LA CRÍTICA. Steve Jobs

El hombre tras la cortina

Genio, visionario, innovador, profeta… Pero también egocéntrico, déspota, manipulador. Muchas veces, son las mentes que reúnen los mejores y los peores apelativos las que hacen girar el mundo con cada decisión que toman.  Steve Jobs era una de esas mentes. Como Alan Turing, Pablo Picasso, o el mismísimo Dios. Jobs se permitía compararse con todos ellos. Porque al fin y al cabo, todos compartían una característica: es indiferente cuán despreciables fueran en la intimidad, pues su repercusión para la historia fue tal que millones de personas seguirían adorándoles a pesar de ello.

Esta película es un retrato del hombre tras la imagen pública. Del padre egoísta, del ególatra que nunca reconocía cuándo se equivocaba, del rey en su torre de marfil, convencido de ser el ombligo del mundo. Un retrato expuesto de una manera poco explotada por los biopics de nuestros días. Se agradece que no cuente la niñez, el ascenso y la caída del mito. En su lugar, escoge tres momentos de su vida, el lanzamiento de tres de sus productos estrella, y hace desfilar ante él a amigos, ayudantes y familiares antes de salir a escena a presentar sus creaciones.

Danny Boyle deja aparcados sus excesos cinematográficos para darnos el que es, sin lugar a dudas, el trabajo menos personal de toda su carrera. Sólo intuimos su mano para el montaje y la narración en las transiciones temporales y en alguna que otra selección musical. Pero lo hace por una razón lógica. El cineasta británico prefiere dejar respirar a los actores, y especialmente a un Michael Fassbender que no se preocupa por imitar a su personaje, pero que aún así borda su interpretación, excelentemente secundado por Kate Winslet y Jeff Daniels, entre otros.

Pero sobre todo, Boyle sabe que en este film lo que impera es el guión. A Aaron Sorkin le bastan tres segmentos para psicoanalizar a su protagonista, en uno de los libretos más brillantes de los últimos tiempos. Cada frase en manos del responsable del guión de “La red social” o la televisiva “El Ala Oeste de la Casa Blanca” es oro puro, y el director sabe que cada línea de diálogo debe hablar por sí sola, sin artificios ni alardes de montaje.

“Steve Jobs” es, en resumen, más obra de Sorkin que de Boyle. Habrá quien critique esto último, por ser un vehículo para el lucimiento del guionista y de Fassbender, en el que el director asoma tímidamente la cabeza de vez en cuando. Habrá quien la tilde de lenta. De hecho, no es una cinta pensada para aquellos que se duerman con largas escenas de diálogos sin cesar. Más de uno preferirá incluso otro estilo de biopic, y no la estructura episódica que nos propone. Pero al final resulta muy superior a aquel telefilm de hace unos años cuyo único reclamo era el parecido físico entre Ashton Kutcher y el hombre tras la cortina.

A favor: Michael Fassbender, el guión de Aaron Sorkin y su estructura

En contra: habrá a quien le sature tanto diálogo; Danny Boyle al servicio del guión

Calificación ****

No se la pierda 

AVANCES. Espectacular nuevo tráiler de "The Revenant"

Hace poco más de dos meses podíamos maravillarnos con un primer avance de “The Revenant”, lo nuevo de Alejandro G. Iñárritu. Un tráiler en el que destacaba la ausencia de diálogos, el sonido –sólo escuchamos durante dos minutos la respiración de Leonardo DiCaprio-, la fotografía y una nueva concepción de las batallas que le ha valido la calificación R a esta producción de cerca de 100 millones de $ por su violencia. Ahora, Fox vuelve a la carga con este nuevo tráiler, que no sólo sigue la estela del anterior, sino que introduce los diálogos y elementos a la historia como un hijo perdido del protagonista. Una maravilla visual que llegará a Estados Unidos en Navidad de manera limitada, y a España el 5 de febrero.

AVANCES. Tráiler de "Steve Jobs", de Danny Boyle

Solamente habíamos podido ver imágenes y un primer teaser que sabía a poco. Por fin, Universal ha lanzado un tráiler completo de “Steve Jobs”, el biopic de Danny Boyle con guión de Aaron Sorkin sobre el genio tras Apple, y ahora no sólo podemos ver más sobre el trabajo de caracterización de Michael Fassbender, sino también el toque particular para el montaje de su director. Además, no estamos ante un biopic al uso, sino que se centra solamente en tres momentos de su vida, en tres escenas durante las cuales fue el padre creativo de algún producto, ofreciendo más bien un "detrás de las cámaras" del proceso creativo. Completan el reparto Kate Winslet, Jeff Daniels, Seth Rogen y Katherine Waterston. Se estrena el 9 de octubre en Estados Unidos.

TRAILERS EN CADENA. "A Walk In The Woods", "Cop Car" y "Pawn Sacrifice"

Tres avances de tres filmes que prometen grandes interpretaciones, en algún caso de Oscar, o por lo menos que nos permite disfrutar de cuatro actores a los que prácticamente teníamos relegados. Para que no olvidemos que siguen ahí.

A Walk In The Woods

Para quienes no le conozcan, Ken Kwapis es un director que se ha labrado un nombre gracias a la comedia ligera, de encargo. Ahí están cintas como “Él dijo, ella dijo”, “La novia del presidente”, “Hasta que el cura nos separe” o “Qué les pasa a los hombres” para atestiguarlo. ¿Así que por qué podría merecer la pena un film como este? Pues porque reúne a dos grandes en la gran pantalla en un viaje hacia su propio encuentro al más puro estilo “Into the wild”. Robert Redford y Nick Nolte unen fuerzas en esta aparente comedia que adapta una novela de éxito de Bill Bryson, al que interpreta el propio Redford, y les acompañan Emma Thompson y otra recuperada para la ocasión, Mary Steenburgen. Más allá de su reparto, y de su pareja protagonista, dudo que merezca mucho más la pena que otros encuentros de actores como “Ahora o nunca”. El Labor Day -2 de septiembre- llega a Estados Unidos.

Cop Car

Kevin Bacon no está precisamente desaparecido, pero tampoco es que se prodigue demasiado en la gran pantalla. Así que cuando lo hace, es bienvenido. Un actorazo al frente de “Cop Car”, lo nuevo del director de “Clown”, Jon Watts, que da un salto de gigante en su carrera con esta historia de dos chicos que como travesura se llevan un coche de policía, sufriendo las brutales consecuencias cuando el sheriff interpretado por Bacon vaya tras ellos. El reclamo es sin duda el actor, pero también transmite buenas vibraciones este avance, que da un giro de estilo de la comedia juvenil al thriller puro y duro. El 7 de agosto llega a algunos cines de Estados Unidos, y una semana después estará en VOD.

Pawn Sacrifice

Y acabamos con uno de esos filmes que se rifan en los premios. Tobey Maguire se pone en la piel del mismísimo genio del ajedrez Bobby Fischer, justo cuando se tenía que enfrentar al soviético Boris Spassky (Liev Schreiber) en el Campeonato Mundial de Ajedrez de 1972. Claro está, la interpretación de Maguire, que mantiene el tipo en este avance, es el gran reclamo, pero también el hecho de que tras la cámara esté el solvente artesano Edward Zwick (“El último samurái”, “Tiempos de gloria”, “Leyendas de pasión”, “Diamante de sangre”), y al guión el también solvente Steven Knight (“Promesas del este”, “Locke”). Y aunque llega a las salas estadounidenses algo lejos de la carrera al Oscar, el 18 de septiembre, no debemos descartarla como uno de los títulos de la temporada de premios.

AVANCES. Primer tráiler de "Steve Jobs", de Danny Boyle con Michael Fassbender

Tras muchos problemas en su producción –desde la elección del protagonista, para el que se barajaron nombres como el de Christian Bale o Leonardo DiDiCaprio, hasta el director, con el nombre de David Fincher sonando con enorme fuerza-, “Steve Jobs” ha llegado a buen puerto. Ha sido de la mano de Danny Boyle con Michael Fassbender como protagonista. El film llegará el 9 de octubre, preparado para la carrera por el Oscar, y aunque este primer avance apenas muestre nada del trabajo de Fassbender, nadie duda de que lo va a clavar. Le acompañan Kate Winslet, Seth Rogen y Jeff Daniels. Vía Collider. 

LA CRÍTICA. Pasolini

El arte que imita al arte

El Coliseo Cuadrado, en Roma, dedica en su fachada unas palabras al pueblo italiano, un pueblo de artistas, poetas, héroes, navegadores, pensadores, científicos y santos, convirtiéndose, casi de manera inconsciente, en un monumento alzado en defensa de la cultura de todo un país. Atrás quedan ya los años en que Mussolini encargase su construcción, en que se convirtiera en un icono del fascismo.

Así, con esta contraposición de ideas, presenta y culmina Abel Ferrara su particular retrato de uno de los más grandes cineastas de la cinematografía italiana, Pier Paolo Pasolini. Un edificio que representaba, al menos en sus comienzos, una ideología totalmente contraria a la que el cineasta defendía. Y una historia, la suya propia, que transcurriría marcada por la anécdota de que su propio padre había salvado al mismísimo dictador de morir en un atentado.

Pero más allá de esta doble paradoja socio-cultural, lo que Ferrara busca también es la provocación. Porque Pasolini era un director arriesgado, subversivo, provocativo hasta el exceso. Y el encargado de “Teniente corrupto” busca provocar y arriesgar con su nuestro trabajo. Su “Pasolini” no es un biopic al uso, no recoge la vida de su protagonista, sino que se hace eco de las últimas horas de vida del maestro, sus últimas entrevistas, en las que hablaba precisamente de los peligros del fascismo. Así, su película no se limita a mostrar una vida que bien daría para una serie de filmes, sino que trata de plasmar en imágenes las inquietudes del escritor y poeta, lo que le pasaba por la cabeza al realizador, enfrascado por aquel entonces en el doblaje al francés de su obra más transgresora, “Saló y los 120 días de Sodoma”.

Pero todo riesgo tiene un precio. Y es que Ferrara cree que homenajear consiste en mirarse al ombligo, y pretende convertirse en el reflejo contemporáneo del personaje al que retrata. Se mete en su mente y fantasea con ofrecernos en imágenes la que podría haber sido su siguiente película, o con mostrarnos cómo él mismo habría rodado sus fantasías y relatos, con toda la violencia gráfica y explicitud sexual de las que hacía gala Pasolini. Trata de emularle en un ejercicio de soberbia y lo que le queda es una propuesta para unas minorías pertenecientes a clubes muy selectos, tediosa y aburrida.

Y lo peor, que se queda a medias en su retrato. Ni emociona ni se convierte en un retrato acertado del artista, no consigue acercarnos a él.  Retratar a Pasolini a través de sus palabras y convirtiendo en imágenes sus fantasías y pensamientos es quedarse muy corto.  “Pasolini” es un homenaje ensimismado al que parece que le falta metraje. Dura ochenta minutos y parece que dura el doble, y aún así parece un montaje final cortado.  Lo único salvable de ella es el trabajo de Willem Dafoe, metido en la piel de su personaje a pesar de su marcado acento inglés de Wisconsin –algo que la versión italiana intenta remediar doblando al actor con la voz de otro intérprete italiano, siendo el resultado aún peor-, en un ejercicio  de imitación del artista muy convincente. Pero incluso en este aspecto este proyecto es un ejemplo de arte que imita al arte.

A favor: Willem Dafoe tratando de imitar a Pasolini

En contra: Ferrara tratando de imitar a Pasolini; es una propuesta para minorías muy selectas

Calificación *1/2

                                                                                         No merece mucho la pena

LA CRÍTICA. Big eyes

El paréntesis del artista

Mucho se ha dicho sobre la última película de Tim Burton. Entre otras cosas, que no parece una cinta de Burton. No posee esos decorados góticos ni la contraposición con una paleta más colorista del anacrónico escenario en el que se desenvolvía “Eduardo Manostijeras”, no está protagonizada por esos freaks a los que su creador trata con absoluto amor y respeto, y ni siquiera la banda sonora de Danny Elfman evoca al estilo marcadamente burtoniano.

Pero hay una escena en ella, la que protagoniza el crítico interpretado por Terence Stamp, que viene a decir todo lo contrario, cuando dice abiertamente que un artista deja de convertirse en un autor para pasar a ser una pieza más de un gigantesco engranaje, transformándose en un cliché. En ese sentido, toda “Big Eyes”, que a priori no parece de su director a nivel estético, es toda una declaración de intenciones de un cineasta que lleva cerca de quince años trabajando para la industria, transformado más en un producto que en el artista que fue antaño.

Así, su último trabajo supone el punto de inflexión en la carrera de un realizador que ha querido demostrar que es capaz de hacer algo distinto a lo que nos tiene acostumbrados. “Big Eyes” es, por así decirlo, y aunque sea también de encargo, uno de los proyectos más personales y audaces del director en mucho tiempo, y ya solo por eso bien merece su visionado. Es incluso más burtonianas que otras propuestas suyas que desprenden su aura y universo de lejos como “Alicia en el País de las Maravillas” o “Sombras tenebrosas”.

Más allá de eso, su historia se deja ver con comodidad, está bien dirigida y excelentemente interpretada por el histriónico Christoph Waltz y esa maravilla llamada Amy Adams -sobre todo ella-, y sólo pierde entereza en el estrafalario juicio final. Una historia de mentes manipuladoras y otras mentes fácilmente maleables en plena década de los 50 y 60, cuando las mujeres sólo eran consideradas como buenas amas de casa y sacrificadas esposas, y en la que el talento no se mide por los billetes que ganes con tu obra, sino por la pasión que imprimes en ellas. Burton parece haber aprendido la lección. Desgraciadamente, le durará poco y volverá a ofrecer lo de siempre. Pero se agradece este delicioso paréntesis.

A favor: Amy Adams, y el aparente cambio de registro de Tim Burton

En contra: el estrafalario juicio final, y que algunos la descarten por no parecer de su director, o por pensar que nos ofrece lo mismo de siempre

Calificación ***1/2

                                                                        Merece mucho la pena

LA CRÍTICA. La teoría del todo

La física del amor

Una personalidad tan relevante como Stephen Hawking, una de las mentes más brillantes y prodigiosas del siglo XX, necesitaba ya un biopic. Incluso más que otros muchos personajes que han copado este subgénero dramático en los últimos tiempos, y por qué no decirlo, las ceremonias de entrega de los Oscar de los últimos quince años. Y por fin ha llegado, con notable y reconocible flema británica, una puesta de largo de parte de su biografía que trata de recoger los aspectos más llamativos de la misma.

Durante su primera media hora, “La teoría del todo” es un biopic de altura. Detalla sus logros a la vez que desarrolla, con total veracidad y cercanía, el avance de la esclerosis lateral amiotrófica, una enfermedad neurodegenerativa que fue condenando las habilidades motrices de Hawking a vivir a expensas de una silla de ruedas y de un aparato que traducía sus pensamientos en palabras, mientras su cerebro continuaba completamente sano e intocable. Primero se te escapan de las manos los objetos más cotidianos, después tienes dificultad para andar, y por último no puedes hablar ni moverte, y hasta tragar se convierte en una hazaña peligrosa.

Pero no sólo aborda el problema desde el punto de vista del enfermo, sino que posteriormente tiene el enorme acierto de mostrar de manera puntual el punto de vista de quienes tienen que convivir con él, y es aquí donde la cinta hace especial hincapié en la figura de su esposa, minada psicológica y físicamente ante la situación que vive día a día. En este sentido, el trabajo de su pareja protagonista, Eddie Redmayne y Felicity Jones, no podía ser mejor. Él, soberbio y meticuloso a la hora de encarnar a Hawking, tanto que parece su doble, y ella cargando a sus espaldas con convicción con un personaje complejo que por algunos de sus actos podría no empatizar con el público.

“La teoría del todo” viene a ser “Una mente maravillosa”, pero versión 2.0. No alcanza el nivel de ñoñería de la oscarizada película de Ron Howard, ni mucho menos su nivel de hipocresía, pero repite buena parte de sus esquemas. Es decir, es una versión edulcorada de la vida de un genio y la relación con su esposa, sometidos ambos al reto de convivir con una enfermedad dura y feroz. La dirección de James Marsh tiene destellos de excelente director, como las constantes referencias al trabajo de Hawking en los pequeños detalles como una mancha de café o la visión de una hoguera a través de un suéter, pero acaba soterrada por el academicismo y la corrección política de un producto destinado a llevarse galardones, que prefiere dar rienda suelta al romance y las emociones antes que a la física pura y dura y a analizar la figura del hombre tras el genio. Le falta encontrar ese difícil equilibrio entre amor y ciencia. Lo que queda es un biopic que no molesta pese a su exceso de sentimentalismo, pero que podría haber dado algo más que la simple física del amor, esa que unifica lo más importante de la vida, la que nos permite nuestro mayor legado a la Humanidad.

A favor: Redmayne y Jones, y que es un biopic que no molesta pese a su exceso sentimentalismo

En contra: que acaba dando rienda suelta a la parte romántica antes que a la física

Calificación ***

LA CRÍTICA: Jobs

El alma de un Macintosh

En una sociedad en la que serás más recordado por tus logros y aportaciones que por tu vida personal y tus actos, la pregunta es: ¿sabemos quién era realmente Steve Jobs? Para muchos fue un genio, para otros un oportunista y un prestidigitador. Las dos cosas, aunque puedan resultar contradictorias, pueden ir de la mano. Más que un creador, fue un visionario, una persona dotada de una ambición y una creatividad incomparables, un excelente orador y encantador de serpientes que perseguía un sueño, y que lideraba a otros en busca de ese sueño. Un niño que jugaba con juguetes caros al margen de las grandes compañías capitalistas.

Durante cuarenta minutos, “Jobs” plasma casi a la perfección la personalidad que se escondía tras las gafas, la barba y las zapatillas New Balance del mito. Le pinta como un hedonista, una persona que más que crear veía potencial en otros y les guiaba hacia un sueño. De hecho, así nació Apple Computer, como la potenciación del talento de un antiguo compañero, Steve Wozniak, y unos cuantos agregados, unidos bajo el ideal de mejorar el mundo.

Sin embargo, tras este aceptable comienzo, se produce el primer momento tenso en la película, y la atmósfera que se había creado hasta entonces se rompe. Te das cuenta de que algo no funciona en ella desde el primer minuto, pero no se hace patente hasta ese momento en que el protagonista renuncia a su hija. “Jobs” es una película funcional, armada sobre los cimientos del biopic clásico –la estética setentera, el uso de la música de la época… todo muy lógico y tópico- con la pulcritud y la falta de personalidad del color blanco alienante de un Macintosh. Te ha soltado anécdotas históricas –el nacimiento del nombre de la compañía, la estancia en la India, la relación de Jobs con Los Beatles-, y se limita a eso, a contar hechos sin ninguna conexión emocional con su protagonista –la existencia de la hija repudiada, lo más desaprovechado sin duda- con la gracia y la rapidez de un autómata, sin pararse en los recovecos más íntimos del personaje.

Cuando llegan los instantes de mayor intensidad dramática, la película patina porque está más preocupada en transmitirte un ideal que no abandona casi en ningún segundo que en ofrecerte la biografía que alguien como Steve Jobs merecía. Y de ahí no se mueve. Sigues sin saber quién era más allá de sus logros y su sueño. Quizá sea que alguien como Jobs no requería un biopic, pero de necesitarlo, debió ser de otra manera. No basta con que Ashton Kutcher se parezca sorprendentemente a él, que copie sus gestos y la posición de su boca, porque cuando llegan los pasajes dramáticos da tan poco la talla como todo lo que le rodea. Por qué será que no he podido dejar de pensar en “La red social”, la excelente radiografía de David Fincher y Aaron Sorkin de la era de la desconexión. A eso debió parecerse este biopic. Sólo deseo que Sorkin retome el proyecto perdido sobre Apple y haga algo mejor que esto.

A favor: el increíble parecido entre Kutcher y Jobs

En contra: es un biopic al uso, con el carisma y el alma de un viejo Macintosh

Calificación: **

Trailers en Cadena: Inside Llewyn Davis, Passion y Lovelace

Encadenamos hoy tres trailers subiditos de tono, dos por temática adulta y el otro, sencillamente, porque es de los Coen, que con “Inside Llewyn Davis” consiguen dos cosas: primero, que nos interesemos por una propuesta en la que la música folk de los 60 predomina, y segundo, que le dan la gran oportunidad a un actorazo como Oscar Isaac para lucirse. Eso a pesar de utilizar esa fotografía tan luminosa deudora de la Trilogía del Anillo, donde quedaba muy bien, y que empecé a odiar en cuanto Tim Burton hizo abuso de ella. Por lo demás, bien.

Continuamos con Brian de Palma, cuya carrera últimamente no acaba de despuntar. Con “Passion” se marca una de sus clásicas obras de suspense, asesinatos y morbo, mucho morbo. Pero más allá de planos como el del segundo 82, esto podría haber salido perfectamente de las manos de un realizador de telefilm de sobremesa. Aviso que el tráiler destripa bastante, y que Rachel McAdams y Noomi Rapace ponen mucho. Pero mucho, mucho.

Si algo comparte el avance de “Lovelace” con el primero es que enumeran a todos los actores, aunque su papel sea irrisorio y no les conozcan ni en su barrio.  Porque por lo demás, y tras la tibia acogida en Sundance, poco se puede esperar de ella, a pesar de la distribución de los Weinstein. Eso sí, veo a Amanda Seyfried en la piel de la malograda Linda “Garganta Profunda” Lovelace, y la estética setentera está muy lograda. Aunque ha sido ver a Chloë Sevigny y acordarme de otra ilustre garganta profunda, la que protagonizaba cuando Vincent Hallo la engañó para realizarle una felación filmada. Porque eso tuvo que ser un timo. Sí, lo siento, hoy estoy criticón. 

LA CRÍTICA: Hitchcock

La gigantesca sombra del maestro

“Hitchcock” comienza con un brutal guiño a “Alfred Hitchcock presenta”. El director nos introduce en la historia de Ed Gein, el asesino en serie que sirviera como base para el Norman Bates de la novela “Psicosis”, de Robert Bloch. Y lo hace como en la serie de televisión, de una manera desenfadada, armado con un humor negro que le hace dar gracias a la ingenuidad de la policía por creerse las mentiras de Gein. Porque, como sarcásticamente apunta, si no hubiera sido así no habríamos podido disfrutar de una de sus grandes obras maestras. Ni existiría esta pequeña película.

Lo sorprendente de este film es que el tono de su serial sigue presente durante todo el metraje. No estamos ante un biopic al uso, sino ante la historia de un hombre que bien podría haber sido un asesino –interesante usar a Gein como su consejero particular-, pero que decidió descargar sus impulsos en metros y metros de celuloide. Unos impulsos obsesivos, casi enfermizos, que bien podrían haberse equiparado con los de Bates o con el James Stewart de “Vértigo”. Aquí asistimos al proceso de concepción de su obra más desafiante, la más polémica, pero desde un punto de vista casi caricaturesco.

Un proceso en el que jugaba un papel decisivo su esposa Alma, una relación que es el verdadero motor de esta cinta. Por el rodaje de “Psicosis” se pasa muy de puntillas. De la vida de su protagonista, que no del genio, ni se preocupa más allá de una serie de rasgos muy reconocibles que le definían y de una serie de guiños que serán bienvenidos por todos aquellos que le admiramos. “Hitchcock” es, realmente, un tributo a la rubia que estaba tras el maestro del suspense, la mujer que hay tras todo gran hombre.

Pero este hombre es tan grande que esta tv movie estrenada por la puerta grande no le hace justicia. Su sentido del humor, sus simpáticas referencias al maestro y su ajustadísimo metraje lo hacen una película amena, para pasar el rato, algo que no está a la altura de Alfred Hitchcock. Sacha Gervasi se queda en lo superficial, no profundiza en todos los flecos de una historia con tanto potencial como esta, y todo queda en una propuesta amable, sin más. En sus actores, salvo en la gloriosa Helen Mirren, también se intuye esta superficialidad. Todos imitan a sus referentes sin aportar ningún matiz, especialmente un Anthony Hopkins con un maquillaje algo chanante que ejemplifica a la perfección el espíritu caricaturesco del conjunto.

Al final, el propio Hitchcock despide la película a la espera de que algo le de la inspiración para su próximo proyecto. Y el sentido del humor del maestro hace, de manera previsible si conocemos su filmografía, acto de presencia. Es la mejor manera de acabar una cinta recorrida por la mordacidad, pero perseguida por la gigantesca e inconfundible sombra de uno de los mejores realizadores de la historia del cine.

A favor: Helen Mirren, y el sentido del humor del maestro recorriendo el metraje

En contra: que no le hace justicia a Hitchcock

Calificación: **1/2

LA CRÍTICA: Lincoln

Olor a Oscar

Cuando eran tan sólo un joven aspirante a cineasta, cuenta Steven Spielberg que tuvo un encuentro con el mítico John Ford, sin duda el cineasta que más le influyó a la hora de dedicarse a la profesión. Ford le enseñó unos cuadros y le preguntó que veía en ellos, a lo que Spielberg le respondió que unos indios, unos caballos,… y el veterano director le mandó a callar con una frase sentenciosa: “Cuando entiendas por qué el horizonte está arriba o abajo en la imagen, y no en el centro, puede que seas un buen cineasta. Y ahora vete al carajo”.

Esta pequeña anécdota bien podría pertenecer a una de esas historias que el presidente Lincoln cuenta a lo largo del metraje del último film del Rey Midas de Hollywood, pero también sirve para entender por qué la crítica estadounidense, y buena parte de la internacional, se ha rendido a sus pies, más allá del sentimentalismo y orgullo patrio.

Al igual que el Ford de “El joven Lincoln”, Spielberg propone una mirada microscópica, tomando como excusa un hecho histórico crucial, de una gigantesca figura. Ambos humanizaron al hombre tras la leyenda, en este caso al padre afligido por la culpa y amoroso, al marido ausente y fiel, al dirigente astuto y tenaz. Pero, además, en “Lincoln” constatamos la pasión de Spielberg por el arte y la técnica cinematográfica, a un nivel comparable al de aquel estudioso de la imagen que le dio la lección de su vida, y que no por casualidad se alzó con cuatro premios de la Academia.

 “Lincoln” es tan cinematográficamente perfecta y tan académica en su composición, en su dirección de actores, en su banda sonora, en su realización técnica y artística, que es imposible darle una mala nota. Su ritmo, como el de Ford, es tranquilo y pausado, tanto que el conjunto puede ser un tanto irregular en su ritmo. Algo que depende en parte del espléndido guión de Tony Kushner, un libreto que, aunque resulta bastante didáctico, se pierde en ocasiones su propia densidad política. Pero, a diferencia de Ford, su mirada posee una magia especial que aquí tarda en aparecer, y cuando lo hace es bienvenida.

Pese a algún desliz de su realizador –esos innecesarios cambios de plano durante los monólogos de su protagonista o el alargado desenlace, donde el asesinato sobra-, a ese ritmo tan irregular o a su pequeño envoltorio, la grandeza de “Lincoln” se ve incrementada gracias a un reparto perfectamente orquestado, en el que destacan Tommy Lee Jones y, sobre todo, Daniel Day-Lewis. Lo que el intérprete irlandés realiza no es solamente un proceso de mimetización con su personaje, sino un logro de humanización y credibilidad superlativas. Él es el personaje, y nadie mejor que él podría haberle hecho cobrar vida.

Y todo eso aun cuando el presidente queda reducido a un segundo plano como un espectador silencioso y observador mientras otros hablan. Porque más allá del magnífico retrato de la figura central, lo que toca Spielberg una vez más en su nueva obra es la xenofobia y la discriminación. Lo demás es puro teatro, aunque teatro de una factura impecable. Huele a Oscar.

A favor: Daniel Day-Lewis, inmenso, y la dirección pausada a la vez que mágica de Spielberg

En contra: su contenido político puede hacerse algo pesado, y el momento del asesinato sobra

Calificación: ****

Nuevo mini póster de "Hitchcock". Detrás de todo psicópata hay una gran mujer

Por fin, el tráiler de "Hitchcock". La sombra del maestro está presente

Llevan semanas y meses bombardeándonos con imágenes del film y carteles que se mueven entre el homenaje, la parodia y lo retro. Pues por fin tenemos el tráiler completo de “Hitchcock”. Por fin sabemos cómo se desenvuelve Anthony Hopkins en la piel del maestro del suspense, y el resultado no podía ser más prometedor. No sólo por la caracterización, sino porque este primer avance destila el sentido del humor tan negro y desenfadado de tío Alfred. Su sombra, más que nunca, está presente en cada fotograma. Juzguen ustedes mismos.

Póster retro (y definitivo) de "Hitchcock"

Spot de tv extendido de "Lincoln". Y tan extendido

Es curioso que un spot de tv sea tan completo y largo como un tráiler de cine. Lo dejo caer. Por lo demás, pintaza.

Póster de "Hitchcock", cuchillo por corbata

LA CRÍTICA: Manolete

Abrazando a la Muerte

“Manolete” es, desde su misma preproducción, un culebrón en sí mismo, un film condenado al fracaso. Desavenencias entre su productor, Andrés Vicente Gómez, y su director y guionista, Menno Meyjes, problemas legales del primero con la Seguridad Social que ocasionaron el embargo de la cinta durante más de cinco años, baches de producción que retrasaban la filmación e hinchaban el presupuesto por encima de los 20 millones de euros… Pero el espíritu valiente del maestro ha superado todas las barreras, y ahora, después de haberse visto sin fortuna en otros países en DVD y VOD, llega a las pantallas españolas por la puerta de atrás, demostrando lo que jamás debe ser un biopic cinematográfico. Porque el “Manolete” de Meyjes y Vicente Gómez demuestra además lo que no debe ser una película, y su repentina y fugaz irrupción en las salas no obedece más que al empeño de su productor de hacer caja en una industria en la que hasta que no estrenas, no recibes dinero del gobierno.

La película es, en esencia, un quiero y no puedo constante. Porque está de más decir que la vida de Manuel Laureano Rodríguez Sánchez, alias Manolete, daba para un suculento biopic sobre el ascenso y caída de un mito que abrazó a la Muerte en cada corrida, y que incluso la sobrevivió tras su fatídica cornada en Linares. Es decir, que aquí había material para una obra maestra, o como mínimo para una muy buena película.

Pero no hay nada de eso en “Manolete”. Le falta pasión, su ejecución es excesivamente mecánica, tanto en la realización como en el guión del mismo Meyjes. No acabas por comprender quién fue el diestro y por qué se convirtió en leyenda. Los mejores momentos, que pueden contarse con los dedos de una mano semi amputada, son aquellos en los que el protagonista despliega toda su magia y su elegancia ante el toro. ¿Lo demás? Unas interpretaciones vagas, como con desgana, desde un Adrien Brody que se queda en una mera caricatura física del torero hasta una Penélope Cruz que no tiene el garbo de Ava Gardner, como pretendían sus responsables, pasando por un Santiago Segura con cara de circunstancia y un Juan Echanove que se eleva sobre sus compañeros, pero que está fatalmente desaprovechado y desdibujado. Una banda sonora funcional, nada memorable. Unos diálogos ridículos en reiteradas ocasiones y rellenos de tópicos. Un montaje confuso, en el que pasado, presente y futuro se entremezclan sin sentido, sin un orden aparente y dando la sensación de caos. Y un sonido que, junto al horroroso doblaje –la versión original tampoco se salva, pues nunca entenderé por qué un film sobre una figura española se rueda en inglés pero los extras hablan en castellano-, funciona más como somnífero que como ayuda a hacer menos tediosa la propuesta.

Y, lo que es peor de todo, la sensación de que podría haber sido mucho mejor. En lugar de centrarse en la vida de su protagonista, en transmitir su importancia en la historia de España y en hacer traspasar la pasión por el toreo, se distrae con una historia de amor que lastra totalmente la película. En un país en el que la prensa rosa es la reina de la pequeña pantalla, esto es lo que se entiende por biopic. “Manolete”, en ese sentido, no está ni a la altura de esos telefilmes patrios con los que las cadenas privadas nos asedian cada cierto tiempo. Con esto, queda todo dicho.

A favor: los escasos momentos en los que intentan mostrarnos quién fue Manolete

En contra: todo lo demás

Calificación: *

Señores, con todos ustedes, el presidente de los EEUU, Daniel Day-Lewis

Esta caracterización, sin duda, ayudará al ya de por sí talentoso Daniel Day-Lewis a dar un recital interpretativo en el biopic que Spielberg prepara sobre Lincoln, sin duda uno de los filmes del año. El Rey Midas junto al actor llevando a la gran pantalla un best-seller… Suena a Oscar. Y más si en sus filas tenemos además a Sally Field, Joseph Gordon-Levitt, Tommy Lee Jones, David Strathairn, Jared Harris, Jackie Earle Haley, James Spader, Tim Blake Nelson, David Costabile, Joseph Cross, John Hawkes, Hal Holbrook, Byron Jennings, Dakin Matthews, Bruce McGill, Boris McGiver, Gloria Reuben, Jeremy Strong y David Warshofsky, entre otros. De infarto.