Lost, un año después. Un viaje por la música de la serie

Hace unos días se cumplía el primer aniversario de una serie que ha marcado un antes y un después en la ficción televisiva, una serie cuyo final decepcionó a más de uno, hombres de ciencia empeñados en ver misterios cuando lo que predominaban eran personajes y una historia de redención y fe. Un año después, algunos siguen enfadados, mientras que otros han reconocido que fue el mejor final posible a un viaje irrepetible de seis años. Y es que Lost es a la televisión lo que "2001: Una odisea en el espacio" o la obra de Terrence Malick o Jaco Von Dormael al cine: un viaje filosófico y conceptual adelantado a su tiempo, y por ello no del plato de todo el mundo.

Muchos blogs y webs se han preocupado por desentrañar los misterios que esconde la isla, pero de todo lo publicado me quedo con dos entradas, realizadas con mucho amor y sentimiento por La Tempestad de Próspero y Lostph acerca del desenlace, sobre cómo deberíamos acoger e interpretar el final más allá de osos polares, humos negros, hombres reconvertidos en dioses, viajes en el tiempo -para los que se perdieran con los saltos temporales de consciencia del señor Desmond Hume, este post los explica a la perfección- y demás pretextos para contar la historia de unos personajes perdidos en sus respectivas vidas que acaban encontrándose. 

El objetivo de esta entrada no es analizar la serie, pues no me atrevería a ello, sino a rememorarla con uno de sus elementos más característicos: la banda sonora de Michael Giacchino. Su composición musical es sublime temporada tras temporada -de hecho, fue la primera serie que grababa la banda sonora con una orquesta usada única y exclusivamente para la serie-, y es de esas bandas sonoras que te hacen recordar momentos y diálogos. Pocas veces música e imagen estuvieron tan bien unidas, y la banda sonora que les dejo en descarga directa despierta las ganas de volver a verla, algo que aconsejo a todos aquellos que siguen perdidos desde que el ojo del héroe se cerrara para dar paso a una nueva vida.

Temporada 1

Tracklist: 

01. Main Title (composed by J.J. Abrams) (00:16) 
02. The Eyeland (01:58)
03. World’s Worst Beach Party (02:44)
04. Credit Where Credit Is Due (02:23)
05. Run Like, Um... Hell? (02:21)
06. Hollywood And Vines (01:52)
07. Just Die Already (01:51)
08. Me And My Big Mouth (01:06)
09. Crocodile Locke (01:49)
10. Win One For The Reaper (02:38)
11. Departing Sun (02:42)
12. Charlie Hangs Around (03:17)
13. Navel Gazing (03:24)
14. Proper Motivation (02:00)
15. Run Away! Run Away! (00:30)
16. We’re Friends (01:32)
17. Getting Ethan (01:35)
18. Thinking Clairely (01:04)
19. Locke’d Out Again (03:30)
20. Life And Death (03:39)
21. Booneral (01:38)
22. Shannonigans (02:25)
23. Kate’s Motel (02:07)
24. I’ve Got A Plane To Catch (02:37)
25. Monsters Are Such Innnteresting People (01:29)
26. Parting Words (05:30)
27. Oceanic 815 (06:11)

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Temporada 2

Tracklist: 

01. Main Title (00:17)
02. Peace Through Superior Firepower (01:26)
03. The Final Countdown (05:50)
04. World's Worst Landscaping (01:18)
05. Mess It All Up (01:29)
06. Hurley's Handouts (04:42)
07. Just Another Day On The Beach (02:49)
08. Ana Cries (01:48)
09. The Tribes Merge (02:05)
10. The Gathering (04:19)
11. Shannon's Funeral (02:13)
12. All's Forgiven ... Except Charlie (05:20)
13. Charlie's Dream (01:51)
14. Charlie's Temptation (00:52)
15. A New Trade (02:40)
16. Mapquest (00:39)
17. Claire's Escape (03:46)
18. The Last To Know (02:23)
19. Rose And Bernard (02:41)
20. Toxic Avenger (00:42)
21. I Crashed Your Plane, Brotha (01:47)
22. Eko Blaster (01:44)
23. The Hunt (03:57)
24. McGale's Navy (02:22)
25. Bon Voyage, Traitor (05:30)
26. End Title (00:33)

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Temporada 3

Tracklist:

 Disc 1 

1 - In With a KABOOM!
2 - Main Title
3 - Awed and Shocked
4 - Fool Me Twice
5 - Pagoda of Shame
06 - The Island
07 - Eko of the Past
08 - Church of Eko’s
09 - Leggo My Eko
10 - Romancing the Cage
11 - Under the Knife
12 - Teaser Time
13 - Here Today, Gone to Maui
14 - Distraught Desmond
15 - Achara, Glad To See Me?
16 - Ocean’s Apart
17 - The Lone Hugo
18 - Fetch Your Arm
19 - Ain’t Talkin’ ’Bout Nothin’
20 - Shambala
21 - Claire-a Culpa
22 - A Touching Moment
23 - Sweet Exposé
24 - Storming Monster
25 - Heart of Thawyer
26 - Juliette is Lost
27 - Beach Blanket Bonding
28 - Rushin’ The Russian
29 - Deadly Fertility
30 - Dharmacide

Disc 2
01 - Paddle Jumper
02 - She’s Dynamite
03 - The Good, The Bad and the Ominous
04 - Charlie’s Fate
05 - Paddle Jumper Reprise
06 - Ta-Ta Charlie
07 - Heirloom Holiday
08 - Greatest Hits
09 - Flying High
10 - The Good Shepherd
11 - Manifesting Destiny
12 - The Looking Glass Ceiling
13 - Ex Marks the Jack
14 - Jintimidating Bernard
15 - Benomination of the Temple
16 - An Other Dark Agenda
17 - Kate Makes a Splash
18 - Diving Desmond
19 - Weapon of Mass Distraction
20 - The Fallen Hero
21 - Sticking To Their Guns
22 - Torture Me Not
23 - Through the Locke-ing Glass
24 - The Only Pebble In the Jungle
25 - Early Mourning Mystery
26 - Patchy At Best
27 - All Jack’ed Up
28 - Hold the Phone
29 - Code of Conduct
30 - Act Now, Regret Later
31 - Just What the Doctor Ordered
32 - Hurley’s Helping Hand
33 - Looking Glass Half Full
34 - JACK FM
35 - Naomi Phone Home
36 - Flash Forward Flashback
37 - End Title

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Temporada 4

Tracklist:

01. Giving Up The Ghost (02:40)

02. Locke'ing Horns (01:52)
03. Lost Away - Or Is It? (01:41)
04. Backgammon Gambit (01:19)
05. Time And Time Again (02:42)
06. The Constant (03:52)
07. Maternity Hell (02:31)
08. Karma Jin-itiative (01:24)
09. Ji Yeon (03:09)

10. Michael's Right To Remain Wrong (01:54)
11. Bodies And Bungalows (01:23)
12. Benundrum (03:24)
13. Hostile Negotiations (02:21)
14. Locke-About (06:05)
15. There's No Place Like Home (02:35)
16. Nadia On Your Life (01:42)
17. C4-titude (02:00)
18. Of Mice And Ben (02:19)
19. Keamy Away From Him (04:58)
20. Timecrunch (02:06)
21. Can't Kill Keamy (01:48)
22. Bobbing For Freighters (05:20)
23. Locke Of The Island (07:07)
24. Lying For The Island (04:53)
25. Landing Party (03:23)
26. Hoffs-Drawler (03:50)

 

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Temporada 5

 

Tracklist:

01. Making Up For Lost Time (3:24)
02. The Swinging Bendulum (5:45)
03. Locke's Excellent Adventure (4:01)
04. The Science Of Faith (2:20)
05. More Locke Than Locke (3:15)
06. Together Or Not Together (4:04)
07. Through The Window (2:09)
08. Dharma Delinquent (1:53)
09. La Fleur (2:38)
10. Crash And Yearn (2:30)
11. Your Kharma Hit My Dharma (2:06)
12. Alex In Chains (1:37)
13. I Hear Dead People (1:55)
14. For Love Of The Dame (3:19)
15. Follow The Leader (7:51)
16. Sawyer Jones And The Temple Of Boom (5:16)
17. The Tangled Web (1:43)
18. Dharma Disaster (5:18)
19. Blessings And Bombs (1:32)
20. Jack's Swan Song (1:16)
21. Dharma Vs. Lostaways (4:24)
22. The Incident (3:10)
23. Jacob's Stabber (7:33)

 

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Temporada 6

Tracklist: 

 CD 1 

01. A Sunken Feeling (01:34)
02. Heavy Metal Crew (01:01)
03. Doing Jacob's Work (01:58)
04. Smokey And The Bandits (04:55)
05. LAX (04:08)
06. Temple And Spring (01:53)
07. Locke At It This Way (01:37)
08. Richard The Floored (01:55)
09. Coffin Calamity (03:46)
10. Lie Thou There (02:30)
11. Trouble Is My First Name (01:51)
12. Death Springs Eternal (06:23)
13. The Rockets' Red Glare (03:34)
14. Temple And Taxi (03:37)
15. My Orca (00:40)
16. Helen Of Joy (02:00)
17. Jacob's Ladders (03:26)
18. The Substitute (04:45)
19. Peculiar Parenting (02:54)
20. Door Jammer (00:42)
21. The Lighthouse (03:33)
22. Sundown (07:37)
23. Catch A Falling Star (01:46)
24. Linus And Alpertinent (02:27)
25. Karma Has No Price (04:11)

CD 2

01. Recon (03:23) 

02. Crazy Town (02:01)
03. None The Richard (01:20)
04. Love In A Time Of Pneumonia (01:35)
05. The Fall Of Man (02:58)
06. Dead Man Talking (01:18)
07. Jacob's Advocate (05:50)
08. Standing Offer (01:20)
09. And Death Shall Have No Dominion (03:54)
10. Sayid After Dentist (01:49)
11. Shepharding Sun (02:16)
12. Tesla Tester (02:33)
13. George Of The Concrete Jungle (01:09)
14. World's Worst Car Wash (02:00)
15. None The Nurse (03:48)
16. Happily Ever After (01:57)
17. Hugo Reyes Of Light (01:41)
18. Passing The Torch (03:40)
19. A Memorable Kiss (01:23)
20. The Last Recruit (04:07)
21. Kool-Aid Claire (01:19)
22. The Sub Group (03:50)
23. Sunny Outlook (00:40)
24. Reunion And Reneging (02:58)
Bonus Tracks:
25. The Hole Shabang (07:02)
26. Moving On (07:54)

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Temporada 6 (B.S.O. de la finale)

Tracklist: CD 1
01. Cage Crashers (0:45)
02. Shephard's Why (1:08)
03. Sub-Primed (6:33)
04. SS Lost-tanic (6:56)
05. Flew The Coop (2:06)
06. Across The Sea (1:54)
07. Don't Look At The Light (3:31)
08. A Brother's Quarrel (2:58)
09. Make Like A Tree (6:10)
10. Mother Of A Plan (5:14)
11. Mother Of Sorrows (3:56)
12. Love Is Stronger Than Death (2:51)
13. Cereal Experience (2:25)
14. The Four Amigos (1:13)
15. And Walk And Talk And Aah! (2:31)
16. Hide And Snitch (3:00)
17. A Better Ben (1:56)
18. What They Died For (3:30)
19. Jack's Cup Runneth Over (1:41)
20. Get Out Of Jail Free Card (3:10)

CD 2
01. Parallelocam (3:23)
02. Leaver-age (1:10)
03. The Stick With Me Speech (3:05)
04. Ultrasonic Flash (2:52)
05. Fly By Dire (0:52)
06. Down The Hobbit Hole (4:34)
07. Dysfunctional Setup (2:15)
08. The Well Of Holes (3:21)
09. Pulling Out All The Stops (2:28)
10. Blood From A Locke (0:33)
11. Our Lady Of Perpetual Labor (4:35)
12. If A Tree Falls (2:56)
13. Locke v. Jack (2:21)
14. Can't Keep Locke Down (2:51)
15. The Long Kiss Goodbye (5:29)
16. We Can Go Dutch (2:28)
17. Kate Flashes Jack (1:13)
18. Hurley's Coronation (2:47)
19. The Hole Shabang (7:29)
20. Aloha (1:12)
21. Closure (8:08)
22. Jumping Jack's Flash (0:33)
23. Moving On (7:53)

24. Parting Words (performed by Drive Shaft) (3:32)

25. Moving On (Alternate With Ukelele) (07:55)

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Y para acabar, el tema oficial de la quinta temporada, "You Found Me" de The Fray, y Answers, de Jesse Weeks, cuya base musical la reconocerán los fans de la serie. Además, un regalo para el oído, la composición de Chris Ryan para piano de los temas de la serie titulada "Lost: The Emotional Journey"

 Lost: The Emotional Journey

El corto cinéfago: "Carne de neón"

¿Les suena el título? Pues sí, tiene mucho que ver con el largometraje que se estrenó a principios de este año con Mario Casas y Blanca Suárez como protagonistas. Y es que antes de llegar a la gran pantalla, "Carne de neón" nació en el cortometraje. Su creador, Paco Cabezas, utiliza el estilo de realizadores como Guy Ritchie, Quentin Tarantino o el Danny Boyle de "Trainspotting" -el cartel recuerda bastante al de la película- y los españoliza, y el resultado es este divertimento con un montaje sobresaliente y un envidiable sentido del ritmo donde confluyen putas, chorizos, travestis, secuestradores, yonquis y un sin fin de personajes suburbanos más.

 

A un insuperable Óscar Jaenada lo sustituiría el propio Mario Casas, por darle más comercialidad al producto, y a Victoria Abril la reemplazaría la no menos portentosa Ángela Molina. Pero la presencia del gran Vicente Romero, Macarena Gómez y Dámaso Conde, por suerte, permaneció inmutable. ¿La historia? La de un maleante bastante bondadoso llamado Ricky que prepara una fiesta de bienvenida a su madre, una prostituta recién salida de la cárcel. Pero todo se torcerá minutos antes de su llegada. La dejo para ver online y en descarga directa. Siento la mala calidad, es lo mejor que he podido encontrar.

Ver online

Carne de neon por cortosgay

Descarga directa [.WMV][15 minutos][117MB]

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La película del mes

La vaquilla ****1/2

Hola, ¿es el enemigo?

Dos brigadas se reúnen en tierra de nadie, en el terreno de un campo de guerra que separa a las dos Españas, la republicana y la nacional, para intercambiar tabaco. Un bando tiene en su poder los papeles de fumar, y el otro el tabaco. Ambos extremos, hijos de un país que por culpa de una guerra cruenta y absurda –como todas- se ven obligados a luchas entre sí a pesar de ser hermanos, con los mismos deseos primitivos, condenados a vivir la misma miseria y hambruna. No hay disparos, sino insultos y burlas entre ellos, y se hablan como colegas. Incluso dos soldados enemigos comunican a sus superiores la idea de que la guerra les ha pillado en el bando equivocado, y desean cambiarse al otro.

Ésta es la contienda que Luis García Berlanga en la dirección y Rafael Azcona en el guión imaginaron en la que sería su penúltima colaboración juntos, dos años antes de disolver una unión que se remontaba a más de dos décadas atrás. En “La vaquilla” no hay violencia, no hay sangre, sino diálogo y mucho humor, ese humor con trasfondo amargo –muy amargo, el de la guerra- tan característico de la pareja de cineastas con el que diseccionaban la realidad de un país y una época. El único resquicio bélico son esos fuegos artificiales que ponen en alerta a sus personajes.

La película comienza con uno de esos planos secuencia que tanto gustaban a su director, en el que ocurren varias cosas simultáneamente, y donde lo que sucede en segundo plano es tanto o más importante que lo que acontece en primer plano. Las tropas están totalmente desmoralizadas, y la situación es más precaria en el bando republicano. Para subir la moral a la tropa, y de paso bajársela a sus enemigos, los nacionales anuncian a los cuatro vientos que van a organizar un baile y una gran fiesta, con un encierro de una vaquilla incluido. Es entonces cuando al brigada Castro se le ocurre una idea en principio lógica, pero con el tiempo descabellada: robar el astado, matarlo y dárselo de comer a los suyos, para arruinar la fiesta a los nacionales y de paso alimentar a sus soldados. Junto al teniente Broseta, que trata de mantener la disciplina cortándole el pelo a los que desobedezcan sus órdenes y que sobre la marcha se adueña de la idea, reclutarán a un variopinto y cómico pelotón para la misión: un paleto que vivía en la parte de la finca del marqués que ahora ocupa el bando enemigo será su guía, aunque lo que realmente pretende es volver a ver a su novia, que no quiere saber nada de él y le pone los cuernos con un alférez; un falso torero para matar al animal; un cura sin experiencia que conoce todos los himnos y gritos de rigor fascistas; y un homosexual, para distraer al enemigo. A todos nos los presenta Berlanga nuevamente mediante un plano secuencia, que a priori podría dar a pensar que las escenas eran improvisadas. Pero el realizador valenciano era un perfeccionista, minucioso en la planificación de sus trabajos, y poco dejaba a la improvisación. Lo que vemos en “La vaquilla” no es más que una pequeña muestra de su dedicación y obsesión por los detalles, de su extrema minuciosidad.

Como no podía ser de otra manera, el grupo de “expertos” fracasa en su misión, y vestidos como nacionales tendrán que infiltrarse en la línea enemiga a la espera de poder cumplir su objetivo. Una vez allí, para no ser descubiertos, se meterán en un lío tras otro, todos de una elevadísima comicidad.

 

Berlanga y Azcona aprovechan la estancia de sus protagonistas al otro lado para arremeter sutilmente contra la aristocracia, la iglesia y en general los grupos de poder que gobernaban el bando franquista. Presentados con personajes que recuerdan mucho a los de la Trilogía Nacional, que ambos acabarían tres años antes con “Nacional III”, “La vaquilla” muestra la opresión que ejercen sobre el pueblo. Nuestros protagonistas tendrán que cargar no solo con símbolos religiosos durante una procesión, sino con el mismo marqués a sus espaldas. Porque, aunque otro en su lugar habría adoptado la postura fácil de mostrar un banco como el malo de la historia, Berlanga y Azcona inciden en la idea de que la Guerra Civil fue un acto fratricida bochornoso del que salieron beneficiados los más poderosos. En secuencias como la del intercambio de tabaco inicial, la del baño en el río con los nacionales y la de la casa de prostitutas se nos muestra a hermanos, no a rivales, obligados a matarse entre sí, aunque la película huya por medio del humor de cualquier acto violento innecesario.

 

El objetivo no era abrir una herida mortal en la memoria de un país, sino ofrecer la primera visión cómica de la guerra de nuestra historia, para aprender de nuestros errores. Aún así, esa crítica a las fuerzas de poder público ya comentadas fue la causante de que la película no comenzara a rodarse hasta 1984, tras casi tres décadas escrita sobre el papel. Y es que, como era evidente, la censura aplazó interminablemente la producción de “Tierra de nadie”, título original de esta mordaz sátira. No fue hasta la llegada de la democracia que Berlanga y Azcona consiguieron hacer realidad un sueño suavemente acariciado durante décadas, y no se escatimó en medios para lograrlo. La localidad zaragozana de Sos del Castillo sirvió de escenario para recrear este pueblo, un microcosmos donde conviven las dos Españas, y casi 300 extras participaron en la producción, además de un equipo de 100 técnicos. Y para conseguir una ambientación creíble, Berlanga contó con un presupuesto holgado de 1.5 millones de euros (250 millones de pesetas de entonces), lo que la convertía en la película más cara del cine español.

Si la mano maestra de Berlanga y el soberbio guión de Azcona eran piezas clave del engranaje del film, no lo era menos su reparto. Todo un elenco de lujo formado por Alfredo Landa, José Sacristán, Guillermo Montesinos, Satiago Ramos, Agustín González, Maria Luisa Ponte, Tomás Zori, Luis Ciges, Amparo Soler Leal, Juanjo Puigcorbé, Valeriano Andrés y la colaboración especial de Adolfo Marsillach, que ponían el broche de oro a un casting perfecto, de los mejores de la historia del cine español. Y la forma de rodar de Berlanga, por si fuera poco, potenciaba la teatralidad de todos gracias al plano secuencia, donde un error trivial hace tener que rodar de nuevo toda una escena. Sería imposible quedarse con una sola de dichas secuencias de la película, repleta de gags memorables. Muchos la ven como la mejor del cineasta, aunque tampoco me atrevería a asegurarlo. Cuando se tiene en el curriculum obras como “La escopeta nacional”, “Plácido” o “El verdugo”, escoger se hace imposible.

El renombre de sus creadores, su reparto, la propuesta en sí y la etapa en la que se encontraba España, con un pueblo que empezaba a saborear sin miedo las mieles de la democracia, hicieron de “La vaquilla” un rotundo éxito de crítica y público, llegando a recaudar en taquilla el doble de su presupuesto en su estreno en 1985. Una nominación en los Fotogramas de Plata de 1986 a Guillermo Montesinos fue la única mención para una cinta que merecía, sin duda, muchísimo más, y con la que Berlanga, fallecido tristemente el pasado 13 de noviembre, y Azcona, también fallecido hace casi tres años, bordearon la perfección en planificación, producción y guión con una película de visionado obligatorio, una obra maestra del cine español, la que muchos consideran como la gran última obra de Berlanga y la primera de su filmografía que vi en mi vida cuando era pequeño y que siempre me recordó al gran Miguel Gila cuando pedía hablar con el enemigo por teléfono.

No puedo acabar esta dedicatoria a Berlanga y Azcona sin mencionar el final de la película. Porque “La vaquilla” es una comedia satírica con un trasfondo agridulce, pero que en su desenlace ofrece su lado más amargo, ese en el que los dos toreros expresan sus deseos de que acabe esa dichosa guerra que ha matado de hambre a varios de sus compañeros, junto al cuerpo inmóvil de la vaquilla del título. Un plano final que cierra la acción justo donde comenzó, con una estructura circular que convierte la película en algo más complejo de lo esperado, con el cadáver de ese animal que ha muerto en tierra de nadie. Que ha muerto de pena, como dice la canción.

Enlaces de descarga

Opción 1 [by Turismundo][700.56MB][DVDRip][enlaces intercambiables]

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Extraer con Hacha
 
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AVISO:
1. Los enlaces son una recopilación de los ya existentes en diversos foros de Internet. No es responsabilidad mía el mantenimiento de los archivos en los distintos servidores. Si algún archivo ha sido borrado inténtelo con otra opción, si existe más de una, y si no funciona esa alternativa ponerse en contacto conmigo a través de gerardomedina84@gmail.com o mediante un comentario en esta misma entrada.

2. Ninguna opción es igual a las demás. Varían en si tienen o no los subtítulos insertados, en el peso total de la película y en los servidores en los que se encuentran.

3.Ante cualquier error en el post, como puede ser haber repetido un enlace varias veces o que falte una contraseña, remitirse a la dirección de correo anteriormente expuesta o avisar mediante un comentario.

4.Agradecer mediante comentarios el esfuerzo anima a realizar futuros aportes.

5.Gracias a todos los uploaders.

El corto cinéfago: "Halloween before Christmas"

El nombre de Rafa Martínez debería resultar conocido a los seguidores de este blog. Hace aproximadamernte un año protagonizó el corto cinéfago de la semana con la deslumbrante "Zombies & Cigarettes", co-dirigido junto a Iñaki San Román. Ahora, en solitario, nos propone otro cuento de terror, mucho más oscuro que su anterior trabajo, pero igualmente lleno de malicia. Una historia que podría subtitularse perfectamente como "Cómo Halloween robó la Navidad", en el que los sueños recurrentes de su protagonista en Nochebuena se transforman años después en una auténtica pesadilla en la víspera de Navidad. Una historia que puede recordar a "Cuentos asombrosos", a la cual Martínez hace un merecido homenaje con este perverso relato de apenas siete minutos donde destaca la atmósfera, el poder visual con cámara digital en mano -muy bien aprovechada en los planos subjetivos y movimientos, algo que no puede decirse en otros trabajos presentados en el mismo formato- y, cómo no, ese aire a relato infantil cubierto de tinieblas. Prometedor el trabajo de un cineasta, quien también monta y escribe la cinta, al que seguir de cerca, y que esperemos se pase al largo muy pronto, pero sin perder su vena cinéfila.

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Halloween before Christmas (short film) / English subtitle from Rafa Martínez on Vimeo.

Descarga directa [bylavativa][57MB][Dvdrip][español+subtítulos en inglés]

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El corto cinéfago: "Paris by Night of the Living Dead"

A pesar de llevar más de una década como cortometrajista, fue el año pasado cuando el nombre de Gregory Morin comenzó a sonar con fuerza en el panorama cinematográfico francés. Surgida como proyecto de largometraje, "Paris by the night of the living dead" acabó quedándose en un corto de 12 minutos con mucho humor galo -atentos a la parodia de Zidane-, gore, violencia, amor y, por supuesto, zombis. Con guión de David Neiss y producida por Olivier Bach -a ver si el logo de su productora, Bach Films, os recuerda a algo-, quien también realiza un cameo como muerto viviente, la historia nos presenta a una pareja que tras contraer matrimonio y jurar que harían pasar a mejor vida a su cónyuge si era mordido por un zombi, tendrán que enfrentarse con toda una horda de podridos que asolan las calles parisinas. Unos más que decentes medios técnicos y artísticos son con los que cuenta Morin para llevar a cabo la empresa, y que le permite destruir no pocos monumentos franceses. Impagable su desenlace nipón. Y como aparición estelar la de un clásico del cine de Jeunet&Caro, Dominique Bettenfeld ("Delicatessen", "La ciudad de los niños perdidos"). Aunque no dure mucho.

Ver online [francés con subtítulos en español]

Paris by Night of the Living Dead
Cargado por blankytwo. - Mira películas y shows de TV enteros.

Descarga directa [francés con subtítulos en español][280MB]

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Gracias a EXTRARRADIO y HorrorZone.

El corto cinéfago: "Day & Night"

Y volvemos con Pixar, a quienes ya dediqué una entrada como corto cinéfago cuando hice un repaso por sus mejores obras. Como suele ser habitual, la factoría presenta un cortometraje antes de la proyección de un largo. Este año, "Toy Story 3" arrasaba en la taquilla de todo el mundo -es la quinta película más taquillera de la historia, y la más taquillera del género de animación-, pero antes Pixar se preocupó por mostrarnos otra joya de la animación.

"Day & Night" es un canto de amor a la animación tradicional, a las dos dimensiones de toda la vida, a todos esos clásicos Disney que nos han hecho soñar. Y es también el nombre de sus dos protagonistas, unos seres que representan el día y la noche en su interior, mostrado con la animación por ordenador imperante en la compañía. Este pequeño universo interior en 3D muestra los sentimientos de cada uno de los personajes, que irán descubriendo un nuevo mundo en el interior de su compañero. Una tierna y divertida historia sobre la amistad entre opuestos y que confraterniza dos técnicas de animación hasta ahora rivales dirigida por Teddy Newton y musicalizada por el ya imprescindible Michael Giacchino. Toda una obra de arte.

Enlaces de descarga [by Irsv.91][incluye subtítulos]

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AVISO

1. Los enlaces son una recopilación de los ya existentes en diversos foros de Internet. No es responsabilidad mía el mantenimiento de los archivos en los distintos servidores. Si algún archivo ha sido borrado inténtelo con otra opción, si existe más de una, y si no funciona esa alternativa ponerse en contacto conmigo a través de gerardomedina84@gmail.com o mediante un comentario en esta misma entrada.
2. Ninguna opción es igual a las demás. Varían en si tienen o no los subtítulos insertados, en el peso total de la película y en los servidores en los que se encuentran. Cualquiera de las opciones tiene la calidad de vídeo que se muestra en Capturas.
3. Ante cualquier error en el post, como puede ser haber repetido un enlace varias veces o que falte una contraseña, remitirse a la dirección de correo anteriormente expuesta o avisar mediante un comentario.
4. Agradecer mediante comentarios el esfuerzo anima a realizar futuros aportes.
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La película del mes

Brazil ****1/2

El hombre que luchaba contra molinos de viento

"Hollywood es un lugar abominable. Si existiera el Dios de los Antiguos Testamentos debería hacer su trabajo y barrer el lugar del mapa. El único problema es que nos perderíamos algunos buenos restaurantes".

(Terry Gilliam) 

La utopía consiste en un mundo idealizado alternativo al presente y que sirve como crítica sobre este. Posiblemente sea la ciencia-ficción la que ha presentado las utopías más interesantes, desde el futuro apocalíptico de “Mad Max” (George Miller, 1979), consecuencia directa de la industrialización y deshumanización de nuestra sociedad, hasta el eternamente vigilado por el Gran Hermano de “1984” (Michael Radford, 1984) o los precogs de “Minority Report” (Steven Spielberg, 2002). Esta visión alternativa de nuestro mundo, sea futuro o no, puede ser optimista o pesimista, siendo esta última la que concibe la utopía como algo pernicioso para el individuo, alienado por un sistema que, por ejemplo, le exime de cualquier atisbo de libertad intelectual.

A este concepto de la utopía pesimista, también conocida como distopía, es al que pertenece “Brazil”, la película de Terry Gilliam que supone la primera muestra completa del imaginario particular de este brillante director y artista para algunos, pero a la vez odiado y ninguneado por otros. Todo lo que es Gilliam, y lo que será en trabajos posteriores, está presente en este filme. Pero además, “Brazil” presenta el choque de ambos modos de entender la utopía, el positivo y el negativo, como ya ocurriera en otras hermanas de su tiempo como “Blade Runner” (Ridley Scott, 1982) y “La fuga de Logan” (Michael Anderson, 1976).

Lo que retrata “Brazil” es a una sociedad deshumanizada y sumida en la más anodina burocracia, donde se debe rellenar cualquier formulario antes de dar cualquier paso adelante y donde las personas se preocupan más por las convenciones sociales que por atender a los que han caído víctimas de un atentado terrorista a escasos metros de la mesa del restaurante en el que cenan –otro ejemplo de deshumanización está en lo que comen, una papilla que se acompaña de la foto del plato que debería ser. Y también nos encontramos con un ambiente profundamente anacrónico, donde se juntan los coches de los años 50, los enormes edificios de los años 20 que parecen salidos del “Metrópolis” de Fritz Lang o los tubos neumáticos y las máquinas de teletipos como herramientas de comunicación, en un indescriptible trabajo de dirección artística de Norman Garwood. Sólo se nos da como referencia el hecho de que nos encontramos en algún lugar del siglo XX, por lo que más que ante un futuro posible nos encontramos ante una realidad alternativa, que a su vez puede servirnos como vaticinio de lo que está por venir. Y todo avanza con un aire de cine clásico, de cine noir.

En medio de ese barroco universo se mueve Sam Lawry, llamado a ser un hijo de la revolución, un hombre sumido en sus sueños en un mundo tan controlado que nadie se cuestiona la necesidad de un cambio. Un mundo que cuando comete un error, error que activa los engranajes del argumento, elimina todas las pruebas sin mostrar el menor sentimiento por las vidas que cobra. En sus sueños, Lawry se ve a sí mismo como un ángel salvador, obsesionado con su propia Dulcinea, a la que deberá salvar de las garras de un sistema que hace erigir grandes edificios sobre un precioso monte verde para aniquilar cualquier resquicio de libertad. Una industrialización que traerá a todo tipo de criaturas, desde el ser de piedra con el rostro del jefe del propio protagonista que le suplica que no le abandone hasta unas encorvadas criaturas con careta de bebé que esclavizan a todo el que se oponga a las reglas. Todo en los sueños de Lawry tiene su correspondencia con el mundo real, en ese cruce entre ambas realidades que finalmente pasará factura al personaje, que tararea el “Aquarela do Brazil” como himno de la libertad que anhela -tema musical que utiliza Michael Kamen en su inspiradísima banda sonora, de las mejores de su carrera.

Con múltiples referencias, siendo la más evidente la obra de George Orwell “1984”, “Brazil” es el primer muestrario de las rarezas y manías de un realizador único en su puesta en escena y sus historias, y que ha servido de fuente de inspiración para otros muchos directores –en sus movimientos de cámara, planos cenitales y subjetivos y en su siniestra ambientación y guiñolescos personajes podemos ver un reflejo, por ejemplo, de lo que serían las primeras obras de Jean Pierre Jeunet y Marc Caro. Tras el éxito de los “Héroes del tiempo”, Gilliam tuvo las puertas completamente abiertas para rodar lo que quisiera, y eso le permitió dar rienda suelta a su imaginación y acudir a Lewis Carroll –visible en sus personajes excéntricos e inverosímiles, su humor absurdo, la lógica matemática y cierta mirada infantil no exenta de malicia-, a Cervantes –Sam Lawry no es más que un Quijote preso de su propia esquizofrenia y convencido de que puede acabar con los gigantes y salvar a su dama- y a toda su experiencia como animador para “Monty Python’s Flying Circus” para tejer esta joya del séptimo arte que ha acabado por convertirse en pieza de culto.

Y sí, lo he omitido por conveniencia, porque prefiero centrarme en la figura del cineasta antes que en su pasado como miembro del ilustre grupo cómico británico Monty Python. El único americano de ellos, nacionalidad a la que renunció en 2006, es quizás el más británico del grupo en sus maneras y en su forma de presentar sus historias, el que mejor ha soportado el peso de la irreverencia y su carácter subversivo, mientras otros como Michael Palin, Eric Idle o John Cleese, aunque sensacionales actores y comediantes, se han sumido en los convencionalismos de Hollywood.

Ahí teníamos a Gilliam, todo un Quijote dispuesto a luchar con las productoras en 1985, que pretendían quitarle la potestad de su obra. Mientras a nivel internacional se distribuía la versión íntegra de cerca de 140 minutos, a los mandamases de la Universal el final les parecía demasiado oscuro y preferían optar por un desenlace más feliz, algo a lo que Gilliam se oponía vigorosamente. Y todo ello tras rechazar a la Warner y la Paramount, por ser los únicos que no le ofrecían libertad creativa y decisión plena en el montaje definitivo. La Universal prefirió hacer oídos sordos y re-editó la película con su ansiado happy ending, a lo que Gilliam respondió con un anuncio a toda página en la revista Variety instando al estudio a estrenarla en su versión íntegra. Además, el mismo director realizó pases privados no autorizados por la distribuidora, gracias a los cuales “Brazil” ganó el premio a la mejor película del año de la Asociación de Críticos de Los Ángeles. Todo esto se saldó con el triunfo de ambas partes, dando lugar a un montaje final de 135 minutos supervisado por el mismo Gilliam.

Pero no fue solamente con los productores con los que Gilliam tendría que vérselas. Absorbente y meticuloso con sus proyectos, rechazaba las propuestas de su primer co-guionista Charles Alverson, hasta el punto de no acreditarle finalmente en la película. Fue entonces cuando escogió a Tom Stoppard como relevo, pero igualmente le hizo reescribir el libreto cuatro veces. Finalmente fue con Charles McKeown, más afín con sus ideas, con quien acabó de escribir la historia. Solamente Gilliam, Stoppard y McKeown fueron nominados al Oscar al mejor guión original, mientras que Alverson encabezó una dura batalla de casi dos décadas con el cineasta que culminó con la aparición de unos documentos que harían que Gilliam cambiara su versión de los hechos y admitiera que Alverson había tenido algo que ver en el proceso creativo de la película, cuando ya era tarde para acreditarle o hacerle merecedor de una nominación a los premios de la Academia. Como anécdota, la película tuvo muchos títulos preliminares antes del definitivo, siendo el más llamativo “1984 ½”, homenaje tanto a la obra de Orwell como al “8 ½“de Fellini, autor por el que Gilliam siente profunda admiración.

Y, como no podía ser de otra manera, Gilliam tuvo que lidiar además con los actores. Con un reparto de lujo, “Brazil” contó como protagonista absoluto con un espléndido Jonathan Pryce, a quien el director quería expresamente y desde entonces es uno de sus actores fetiche, ya que repetiría con él en “Las aventuras del barón Munchausen” –tercera entrega de la trilogía de la imaginación, comenzaba por sus dos predecesoras- o “El secreto de los hermanos Grimm”. Como co-protagonista se entrevistó a Jamie Lee Curtis, Rebecca de Mornay, Rosanna Arquette, Kelly McGillis, Madonna y Ellen Barkin, su favorita hasta que vio a Kim Greist, quien finalmente obtuvo el papel de Jill, la chica de los sueños del protagonista. Greist se comportó, para irritación del propio Gilliam, como toda una diva a pesar de ser su segundo trabajo, y hasta el punto de no estar contenta con su personaje y no mezclarse con sus compañeros entre toma y toma. Incluso se negó a que la tocaran, fobia que el director terminó atribuyendo a su personaje. Y como secundario, aunque su personaje sea el let motiv de la historia, tenemos a un casi irreconocible Robert De Niro, tan obsesivo con su personaje de fontanero terrorista –se preparó su papel a conciencia, entrevistándose con cirujanos y adaptando estas maneras a las de un fontanero- que llegó a exasperar al realizador, quien le había dicho que eligiera el papel de reparto que quisiera. De Niro escogió el de Jack Lint, amigo del protagonista, pero tuvo que ser convencido del peso del otro personaje al haberle prometido el de Lint a su colega Michael Palin. Completaron el cast Bob Hoskins y habituales del cine del ex Python como Ian Holm, Jim Broadbent, Jack Purvis o Katherine Helmond, actriz clásica de la televisión que saltó a la fama gracias a la sensacional serie “Soap (Enredo)” y que asumió el papel de la madre de Lawry, la superficial y adicta a la cirugía señora Lawry.

Dos nominaciones a los Oscar (guión original y dirección artística), el ya mencionado premio a mejor película del año y la en general positiva recepción por parte de la crítica no bastaron para repetir el éxito de “Los héroes del tiempo”. “Brazil” fue un fracaso en taquilla, especialmente debido a su precaria distribución y al hecho de ser una película tan difícil y personal. Algunos críticos sí que se cebaron con ella afirmando que era incomprensible e imposible de seguir. Y no es para menos. La confusión que hace avanzar la trama, la de los apellidos Buttle y Tuttle, y todo el papeleo administrativo que conlleva, pueden liar al espectador que no permanezca atento y el avance de la historia es complicado, pero estamos ante una obra que si no se ha entendido a la primera merece ser vista una y otra vez como pieza de arte que es.

“Brazil” es el primer acercamiento al universo completo de un director incomprendido, a veces injustamente maltratado por la industria, la crítica y el público. Una obra maestra convertida en película de culto que recoge todas las constantes del cine de Terry Gilliam, un Quijote que, a día de hoy, sigue luchando contra sus propios gigantes en una meca del cine que odia pero a la que necesita para seguir regalándonos joyas de la ciencia-ficción atemporales y únicas como esta. En lo que a Sam Lawry se refiere, acaba absorbido por sus propios sueños, loco y tarareando esa canción tan carnavalesca que da título a la cinta. Esperemos que a Gilliam no le gane nunca de esta manera la distopía.

Enlaces de descarga

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