LA CRÍTICA. El juego de Gerald

Eres más pequeño de lo que recordaba

No es fácil escribir sobre un film como “El juego de Gerald”. No lo es por su proximidad con la exitosa “It” de Andy Muschietti, una cinta que reúne todas las constantes de la obra de Stephen King como pocas producciones hollywoodienses hasta ahora. Y no hablo de su proximidad temporal, en un año que está siendo todo un trampolín para el reconocimiento del escritor de “El resplandor” o “Misery”. Como si lo necesitase a estas alturas.

No es fácil escribir sobre ella porque es muy sencillo caer en la repetición. “El juego de Gerald” plantea una trama de lo más enfermiza, pero sustentándose en una premisa de lo más realista. Porque lo que en ella ocurre, podría ocurrirle a cualquiera. Un matrimonio va a una casa apartada en el bosque, dispuestos a explorar nuevos horizontes sexuales que aviven la llama de la relación. Él propone un juego de sumisión que pasa por esposarla a ella. Pero tras un ataque al corazón de su cónyuge, ella queda esposada a esa cama, a expensas de que el tiempo dictamine su destino. Nadie pasará por allí para ayudarla. Está alejada del mundo, a solas con un cadáver y sus pensamientos. El suspense está servido.

Sobre este planteamiento, lo que tenemos es una historia que reincide en la idea de los miedos originados a temprana edad fruto de un trauma. Es decir, una idea recurrente en la obra de King que aquí no tiene forma de payaso, sino de todos esos hombres que han condicionado la vida de su protagonista. Un miedo que paraliza, que bloquea, y que es más importante que el hecho de salir con vida de esa cama reconvertida en inminente ataúd.

Y pese a la repetición en parte de la temática, que podría sonar a ya vista, y a la condición de telefilme en potencia que podría desprender un producto de estas características, especialmente dada su procedencia digital, Mike Flanagan logra un ejercicio interesante, vibrante e intrigante, que unifica a la perfección el mensaje que hay bajo su superficie con los momentos de angustia y desesperación que su protagonista vivirá a lo largo del metraje.

Un personaje principal encarnado con solvencia y convicción por una portentosa Carla Gugino, que ayuda a la credibilidad de lo que vemos en pantalla, por muy rocambolesco e insano que nos parezca. Suyo es buena parte del mérito de que “El juego de Gerald” funcione tan bien. Ella y el hecho de que es mejor no acercarse al film esperando encontrarse con un mero ejercicio de suspense. Hay mucho donde rascar en el relato, y la disección que propone Flanagan está a otro nivel. El de la parálisis emocional provocada por el miedo, que nos hace esposarnos a nosotros mismos. Un miedo que, en más de una ocasión, es más pequeño de lo que recordamos.

A favor: la solvencia de Carla Gugino ante la cámara, de Mike Flanagan tras ella, y del relato y el mensaje que cuenta

En contra: habrá quien acuda a ella esperando un mero ejercicio de suspense

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. La autopsia de Jane Doe

Necropsia narrativa

Puede parecer que aún es demasiado pronto para hablar en estos términos, puesto que tan sólo cuenta con tres trabajos a sus espaldas, pero ha sido suficiente para vislumbrar cierta coherencia en la carrera que hasta ahora lleva el noruego André Øverdal. Si en “Future Murder” hablaba de la paranoia como manera de fundir de manera peligrosa la realidad con las ensoñaciones, y en “Troll Hunter”, su mejor obra hasta la fecha, aprovechaba el found footage como portal cinematográfico capaz de unir esa misma realidad y el folklore, en su nuevo trabajo se adentra progresivamente en otra leyenda popular, en este caso norteamericana, al mismo ritmo que sus dos protagonistas van diseccionando el cadáver de esa Juana Nadie que da título al film.

Porque “La autopsia de Jane Doe” es, en sí mismo, un ejercicio de necropsia narrativa que va mutando hacia el terror, sustentado fundamentalmente en la fuerza de un libreto que sabe captar interés y generar suspense en torno a las causas de la muerte de su inerte coprotagonista. Øverdal no necesita de mayores artificios que dejarse llevar por el desarrollo de la historia para intrigar al espectador, valiéndose además del solvente trabajo de Emile Hirsch y el gran Brian Cox.

Pero tan sólo en el relato. Uno de sus talones de Aquiles reside precisamente en el hecho de que su director no es capaz de sorprender a nivel cinematográfico con su trabajo tras la cámara. El resultado es una propuesta que vale más por lo que cuenta que por el cómo lo hace, y que acaba convirtiendo sus giros de guión en un film de terror repleto de tópicos, uno de manual filmado con más corrección que inspiración, a ratos inquietante y estremecedor, pero nada trascendente ni remarcable.

Así, lo que queda es una película bastante sugerente, mejor que otras mejor valoradas del pasado año, a pesar de que termine usando buena parte del manido abanico de recursos del género. Una que confirma la predilección de Øverdal por el fantástico, por jugar con la “realidad”. Aunque en este caso no lo haya hecho a nivel artístico, y el proceso de necropsia que propone se va pudriendo más que creciendo interiormente. Justo lo contrario que nuestra querida Jane Doe.

A favor: lo bien que atrapa su guión

En contra: su rutinaria y correcta dirección

Calificación ***

Merece la pena

LA CRÍTICA. The Neon Demon

Bloody Beauty

Ya lo decía la serie “Fama” en su cabecera. “Queréis la fama. La fama cuesta, y es aquí donde vais a empezar a pagar. Con sudor”. O también, en palabras del maestro Cronenberg, “La obsesión por la fama nos define”. En el ámbito de la moda, fama y belleza son intercambiables en sendas afirmaciones, y “The Neon Demon” nos sirve una crónica de esa fama/belleza lograda con algo más que sudor. La sangrienta lucha por alcanzar la perfección, por ser bella eternamente y vivir de ello.

La nueva película del laberíntico Nicolas Winding Refn escarba en los recovecos de un mundo superficial, deshumanizado, en el que la belleza es la moneda de cambio más valiosa, la que exhibe una cándida aspirante a modelo profesional que va escalando posiciones en el mundillo a costa de acumular el odio de sus compañeras de pasarela. Jesse –muy buen trabajo de Elle Fanning- es un alma pura, sin corromper, y su belleza e inocencia encandila a fotógrafos y diseñadores, algo que no sentará demasiado bien a las modelos que le rodean.

“The Neon Demon” vuelve a mostrar las pulsiones ya características de su director. Excelente factura técnica, formidable trabajo de fotografía y encuadres, y una atmosférica banda sonora de Cliff Martínez que vuelve a dar en el clavo y enrarece la cinta en cada fotograma. Winding Refn consigue incomodar e inquietar, logra un film malsano por momentos, y en este caso sí que hay un claro mensaje entre líneas que la aleja de la mucho más ensimismada “Only God Forgives”.

Y sin embargo, pese a tener algo interesante que contar, donde vuelve a fallar el cineasta es en las formas. Se pierde en escenas y subtramas que no llevan a ningún sitio –ese casero al que interpreta Keanu Reeves, ciertas tendencias necrófilas en uno de los personajes-, en símbolos visuales que pretenden tener un significado, pero que se quedan en la superficialidad como sus personajes. La sensación que deja es la de que le sobra mucho metraje, y de que esta historia la hemos visto antes en el cine, pero mucho mejor contada, sin tanta petulancia. “Black Swan”, la reciente “Maps to the stars” o, por qué no, “Showgirls”, ya trataban la misma temática, pero de manera menos errática, o por lo menos no con tanta pretenciosidad.

Sólo en sus veinte minutos finales, los mejores de todo el conjunto, el responsable de la estupenda “Drive” se acuerda de lo que tiene que contar y remata la historia con uno de los tramos más perturbadores del cine reciente. Un desenlace que la acerca al terror, de reminiscencias necrófagas, cuasi vampíricas, en el que la fama cuesta algo más que simple sudor. Es un monstruo que acecha a sus víctimas hasta que las fagocita.

A favor: el perturbador desenlace, la ya característica estética de su director

En contra: demasiado relleno que no lleva a ningún sitio

Calificación *1/2

Usted mismo

LA CRÍTICA. Infierno azul

Dentelladas de tensión

Una surfista abandonada a su suerte en medio del mar. Un enorme tiburón que la quiere como suculenta presa. Una roca como único soporte vital. La inminencia de la marea alta como segunda amenaza. Estos son los ingredientes de los que hace gala lo nuevo de Jaume Collet-Serra, un director que si bien es más un artesano con dos dedos de frente que un autor de renombre, está en la cresta de la ola hollywoodiense. Y eso no es nada fácil.

La fórmula no es nada del otro mundo. Sus esquemas los hemos visto mil veces en el cine. “Pájaros”, “Infierno blanco”, “Cujo”… y cómo no, “Tiburón”. El hombre contra la naturaleza con su supuesta superioridad intelectual como única arma. Y también la supervivencia y la lucha por la vida en situaciones extremas como leit motiv. Ya saben, “Náufrago”, “All is lost”, “Buried”…

Y pese a ser un material que ya está trillado, que ya ha sido manoseado por el séptimo arte con asiduidad y no demasiado mimo por su parte, “Infierno azul” se las ingenia para dejar atrás sus muchos referentes y ofrecer poco menos de hora y media de entretenimiento y suspense. Sin ofrecer nada nuevo, pero siendo un producto independiente que no trata de engañar a nadie simulando ser algo que no es.

Y eso es mérito de ese genial artesano que es Collet-Serra, que sabe imprimir a su criatura de la suficiente identidad y ritmo como para mantener el interés en lo que cuenta y en su protagonista, una Blake Lively por la que no es nada difícil sentir empatía, a cuyo personaje deja respirar entre tanta bocanada de aire y dentellada de escualo.

El resultado es un film cargado de tensión perfectamente calibrada, bien dirigido y orientado al gran público, que se engulle con facilidad sin auras de grandiosidad ni de intentar ser un nuevo “Tiburón”. Con ella no tendremos miedo de volver a meternos en el agua del mar como con el clásico de Spielberg. Pero sí que nos hará pasar un buen mal rato. Y ya con eso es más que suficiente.

A favor: que ofrece lo que promete, sin más; Blake Lively y la dirección de Collet-Serra

En contra: esperar de ella que aporte algo al séptimo arte; no es de ese tipo de filmes

Calificación ***

Merece la pena

LA CRÍTICA. Regresión

Sugestión plana

Existe una cierta tendencia a añadir la coletilla “parece americana” a los filmes que los cineastas españoles realizan con clara vocación internacional. Pero todos, desde Jaume Balagueró hasta J.A. Bayona, pasando por Jaume Collet-Serra, han demostrado poseer un estilo a medio camino entre lo americano y lo europeo que les diferencia de cualquier realizador de género surgido del otro lado del charco. Y por supuesto, está Alejandro Amenábar, cuya “Los otros” desprendía un inconfundible aroma entre patrio y británico, pese a ser un producto destinado a arrasar en la taquilla estadounidense.

Con “Regresión”, esta sensación de nacionalidad se ha perdido. Está muy bien dirigida, se nota oficio en cada fotograma, en la dirección de actores, pero acusa una preocupante falta de personalidad que la hace hermanarse más con esos otros tantos thrillers hollywoodienses que nos llegan cada año que con nuestro cine.  En ese sentido, su dirección es totalmente plana.

Pero también es plana en cuanto a trama y desarrollo. Comienza con una escena que ya de por sí no atrapa al espectador, como sí ocurriera en sus tres primeros y aún insuperables trabajos tras la cámara.  Y así de plana continúa. Nunca llega a despegar del todo y no consigue quedar en la retina del público, a pesar de los vanos intentos de tensión que se reparten a cuentagotas durante el metraje. El resultado final es monótono, un dossier de “Cuarto Milenio” con graves carencias de ritmo.

Amenábar juega a sugestionar al espectador, a engañarle llevándole por la senda de la sospecha, a liarle para hacerle dudar entre realidad y fantasía, pero hasta en este punto la jugada le sale mal. Porque no es difícil intuir dónde está el secreto en “Regresión”. No consigue imprimir la tensión que necesita la película, no hay intriga en una historia más simple de lo que parece pero que su responsable rellena con artificios para tratar de hacerla interesante. Ni siquiera en el momento de la gran revelación hay un ápice de emoción.

Y es que quizá uno de los grandes problemas de Amenábar es todo el aparataje promocional que siempre rodea a sus creaciones, la gran expectación que continuamente le pisa los talones, y que esta vez ha terminado por engullirle. Seis años después de la irregular “Ágora” nos sirve la que posiblemente sea su obra menos conseguida y la más difícil de vender en el extranjero, más un drama con tintes de thriller psicológico de suspense que lo que su campaña de promoción nos promete. “Regresión” es pura sugestión plana a todos los niveles, un traspiés en la carrera de un director con mucho cine corriéndole por las venas, pero del que aquí ha quedado más bien poco.  Podría haberla dirigido cualquier otro, y ni nos habríamos dado cuenta.

A favor: los actores y una dirección que, aunque impersonal, sigue siendo efectiva

En contra: su plano desarrollo, cómo la han vendido, y su falta de personalidad

Calificación **

                                                                              Se deja ver

EL CORTO CINÉFAGO. De-mente (I): Teaser de lo nuevo de Lorenzo Ayuso

Vuelve otro realizador habitual para el blog, Lorenzo Ayuso, autor de esa joya titulada “Evaluación Final”. Lo hace con el cortometraje “De-mente”, que ya se encuentra en plena fase de post producción y que cuenta con Malcolm T. Sitté (“El chiringuito de Pepe”) y Sergio Sánchez Shaw, este último actor fetiche del cineasta –ya estaba en 2011 en “Evaluación Final”-, en la piel de dos amigos actores, Genio y Klaus, el primero con mayor éxito que el segundo, que se reúnen en la vieja casa de uno de ellos. Allí, Klaus revelará a Genio que ha tenido visiones desde que era pequeño, y que justo esa noche ha tenido una de su amigo siendo salvajemente asesinado mientras dormía. Por supuesto, Genio se mostrará escéptico…

Es solamente el punto de partida de una producción de Armania Films que combina suspense, humor negro, tintes sobrenaturales, y la caja tonta como parte vital en la trama. Y así de televisivo se presentaba el primer teaser de este proyecto hace dos meses, tan desconcertante e inclasificable que no cuenta con ninguno de sus actores principales, sino que lo protagoniza uno de los muchos concursos de madrugada de las teles privadas españolas. Como no podía ser de otra forma, a la banda sonora encontramos al líder de Dardem, Pepe Rodríguez, con los que Ayuso ha colaborado en algún que otro videoclip. Se pueden seguir todas las novedades del corto en su página oficial de Facebook. 

LA CRÍTICA. Dark Places (Lugares oscuros)

Carne de telefilm

Gillian Flynn siempre ha sido carne de telefilm. Es algo que podría constatar cualquiera que haya leído alguna de sus novelas negras, en las que el feminismo, los giros absurdos y el crimen se dan constantemente la mano. Y es una característica que subyacía de la que hasta ahora era su primera adaptación a la gran pantalla, “Perdida”. Un thriller con nervio que hacía del engaño su mejor baza argumental para mantener al espectador menos avezado pegado a la butaca, pero cuya trama bien podría rellenar la parrilla televisiva de cualquier cadena privada española un sábado por la tarde.

Con “Dark Places (Lugares oscuros)” volvemos a ser testigos de lo peor y lo mejor que una adaptación de un relato de la autora podría ofrecernos. Las mismas trampas –flashbacks insertados sin que nadie los relate, para liar al público- y agujeros de guión –demasiadas cosas ocurriendo “porque sí”, como las mentiras de algunos personajes-, las mismas inconsistencias argumentales de un universo policiaco tan personal que intercambia continuamente la inverosimilitud por el ridículo, pero también un sentido del entretenimiento que satisfará a los espectadores menos exigentes, los mismos que no piden demasiado a las maniqueas páginas de sus libros.

Pero todo eso sin el toque Fincher. Porque si algo hacía diferente a “Perdida” era el estilo de su director, que insuflaba ritmo y alma a un producto que sin él habría caído en el ostracismo. “Dark Places” se ve con la complacencia de no hacer trabajar demasiado al cerebro, de tener los mismos personajes planos y los lugares comunes de las películas para televisión. Le falta el montaje del director de “Zodiac” y “El club de la lucha”, su habilidad para convertir lo imposible y previsible –el final te lo puedes ver venir si estás atento a más de un flashback revelador- en plausible y cinematográficamente digerible, la ecléctica música de Trent Reznor y Atticus Ross, y esa atmósfera tan característica de sus películas.

En su lugar lo que tenemos es a un Gilles Paquet-Brenner sin ninguna impronta personal, que hace del zoom su rasgo más distintivo y agotador, y que se muestra incapaz de hacer un film que interese más allá de conocer la verdad que se encierra tras el misterio. Una película simple que ni su protagonista principal, una destacable aunque nada sorprendente Charlize Theron, consigue elevar por encima de la categoría de telefilm. Fácil de ver y de olvidar.

A favor: Charlize Theron, y que se ve con comodidad para desentrañar el misterio

En contra: no pasa de ser un telefilm

Calificación *1/2

No merece mucho la pena

LA CRÍTICA. Misión: Imposible - Nación Secreta

Agentes de reemplazo

Es asombrosa, casi imposible, la misión a la que ha tenido que enfrentarse esta franquicia, la de no autodestruirse en cuestión de segundos. Y la ha cumplido con enorme éxito. Desde la renovación de J.J. Abrams que recuperaba la esencia de la serie original hasta la acción heredera del cartoon de un experto en la animación como Brad Bird, pasando por la denostada action movie hiperbólica y autorreferencial del maestro John Woo, cada nueva entrega ha supuesto un soplo de aire fresco con respecto a la anterior.

Lo ha vuelto a hacer. “Misión: Imposible – Nación secreta” no innova sobre lo ya visto, algo que tampoco pretendían sus predecesoras, pero sí que se preocupa por no transitar por lugares comunes y logra ofrecer un envoltorio distinto, un cambio de rumbo que imaginamos se quedará en este quinto capítulo. Porque cada nueva misión de Ethan Hunt es hija de su creador, y en este caso la impronta de Christopher McQuarrie se aprecia ya desde un guión enrevesado –quizá a veces demasiado- que juega con las constantes del cine de espías –hay no pocas referencias a James Bond, y cierto pasaje operístico de reminiscencias hitchcockianas- y pone en entredicho las que han regido la propia franquicia, como las máscaras o las capacidades físicas de su protagonista.

Pero también en la realización. La dirección de McQuarrie derrocha pura clase y elegancia, y lo que ofrece es un thriller de acción a la antigua usanza, cine de espías de la vieja escuela donde la acción está supeditada al suspense, muy en la línea de su “Jack Reacher”, sin por ello dejar de lado el entretenimiento que debe proporcionar todo buen blockbuster. Un divertimento tremendamente inteligente que tiene el enorme acierto, además, de introducir a la ambigua y letal Rebecca Ferguson y ampliar el papel de ese contrapunto cómico perfecto que es Simon Pegg.

Estamos, posiblemente, ante el mejor film de toda la saga, y también ante el más personal y el que desprende un mayor aroma de cine de autor. Una aventura sin respiro protagonizada por agentes de reemplazo, predominando el cumplimiento de la misión sobre la figura del agente de secreto, y que ofrece desde su premisa argumental, basada en lo anticuados que están los métodos de la FMI, justamente la metáfora opuesta de lo que es en sí la película. “Misión: Imposible” no está pasada de moda, ni mucho menos muerta. Está más viva que nunca. Y su protagonista, Tom Cruise, vuelve a demostrar que sigue en plena forma.

A favor: su cambio de rumbo desde su propia condición de cine de autor

En contra: su guión quizá se complique demasiado

Calificación *****

                                                                  Imprescindible

AVANCES. Tráiler de "Secret In Their Eyes, remake USA de "El secreto de sus ojos"

Hace tiempo que supimos de la existencia de un remake de la estupenda “El secreto de sus ojos”, la cinta argentina con la que Juan José Campanella se llevó un merecidísimo Oscar a casa. Dirigida y escrita por Billy Ray –guionista de “Captain Phillips” y “Los juegos del hambre”- y con un trío estelar formado por Chiwetel Ejiofor, Julia Roberts y Nicole Kidman, la película llegará el 23 de octubre a la cartelera USA, y a juzgar por este primer avance, el director promete un solvente thriller, algo que no dudamos en vista de sus dos filmes anteriores, las interesantes “El precio de la verdad” y “El espía”. Pero también, surge una duda, y es qué queda de la historia original en ella, y por qué ha acabado titulándose de la misma manera. Y más aún, por qué Ejiofor resulta tan poco creíble y por qué Nicole Kidman parece que no está en la película. Para responder a esta pregunta, habrá que esperar a ver la película, pero en cuanto a la primera, allá va el tráiler. 

AVANCES. Primer tráiler de "Regression", lo nuevo de Alejandro Amenábar

Vuelve Amenábar, y lo hace regresando al thriller y al terror, dos géneros que le dieron muy buenos resultados al comienzo de carrera, antes de tirar hacia el drama o el cine histórico. Una vuelta que es siempre bienvenida, y más teniendo a Ethan Hawke y Emma Watson al frente del reparto de “Rregression”, donde Watson interpreta a una joven que acusa a su padre de un crimen impronunciable. El problema es que no recuerda cómo ha ocurrido, y ahí es donde entra en juego Hawke, un detective que investigará el caso practicando una regresión en la joven hacia sus recuerdos, lo que le conducirá a un misterio mucho más amplio y escalofriante. El film llega a España el 2 de octubre (según FilmAffinity), y este tráiler deja con la miel en los labios.

Tráiler V.O.

Tráler Castellano

LA CRÍTICA. Área 51

I want to believe

Un año antes de que “El proyecto de la bruja de Blair” pusiese de moda nuevamente el found footage, Dean Alioto estrenaba en televisión “Alien abduction: Incident in Lake County (The McPherson Tape)” –“Extrañas criaturas” en España-, una modesta propuesta que traía la invasión extraterrestre al seno de una modélica familia americana en pleno Acción de Gracias, en la que sería una de las muchas referencias de las “Señales” de Shyamalan. Ya entonces, aquel realizador jugaba con las bases que popularizarían el tándem formado por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, convirtiendo el producto en carne del sensacionalismo gracias a una inteligente campaña de marketing, llegando a creer muchos telespectadores que lo que veían era real.

Ahora, a medio camino entre el mockumentary y el mismísimo recurso del tan manido material encontrado –más lo segundo que lo primero-, llega “Área 51”, una película que vuelve a explorar la temática extraterrestre siguiendo a un grupo de adolescentes que, tras el contacto con seres de otro mundo, deciden adentrarse en pleno desierto de Nevada en busca de las míticas instalaciones del gobierno estadounidense, centro de las leyendas urbanas conspiratorias por excelencia.

No hablaríamos hoy en día de este film si no fuera porque, precisamente, tras la cámara se encuentra el cineasta que rentabilizó definitivamente el found footage con la saga “Paranormal Activity”, verdadera culpable de que hoy en día lleguemos a ver hasta una decena de títulos que utilizan este forma de hacer cine, pues nos dejó claro que cualquiera podía rodar una película siempre que tuviese una cámara a mano. Y lo cierto es que en este segundo trabajo, Oren Peli demuestra que domina el sobreexplotado subgénero a la perfección, manejando con soltura determinados momentos de tensión, si bien estamos más ante una película de ciencia-ficción y suspense que de terror, y sin nada de música ni cambios de plano imposibles.

Sin embargo, si de algo adolece “Área 51” es de un guión férreo que sepa hacia dónde quiere ir. Tarda una barbaridad en entrar en materia, y cuando lo hace, durante su última media hora, ofrece una serie de ideas y pistas interesantes más propias del comienzo de una nueva franquicia que de un proyecto perfectamente cerrado y engrasado. Todo parece más bien fruto de una gestación, rodaje y postproducción caóticos, los mismos que hicieron que su anterior obra tardase años en estrenarse en salas comerciales, y las mismas que han hecho que este nuevo trabajo haya tardado cuatro años en poder ser visto. Gracias básicamente a que su productor, Jason Blum, ha decidido sacarlo de una vez tras muchos retrasos. Y la sensación que queda es esa, de material más inacabado que finalmente encontrado, pero sobre todo, lo peor de ella es que se ve sin más, sin ofrecerte nada remarcable dentro del cine de conspiraciones alienígenas y gubernamentales. Para eso ya estaban Mulder y Scully. Incluso aquel sencillo pero ingenioso producto televisivo a recuperar. En ellos “I want to believe”.

A favor: se deja ver, sin más, y el found footage está bien usado

En contra: el guión tarda en arrancar y no aporta nada remarcable al género

Calificación **

                                                                                (Se deja ver)

AVANCES. Segundo tráiler y póster de "Sweet Jome", la ópera prima de Rafa Martínez

Hacia finales de 2014 podíamos echar un vistazo al primer avance de la ópera prima del cortometrajista Rafa Martínez, “Sweet Home”, un film de género producido por Filmax y protagonizado por Ingrid García Jonsson (“Hermosa juventud”) y Bruno García (“Mindscape”). Pues ahora tenemos un segundo tráiler que deja aún mejor sabor de boca que el anterior, y que demuestra que el cineasta apunta maneras, algo que ya quedaba claro en sus cortos. El 8 de mayo llega a los cines esta cinta de terror y suspense, en la que una pareja decide pasar una noche romántica en pareja en un edificio semiabandonado, y que tendrá que vérselas con unos encapuchados que les perseguirán con siniestras intenciones tras matar al último inquilino del lugar.  Vía El Séptimo Arte.

'Sweet Home' - Tráiler español (HD) por elseptimoarte

LA CRÍTICA. The Guest

Carne de videoclub

“Tú eres el siguiente” suponía el punto de inflexión en la carrera del tándem formado por el cineasta Adam Wingard y el guionista Simon Barrett, un giro hacia un cine más equilibrado que el que venían esgrimiendo hasta entonces. Era un producto que no buscaba crear algo nuevo, no ansiaba innovar, sino que se contentaba con coger los clichés del género de terror y sus múltiples referentes ochenteros y hacerlos propios, sirviendo un divertidísimo y cachondo survival en el que la víctima acababa convirtiéndose en justiciera, en cazadora en lugar de presa.

“The Guest” viene a ser la confirmación de que estos niños malos disfrutan apropiándose del trabajo de otros y vendiéndote lo mismo de siempre, pero con tal atino que acabas con la sensación de que has visto algo muy distinto a lo que estás acostumbrado. Es una película que empieza como carne de telefilm, con una historia que aspira a un thriller dramático al uso, en la que un ex combatiente se presenta ante la familia de un compañero caído en combate y poco a poco acaba inmiscuyéndose en sus vidas.

Ya desde su sinopsis sabemos que ese David –fenomenal Dan Stevens, uno de los grandes aciertos de la propuesta- de aspecto tan servicial pero mirada fija en la oscuridad esconde algo turbio, pero los maliciosos creadores de esta cinta van mutando la trama sin ningún tipo de prejuicios hacia el thriller de acción, hacia “Terminator” y las conspiraciones gubernamentales con pinceladas de humor negro, hacia el slasher ochentero y el cine de John Carpenter, al que hacen rinden pleitesía ya desde sus créditos iniciales y esa banda sonora tan repleta de sintetizadores, rematada por una excelente selección de temas musicales. Y esta nada acomodaticia mezcolanza de géneros y temáticas obligan a no encasillar a estos dos traviesos cineastas.

Pero también, más allá de los posibles agujeros de guión y de que tarde un poco en preparar el terreno antes de mostrar sus verdaderos rostros, esta imposibilidad a la hora de etiquetar a sus responsables y esa imprevisibilidad  de la que hacen gala puede dejar fuera de juego a más de uno y se les hará una cinta de lo más extraña, algo que ya le ocurría a “Tú eres el siguiente”, a la que no consigue superar, ni parece pretenderlo. Para todos los demás quedará un divertimento que juega a devolver la esencia del cine de los 80, de todas esas películas que antaño llenaban las estanterías de los videoclubes de barrio, antes de que la llegada de los formatos digitales y las descargas ilegales arrasaran con el cine tal y como lo conocíamos hace poco más de una década.

A favor: Dan Stevens, y esa mezcla imposible y desvergonzada de géneros

En contra: su imprevisibilidad y homenajes la pueden hacer extraña a más de uno

Calificación ***1/2

                                                                       Merece mucho la pena

TRÁILERS EN CADENA. "Dark Places", "San Andreas" y "Avengers: Age of Ultron"

Vamos con tres potentes tráilers que han surgido durante la última semana, y que auguran varios millones en taquilla, ordenados de menos a mayor probabilidad de reventar el box office USA. Y además, sus respectivos pósters oficiales.

Dark Places

¿Por qué lo nuevo con Charlize Theron apunta a taquillazo, si la actriz no es que sea un gran reclamo para la taquilla? Pues la razón no está en ella, sino en Gillian Flynn, en cuya novela “La llamada del Kill Club” se basa esta producción francesa de Gilles Paquet-Brenner (“La llave de Sarah”), titulada “Dark Places”, que llega a Francia el 8 de abril pero que no tiene confirmada su fecha en España. La autora de “Perdida” se ha convertido en la gallina de los huevos de oro del cine, así que esta nueva propuesta apunta maneras para conseguir buen resultado en su estreno. Theron interpreta a una mujer que, cuando tenía 7 años, presenció el asesinato de su madre y sus dos hermanas en el "Sacrificio Satánico de Kinnakee, Kansas". Ella consiguió escapar y, presionada por los medios -un tema recurrente en la obra de Flynn-, declaró que su hermano Ben, de 15 años, había cometido el crimen. 25 años más tarde, su personaje sobrevive como puede con la culpa, hasta que el Kill Club, una sociedad obsesionada por crímenes famosos, se pone en contacto con ella para que descubra la verdad sobre los asesinatos.

San Andreas

El cine catastrofista ha vuelto, y por la puerta grande. O así parece prometer este espectacular nuevo avance de “San Andreas”, film de Brad Peyton (“Viaje al centro de la Tierra 2”), que vuelve a unir fuerzas con Dwayne Johnson en una historia ambientada en California, donde un terremoto hace de las suyas sembrando el pánico. La película llega en 3D en mayo a Estados Unidos, y en el reparto tenemos también a Carla Gugino y, atención, Kylie Minogue.

Avengers: Age of Ultron

Con este avance sobran las palabras. Espectacular, vibrante, y prometiendo un mejor empaque que el de su predecesora. Con él, Disney ha reventado todos los récords de visionado en las redes. Y seguro que lo hará en la taquilla. A España llega el 30 de abril, en poco más de un mes, y hay muchos detalles que analizar en este nuevo avance, como la aparición de La Visión.

AVANCES. Primer tráiler y póster de "Regresión", lo nuevo de Alejandro Amenábar

Para todos aquellos que echábamos de menos al cineasta que nos regaló joyas como “Tesis”, “Abre los ojos” o “Los otros”, aquí tenemos este primer avance de “Regresión”, con la que Alejandro Amenábar vuelve por la puerta grande volviendo al cine de sus orígenes. Para ello cuenta con nada más y nada menos que Emma Watson, Ethan Hawke y David Thewlis en el reparto, en una historia que gira en torno a un padre al que acusan de un crimen que no recuerda haber cometido. El 28 de agosto llega a Estados Unidos, y aún no tiene fecha confirmada de estreno, pero seguramente llegue en otoño de este año como plato fuerte nacional de la temporada. A continuación, el primer tráiler y el teaser poster.

EL CORTO CINÉFAGO: LA MINI CRÍTICA. Hyena's Blood

Hace una semana presentábamos el primero corto del reputado realizador de publicidad Nicolás Caicoya, “Hyena’s Blood”, su tráiler y algunos spots dirigidos por el cineasta. Le llega el turno a la mini crítica, llamada así no por su extensión, sino por ser la crítica de un cortometraje. Un saludo, compañero, y gracias por confiar en el blog.

Adictos a la muerte

Una tendencia común en el cine de la que podríamos denominar Generación Goonie Española, esa que forman cineastas como Borja Cobeaga o Nacho Vigalondo, es la de hacer largometrajes con vocación de corto, películas de escasos noventa minutos cuyas ideas habrían funcionado mejor en un formato reducido.

Nicolás Caicoya no ha pegado el salto al cine de larga duración –aún, pero tiempo al tiempo-, sino que su formación ha venido del campo de la publicidad. Y lo que demuestra en su salto al cortometraje es justamente la tendencia contraria. “Hyena’s Blood” reclama ser un largo en cada uno de sus fotogramas, en su tratamiento de la imagen y el sonido, en su ambientación, en su fotografía, efectos especiales, su dirección. Pero también en su historia, porque este primer trabajo es tan ambicioso en lo argumental que bien daría para una película de mayor metraje. En todas sus vertientes, en factura técnica y su trama, este corto recuerda al “Scarface” de Brian de Palma y al cine político de Oliver Stone, y comparte el gusto por la hemoglobina y  las cámaras metidas en maleteros de Tarantino.

Todo en ella es grande, pero siendo un corto. Y es desde su agónico grito por ser el equivalente escindido de un largometraje donde “Hyena’s Blood” tiene su talón de Aquiles. Porque podría haberse ahondado mucho más en ciertos aspectos de la trama que apenas se desarrollan en esta versión corta. La historia de la familia del protagonista –estupendo John Lange- o el avance de la trama de corrupción que plantea son buenos ejemplos de subtramas que se quedan colgadas por la escasez de tiempo.

Y pese a esto, sigue funcionando como cortometraje en sí. Ya sea por su calidad cinematográfica o por su endiablado ritmo, pero funciona. O por una historia que tiene la valentía de señalar con el dedo a las agencias que se llevan medallas por su hipócrita guerra contra la droga. Una guerra que deja de serlo cuando ambos bandos se confunden fácilmente entre sí, cuando unos y otros luchan por convertirse en emperadores y reyes de un negocio que es como una enfermedad, que vuelve a sus responsables en adictos a la muerte. En hienas que devoran muerte para sobrevivir.

A favor: su endiablada factura técnica de largometraje y su ritmo

En contra: que su condición de cortometraje no le permita ahondar más en su historia

Calificación ****