída libre a partir del minuto cincuenta aproximadamente. Sucede justo en el momento en que abandonamos la atractiva historia protagonizada por un genial Ryan Gosling, aquí alternando la pose “Drive” con ese magnetismo animal con la cámara que ya se empezaba a echar de menos en trabajos recientes, para pasar a la interesante trama del solvente Bradley Cooper con la sensación de que la narración ha decaído con un segundo relato que carece de la fuerza del primero. Cianfrance vuelve a dar una sonora bofetada al espectador con esta ruptura, pero al contrario que en su anterior film, la bofetada no es devuelta al respetable y la sensación final es agridulce, culminando todo en una tercera parte bastante previsible donde ya la desconexión con lo anteriormente visto es absoluta.

Lo paradójico de la película es que las decisiones tomadas en ella son lógicas. Su estructura lo es, pero también lo son su acto final, que realmente da sentido a la propuesta, y su duración, necesaria para narrar una historia como ésta. Sin embargo, eso no quiere decir que fueran las más acertadas, y la pregunta es si una estructuración en la que se diera un peso equitativo a cada una de sus partes habría constituido una solución. Sea como fuere, una buena película, unos actores acertadísimos –gran trabajo también de Eva Mendes, y Ray Liotta resulta amenazante sólo con la mirada-, una banda sonora ambiental desconcertante y un relato de interés en descenso, pero igualmente interesante y recomendable.

A favor: sus actores, especialmente Ryan Gosling, y el primer relato

En contra: que sus otros dos actos, especialmente el tercero, no tengan la misma fuerza

Calificación: ***1/2

LA CRÍTICA: Only God Forgives

Sin rendir cuentas ni ante Dios

“Drive” nos descubrió a un sibarita de la imagen, un entusiasta de los travellings frontales y laterales, las escenas con ritmos sintetizados y la violencia gráfica para muchos insoportable e innecesaria. Pero aquella joya, un homenaje al thriller ochentero que ya es toda una obra de culto, era solamente un espejismo de lo que es realmente su director. Porque su condición de delicatesen retro del celuloide fue atribuida gracias a que se trataba de una versión suavizada de su creador, un producto destinado al consumo comercial y asimilable por un sector más amplio de la audiencia.

“Only God Forgives” vuelve a ofrecer un muestrario de las pulsiones de Nicolas Winding Refn. Estéticamente es brillante, como siempre. La fotografía de Larry Smith y la banda sonora de Cliff Martinez son brillantes, y sus ansias estetas están al servicio de una nueva historia de venganza, de un cruce entre el western crepuscular de Ford y Leone y el cine de yakuzas y samuráis, una especie de thriller coreano con algunas pinceladas kubrickianas y lynchianas en la composición de planos.

El director ya no tiene nada que demostrar. “Drive” le abrió las puertas del star system de manera definitiva, y ésta es su primera película cien por cien propia desde hace unos cuantos años, una cinta desbocada y ensimismada que no tiene que rendir cuentas ante nadie, ni siquiera ante Dios. Y es precisamente esta condición de película nada complaciente más que consigo misma lo que juega en su contra. Recoge tanto lo mejor de Winding Refn, su sello personal en la realización, como lo peor, un hermetismo derivado de un universo tan propio que no hace concesiones al espectador. O entras en él, o te quedas fuera.

La culpa la tiene ahora, especialmente, un guión muy simple, pero al que su director pretende dotar, tirando de montaje y dirección técnica, de una profundidad de la que en realidad carece. No hay hondura en sus personajes, ni en esa fallida relación madre-hijo, supuesta piedra angular de la trama. Ni siquiera hay doble fondo en la expresión de un Ryan Gosling que está de paso y que va camino de convertirse en el intérprete monótono y pétreo en el que jamás imaginamos que se transformaría en sus prodigiosos comienzos, al que se come crudo una estupenda Kristin Scott Thomas, madre amenazante, posesiva y frágil a la vez.

Lo que queda es un thriller inconexo, muy mal explotado a nivel argumental, que deja la sensación de que el guión no está a la altura. Y, eso sí, puro Winding Refn, el mismo de las también poco digeribles “Bronson” o “Valhalla Rising”, y que me temo que no volverá a regalarnos otro “Drive”. Un cineasta que, eso sí, sirve imágenes de una extraordinaria belleza pese a su crudo contenido. Aunque no siempre los ejercicios de estilo son suficientes para sostener una película.

A favor: Kristin Scott Thomas, y el toque de su director

En contra: la casi nula profundidad bajo su precioso envoltorio

Calificación: *1/2

Póster y tráiler de "Only God Forgives", de Nicolas Winding Refn

Lo voy a decir claro y tan alto que no hará falta que lo repita. ¡ESTE TRÁILER ES DIOS! Así de simple. Tras la excepcional “Drive”, Nicolas Winding Refn vuelve a la carga con sus travellings, su maravillosa selección musical, sus luces de neón y su violencia gráfica tan necesaria como desconcertante. Y, una vez más, con Ryan Gosling de la manita. “Only God Forgives” se titula su nuevo trabajo, y no podría venirme más al pelo. Porque sólo Dios perdona. Ryan Gosling, ni de broma. Ganas.

LA CRÍTICA: Blue Valentine

El amor no es para siempre

El amor duele. Comienza como una ilusión, con un desbordante optimismo, pero acaba con carencias de afecto y comprensión por parte de ambas partes. Quién le iba a decir a Cindy y Dean que aquel amor a primera vista que parecía que iba a durar para siempre, que se sobrepuso a un embarazo no deseado y a las iras de un ex, se tornaría cada vez más amargo conforme fueran pasando los años, cuando el paso del tiempo pusiera las cosas en su sitio.

Parece acertado hablar en San Valentín de un film como este, pero como reza su título, debe hacerse desde una desoladora tristeza. Porque el motivo es que, con dos años de rechazo, por fin llega a la cartelera española, aunque sea de manera minoritaria. Y como suele ocurrir con las cintas que tardan en estrenarse en nuestro país, o que directamente no llegan a hacerlo, estamos ante una de las joyas de los últimos años.

Es imposible no reconocerse en la pareja protagonista de “Blue Valentine”. Su retrato del amor, del inexorable paso del tiempo y de su caducidad, es sincero, brutal y directo. Sin sucumbir al melodrama, sin abusos artísticos y estilísticos, con un marcado e inconfundible tono indie. Su realizador, el documentalista Derek Cianfrance, sólo necesita montar la historia intercalando el presente y el pasado. En una habitación del futuro, ayudado de un portentoso guión, el director echa un vistazo al feliz pasado, cuando todo comenzó con optimismo, para arrojar luz acerca de cómo se ha acabado en un presente tan triste y frío, donde imperan los tonos azulados. Cada acto feliz del entonces choca con un pasaje infeliz del ahora, y viceversa, en la crónica de la muerte anunciada de una relación que tiene el mejor reflejo del futuro en los padres de la protagonista femenina.

Y, por supuesto, se vale de dos soberbios actores como Michelle Williams y Ryan Gosling, entregados a sus personajes -físicamente, su cambio es espectacular- y dotados de una química salvaje que casi traspasa la pantalla. Suyo es buena parte del mérito de que esta película perdure en la memoria tras su visionado, de que no pare de hablarse de ella después de más de dos años desde su estreno, incluso antes de ser nominada al Oscar a mejor actriz protagonista. Suyo y de un director y guionista que ha hecho uno de los retratos más realistas, románticos y a la vez crudos del amor y sus distintas fases, de lo fácil que se puede transformar en desprecio, repulsión y odio. Una propuesta para degustar en este día tan señalado. Con dos años de retraso o cuando se tercie. Nada es para siempre, salvo esta gran película.

A favor: su montaje, su guión, sus dos actores protagonistas y su crudo retrato sobre el amor

En contra: ¿dos años en llegar a nuestras salas?

Calificación: ****

LA CRÍTICA: Gangster Squad

El parque temático de Ruben Fleischer

La historia es ya conocida. De hecho, ya nos la habían contado con anterioridad en el cine. Un mafioso que domina toda una ciudad, a todos los niveles y estratos sociales, que pasa por encima de la ley y la jurisdicción. Un escuadrón dispuesto a capturarle, aunque ello implique rozar la ilegalidad en sus actos.

“Gangster Squad”, tras mil y un problemas de producción y concepción, y también por problemas ajenos a estos dos puntos –es de sobra conocido el retraso en su estreno a causa de la matanza en el cine de Aurora- , llega por fin a las pantallas, y en su acabado final se aprecian esos baches que ha tenido que superar.

Pretende ser una versión moderna de “Los intocables de Eliot Ness”, y se queda en eso, en un mero intento. Son muchos los problemas que la lastran a lo largo de su metraje, pero el más relevante es que su realizador, Ruben Fleischer, no sabe qué tono imprimirle a la cinta. Sus primeros minutos, con la ejecución de un hombre por parte del personaje de Mickey Cohen, están más cercanos a la violencia gráfica del cómic que al cine noir que persigue en otros momentos del relato. Otros, en cambio, se aproximan demasiado al cartoon, al cine de acción con excesos de cámara lenta y a un acabado formal que abusa del formato digital cual Michael Mann. Pero Fleischer queda anulado como cineasta y está de lejos del clasicismo de Mann o de la habilidad para coreografiar escenas de Brian de Palma. El guión de Will Beall no es que ayude demasiado, y es tan plano como el de un film de “Transformers”, pero sin la dosis de espectáculo ensordecedor de Michael Bay, y con un sentido del humor sin gracia.

Así que, en una propuesta así, en la que el cast es lo que más puede llamar la atención, es de esperar que al menos sus actores estén a la altura. Y en esto tampoco lo consigue. Sean Penn acaba pareciendo una triste caricatura, puro cartoon al borde de la sobreactuación, un villano arquetípico con un maquillaje chanante que parece sacado del “Dick Tracy” de Warren Beatty. Incluso unas veces parece más maquillado que otras. Ryan Gosling cree que con repetir sus tics habituales, poner cara de palo y bajarse el sombrero mientras se fuma un cigarrillo tiene el terreno allanado. Su expresión es la de alguien que no quiere estar ahí. Emma Stone queda como simple chica florero, y carece del poder de seducción de la femme fatale del noir que la película persigue. Su relación con Gosling carece de química, al igual que la de la brigada que da título a la cinta. Solamente en Josh Brolin y, especialmente, un Robert Patrick que parece sacado de un western, encontramos la salvación, pues el resto está de paso. Eso sí, sus personajes están igualmente desdibujados.

Mérito enorme el de Fleischer, eso sí, el hacer que su metraje se pase en un suspiro, que al menos el conjunto se haga entretenido. Todo gracias a su reconversión del cine negro en un gran parque de atracciones como aquel en que los protagonistas de su “Zombieland” huían de una horda de voraces muertos vivientes. Pura pirotecnia que no esconde sus muchas carencias, pero que al menos hace pasar el rato. Algo es algo.

A favor: el crepuscular personaje de Robert Patrick

En contra: la falta de química de sus intérpretes, el guión y que su realizador no sabe exactamente lo que quiere

Calificación: *1/2

Tráiler de "Gangster Squad", de Ruben Fleischer

¿Qué pasa si juntas a Ryan Gosling, Josh Brolin, Sean Penn, Nick Nolte, Emma Stone, Giovanni Ribisi y Robert Patrick y los pones a las órdenes del prometedor Ruben Fleischer ("Zombieland") para hacer un film de cine negro clásico con aires a novela gráfica? Pues que te sale este pedazo de tráiler que apunta maneras. Sin haberla visto, va a ser una de las películas del año, y más si tras el guión de esta adaptación de la novela de Paul Lieberman "Tales of the Gangster Squad" se encuentra Will Beall, guionista de esa genial serie que es "Castle".

LA CRÍTICA: Drive

Un auténtico ser humano, un auténtico héroe…

De día es especialista de cine. De noche, es tuyo durante cinco minutos si necesitas un conductor experto en fugas. Se le conoce simplemente como Driver, como el antihéroe anónimo de los spaghetti western de Sergio Leone, y no tiene pasado ni vida aparente. Es, sencillamente, un auténtico ser humano, un auténtico héroe…

Ya sea en sus créditos iniciales en cursiva y rosa y su puesta en escena, que rememoran la estética glam de filmes como “To live and to die in L.A.”, “Risky Business” o el thriller negro de acción  de los ochenta, o en su electrizante banda sonora, lo que desprende “Drive” es pura nostalgia, un aire retro que va  desde esas secuencias nocturnas aéreas de Michael Mann hasta las tramas criminales de Walter Hill, pasando por el samurái Alain Delon de Jean Pierre Melville. 

Driver es como el James Caan de “Ladrón” o el Ryan O’Neal de “Driver”: un personaje frío, inmutable, que jamás carga una pistola y no se involucra en nada, salvo cuando la circunstancias lo requieren, y provisto de un inquebrantable sentido de la justicia. Cazadora, palillo en la boca y botines… Lo suyo es guiar a los demás. De su pasado no sabemos nada, ni lo sabremos todo. Sólo le conoceremos por sus actos, que van desde la pasividad más absoluta hasta el más horrible de los crímenes. 

Imposible es aunar en una sola crítica las referencias de las que se vale Nicolas Winding Refn para construir este impecable ejercicio de estilo repleto de elegancia, sobriamente narrado a ritmo de la música de Cliff Martínez, y que deja una extraña sensación de placer culpable, especialmente por descubrir a estas alturas a un cineasta que ya lleva bastantes trabajos a sus espaldas.

El director erige un retrato de la figura del samurái solitario a través del contenido rostro de Ryan Gosling, actor tremebundo donde los haya, en dos actos: uno inicial prácticamente carente de diálogos, con silencios que dicen más que las palabras, seguido de un giro de 180 grados al más puro estilo “Una historia de violencia” de Cronenberg, donde predominan la acción y la violencia tarantinianas. Nada sobra y nada falta en un thriller tan sobrio que se beneficia de unos secundarios de lujo –Albert Brooks resulta amenazante sin necesidad de abrir la boca, alejándose de sus papeles cómicos pero sin superar a Bryan Cranston, y Carey Mulligan aporta candidez y fragilidad a la propuesta-, una fotografía excelente y una composición de planos que deja secuencias que se prevén icónicas, como la del vengador enmascarado vigilando a Ron Perlman, la paliza en el ascensor o el atraco a la casa de empeños y su posterior fuga. Una cinta que dado su anacronismo puede quedar desfasada para algunos. O la amas, o la odias. Porque el tipo de cine que rememora ya hace tiempo que pasó a mejor vida. Tristemente.

A favor: Ryan Gosling, el uso de la banda sonora, la elegancia del realizador en la puesta en escena…

En contra: su anacronismo y nostalgia pueden no ser del gusto de todos

Valoración: ****1/2