LA CRÍTICA. Black Panther

El rey pantera

Desde que se iniciase el universo cinemático marvelita, una sospecha invade a quien esto escribe. Sospecha alimentada por algunas entregas que no pasarían ni el aprobado raspado, pero que acaban siendo encumbradas por los críticos cinematográficos estadounidenses. Pueden gustar más o menos las entregas de Iron Man –para mí, pasables las tres, pero no empapadas de la socarronería de Tony Stark-, pueden considerarse tomaduras de pelo las últimas aventuras de Spider-Man o Thor, o incluso puede caerse en el hastío con la primera secuela de este último, pero en lo que todas coinciden es en la exacerbada valoración de la prensa especializada, de esos supuestos expertos en el séptimo arte que parecen con la potestad de erigir en éxito o fracaso todo lo que tocan.

“Black Panther” podría entrar en ese selecto club de películas excesivamente bien valoradas –prefiero no usar la palabra sobrevaloradas, que luego dicen que se abusa del término-, pero que no acaban por destacar por encima de otras cintas similares, o al menos no lo suficiente como para encumbrarla como “la mejor película de superhéroes de la historia”. Y ojo, que no es mala película, de hecho es más que decente, pero no fenomenal para un servidor.

La escena tras la estupenda presentación de Wakanda y el personaje principal, antes de los créditos de la compañía, ya define la atmósfera de muchas de las que están por venir. Una apertura sosa, sin alma, que no despierta el interés por lo que nos van a contar. Y esto se repite en el resto de la película. Secuencias de diálogos y más diálogos. Algunos graciosos, otros interesantes, otros tediosos. Un reparto acertado, a excepción precisamente de los dos pilares de la función, el protagonista y su némesis, que no tienen la presencia suficiente para llenar la pantalla, y que acaban siendo superados por los secundarios. Como ejemplo, ese Andy Serkis cuyo villano funciona mucho mejor que el de Michael B. Jordan. Escenas de acción que ayudan a que se pase más rápido su visionado, pero sin ningún atisbo de salirse de la norma. Todo tan mecánico como en “Thor: El mundo oscuro”, pero sin que la historia ni su desarrollo se indigesten, sin llegar a dormirte del todo en la butaca.

Pero hay que insistir en ello. Pese a todo, no es una mala película. Simplemente es una que cumple con su cometido de hacer buena caja sin que te quede la sensación de que has invertido mal tu tiempo y tu dinero. Eso y su importancia como producto destinado a plantar cara a la política Trump. Lo que sí deja, quizá, es una ligera sensación de déjà vu, de haber visto esto antes. Hace más de dos décadas, cuando la propia Disney jugaba a ser Shakespeare con uno de sus clásicos animados. Con algunas diferencias para evitar las odiosas comparaciones. Aquí no están Timón y Pumba, ni la imponente voz de Constantino Romero. Ni siquiera han contado con James Earl Jones. Eso ya habría sido pasarse de listos. Pero sí el advenimiento del rey pantera. Habrá más, aunque esperemos que con algo más de carisma.

A favor: que cumple, sin más

En contra: muchos vaivenes de ritmo, la sensación de que la hemos visto antes, y que simplemente cumple

Calificación **1/2

Se deja ver

LA CRÍTICA. Bright

Cuentos del gueto

Quizá lo más destacable de esta última etapa en la filmografía de David Ayer, la más comercial de toda su carrera, sea lo bien que ha adaptado el estadounidense sus relatos urbanos al cine mainstream. Ya fuera en formato bélico, llevando un cómic a la gran pantalla con más o menos fortuna, o en el caso que nos ocupa, un cuento del gueto donde coexisten humanos, hadas, elfos, orcos y demás criaturas fantásticas.

“Bright”, si de algo puede presumir, es de ser cien por cien de su director. Para bien o para mal. Ayer no se deja seducir por la parte fantástica y mágica de su cuento, y de nuevo hace imperar las balas, la sangre y la violencia sobre los hechizos. Y en ese sentido, no sabría decir si es el cineasta el que se adapta al cine comercial, o es que logra adaptar los cánones del blockbuster a su urbana manera de entender esto del séptimo arte.

Sea como fuere, podríamos estar ante la cinta más libre de ataduras del responsable de “Sabotaje”. Y en eso se nota que, pese a tener alma de blockbuster, tras “Bright” está Netflix. No evidenciamos aquí los tijeretazos ni imposiciones a las que se vio sometido con “Suicide Squad”, lo cual la haría de entrada posicionarse por encima de la fallida película de DC. Pero eso no significa que la libre de defectos. Porque lo que no consigue conciliar de manera consistente este trabajo es el tipo de thriller de acción típico del cine de Ayer con los chascarrillos de su estrella, un Will Smith que interpreta por enésima vez el personaje de agente al margen de todo embrollo social, que acaba implicado sin quererlo en una causa mayor que pondrá a prueba su tolerancia.

Pero más allá de eso, su gran problema es que esto ya lo hemos visto antes. Concretamente, en algún film anterior de Ayer como “Sin tregua”. Es como coger la cinta protagonizada por Jake Gyllenhaal y Michael Peña y añadirle un poco de “Alien Nation”, pero en clave Tolkien. Y su desarrollo no es que mejore el conjunto. En qué deriva la historia es de lo más convencional y tópico, de lo más predecible, y ni el buen hacer de un monstruo de la interpretación como Joel Edgerton –da igual que lleve una formidable capa de maquillaje, lo sigue bordando- puede tapar esto.

Pero así y todo, “Bright” no deja de ser un entretenimiento. Uno que cumple precisamente con ese cometido, ser un divertimento pasajero que no pasará por ser lo mejor de su director. Dudo que lo pretenda. Ni que pretenda contener ningún tipo de crítica social en forma de distopía racial. A Ayer le vale con hacer un producto que cumpla con los mandamientos del cine comercial, sin ir más allá. Pasándolo por su filtro, eso sí. Lo demás, lo que pueda desprenderse de ella, está de más. Las varitas mágicas no existen. Lo que quedan son los tiros y las explosiones. A la mierda la magia.

A favor: Joel Edgerton, y David Ayer llevando a su terreno la historia

En contra: esto ya lo hemos visto antes

Calificación ***

Merece la pena

LA CRÍTICA. Wonder Woman

La octava maravilla de DC

“Creerás que el hombre puede volar”. Ésta era la frase promocional con que se vendía la que a día de hoy sigue siendo la película más trascendental dentro de cine de superhéroes, por aquel entonces confinados a la serie B o a las escuetas dimensiones de la caja tonta. Richard Donner ponía los cimientos de la primera maravilla de DC, de lo que sería un nuevo género a explotar, uno que sorprendería y maravillaría a toda una generación de espectadores.

No se puede decir que “Wonder Woman” consiga el mismo objetivo que el “Superman” de Donner. No es una película que innove ni lleve el género a otro nuevo nivel, pero sí que durante su metraje se puede vislumbrar un sentimiento de nostalgia hacia ella y un pulso narrativo que la alejan de lo que DC nos viene ofreciendo desde que Zack Snyder diera el pistoletazo de salida a un nuevo universo compartido con “El hombre de acero”. Aquí no existe la trascendencia de Nolan, no estamos ante la oscuridad de Burton, ni ante la grandilocuencia mal interpretada y aún menos valorada del propio Snyder.

Lo que tenemos es una aventura épica y entretenida de más de dos horas consciente de su esencia de blockbuster, más enfocada al gran público que las más recientes cintas de DC, pero sin perder de vista el tono oscuro y maduro que la editorial exige. Todo nos remite automáticamente a lo que hace casi cuarenta años pretendía y conseguía el realizador de “Los Goonies”, pero con el hándicap de que todo en ella ya lo hemos visto antes, de que no ofrece nada nuevo.

Pese a esta convencionalidad, a no destacar precisamente por su autoría, a un ¿inevitable? tercer acto de dimensiones divinas algo desfasado con respecto al resto de la cinta, y pese a unos efectos especiales bastante mejorables, la sensación que deja es de satisfacción personal, de film robusto a nivel argumental, temático y narrativo. Cumple sobradamente su doble propósito de entretener y tomarse lo suficientemente en serio a sí misma como para presentar con solidez a su personaje protagonista. Y además constituye todo un logro en varios frentes. En primer lugar, por su marcado y acertado carácter feminista y humanista, que no cae en el discurso panfletario, y en segundo lugar, porque permite la reconciliación de gran parte de la audiencia -críticos incluidos- con DC, después de los recientes patinazos de guión y/o montaje de “Batman v Superman” y “Suicide Squad”.

Warner y DC pueden estar orgullosos de esta Mujer Maravilla. De la belleza inabarcable y el talento interpretativo de Gal Gadot, de su química en pantalla con Chris Pine, de hacer un producto convencional y correcto pero necesario para la compañía y consistente por sí solo, con la que se quita esa espina clavada por culpa de las malas decisiones tomadas en los despachos de algún ejecutivo con no demasiadas luces. No sabemos si se impondrá esta tendencia, lo cual podría suponer una menor autoría de sus responsables, pero ya es un comienzo. Su ansiada octava maravilla.

A favor: Gal Gadot y la convencionalidad y corrección de la cinta, justo lo que DC necesitaba

En contra: un tercer acto algo desfasado y exagerado

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Guardianes de la Galaxia Vol. 2

Todos somos Groot

Aquel “Somos Groot” con el que daba por finalizada la space opera de James Gunn en el primer volumen de este Awesome Mix que amenaza con volver en un futuro más digital, con casi 300 canciones, definía aquello en lo que se convertiría con los años su entrada triunfal en el universo marvelita. El realizador lograba insuflar de vida a una casa en la que el ingenio y la autoría no son el ideal a seguir a través de unos personajes, de un simpaticón toque retro y de un sentido del humor a medio camino entre la comedia familiar y el chiste friqui y pasado de rosca. Elementos todos ya tan característicos e identificables que nos obligaban a todos a decir eso de “Todos somos Groot”.

Porque Starlord, Gamora, Drax –bravo por darle más cancha-, Rocket Fox –perdón, Racoon-, Yondu y ahora el pequeño Baby Groot, convertido en amo y señor de los momentos más divertidos y tiernos de esta secuela, a sabiendas del enorme tirón que tiene entre las masas, ya son viejos conocidos. Y es ésta la carta más difícil que debe jugar “Guardianes de la galaxia Vol. 2”, la de desmarcarse de su predecesora, la de evitar las comparaciones. No es que salga perdiendo, pero tampoco ganando.

Gunn sabe de sobra que superar lo hecho hace tres años es inútil, y se limita a dejarse llevar por el devenir de su historia y por sus carismáticos personajes. Es ligeramente más profunda y oscura, pero el espíritu festivo sigue ahí. El sentido del humor sigue siendo cristalino y a veces subido de tono, pero ya lo hemos visto. La escena de créditos iniciales, a ritmo de música y baile, y ahora plano secuencia y a la vez fuera de campo, divierte, pero ya la hemos visto. A sus protagonistas, aunque les conozcamos un poquito más con este film, ya les conocemos.

Y así y todo, no le hace falta desmarcarse para ser un ente propio. Sí, carece del elemento sorpresa, pero Gunn sabe imprimirle la suficiente alma al producto para asegurar dos horas de diversión a raudales, más una buena dosis de inventiva –atención a la escena de fuga de la nave de los Ravagers, o el psicodélico viaje entre universos-, que sigue alejándola de otros productos marvelitas. Incluso su incidencia en la trama principal de “Los vengadores” es menos significativa, por no decir que inexistente. Sabe cómo no copiarse a sí mismo, y ahí demuestra su libertad creativa dentro de una casa en la que esto es prácticamente una quimera.

Los Guardianes de la Galaxia, ahora más salvadores que guardianes, volverán en una nueva odisea pulp espacial. Y seguramente la capacidad de sorpresa será aún menor. Pero si el nivel de entretenimiento es tan alto y la fuerza de las ataduras comerciales son tan flojas como en la que nos ocupa, habrá que unirse de nuevo a la fiesta. Y decidir si somos de los que bailan, o de los que no mueven un pelo hasta parecer cadáveres.

A favor: su capacidad de inventiva y la sobredosis de entretenimiento que propone

En contra: ha perdido ligeramente la capacidad de sorpresa

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Fast & Furious 8

Misión… Imposible

Hace un par de entregas que la saga “Fast & Furious” juega a poner a prueba la capacidad de aguante del espectador. Esto dejó ya de ser lo que era en sus primeras tres entregas, una franquicia de canis y aficionados al tunning, e incluso abandonó hace tiempo el thriller de acción que Toretto y su familia, por entonces prófugos eternos de la justicia, protagonizaran. Siguen siendo macarras, sí, pero ahora transformados en una suerte de agentes secretos que convierten al Ethan Hunt de “Misión: Imposible” en Maxwell Smart.

James Wan llevó hasta el extremo el poder de verosimilitud de la franquicia en forma de paroxística e hiperbólica action movie cargada de esteroides, tan exagerada e imposible como las venas de los brazos y los cuellos de algunos de sus protagonistas. Y lo peor de aquel divertimento era que la cota de fantasmadas por fotograma era tan elevada que la siguiente aventura debía tirar aún más si cabe la casa por la ventana.

Paradójicamente, lo que más sorprende de la cinta de F. Gary Gray es que no ha tomado precisamente ese camino. Sí, aquí los coches siguen volando, sus personajes son capaces de las proezas más imposibles, el guión sigue bordeando la línea que separa el esperpento de la credibilidad –ay esas nuevas alianzas, tan difíciles de encajar fuera de este universo-, y la acción sigue avanzando a ritmo de reggaetón y cámaras lentas. Pero sin duda no alcanza los grados de enajenación mental del film de Wan, y esto se agradece y a la vez debemos recibirlo con cierto recelo. Porque después de ver cómo Dwayne Johnson volaba por una ventana y sólo se rompía unos pocos huesos, cómo un coche saltaba entre los edificios de Dubai, o cómo Jason Statham quedaba reducido a un autómata capaz de reventar él solito todo un hospital, volver atrás no es el paso más lógico, si bien contentará a aquellos cuya suspensión de incredulidad ya quedó en entredicho hace dos años.

Lo que resulta, en definitiva, es más de lo mismo. Una película enormemente entretenida y que vuelve sobre los propios pasos de la franquicia, con muchos puntos a su favor -las incoporaciones de Charlize Theron y Helen Mirren, entre ellos-, pero demasiado falta de empuje y alma como para ofrecer algo distinto a lo ya visto. Para entendernos, no hay demasiada diferencia entre lo que ofrecía Justin Lin y lo que Gray nos sirve. Se conforma con ser una secuela funcional, sin atisbo de ingenio y buenas ideas en su realización, pero con un pulso narrativo lo suficientemente consistente como para asegurar más de dos horas de desconexión y diversión. Que para eso existe este tipo de productos. Para eso y para postularse como el comienzo de un spin-off, el que deberían protagonizar los carismáticos Johnson y Statham, auténticos amos y señores de la función. El segundo, reconvertido incluso en una especie de Chow Yun-Fat del “Hard Boiled” de John Woo. Sí, y con bebé a bordo.

A favor: el carisma de la pareja Johnson-Statham, y la diversión que proporciona

En contra: le falta ofrecer algo distinto a lo ya visto

Calificación ***1/2

Merece mucho la pena

LA CRÍTICA. Kong: La Isla Calavera

Hail to the King!

A veces no somos realmente conscientes de que las grandes superproducciones hollywoodienses no están exentas de una ideología, de que bajo sus fotogramas subyace una serie de ideas que sus responsables tratan de transmitirnos, propias muchas veces de la época en que se concibieron. Y aquella historia con la que Merian C. Coper y Ernest B.Schoedshack llevan maravillándonos desde hace más de 80 años, sobre un enorme gorila que acababa encandilado por la belleza y arrastrado por la codicia del ser humano fuera de su hábitat, no iba a ser menos.

Pero sobre todo, “King Kong” ha sido, y será siempre, una historia de aventuras. Y lo ha sido en cada una de sus distintas versiones. “Kong: La Isla Calavera” explota ese concepto, quizá más que cualquiera de sus predecesoras. Eso no quiere decir que los temas recurrentes de toda la serie protagonizada por este simio no estén presentes. Lo están, pero esta película es, ante todo, puro cine de aventuras.

El film es deudor, especialmente, de la denostada versión que John Guillermin dirigiera en 1976.  Y de la de Peter Jackson, pero sin sus delirios de grandeza transformados en exceso de metraje. Y de la de 1933. De todas en general. Porque “Kong: La Isla Calavera” no es más que un pastiche de algo que ya hemos visto, un cúmulo de clichés, situaciones inverosímiles –el momento sable en medio de la nube de humo tóxica, para enmarcar- y personajes de encefalograma plano. Pero lo compensa con una sobredosis de entretenimiento. Buscar en ella algo más que esto, algo como un guión robusto y unos personajes perfectamente trabajados sobre el papel, es perder el tiempo. Su objetivo no es otro que entretener durante las dos horas que dura. Es el pulso en la dirección, el sentido del ritmo y múltiples golpes de ingenio tras la cámara por parte de su responsable, Jordan Vogt-Roberts, lo que la convierten en un producto absolutamente disfrutable y divertido.

Pero un producto prefabricado.  “Kong: La Isla Calavera” no es solamente un torrente de formidables efectos especiales y entretenimiento a raudales, no es solamente un feliz regreso al mejor cine de aventuras y monstruos clásicos. Es un film que pertenece a un plan mayor que sí mismo. La continuación de ese monstruoverso que Warner comenzara con la aburrida y sosa “Godzilla” de Gareth Edwards. Los blockbusters de bichos gigantes de mediados del siglo XX, ese que hace poco más de medio siglo hiciera enfrentarse a Kong, a Godzilla o a King Ghidorah, están de vuelta. Y de enhorabuena si siguen este camino. Ahora sólo falta coronar al nuevo rey en este universo. Hail to the King!

A favor: lo bien que recupera la esencia del mejor cine de aventuras y monstruos clásicos, y lo mucho que entretiene

En contra: su cúmulo de clichés y su encefalograma plano

Calificación ***1/2

Merece mucho la pena

LA CRÍTICA. Logan

No más revólveres en el valle

Hay quien aún está convencido, de manera totalmente errónea, de que el cine de superhéroes no debe ni puede ser tomado en serio, que siguen siendo productos destinados al consumo familiar, al blockbuster de manual para alimentar a los niños y a los geeks de turno. Por mucho que los Nolan o Snyder demuestren reiteradamente lo contrario.

“Logan” es un puñetazo en la mesa para todos esos que menosprecian una vertiente moderna del séptimo arte que ha acabado erigiéndose como género en sí mismo. Es un zarpazo con unas garras de adamantium en la yugular de esa panda de eruditos insolentes que no ven en este tipo de productos algo más que una manera de hacer caja. Algo que, así y todo, siguen constituyendo.

James Mangold mima hasta el extremo la realización y los propósitos narrativos de su nueva mutación, como el excelente artesano que es, y lo que resulta es una cinta que viene a desafiar de manera descarada todos los mecanismos que definen al cine de superhéroes. No solamente por su ingente cantidad de violencia –aviso, esto no es un film para ver en familia- física y verbal, sino por un tono que bascula sin despeinarse y sin miedo al qué dirán entre el western post apocalíptico y el drama intimista, en el que Mangold radiografía a su antihéroe y su universo con la precisión del que conoce el material que tiene entre manos y a sus personajes como si los hubiera parido él mismo. Sin dejar de lado el espectáculo y la acción, por supuesto.

Por el camino se resiente cierto exceso de metraje, pero también se agradece que no siga esa molesta y dañina tendencia marvelita disneyiana de cercenar la capacidad narrativa de sus cineastas en aras de un plan mayor que la película en sí misma. “Logan” es dura, violenta, sangrienta, madura, crepuscular, personal… Es mucho más que cine de superhéroes. Es el triunfo de este último y su asentamiento definitivo dentro del cine de mayor calibre. Es lo que merecía el ocaso de uno de los personajes más carismáticos y atractivos de la factoría, encarnado magistralmente por un Hugh Jackman al que echaremos de menos a partir de ahora si decide finalmente colgar las garras. Un desenlace que se atreve incluso a cuestionar las bases de las aventuras gráficas de los X-Men. Esto es el mundo real. Aquí las personas mueren. Ya no hay sitio para los chistes facilones y las historias edulcoradas. Éste es el final que merecía Lobezno. Ya no habrá más revólveres en el valle.

A favor: su tono crepuscular, que prevalece sobre el espectáculo y desafía los convencionalismos del cine de superhéroes

En contra: cierto exceso de metraje

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. John Wick: Pacto de sangre

Con los pies en el suelo

Cuando un título gusta y tiene éxito, es imperativo hacer una secuela. Es así como Hollywood, como máquina de hacer dinero, como negocio, funciona. Y parece que existe una tendencia predominante en muchas secuelas, la de hacerlas más grandes que sus predecesoras, buscando evitar la odiosa expresión que afirma que nunca segundas partes fueron buenas. Más presupuesto, más medios, más ruido. Pero a veces menos sustancia. Porque algunos acaban confundiendo grandeza con aparatosidad.

“John Wick” fue un éxito sorpresa. Una inteligente mezcla de acción, cómic, videojuego y comedia, que supuso la resurrección de un tipo tan majo e inmortal en pantalla como Keanu Reeves. Y como todo éxito que se precie, demandaba una continuación. Ya en su primera escena, deja claro que está dispuesta a seguir la máxima de que toda secuela debe ser más grande, especialmente en sus escenas de acción, mucho mejor construidas.

Pero es la forma de abrir esa escena lo que la desmarca de otras secuelas. Ese plano en el que la particular forma de concebir la acción de Chad Stahelski da sonido a una escena de cine mudo. Dos formas de entender el cine de acción separadas en el tiempo. Es ahí donde este segundo capítulo de la ya inevitable saga –a las cifras en taquilla, una vez más, y al suculento desenlace debemos remitirnos- confirma que no es una propuesta más dentro de la propensión hollywoodiense a explotar todo lo que toca.

“John Wick: Pacto de sangre” es un film honesto, grande por contar con un mayor presupuesto, pero también tiene los pies en el suelo. A sus responsables les basta con impregnar su metraje con esos pequeños detalles que hacían de la anterior un producto singular. Esos detalles que daban forma a un universo de lo más peculiar, que en esta nueva aventura se encuentra en expansión. Pero sin perder el rumbo y sin dejar en ningún momento el sello que distinguía a la primera, tirando de un humor tan básico, efectivo y didáctico como el empleo de un lápiz como letal arma blanca.

Lo demás, más de lo mismo. Porque pese a que sigue pudiendo presumir de singularidad, el conjunto ya ha perdido la capacidad de sorpresa de aquella cinta que nos dejara atónitos hace tres años. Pero lo que queda es un divertimento de dos horas que sigue siendo más sincero y más modesto que la mayoría de esas continuaciones que nos llegan del otro lado del charco, las que piensan que más es sinónimo de mejor. Sí, segundas partes pueden ser buenas. Y si siguen esta senda, terceras también.

A favor: que mantenga los pies en el suelo

En contra: no tiene la capacidad de sorpresa de su predecesora

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Star Trek: Más Allá

Esperanza en lo imposible

“Star Trek: Más Allá” comienza de manera contemplativa, con James T. Kirk echando la vista atrás y haciendo balance de una misión que se alarga ya tres años en el tiempo y que separa a toda su tripulación de sus familias.  No es extraño que la USS Enterprise afronte su nueva travesía de manera pausada, reposada, sin apostar por el non stop que suponían los comienzos de sus dos predecesoras. Porque a la creación de Gene Roddenberry le pesan los años tanto como a su ahora más experimentado y maduro capitán. Cincuenta, para ser exactos.

Y lo hace de manera nostálgica. Porque si bien no está a la altura de las dos anteriores, este nuevo salto hacia territorio inexplorado recupera buena parte de la esencia del referente catódico y la serie de películas original. Con un lavado de cara acorde a los tiempos que corren, por supuesto, y aunando el sentido del espectáculo con el que J.J. Abrams renovara la franquicia allá por 2009 con ese aroma a opereta especial tan encantadoramente geek que convirtiese al producto original en todo el fenómeno de masas que es hoy en día.

Todo en ella es distinto a lo que ya habíamos visto en los dos primeros capítulos. El guión se nota escrito por Simon Pegg por la predominancia de un humor de lo más inteligente y acertado, muy propio del comediante británico pero también de lo más trekkie, que tiene enormes aciertos como convertir a Bones y Spock en una nostálgica pareja cómica, y la ágil dirección de Justin Lin apuesta por pervertir las leyes físicas, concibiendo los escenarios como si de una cámara antigravedad se tratase, donde el arriba y el abajo se confunden continuamente. El villano cumple, el reparto mucho más –atención, porque aquí Chris Pine tiene más porte de capitán que nunca-, y la espectacularidad de las escenas de acción está garantizada. Y todo acompañado, por si fuera poco, por la excelente, y también reflexiva, partitura de Michael Giacchino.

Puede que haya quien eche de menos a Abrams y su manera de inyectar savia nueva a la saga, y quien se muestre temeroso ante la elección de Lin. Pero esta vuelta a los orígenes, pese a ofrecer algo ya visto, contiene la suficiente dosis de diversión como para hacer pasar el rato en una cartelera veraniega algo falta de entretenimiento con pedigrí de blockbuster. Y permite a su director, además, continuar con el discurso sobre la importancia de la familia que ya iniciase con “Fast & Furious”. Aquí a una escala mucho mayor. Interplanetaria. Así que tranquilos. Sus muchos problemas de producción no dañan el resultado final. La Enterprise sigue en buenas manos. A veces hay que mantener la esperanza en lo imposible.

A favor: la vuelta a los orígenes de la franquicia, pero sin dejar de lavarle la cara

En contra: que habrá quien eche de menos lo iniciado por sus dos predecesoras

Calificación *****

Imprescindible

LA CRÍTICA. Star Trek: Más Allá

Esperanza en lo imposible

“Star Trek: Más Allá” comienza de manera contemplativa, con James T. Kirk echando la vista atrás y haciendo balance de una misión que se alarga ya tres años en el tiempo y que separa a toda su tripulación de sus familias.  No es extraño que la USS Enterprise afronte su nueva travesía de manera pausada, reposada, sin apostar por el non stop que suponían los comienzos de sus dos predecesoras. Porque a la creación de Gene Roddenberry le pesan los años tanto como a su ahora más experimentado y maduro capitán. Cincuenta, para ser exactos.

Y lo hace de manera nostálgica. Porque si bien no está a la altura de las dos anteriores, este nuevo salto hacia territorio inexplorado recupera buena parte de la esencia del referente catódico y la serie de películas original. Con un lavado de cara acorde a los tiempos que corren, por supuesto, y aunando el sentido del espectáculo con el que J.J. Abrams renovara la franquicia allá por 2009 con ese aroma a opereta especial tan encantadoramente geek que convirtiese al producto original en todo el fenómeno de masas que es hoy en día.

Todo en ella es distinto a lo que ya habíamos visto en los dos primeros capítulos. El guión se nota escrito por Simon Pegg por la predominancia de un humor de lo más inteligente y acertado, muy propio del comediante británico pero también de lo más trekkie, que tiene enormes aciertos como convertir a Bones y Spock en una nostálgica pareja cómica, y la ágil dirección de Justin Lin apuesta por pervertir las leyes físicas, concibiendo los escenarios como si de una cámara antigravedad se tratase, donde el arriba y el abajo se confunden continuamente. El villano cumple, el reparto mucho más –atención, porque aquí Chris Pine tiene más porte de capitán que nunca-, y la espectacularidad de las escenas de acción está garantizada. Y todo acompañado, por si fuera poco, por la excelente, y también reflexiva, partitura de Michael Giacchino.

Puede que haya quien eche de menos a Abrams y su manera de inyectar savia nueva a la saga, y quien se muestre temeroso ante la elección de Lin. Pero esta vuelta a los orígenes, pese a ofrecer algo ya visto, contiene la suficiente dosis de diversión como para hacer pasar el rato en una cartelera veraniega algo falta de entretenimiento con pedigrí de blockbuster. Y permite a su director, además, continuar con el discurso sobre la importancia de la familia que ya iniciase con “Fast & Furious”. Aquí a una escala mucho mayor. Interplanetaria. Así que tranquilos. Sus muchos problemas de producción no dañan el resultado final. La Enterprise sigue en buenas manos. A veces hay que mantener la esperanza en lo imposible.

A favor: la vuelta a los orígenes de la franquicia, pero sin dejar de lavarle la cara

En contra: que habrá quien eche de menos lo iniciado por sus dos predecesoras

Calificación *****

Imprescindible

LA CRÍTICA. Hardcore Henry

Causa y efecto

Que exista una película como esta no debería sorprender a nadie. Es casi una consecuencia lógica, una causa-efecto de fuerza mayor, un “mal” inevitable. Tanto de la era de la sobreinformación y la saturación tecnológica en la que nos encontramos inmersos cuales autómatas de granjas cultivo, como del cine en general.

“Hardcore Henry” es una consecuencia directa del found footage y del shooter, pasado por el filtro de acción violenta ochentero. Es, para entendernos, como si no sólo fuéramos testigos de los recuerdos del Murphy de “Robocop”, sino de sus intentos por sobrevivir en una Rusia post moderna en la que todo está permitido. Ejércitos de agentes programados, villanos con súper poderes telequinéticos, avatares esperpénticos y seres mitad humanos, mitad máquinas. Y todo en primera persona, por supuesto.

El debutante Ilya Naishuller ofrece en su primer largo tras las cámaras la misma experiencia que ya ofreciera en su excelente vídeo musical “Bad Motherfucker”, y el resultado es el mismo, pero ampliado hasta el extremo. Y hasta el hartazgo incluso. Porque ese chute de adrenalina que tan bien funcionara en aquellos escasos cinco minutos se torna aquí extenuante para el espectador, en una propuesta que formalmente arriesga con la acción continua, sin tregua, y deja por el camino más de un agujero de guión entre tanta explosión, miembro roto y escena de acción frenética que deja con la boca abierta por su capacidad de inventiva y su concepto del “todo vale”.

Sí, Naishuller sacrifica el guión en aras de la espectacularidad, y apuesta todo lo que tiene a un caballo quizá no tan ganador para todo tipo de público, para todos aquellos que se pierdan y mareen con tanto movimiento de cámara. Pero bajo su corazón late una potente batería cargada de esteroides que entretiene, un film tan exagerado, salvaje y sobreactuado como el personaje de Sharlto Copley o sus crudos créditos iniciales. Una cinta deudora del universo de los videojuegos y los videoclips, de una época en la que la realidad virtual podría imponerse como nueva vía narrativa. “Hardcore Henry” debe mucho a muchos referentes, pero también podría iniciar ella misma toda una corriente. Para bien o para mal. Causa y efecto.

A favor: su acción adrenalínica y salvaje

En contra: que sacrifique el guión por una arriesgada propuesta formal que no será del gusto de todos

Calificación **1/2

Se deja ver muy bien

LA CRÍTICA. Objetivo: Londres

Todo por la patria

Entre otras muchas cosas, la Humanidad siempre le deberá al grupo formado por Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Chuck Norris y demás mercenarios de la acción ochentera que conformaran todo un género en sí mismo, uno en el que la testosterona, las venas hinchadas, la violencia y cierta carga de fascismo y amor a la bandera americana eran el aceite que engrasaba un motor cuyo mecanismo ahora rememoramos desde la nostalgia.

“Olympus Has Fallen” –en España “Objetivo: La Casa Blanca”- era uno de esos títulos que llegaban de tapadillo en 2013 para convertirse en la sorpresa de la cartelera. Un film sucio, directo, sincero y salvaje que homenajeaba a toda una generación amante de la adrenalina pasada por el filtro de la acción extrema y del crujir de los huesos y cuellos rotos que su protagonista, toda una máquina de matar, iba dejando a su paso.

Ahora, con un más conservador despliegue de medios, llega su secuela, “London Has Fallen” –cómo no, aquí “Objetivo: Londres”- para demostrar que aún existe vida para este tipo de cine. Verla sin tener en mente que es una americanada es perder un tiempo precioso. Porque es demasiado racista para según qué tipo de público. Y para el otro tipo, también. Pero se enorgullece de serlo y lo explota, sin ningún tipo de pudor, y en ese sentido estamos ante una de las películas más honestas de la cartelera. Toda una oda al “Todo por la patria” llevado hasta sus últimas consecuencias. Los malos, en Oriente. Los buenos, en Occidente. Así de fácil.

Pero sobre todo, ofrece poco más de 90 minutos de puro entretenimiento. Sí, el guión no es ninguna maravilla, la dirección de Babak Najafi no es tan potente y solvente como la de Antoine Fuqua –aún así regala un plano secuencia de esos que se ven con una sonrisa-, el presupuesto canta demasiado en materia de efectos digitales, y se habría agradecido una aún mayor carga de brutalidad. Pero a cambio ajusta cuentas con más de un dirigente político europeo y otorga el placer de disfrutar de su particular forma de entender el patriotismo. Aunque, insisto, sólo lo conseguirán aquellos que vayan a verla con las ideas claras.

A favor: su nostálgica mirada a la brutal acción ochentera, y que entretiene

En contra: habrá quien no trague sus tintes fascistas y patrióticos

Calificación **1/2

Se deja ver muy bien

LA CRÍTICA. Orgullo + Prejuicio + Zombis

Espadas y sortijas

Antes de que la serie “The Walking Dead” pusiera de moda a los muertos vivientes, Seth Grahame-Smith pervertía el clásico de Jane Austen situándolo en plena hecatombe zombi victoriana, en forma de parodia que jugaba con la historia a su antojo hasta tal punto que ni la locura del rey Jorge III podía salvarse de su influjo. Pero ahora que nos encontramos ante una fiebre masiva de títulos televisivos y cinematográficos que tratan de explotar con mayor o menor fortuna la temática, parecía obligatorio para el séptimo arte llevar a la gran pantalla esta obra en forma de despreocupado divertimento para masas no demasiado exigentes.

Y eso es “Orgullo + Prejuicio + Zombis”, un intento de entretenimiento ligero para espectadores que no pidan mucho a la hora de dejarse dinero en taquilla. Porque sólo de esa manera se puede disfrutar de este despropósito en el que no priman las espadas sobre las sortijas, sino curiosamente todo lo contrario. Hay más de “Orgullo y prejuicio” en sus minutos de metraje que de vísceras, acción y sangre. Que la hay, pero muy mal digitalizada. Y hay zombis, sí, pero el maquillaje digital canta a la lengua. Y hay acción, no se preocupen, pero acaban imponiéndose y pesando esos diálogos petulantes que intentan convertirla en un film de época. Es decir, que no combina nada bien su pretensión de ser esto último con la de convertirse en un blockbuster digno y divertido, en el que lo único destacable es el concepto de zombi que maneja.

Y no ayuda tampoco un reparto de actores que no está por la labor de hacer verosímiles a sus personajes –ni Lena Headey ni Charles Dance se salvan de la quema-, unas escenas de acción mal rodadas, el exceso de CGI del cutre, la inclusión de más de una salida de tono para aligerar la pesada carga que suponen sus casi 100 minutos de duración –ay, Matt Smith; ay, esa escena de discusión entre sus dos protagonistas-, y la sensación de film inacabado, como hecho con prisas, donde ni la iluminación de los exteriores ni el ritmo son los adecuados.

Lo que queda es una amalgama de amoríos, de dimes y diretes entre personajes. Los zombis están de más, no son sino una excusa para activar la trama. De hecho, no se preocupan por ellos hasta el acto final, cuando parece acordarse de que había algo que contar en ese sentido y deja atrás los continuos tiras y aflojas entre sus protagonistas. Para hacer otra nueva versión de la novela de Austen no era necesario tomar como excusa la de Grahame-Smith. Habrá a quien le interese y vaya al cine a verla. Incluso quien la disfrute. Pero hay que tener las expectativas realmente por los suelos para lograrlo. Y verdaderas ganas de seguir engullendo historias sobre muertos vivientes. Yo ya estoy servido.

A favor: el concepto de los zombis que maneja

En contra: todo lo demás

Calificación *

Ni se moleste