sábado, 30 de junio de 2012

La Película del Mes: La matanza de Texas

La larga sombra de la motosierra


Tres meses, que se dice pronto. Tres meses desde que se dedicó el mes a un film en este blog. Por eso, había que volver a lo grande, inaugurando el verano como se merece. Y vamos con una película que es tan veraniega como “Tiburón”, “Verano Azul” o el Gran Prix. Y no solamente por verla por primera vez en un verano de mucho calor durante mi niñez, sino porque cada fotograma de “La matanza de Texas” desprende el calor, el polvo y el sudor de los parajes de Texas, de esa América profunda en la que conviven todo tipo de seres –quien no lo entienda, que vea la serie “True Blood”-. A ella va dedicada esta entrada. A su malogrado director, a su leyenda, a lo que supuso para el séptimo arte. A esa motosierra que aterrorizó a generaciones de espectadores.
























La semilla del mal
Norman Bates, Buffalo Bill, Leatherface… todos tienen en común el mismo origen, un aparentemente apacible granjero que convirtió su granja en un auténtico matadero humano. Ed Gein vivía solo desde la muerte de su madre en 1945 y se ganaba la vida haciendo toda clase de trabajos a los vecinos de Plainfield, Wisconsin. Fue su habilidad en este tipo de trabajos, por la que este hombre de complexión débil, mediana edad, pelo rubio y ojos azules empezó a ser conocido entre las gentes del lugar como una persona trabajadora, cumplidora, fiable pero excéntrica.

En la tarde del 8 de diciembre de 1954, un granjero de Plainfield, en Wisconsin, entró en "la taberna de los Hogan" y descubrió un gran reguero de sangre que cubría las tablas de madera del suelo. La propietaria Mary Hogan, había desaparecido. El sheriff observó que no había señales de lucha aparentes y que la caja registradora seguía llena, pero determinó que la mujer había sido asesinada y que su cuerpo había sido arrastrado hasta un coche que esperaba fuera.

Tres años más tarde, la policía investigaba la desaparición de la dueña de la ferretería de Plainfield, Bernice Worden, y fue entonces cuando el dueño de la serrería, con quien Gein hablaba a menudo, y a quien tenía por un ser extraño, recordó que Gein solía sentarse solo en un rincón de la taberna mirando fijamente a la dueña del local absorto en sus pensamientos con una jarra de cerveza, y supuso que estaba enamorado de la mujer. Le sugirió bromeando, que si le hubiese hablado a Mary con claridad de sus sentimientos, probablemente en ese momento estaría en su granja cocinando y esperando a que volviera en lugar de haber desaparecido presumiblemente asesinada. Gein, con un extraño gesto puso los ojos en blanco y le respondió con una de sus conocidas sonrisas: "No está desaparecida. Ahora mismo está en la granja". El hombre se encogió de hombros y no le tomó en serio, después de todo, era el tipo de comentario que se esperaba de él... Pero tras la desaparición de Worden, el dueño de la serrería le denunció a las autoridades, que procedieron a irrumpir en su granja.

Dos oficiales de la policía arrestaron a Gein, mientras otros dos se dirigían inmediatamente hacia su granja con la intención de llevar a cabo un registro. Al pasar dentro, el sheriff sintió como algo le rozaba el hombro, y al volverse se topó con un cuerpo decapitado de mujer con un profundo agujero en el estómago que colgaba del techo. El cadáver colgaba de un gancho por el tobillo y con un alambre le habían sujetado el otro pie a una polea. Habían rajado el cuerpo desde el pecho hasta la base del abdomen, y las tripas brillaban como si las hubiesen lavado y limpiado. Por todas partes se veían montañas de basura y desperdicios, cajas de cartón, latas vacías, herramientas oxidadas, excrementos, revistas pornográficas, de terror y de anatomía humana, chicles pegados en las tazas y una dentadura sobre el mantel de la mesa...

Más tarde, en cuanto llegaron más patrullas, se descubrió en el interior de la casa todo el horror que allí escondía: varios cráneos esparcidos por la cocina, unos intactos y otros partidos por la mitad y empleados como cuencos; una de las sillas de la cocina estaba hecha con piel humana, como las pantallas de las lámparas, las papeleras, las fundas de los cuchillos e incluso alguna prenda de vestir, como un chaleco o un cinturón formado con pezones humanos, vestimentas con las que Gein se vestía a menudo tras curtirlas; cajas con los restos humanos pertenecientes a diferentes cuerpos sin identificar; el corazón y la cabeza amputada de Bernice Worden en una bolsa de plástico; una colección de nueve máscaras de piel humana con el pelo intacto, de las cuales, cuatro colgaban en la pared que rodeaba la cama de Gein, etc.

La única habitación de la casa que parecía normal era una sellada con tablones en la puerta y perfectamente ordenada... la de su madre. Desde que su madre muriera en 1945, doce años antes, la habitación había estado cerrada con clavos como un sepulcro. Ed explicó a la policía después de su detención que después de su fallecimiento, su madre se mantuvo en contacto con él durante más de un año, hablándole mientras se adormecía. Dijo que había sido en esa época cuando desarrolló su fascinación por la anatomía. Le fascinaban los reportajes sobre la operación de cambio de sexo y se planteó convertirse él mismo en mujer.

Gein declaró que tan sólo recordaba, muy confusamente, haber matado a Bernice Worden, y que los demás restos humanos que se habían hallado en la granja pertenecían a nueve cadáveres que había sacado del cementerio. Explicó que en los últimos años sentía de vez en cuando la necesidad de profanar tumbas, y que en algunas ocasiones incluso conocía a las víctimas en vida y se enteraba de sus muertes leyendo los periódicos. Luego, en la noche del entierro, se dirigía al cementerio, sacaba el cadáver y rellenaba de nuevo la tumba.

Pese a todas estas similitudes, hay otro referente histórico, aunque diversos historiadores ponen en tela de juicio su existencia, y que muchos suponen que influyó al guionista Kin Henkel, co-autor del libreto. Durante el reinado del rey Jacobo VI de Escocia, Sawney Beane se instala en una profunda cueva, donde junto a su esposa forma durante 25 años un clan compuesto por 48 personas producto del incesto, la mitad de ellas sel sexo femenino. Este clan de los Beane asaltaba a los viajeros para robarles, asesinarlos y cometer actos de canibalismo y vampirismo con sus cuerpos. El esposo de una pareja de viajeros recién asaltada consigue escapar y denunciar a los Bane. El rey en persona, con 400 hombres, acude a capturar a los Beane,  y así advierten la magnitud de los crímenes de los Beane al encontrar restos de numerosos cadáveres dentro de la cueva. El clan fue llevado a Edimburgo, en donde todos sus miembros son rápidamente juzgados y ejecutados sin que en el proceso, o durante la ejecución, mostraran señales de arrepentimiento. La familia de caníbales del film bien podría asemejarse a la de Beane.

No obstante, Henkel solamente reconoce una influencia en su obra: la del asesino en serie Elmer Wayne Henley, un joven que entre 1970 y 1973 buscaba víctimas para un pederasta, Dean Corll. Juntos fueron responsables del asesinato de 28 niños y jóvenes en Houston, Texas, una ola de crímenes que culminó con el asesinato de Corll a manos de Henley. Corll tenía una habitación especial de torturas donde violaba, torturaba e incluso castraba a sus víctimas, y ofrecía 200 dólares a sus cómplices, ya que también le ayudaba otro joven, David Owen Brooks.

Así que, la leyenda urbana que asegura que lo que ocurre en el film fue real, es totalmente falsa. Ya los créditos iniciales avisan que lo que está a punto de verse, justo cuando aparece la figura hecha con cadáveres, está basado en hechos reales. Y es cierto, pero en los casos reales de Gein y Henley.


El origen de la leyenda
Pero el origen de la leyenda que hoy conocemos comenzó cinematográficamente algo después, a comienzos de los 60. Y primero en la literatura, a través de la novela de Robert Bloch “Psycho”. Fue Hitchcock quien plantó la semilla del psycho-killer en el celuloide, pero desde un punto de vista más psicológico, algo que interesaba mucho más al maestro del suspense.

El gore no tardaría en hacer acto de presencia, justo tres años después. En 1963 vendría Herschell Gordon Lewis a instaurar una nueva manera de entender el terror, mucho antes de que Raimi, Romero y Hooper hicieran de las suyas. Pero fue este último el que unió ambas vertientes con enorme éxito, dejando huella en la historia del cine y en las retinas de toda una generación con “La matanza de Texas”.

Y más aún, como suele ocurrir en muchos casos, la película fue hija de su tiempo, consecuencia de un periodo convulso de la historia norteamericana en el que la juventud estaba desencantada con el gobierno y la situación económica y política del país. No olvidemos que, dos años antes, el escándalo Watergate había puesto en entredicho la figura del gobierno en Estados Unidos. En medio de todo eso, un alumno y profesor de la Facultad de Artes de Austin, Texas, llamado Tobe Hooper, aspiraba a documentalista y reflejaba en sus trabajos el hastío de su generación. Por su cabeza rondaba la idea de un proyecto acerca de una casa aislada como reflejo de la alienación del individuo en la sociedad. Empezaba a forjarse la leyenda, y fue entonces cuando Hooper conoció a Kim Henkel (co-guionista), un apasionado de la historia de los psicópatas, y juntos tejieron la historia que hoy en día todos conocemos. La idea de la motosierra, eso sí, vino después, cuando Hooper se encontraba en una tienda llena de gente, mientras pensaba en una manera de hacerse camino a través la multitud.

Pero encontrar financiación no fue fácil. Tobe Hooper y Kim Henkel crearon una corporación llamada Vortex, Inc., siendo Henkel el presidente de la misma y Hooper el vicepresidente. Le preguntaron a Bill Parsley, un amigo de Hooper, si estaba interesado en financiar la película; Parsley creó una compañía llamada MAB, Inc. e invirtió $60.000 dólares en la cinta. Como resultado, MAB se hizo dueña del 50% de la película y sus futuras ganancias. La compañía P.I.T.S. donó $23.532 dólares, a cambio del 19% de las futuras ganancias de Vortex. El resto salió de Louis Periano de Bryanston Distribution Company, que utilizó los beneficios conseguidos con “Deep Throat” para producir “La matanza de Texas”. De paso dejó en la estacada a Hooper y amigos al ser detenido por razones fiscales y demás. En definitiva, después de que los invetsores recuperaran su dinero (incluyendo los intereses) y se les pagara a los abogados y contadores, sólo fueron repartidos $8.100 dólares entre los 20 miembros del reparto y equipo.

Con esto y la voluntad del equipo comenzó la producción y el rodaje. Para el reparto se escogieron caras desconocidas, la mayoría alumnos de la Universidad de Texas. Pero sin duda sería Leatherface el más importante. A la prueba se presentó un enorme islandés, y fue contratado en cuanto entró por la puerta. Gunnar Hansen decidió que su personaje tendría cierto retraso mental, lo cual le impedía hablar con facilidad, y para preparar su personaje se pasó una semana entera visitando una escuela de personas con problemas de habla y aprendizaje para meterse en el papel. Como narrador se escogió a un por entonces desconocido John Larroquette, una década antes de triunfar con la serie “Juzgado de guardia”, en el que era su segundo trabajo.

No fue necesaria ninguna pieza musical destacable, y la banda sonora fue compuesta por el propio Hooper y Wayne Bell a partir de ecos y ruidos, y su objetivo era únicamente crear una atmósfera pesadillesca, que produjera mareos y náuseas, incrementando la tensión del relato. Los 38º de temperatura y la fotografía granulada de Daniel Pearl, fruto de su conversión de 16 a 35 mm, hicieron el resto. Porque todo esto contribuyó al ambiente enrarecido de la cinta, y el verano del Texas del 1973 durante el cual fue filmada resulta bien visible durante todo el metraje. Además del elevado calor, el equipo tuvo que sufrir numerosas penurias: los bichos, el olor de los restos putrefactos de los animales que se recogían en la carretera para “decorar” el set, y sobre todo que al transcurrir la acción en 24 horas, en un rodaje de 32 días con una media de 14/16 horas diarias, los actores no pudieron cambiarse de ropa…

La sangre salpicó las butacas
Nadie esperaba lo que ocurriría después. La película se convirtió en todo un fenómeno. Al poco de finalizar el rodaje, la compañía de Periano accedió a distribuirla, y el 1 de octubre de 1974, la película vio la luz durante la matiné de los sábados de manera limitada, y poco a poco los pases fueron llenándose de adolescentes. El número de espectadores creció cuando se corrió el rumor de que estaba basada en hechos reales, y el título fue modificado, por consejo de uno de los socios del proyecto, de “Leatherface” a como lo conocemos hoy en día. Con un presupuesto que apenas superó los 100.000$, la película recaudó a nivel mundial más de 50 millones de $.

Y eso a pesar de ser calificada R (todos los menores de 17 años deben ir acompañados por adultos) y ser prohibida en multitud de países. El filme estuvo prohibido en Noruega (se estrenó sin censuras en 1997), Suecia (hasta 1984, pero luego censurado hasta 2001), Chile (hasta 1978), Australia (hasta 1984, en una versión adaptada), Francia, Irlanda, Alemania India e Islandia; y estuvo censurada en Argentina, Finlandia, Holanda, Canadá, España, Japón, Corea del Sur y en los mismos Estados Unidos.

No es para menos. La revista Empire la calificó como “la película de terror más horripilante jamás filmada”. Todo gracias a algunas de las imágenes más escalofriantes que se han visto en la historia del cine. En mi retina aún perdura el momento en que Leatherface cuelga de un gancho para carne a una chica, o la angustia de la única superviviente en su tramo final, cuya actriz fue apodada a partir de entonces como Reina del Grito.

Y pese a que en su momento hubo división de opiniones entre la crítica especializada, el tiempo la ha puesto en su lugar como obra de culto. Una obra que ha inspirado a cineastas como Sam Raimi, Ridley Scott, Rob Zombie o Wes Craven, entre otros, y que dejó un legado que se extiende hasta nuestros días. Porque filmes como las recientes “Las colinas tienen ojos” deben su espíritu gore a esta película, que buscaba ante todo la transgresión, proponer al espectador otro tipo de terror. Hasta el Museo de Arte Moderno de Nueva York la añadió a su colección. Ha sido testigo de horrorosas secuelas, de un estimable remake en 2003, año en que salió una edición en DVD de cubierta de lo más apetitosa, y de innumerables productos, de serie B o no, influenciados por ella.

Mucho más podría contarse de “La matanza de Texas”, pero no puede acabarse un reportaje sobre hasta dónde llegó la sangre sin recordar la trayectoria de su malogrado artífice. Tobe Hooper apuntaba maneras, y revolucionó todo un género, pero se quedó en eso, en una promesa. Sí, dirigió posteriormente algunas obras adoradas por sus fans como “La casa de los horrores” o la miniserie “El misterio de Salem’s Lot”, pero su carrera se fue apagando y sufrió un definitivo revés cuando se puso en manos de Spielberg para realizar “Poltergeist”, la película que acabó, pese a su éxito, por dinamitar su carrera. Se atrevió con la olvidable secuela de su gran proeza, pero la motosierra cuya alargada sombra le ha seguido durante toda su vida. Una motosierra que, casi cuarenta años después, sigue sonando con la misma fuerza.


viernes, 29 de junio de 2012

LA CRÍTICA: Extraterrestre

Cosas de marcianos
“Extraterrestre” termina casi de la misma manera que “Los Cronocrímenes”, el clásico moderno de culto de Nacho Vigalondo. Dos personajes sentados en sus hamacas contemplando el panorama con la cotidianeidad de quien lleva toda su vida inmerso en el conflicto al que se enfrentan. Con su opera prima, este segundo trabajo guarda además otra poderosa característica, su condición de relato más acorde a los parámetros del cortometraje, si bien el desarrollo de su nueva propuesta no se ve lastrado, como ocurría entonces, por la constante sensación de que todo habría resultado más verosímil en el universo del corto.

Y más allá de su más que demostrada cualidad para crear historias y situaciones aparentemente cotidianas, se acabaron las similitudes. “Extraterrestre” es todo lo que “Los cronocrímenes”, por ser un debut, jamás pudo ser. Vigalondo cuida a sus personajes –en su anterior película, lo importante era la historia, hilar la trama de principio a fin-, les da dimensión y empaque, y demuestra una madurez en el guión y en la dirección técnica y artística abismal con respecto a su predecesora.


Porque pocos realizadores pueden tratar una invasión alienígena sin abandonar las paredes de un piso ni las idas y venidas de sus cuatro protagonistas. La invasión es una excusa para encerrarles, para que tres elementos se desvivan por la maravillosa Michelle Jenner y se pongan la zancadilla los unos a los otros. Su título no hace alusión a los visitantes. Los verdaderos extraterrestres de Vigalondo ni siquiera se hacen pasar por humanos. Son todos esos que, cuales pagafantas, no se dan cuenta de cuándo están de más en un grupo y en la vida de otras personas.



“Extraterrestre” es una comedia viva, fresca, más de sonrisa que de carcajada, con cuatro actores excelsos –especialmente Carlos Areces y Raúl Cimas-, y que no llegará a la categoría de culto, sino que quedará como una comedia simpática. Pero eso le pasa a ese marciano llamado Nacho Vigalondo, capaz de parir filmes tremendamente marcianos y que aún no tienen su público asegurado. Y, sin embargo, son comedias marcianas como esta las que necesita el cine español. No hace falta salir del planeta para sentirnos extraterrestres. Ya lo hace esa generación de cineastas curtidos en la década de los 80 por nosotros, con Vigalondo, Bayona y Cobeaga a la cabeza, y en cuyas manos está el futuro de nuestro cine.

A favor: Carlos Areces y Raúl Cimas, dos robaescenas natos
En contra: hay que ser bastante marciano para que el cine de Vigalondo termina de encajar entre el gran público

Calificación: ****

Tráilers en Cadena: Silver Linings Playbook, Impávido, Total Recall y Looper

Vamos con otra cadena de tráilers, esta vez uno de un film patrio y otros tres yanquis, pero todos prometedores o esperadísimos. Dos de ellos novedades y los otros dos nuevos tráilers para no olvidar que se estrenan.

Comenzamos con una película de potencial Oscar nivel 100 -entiéndase que no hay máximo, pero se acerca-. “Silver Linings Playbook” está dirigida por el nominado al Oscar por la estupenda "The Fighter" David O. Russell, protagonizada por dos nominados al Oscar, uno de ellos con dos estatuillas doradas en su haber, y encima producida por dos habituales de los premios de la Academia, los hermanos Weinstein. Con estos ingredientes, y porque tiene pinta de dramón simpático y se estrena en Estados Unidos en plena temporada de premios, el 21 de noviembre, es más que seguro que este film acabe en la carrera a los Oscar. En su reparto tenemos a Bradley Cooper, Robert De Niro, la maravillosa Jennifer Lawrence y al recuperado Chris Tucker, o al tipo que se lo comió. Una curiosidad: ésta es también la cinta que ha supuesto la ruptura profesional entre Mark Wahlberg y Russell, al que no dio el papel protagonista y con quien había trabajado en sus dos películas anteriores.


La otra novedad es la española "Impávido", con la que Carlos Therón se enfrenta a su segundo largometraje tras el encargo que supuso la horrorosa "Fuga de cerebros 2". Se trata de un proyecto más personal que este, ya que es la puesta de largo de su propio corto, algo que ya hiciera recientemente Paco Cabezas en la estimable "Carne de neón". Este avance promete, y se ve en él el enérgico sentido del montaje de Therón, que ya podía entreverse en su opera prima -recordemos el momento lisérgico en el restaurante-. En su contra tiene el no contar con actores demasiado conocidos y con tirón para el gran público, aunque por ahí tenemos a Marta Torné, Pepón Nieto, Víctor Clavijo, José Luis García Pérez y a la estrella del porno Nacho Vidal.


A continuación dos nuevos tráilers, uno de "Looper", en el que Joseph Gordon-Levitt se parece más a veces a Daniel Craig que a Bruce Willis, y otro de "Total Recall", remake del film de Verhoeven en el que, esta vez sí, vemos a la mujer de tres tetas. O no, porque han sido tan recatados que no la han mostrado desnuda. Traducción: ésta es la versión soft de la peli de Chuache, más para todos los públicos. Una lástima.



miércoles, 27 de junio de 2012

Taquilla España: "Tengo ganas de ti" devuelve el color al cine español... y a la taquilla

Tras unas semanas bastante pobres en la taquilla española, llega nuestro cine y salva la situación. El público tenía ganas de ver cómo se desarrollaba el triángulo amoroso entre Mario Casas, Clara Lago y María Valverde, y ha llenado las salas hasta el punto de que la producción española ha acaparado más del 63% del total de la taquilla. “Tengo ganas de ti” comenzaba el sábado con unos robustos 1,7 millones de €, y durante el sábado descendió de manera importante debido al partido de la Eurocopa, pero remontar el vuelo durante el domingo. Con todo, y pese a su marcado efecto fan y la presencia del fútbol, el film se ha hecho con unos buenísimos 3,2 millones de €, que no solo la colocan desde ya como el mejor estreno español del año, sino como el film nacional más taquillero, superando los 3,04 millones de “Luces rojas”.

Comparando con el primer film, aquel debutaba con 2 millones de €, alcanzando los 4 millones gracias al puente de diciembre. Esta nueva entrega roza esa cifra y sin el aliciente de los días extra de ningún puente cerca, por lo que, en principio, debería superar los 10 millones de € cosechados por aquella en su momento.

El partido del sábado ha provocado importantes descensos en general en el resto de títulos. Así, “Blancanieves y la leyenda del cazador” cae un 56% y se ve desplazada al segundo puesto con 7,46 millones de € en total, gracias a dos semanas pasadas en las que tuvo vía libre para triunfar; le sigue “MIB 3” sigue aguantando en tercer puesto con unos buenos 6,7 millones de €; y “MS1” y “Acto de valor”, los dos estrenos de la pasada semana, que también caen por encima del 55% para llegar a 649.000€ y 900.000€, respectivamente.

A partir del sexto puesto encontramos productos independientes o pequeños, que en semanas de mayores recaudaciones apenas serían destacables. De todas ellas merece la pena destacar, en el sexto, “Moonrise Kingdom” sigue extendiéndose a más público, aumentando sus cifras hasta un total de 344.000€, lejos aún del título más exitoso de Wes Anderson, “Viaje a Darjeeling”, con 1,2 millones de €; en el séptimo, “Las chicas de la sexta planta”, que se desploma un 50% pese al hueco que tiene y se queda en unos buenos 667.000€.

Por último, “Red State” se estrena con mucho retraso y de manera limitada, con tan sólo 40 copias para recaudar 27.500€.

Fuente: boxoffice.es

Nora Ephron (1941-2012)

No era de mis realizadoras preferidas, pero debe reconocérsele el mérito de haber sido una de las pocas que logró abrirse camino en una industria en la que no proliferan las mujeres en la dirección. Eso y que era una genial guionista, quizá mejor que directora. Nora Ephron ha fallecido víctima de la leucemia a los 71 años de edad, dejando para el legado una quincena de guiones, entre los que se encuentran algunos de los mejores libretos de los últimos treinta años, y ocho filmes dirigidos.

Aguda y brillante periodista antes que cineasta, a comienzos de los 80 triunfó como guionista gracias a su primer trabajo para el cine, “Silkwood”, con la que consiguió su primera nominación al Oscar. Repetiría nominación gracias a “Cuando Harry encontró a Sally” y “Algo para recordar”. Tras las cámaras, y también al timón del guión, triunfó formando la pareja romántica entre Tom Hanks y Meg Ryan en “Algo para recordar” y “Tienes un e-m@il”, y fue responsable también de “¿Qué le pasa a mamá?”, “Un día de locos”, “Michael”, “Combinación ganadora”, “Colgadas”, “Embrujada” y “Julie y Julia”, su último film en 2009.

Se hizo con el BAFTA, con el premio del Sindicato de Escritores (WGA), y también fue candidata a los Globos de Oro y a los premios Satellite, pero también a los Razzie al peor guión y dirección por el desastroso remake de “Embrujada”. En la memoria quedará como una de las mejores escritoras de la comedia romántica estadounidense de Hollywood, y todo un símbolo de respeto por parte de sus compañeros de profesión y de lucha en una industria eminentemente masculina. Descanse en paz.

martes, 26 de junio de 2012

Nuevo tráiler de "Frankenweenie"

Ésta es la oportunidad de recuperar al mejor Tim Burton. Por ahí he visto referencias a “Frankenstein” y “La novia de Frankenstein”, y hasta creo haber visto a Vincent Price. El 5 de octubre veremos si el genio está de vuelta. Por ahora, la cosa promete.

Tráilers en Cadena: "Robot & Frank" y "Alex Cross"

Hoy vamos con dos tráilers que no convencen, uno porque se le ven las edulcoradas intenciones desde lejos, y el otro porque está tan pasado de rosca que el mismo proyecto no se lo creen ni sus responsables.

El film que huele a naftalina que tira para atrás es “Robot & Frank”, de la que se dijo en Sundance que era simpática. Y es simpatía lo más que desprende este tráiler en el que, eso sí, canta que se trata de un vehículo de lucimiento para ese gran actor que es Frank Langella. Y, ya solo por eso, bienvenida sea. Lo demás, sinceramente, está de más.



El tráiler imposible es esta nueva puesta de largo del personaje que interpretara –magistralmente, como siempre- Morgan Freeman en “El coleccionista de amantes” y “La hora de la araña”. Sí, amigos, Alex Cross vuelve, pero ya no es Freeman sino Tyler Perry quien le pone cara y voz. Dirige Rob Cohen, el responsable de las frenéticas “XXX” y “The Fast & The Furious” (A.K.A. “A todo gas”), y que imprime su nervioso ritmo a la cinta. Pero lo más llamativo es ese Matthew Fox famélico y fibrado al mismo tiempo, un Madelman que se convierte en lo más creíble de la propuesta. 


domingo, 24 de junio de 2012

Taquilla USA: Pixar recupera todo el esplendor con "Brave"

Y vaya si lo ha hecho. “Brave” se convierte, a falta de conocer los datos definitivos mañana lunes, en el quinto mejor estreno de Pixar con 66,7 millones de $, superando por poco los 66,1 millones de “Cars 2”, y muy cerca de “Los increíbles”, “Buscando a Nemo” y “Up”. Pero más que las cifras, lo que devuelve el esplendor a la casa es que su nuevo producto sí ha conquistado a la crítica y al público, como antaño, por lo que deberían esperarse mucho mejores cifras que en su anterior y fallido proyecto, la secuela de “Cars”. Es, además, el cuarto mejor estreno del mes de junio.

Y pese a su presencia, “Madagascar 3” desciende un satisfactorio 40% para acumular ya 157 millones de $, seguida del otro estreno de la semana, “Abraham Lincoln: Vampire Junter”, que entra acorde a las estimaciones de Fox con 16,5 millones de $. “Prometheus” mantiene el tipo en cuarto puesto cayendo un 52% hasta los 108 millones de $, manteniendo el horizonte de 125 millones como dato final, mientras que “Rock of Ages” cierra el top 5 con un buen descenso del 44,6%. Pese a estrenarse dentro de lo previsto por el estudio hace una semana, se esperaba de ella cierta capacidad de sorpresa. Poco a poco va remontando, pero su tibio estreno y no mucho mejor acogida harán que no supere sus 75 millones de $ de presupuesto. Por ahora, tan sólo suma 28 millones de $.

En el top ten siguen aguantando “Blancanieves y la leyenda del cazador”, que con sus 137 millones de $ debe apurar bastante para cubrir su holgado presupuesto de 170 millones de $, ya que a nivel mundial tan sólo lleva 261 millones de $; “That’s my boy”, que le ocurre como a “Rock of Ages” y desciende medidamente, pero que también acumula 28 millones de $; “Los Vengadores”, que sigue sumando millones y su total ya roza los 600 millones de $; “MIB 3”, una de las sorpresas de la temporada, o al menos a nivel mundial, donde ya roza los datos de la primera entrega, a pesar de que en a nivel doméstico solamente 163 millones de $.

La comedia independiente “Seeking a friend for the end of the world”, que ha costado solamente 10 millones de $, cierra el top 10 en su semana de estreno con 3,8 millones de $, proyectándose en una modesta cantidad de salas. A poco que apure, cubrirá sus costes.

Por lo demás, “Moonrise Kingdom” y “El exótico Hotel Marigold” abandonan la lista de diez más vistas, pero en el primer caso por verse desplazada ante la llegada de las novedades de la semana, pues ha aumentado un 52% gracias a sumar otras 217 salas a un total de 395, y ya 11,6 millones de $. En el segundo caso, pierde una buena cantidad de copias pero desciende solamente un 29%, y en su octava semana se va a los 38 millones de $.


Pero la gran novedad ha sido el fuerte estreno de lo nuevo de Woody Allen, “To Rome with Love”, que consigue una media por copia desorbitante, y pese a proyectarse únicamente en 5 cines en todo el país consigue 379.000$. Todo un logro, que irá a más en cuanto Sony Classics empiece a incrementar el número de salas.

Fuente: boxofficemojo.com

sábado, 23 de junio de 2012

Juan Luis Galiardo (1940-2012)

"Era imposible aburrirse con él. Convertía la vida en una comedia de carcajadas y momentos brillantes. Sufría, y nunca lo mostró". Éstas eran las palabras que Álex de la Iglesia dedicaba en su cuenta de Twitter a un gran actor que siempre mostraba su mejor sonrisa, sus buenas maneras y un enorme sentido del humor y la autoparodia. Juan Luis Galiardo fallecía ayer a última hora de la tarde a los 72 años de edad tras "una rápida y devastadora" enfermedad, según ha indicado a Efe su jefa de prensa, Anabel Mateo.

Incansable, Galiardo permaneció trabajando hasta sus últimos días, compaginando el rodaje de la serie "Gran Hotel" con el final de la gira de "El Avaro", su último proyecto teatral. Dos ejemplos de su versatilidad interpretativa que abarcaba desde cine hasta televisión.

Su último film fue, precisamente, a las órdenes de Álex de la Iglesia este año en "La chispa de la vida", pero su carrera estaba compuesta por más de un centenar de trabajos ante las cámaras. Tras una larga etapa formándose en el teatro, en los años 60 saltaría al cine español convirtiéndose en uno de los galanes de nuestro cine, oportunidad que le permitió viajar al extranjero, fundamentalmente a México, donde cosechó un gran éxito y donde recibió en 1982 el Premio Heraldo al mejor actor de habla hispana.


Fue a su vuelta a España, a mediados de los 80,  con la serie "Turno de oficio", fruto de su recién fundada productora, cuando comenzó a considerársele un actor maduro, y durante las dos décadas siguientes no paró de trabajar. A esta etapa pertenecen títulos tan representativos como "Guarapo" (Hermanos Ríos, 1987), "Madregilda" (Francisco Regueiro, 1993), "Todos a la cárcel" (L. G. Berlanga, 1993), "¡Por fin solos!" (Alfonso del Real, 1994), "Así en el cielo como en la tierra" (J.L. Cuerda, 1995), "Suspiros de España (Y Portugal)" (J.L. García Sánchez, 1995), "Familia" (Fernando León de Aranoa, 1996), "Tranvía a la Malvarrosa" (J.L. García Sánchez, 1997), "Pajarico" (Carlos Saura, 1997), "Tango" (C. Saura, 1998), "La niña de tus ojos" (F. Trueba, 1998), "Lázaro de Tormes" (F. Fernán Gómez y J.L. García Sánchez, 2000), "Torrente 2: Misión en Marbella" (S. Segura, 2001), "El caballero Don Quijote" (M. Gutiérres Aragón, 2002), "El oro de Moscú" (J. Bonilla, 2003), "Miguel y William" (Inés París, 2007), "Clandestinos" (Antonio Hens, 2007). Alternó la gran con la pequeña pantalla en las series "Farmacia de Guardia", "Estudio 1", o la exitosa "La Regenta". En teatro, cosechó éxitos con "La Celestina", "El rey Lear" o "Edipo Rey".

En 1968 ganó una Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos, así como el Goya en el año 2000 con "Adiós con el corazón", de J.L. García Sánchez, y el premio Fotogramas en 1996 por la serie "Turno de oficio: Diez años después". Además, fue distinguido como mejor actor en el Festival de Málaga por "Adiós con el corazón", y con los premios Turia y Sant Jordi a toda su carrera.

Para los que quieran enviar un mensaje de recuerdo, se ha creado en Facebook la página http://www.facebook.com/JuanLuisGaliardo y en las próximas semanas se celebrará un acto de recuerdo para que los que trabajaron con él puedan expresarle su afecto. Descanse en paz, maestro.

viernes, 22 de junio de 2012

LA CRÍTICA: Juan de los muertos

Cuba bajo el terror de los zombis
El cine de zombis se ha prestado casi desde los tiempos de plenitud de Romero a todo tipo de revisiones socio-políticas, un aspecto que ya parece obligado en cualquier película en la que los muertos vivientes hagan de las suyas. Pero no debemos olvidar ese otro gran aporte de este tipo de películas, que es el entretenimiento. Y cuando la comedia y el terror se unen en perfecta armonía el resultado es formidable, y si no que se lo digan a la ya mítica “Shaun of the dead” o a la reciente “[·REC]: Génesis”.

No es casualidad por tanto que, en su segundo trabajo, Alejandro Brugrés escoja la comedia zombi para analizar la realidad histórica de esa fallida utopía socialista llamada Cuba, venida precisamente de un pueblo experto en reírse de sí mismo. Con “Juan de los muertos”, Brugrés aprovecha para lanzar dardos hacia el régimen castrista y la Cuba de los últimos 20 años, o como diría su protagonista, hacia el Periodo Especial y lo que vino después.


Todo lo que ocurre en este film es lógico. Donde otros países habrían sentido vergüenza histórica –mejor no poner ejemplos de ello-, los cubanos han sabido salir adelante y aprovechar cualquier crisis actual, poner la otra mejilla y sacar tajada de ello. Así, los hilarantes protagonistas de la historia –sensacional la pareja central, Alexis Díaz de Villegas y Jorge Molina-, cuales cazafantasmas, se dedicarán a hacer dinero limpiando su ciudad de putrefactos, aunque no con los resultados que ellos esperan.

Hasta este punto, todo funciona bien en “Juan de los muertos”. El problema es que, si vas a aprovechar el género para hacer sangre, debes asegurarte de no quedar a medio camino en tus intenciones. Y si de paso quieres entretener y hacer reír, debes conseguirlo, no quedar en el intento.


Esta cinta es precisamente eso, un quiero y no puedo. Los continuos ataques a la realidad cubana parecen tímidos, como preocupados por el qué dirán y por las consecuencias. Y, por si fuera poco, a la media hora los gags son repetitivos y previsibles, tanto que la oportunidad de entretener también se diluye. Sus toques de ingenio, que los tiene –el baile y la decapitación zombi, posiblemente lo mejor del conjunto, y cómo los personajes sacan provecho de la crisis-, no resultan trascendentales si el tratamiento es vergonzoso, y eso a pesar de unos créditos finales que abrazan la novela gráfica en la que esta historia tendría sin duda un mayor futuro. Una lástima, porque había potencial en la propuesta.

A favor: los créditos finales y algún puntual toque de ingenio
En contra: se queda a mitad de camino tanto como discurso socio-político como entretenimiento

Calificación: **

jueves, 21 de junio de 2012

Tráilers en Cadena: Dredd, Taken 2 y Amanecer (Parte 2)

Vamos con un pedazo de tráiler y con dos olvidables, y dejo a cada cual elegir a qué categoría pertenece cada uno. Uno de ellos, "Dredd", es una nueva adaptación del personaje de cómic Juez Dredd, ya llevado a la gran pantalla en 1995 en una versión bastarda con Stallone de protagonista. Pues hasta aquella pinta mejor que esta nueva puesta de largo en la que se nota que han ahorrado en recursos, especialmente en fotografía y efectos digitales. Y es que ha costado 45 millones de dólares, de los cuales han recuperado ya 25 millones en acuerdos de distribución. Al menos no perderán demasiado dinero con ella.

Dredd

Taken 2


Amanecer (Parte 2) (V.O.)
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