22 Premios del Cine Europeo: el año de Haneke

El 11 y 12 de Diciembre tuvo lugar la 22ª Entrega de los Premios de Cine Europeo que, saliéndome del tema un poco, tienen uno de los galardones más bonitos que he visto -sin ánimo de desmerecer a un Emmy o un Goya. La noticia ha sido el triunfo arrollador de Michael Haneke, director de entre otras "Funny Games" y "La pianista". Un director sin duda alguna difícil, que siempre crea algo de controversia com sus películas, y no es para menos. A mí particularmente se me hizo duro asimilar los dos filmes mencionados anteriormente, y parece que su cinta ganadora, "La cinta blanca", no iba a ser menos: una historia rodada en blanco y negro que disecciona de manera brutal los orígenes del nazismo en un pueblo protestante de la Alemania del norte antes de la I Guerra Mundial, en el que impera la rigidez moral, la educación autoritaria y la hipocresía de los adultos, todo desde el punto de vista infantil. Haneke ya triunfó en Cannes con ella, y es la seleccionada por Austria para los próximas Oscar.

Y para España, una alegría. El gran Alberto Iglesias ha obtenido el premio por la banda sonora de "Los abrazos rotos" de Almodóvar, sin duda alguna merecido. Y tan merecido, y como guinda a un año redondo, Kate Winslet se ha hecho con el de mejor actriz por "The Reader".  Y por partida doble, Anthony Dod Mantle se hace con el de fotografía por "Anticristo" y "Slumdog Millionaire", esta última también considerada Mejor Película por el público. A continuación la lista de ganadores.

Mejor Película: La Cinta Blanca

Premio del Público a la Mejor Película: Slumdog Millionaire

Mejor Director: Michael Haneke (La cinta blanca)

Mejor Actor: Tahar Rahim (Un profeta)

Mejor Actriz: Kate Winslet (The reader)

Mejor Guión: Michael Haneke (La cinta blanca)

Mejor Música: Alberto Iglesias (Los abrazos rotos)

Mejor Fotografía: Anthony Dod Mantle (Anticristo y Slumdog Millionaire)

Mejor Contribucción Artística: Francesca Calvelli (Vincere)

Premio a toda una carrera: Ken Loach

Premio mejor aportación europea al cine mundial: Isabelle Huppert

Manifiesto "En defensa de los derechos fundamentales en internet"

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

Este manifiesto, elaborado de forma conjunta por bloggers, periodistas e internautas, es de todos y de ninguno. Si quieres sumarte a él, difúndelo por Internet.

LA CRÍTICA

Bienvenidos a Zombieland ***

Estreno: 25 de Diciembre
 

Cómo sobrevivir en un mundo de zombis

Viendo “Bienvenidos a Zombieland” no he podido quitarme de la cabeza aquel juego al que jugaban Ving Rhames y su vecino de azotea en “Amanecer de los muertos”, consistente en hacer tiro al blanco a los zombis postrados a sus pies y que se parecieran a alguna celebridad. Y es que no le hace ningún favor a la película de Ruben Fleischer, avispado debutante, el que la comparen con la ya de culto “Zombies Party (Shaun of the Dead)”, comparación que muchos se empeñan en establecer. La comedia de Simon Pegg y Edgar Wright funcionaba más como parodia de todas las constantes del cine de muertos vivientes, mientras que la gamberrada de Fleischer debería equipararse en espíritu a la repleta de esteroides pero genial aportación de Zack Snyder al género.

Lo que más irrita de “Bienvenidos a Zombieland” –por fin un título en español medianamente inteligente- es que se echa de menos al verla la gran película irreverente que podría haber sido. En ese sentido, hasta la de Snyder resultaba más pasada de rosca. Tras unos minutos prometedores en los que el protagonista –una muy buena elección, Jesse Eisenberg, mezcla de patetismo y ternura- expone las reglas para sobrevivir en un mundo de zombis a fuerza de letreros que se integran en las escenas, todo un acierto en el montaje, y unos portentosos títulos de crédito a ritmo de Metallica, la película se acomoda en exceso y se mueve hacia terrenos más convencionales. Incluso nos sirve una ñoña y previsible moraleja final acerca de la necesidad de permanecer unidos, de establecer lazos afectivos ante el Apocalipsis y formar una familia.

No es que le falten momentos brillantes, porque los tiene y en abundancia. Lo más destacable tras esos primeros minutos es lo rápido que se pasa todo, ese ambiente de fiesta continua que desprende cada escena y que alcanza al espectador, que se hace partícipe y se divierte con las múltiples formas que muestra, a cual más original, para matar a un muerto viviente. En este sentido se agradece el buen partido que le saca Fleischer a un parque de atracciones en la secuencia final como perfecta arma para aniquilar a los zombis.

Un reparto totalmente acertado, en el que destacan Eisenberg y Woody Harrelson, flashbacks muy bien aprovechados -en especial el de Harrelson-, menos casquería de la esperada pero suficiente como para no echarla de menos, música cañera y un espíritu juerguista son las mejores bazas de esta “comedia zombi” que no se propone otra cosa más que entretener. Y por supuesto, un profundo sentimiento americano de amor por las armas de fuego, cómo no. Incluso nos regala el cameo de un Bill Murray que recuerda con añoranza sus tiempos de cazafantasma y lamenta alguna que otra película de su carrera, como “Garfield”, aunque yo particularmente me habría lamentado más por “Los ángeles de Charlie”. Muchos son los puntos fuertes de “Bienvenidos a Zombieland”, pero tiene uno débil y muy importante: que tras tanto bombo, tras anunciarla como una revolución y la nueva “Zombies Party”, tras prometer unos niveles de irreverencia que la sitúen por encima de otras del género, al final se desinfle y no sea mucho más rabiosa de lo que podría haber sido. Y mira que podría haber haberse erigido como la más irreverente del año.

A favor: los minutos iniciales, sobre todo los créditos

En contra: al final no resulta todo lo irreverente que podría haber sido

El corto cinéfago: "Ataque de pánico"

Al cineasta uruguayo Federico Álvarez le ha ocurrido algo similar a lo que le pasó a Neil Blomkamp, director de “District 9”, este año. Tan monumental fue su trabajo que atrajo la atención de Hollywood al instante, y Peter Jackson le dejó realizar un remake del cortometraje “Alive in Joburg” con total libertad temática. El resultado fue un enorme éxito comercial.

Pues bien, Álvarez ha llamado la atención del hoy todopoderoso Sam Raimi –otro director de slapstick que se pasó al cine comercial, aunque por otros derroteros que los de Jackson-, quien le confiere entre 30 y 40M$ para ampliar su trabajo en “Ataque de pánico”, su genial carta de presentación.

Fuera de Hollywood hay mucho talento, cómo no, y el mismo Hollywood se ha dado cuenta. Pero lo de Álvarez roza la genialidad. Descubrí “Ataque de pánico” gracias a los compañeros de Therapy of Terror hace un mes y acabé boquiabierto. Con apenas 300$, el director propone una invasión de robots con todo lujo de medios, demasiado holgados si tenemos en cuenta que hablamos de un cortometraje fuera de la meca del cine. A ritmo de John Murphy y su banda sonora para “28 días después” y su secuela, que le viene como anillo al dedo a las imágenes, “Ataque de pánico” no posee diálogos pero es contundente, directa, solo le interesa mostrar cinco minutos de destrucción sin más ambición que la de sorprender y dejar clavado en el asiento. Veremos si el salto al largometraje es tan fructífero y vuelve a sorprendernos. Pero ahora me pregunto: si fue capaz de hacer esto con tan bajo presupuesto, ¿qué no podrá hacer con 40 millones?

El corto cinéfago de la semana es realmente doble. Les dejo para que visualicen “Ataque de pánico” y para descargar “Alive in Joburg” en versión original subtitulada y con un cartel incluido que, inevitablemente, les resultará muy familiar.

Ataque de pánico (online)

Si hay problemas para ver el corto, acudir a Youtube

Alive in Joburg (descarga directa)(by Exccelente)(43MB)(versión original subtitulada)

Capturas:

Enlaces:

http://www.gigasize.com/get.php?d=jt0y1z0c1nf

Contraseña: alive

AVISO:

1. 
   
   
   Los enlaces son una recopilación de los ya existentes en diversos foros de Internet. No es responsabilidad mía el mantenimiento de los archivos en los distintos servidores. Si algún archivo ha sido borrado inténtelo con otra opción y si no funciona esa alternativa ponerse en contacto conmigo a través de gerardomedina84@gmail.com o mediante un comentario en esta misma entrada.
   
   
   
2. 
   
   
   Ninguna opción es igual a las demás. Varían en si tienen o no los subtítulos insertados, en el peso total de la película y en los servidores en los que se encuentran. Cualquiera de las opciones tiene la calidad de vídeo que se muestra en Capturas.
   
   
   
3. 
   
   
   Ante cualquier error en el post, como puede ser haber repetido un enlace varias veces o que falte una contraseña, remitirse a la dirección de correo anteriormente expuesta o avisar mediante un comentario.
   
   
   
4. 
   
   
   Agradecer mediante comentarios el esfuerzo anima arealizar futuros aportes.
   
   
   
5. 
   
   
   Gracias a todos los uploaders.
   
   
   

"Spanish Movie" y "Planet 51" pelean por el primer puesto de la taquilla

No se puede negar que ha sido un gran año para el cine español. Hasta siete números uno hemos logrado y una cuota del 45% durante el último fin de semana, lo que quiere decir que ese porcentaje del público que acudió a las salas fue a ver cine hecho en España. 2009 será recordado como el mejor de la década.

Buena parte de esta desorbitada cifra se debe a dos películas, que como ocurriera con “Ágora” y “Celda 211” hace unas semanas, han mantenido una dura batalla por el podio de la taquilla. “Spanish Movie” lideró durante el viernes, pero “Planet 51” se impuso durante los restantes cuatro días del puente de la Inmaculada, fecha clave para estrenar filmes comerciales y esperar taquillazos. Finalmente, contando los cinco días del puente, “Planet 51” se ha convertido en número uno con 3.59M€, con un total de 6.95M€, y siguiéndole muy de cerca tenemos a “Spanish” con 3.56M€, cifras tan próximas que podemos hablar de triunfo compartido. Esta última partía con menos copias que la primera, y el target al que va dirigido (menores de 25-30 años) no inunda tanto las salas en estas fechas como el público infantil. El cine infantil triunfa en fechas cercanas a las navideñas, y eso unido a las 501 copias con las que parte el filme de animación español frente a las 388 con las que cuenta la comedia de Javier Ruiz Caldera la hace elevarse sobre ésta. Se prevé incluso que “Planet” llegue a los 13-14M€, mientras que “Spanish”, que es un producto de combustión rápida, llegue a 7M€. Sea como fuere, estamos ante todo un triunfo de nuestro cine, con dos películas nacionales desbancando a los vampiros y los licántropos en su tercera semana.

Por si esto fuera poco, a falta de datos definitivos, “Planet 51” lleva recaudados a nivel mundial más de 40M€, convirtiéndose en todo un éxito.

Sin embargo, no debemos olvidar dos importantes títulos en el top 10. “Celda 211” experimenta el mayor ascenso de espectadores con un 41% más que la semana anterior, logrando alcanzar los 7M€ en la sexta posición. Por su parte, la película de Trueba “El baile de la victoria”, pese a las malas críticas recibidas, se ve beneficiada por el puente con un descenso del 2% y logrando 1.1M€ en total. Y saliendo del top 10 aguantan de manera loable “El secreto de sus ojos”, que ya va para 6M€, y “Ágora”, que aspira a 21M€, siendo por ahora una de las más taquilleras del año, superada por “Up” y, en un par de semanas, probablemente por “Luna Nueva”.

Estos fantásticos resultados animan la taquilla española y en particular al cine español. La semana que viene no hay títulos demasiado potentes, por lo que puede haber de nuevo una lucha entre “Planet 51” y “Spanish Movie”. Aún así, las cifras serán notablemente más bajas.

ENCUESTA: ¿Cuál es la mejor parodia de otras pelis de la historia?

Abrimos encuesta, cinéfagos. Con motivo del estreno de "Spanish Movie", que está arrasando en taquilla, me pregunto: ¿cuál es para ustedes la mejor parodia de otras pelis (o spoof movie) de la historia? Posiblemente me haya dejado alguna detrás, pero creo que he recogido en la siguiente lista las más importantes:

1. Agárralo como puedas
2. Aterriza como puedas
3. El jovencito Frankenstein
4. Hot Shots
5. Scary Movie
6. Spanish Movie
7. Top Secret!
8. Otras

El apartado Otras es para que marquen si les parece que existe otra spoof movie que merezca el honrado título, y de ser así se agradecería que lo colocaran en un comentario. Tienen hasta el 31 de este mes para votar. Y a reír, que nos hace falta en esta época.

LA CRÍTICA

Spanish Movie ***1/2

Sonora (y divertidísima) bofetada al cine español

Que nadie me malinterprete a raíz de esta crítica. Adoro el cine español. Opino que es uno de los mejores de Europa y, por qué no, del mundo. Pero ya era hora de aparcar a un lado nuestros maravillosos trabajos para festivales y directores afectados de un horroroso ombliguismo, de mimar a tanto realizador para engrandecer su propio ego, y de mirar más por el público. Y si hay que hacerlo asestando un golpe en sus partes a sus responsables, pues se hace.

La fórmula de reírse del cine patrio no es nueva; ya algunos genios, y no tan genios, del humor de la pequeña pantalla por ejemplo hacen chistes a su costa, se mofan del poco interés del público por él e incluso lo parodian. Pero ya era hora de que alguien tuviera los mismísimos suficientes para parodiar al spanish cinema dentro del mismo spanish cinema.

El resultado es esta spoof movie –sí, ese género que Leslie Nielsen y el trío ZAZ inauguraran hace tres décadas y que los hermanos Wayans actualizaran inteligentemente en “Scary Movie”, aunque sus secuelas dejaran bastante que desear- que tiene su mira puesta en nuestras más exitosas y, en algunos casos, egocéntricas películas. Ya el mismo comienzo es toda una declaración de principios, haciendo lo imposible: unir a la Raimunda de Almodóvar con la Grace de Amenábar dejando claro que aquí, en este divertimento metalingüístico y, por qué no, terapéutico, todo es posible.

El debutante Javier Ruiz Caldera y los guionistas Paco Cabezas y Eneko Lizarraga cogen algunas de nuestras mejores películas, yendo desde “El orfanato”, “Los Otros”, “Volver” o “Mar adentro” hasta “[REC]” o “Alatriste”, pasando por “Los lunes al sol”, mezclan a grandes directores y a los chicos de Muchachada Nui con una trama rocambolesca, digna del enfoque americano del género pero muy por encima de algunas de las propuestas que desde allá nos vienen con la coletilla de movie.

Uno de los grandes aciertos del trabajo de los creadores de “Spanish Movie” es la elección del reparto. Soberbios cómicos de la última hornada del humor cañí como Carlos Areces, Joaquín Reyes o Sílvia Abril aportan su buen hacer y se mezclan con un grande de la parodia como Leslie Nielsen –su cameo sabe a poco, pero deja huella-, o con alguna reliquia nacional como Joselito y con buenísimos actores muy bien dotados para la comedia como Luis Zahera y Eduardo Gómez.Y completan la broma una serie de apariciones fugaces en algunos casos bien aprovechadas –el diálogo entre el gnomo Buenafuente y el pitufo Berto y la burla a Espinete son antológicos- y en otros sin mucho jugo, como la de Álex de la Iglesia. Aunque es mejor no nombrar todos los cameos para no estropear los momentos más memorables que protagonizan.

La valoración global supera el notable, pero no alcanza el sobresaliente por culpa de la por otro lado dignísima campaña publicitaria. Los spots televisivos muestran demasiado de la película, y eso se ha dejado notar en la escasa comicidad de algunos de los mejores gags, ya conocidos y previsibles. Algunos sesudos críticos argumentarán incluso que no es todo lo corrosiva que podría ser con el mismo cine español, que se limita a la parodia simpática y tímida. Pero no es el objetivo de “Spanish Movie” hacer una feroz crítica a la cansina pomposidad de éste, sino dar una sonora bofetada, sin llegar a hacer sangre, a los productos nacionales, y de paso hacer reír al personal. Para que espabilen, para que tomen las riendas y comiencen a hacer filmes para el público. Y a pesar de que no trate de hurgar en la herida, en más de una ocasión lo consigue.

“Spanish Movie” funciona para todas las edades: hay gags escatológicos, soeces, destinados a un público más adolescente y con los que te llevas las manos a la cabeza por vergüenza ajena, pero también recoge referencias inteligentes, antológicas, para el público más adulto. Y en medio de tanta locura, porque se nota que se lo han pasado pipa riéndose de todo y con todos, un descubrimiento para la comedia, Alexandra Jiménez, que aporta cierta dosis de equilibrio para que tanto cómico no se desmadre más de la cuenta.

A favor: Carlos Areces, Sílvia Abril, Joaquín Reyes, Eduardo Gómez, Luis Zahera y, por encima de todo, Alexandra Jiménez
En contra: los spots televisivos, que revientan muchos de los gags

LA CRÍTICA

Algo pasa en Hollywood ***1/2

(What's just happened?)

Estreno: 11 de Diciembre

Cinismo e hipocresía en Hollywood

Barry Levinson va camino de convertirse en un proscrito en el cine. Aquel director que otrora ganara el Oscar por la celebérrima “Rain Man” y posteriormente se vendiera a la industria para poder comer –véanse, por ejemplo, “Acoso” y “Sleepers”- se ha visto exiliado de la maquinaria hollywoodiense en la que hoy eres famoso, mañana ya se verá, dando forma a una de las trayectorias profesionales más irregulares, aunque no por ello carente de interés, de los últimos años. Su carrera da síntomas de crisis, y así lo atestigua una década que ahora termina en la que no ha conocido más que fracasos que le han obligado a prodigarse muy poco tras la cámara. “El hombre del año” ni siquiera llegó a nuestros cines, fue directamente al mercado DVD con dos años de retraso. Su último trabajo no ha corrido tampoco muy buena suerte, aunque en esta ocasión, tras una pésima recaudación en la taquilla estadounidense que no ha superado el millón de dólares, sí ha conseguido estrenarla en España, con un año de retraso.

A Levinson no le falta talento, incluso diría que es uno de los directores más tristemente infravalorados de la historia del cine reciente. Tanto es así que no extraña que de vez en cuando cargue las tintas contra los medios y la política a través de su cine, como así demostrara la formidable “La cortina de humo”. En “Algo pasa en Hollywood” –como de costumbre las traducciones de los títulos dejan mucho que desear- se alía con el productor Art Linson, guionista del filme, para volver a realizar una sátira como entonces, pero esta vez contra la misma meca que en su día le recibió con los brazos abiertos pero que un par de años después apenas recordaba su nombre.

“Algo pasa en Hollywood”, a través de su sutil e hiriente guión, relata cinco días del auge de un productor, encarnado por un magistral Robert De Niro –es un alivio, creía que le habíamos perdido entre tanta comedia fácil-, que debe lidiar con los caprichos de una estrella –Bruce Willis riéndose de sí mismo y de sus ataques de ira-, con una ex esposa a la que no puede dejar de ver –fantástica como siempre Robin Wright Penn-, con un guionista infiel que se vende al mejor postor –otro grande, Stanley Tucci-, con un director frustrado por los cambios que una productora sin escrúpulos quiere introducir en su última película –dos actorazos poco reconocidos, Michael Wincott y Catherine Keener- y con un colega de profesión cobarde incapaz de mantener a raya al actor al que representa –el mejor John Turturro, el del cine independiente-. Todo este estrés acentuado por el suicidio de un amigo representante que no pudo superar verse con un lamentable 10% de ganancias. Todo un reparto de lujo que se completa con la muy de moda Kristen Stewart, lejos de su papel en “Crepúsculo” y demostrando que sabe actuar, y con Sean Penn, que se interpreta a sí mismo como el actor adorado por todos.

Si David Mamet consiguió un guión sublime con “La cortina de humo”, Linson hace lo propio con el punzante libreto de esta inteligente comedia llena de estrellas que puede resultar un tanto hipócrita, pues muchas de ellas viven lamiendo el culo de la misma industria a la que intentan criticar, pero a la cual no le falta ni una pizca de verdad. Noventa amenos y reflexivos minutos de un director que parece que en el epílogo habla de sí mismo cuando desplaza al protagonista a la P de PODER, justo el punto de la foto de Vanity Fair que nadie verá en la revista. Y para el recuerdo una escena, la del orador Willis en el funeral soltando una de las más lúcidas y cínicas visiones de lo que es la falsa tierra de los sueños.

A favor: el discurso de Bruce Willis en la iglesia

En contra: puede tachársela de hipócrita, y que haya tardado un año en estrenarse

James Cameron nos regala 148 segundos de "Avatar"

A veces desearía encontrarme en mi niñez, cuando no tenías información de las pelis que se estrenaban más allá de los tráilers y los periódicos. Esto le daba un halo de suspense al cine que sin duda jugaba a su favor. En una sociedad sobreinformada como en la que estamos, con Internet ya dominado por la mayoría y como algo cotidiano, eso es imposible, y hoy en día sabemos mucho de una película antes de que se estrene, quizás demasiado. Pero queremos siempre que nos ofrezcan más, a riesgo de que el resultado final nos decepcione. James Cameron lo sabe, se adapta a los nuevos tiempos -y qué remedio- y nos ofrece, para saciar nuestra sed de saber en exceso, 145 segundos de "Avatar". Como diría el compañero Sadrac González, "Impresionante es una palabra de la que se abusa demasiado, pero en este caso se queda corta". Observen el realismo de las imágenes y luego imagínense verla en 3D el próximo 18 de Diciembre. Por mucha generosidad que Cameron demuestre, aún no sabemos qué nos depara la experiencia "Avatar".

 

No olviden darle a HD para verlo como Dios manda. Si no consiguen verlo bien pueden distrutarlo en Youtube.

El corto cinéfago: "Casa"

De todos los cortos que he visto, puede que "Casa" sea el que mayor desasosiego me ha causado. Su enrarecida atmósfera que se acentúa con un final desconcertante y que presagia un peligro que desconocemos, lo cual lo hace más aterrador, y una historia extraña y atractiva que es mejor no desvelar -por ello no haré una sinopsis- son su mejor carta de presentación. Sólo apuntar que se trata de una historia de terror psicológico que juega con el reverso tenebroso de las cosas, como podemos notar en su cartel con letras invertidas.

"Casa" está dirigida por Manuel Sánchez Muñoz, guitarrista del grupo Los Punsetes y ayudante de dirección en diversos cortometrajes de colegas. A destacar el sonido de Roberto Fernández y la fotografía tan hermética de Isabel Ruiz, así como las interpretaciones, breves pero equilibradas, de Marta Belenguer ("Aquí no hay quien viva", "Camera Café") y la niña Tatiana Fernández. Fue finalista en el III Festival Fotogramas en Corto, en una edición que para mi gusto premió otras obras de mayor complejidad artística pero de mucho menor interés y contenido.

Como comentario a favor de este estupendo trabajo habría que destacar lo bien que aprovecha los escasos seis minutos que dura. En una época en la que incluso los cortos se alargan innecesariamente, "Casa" es capaz de plantear una historia simple en muy poco tiempo y además hacerlo con inteligencia y sobriedad, cuidando cada aspecto del guión y la realización, muy milimétricos. Pero su misma duración juega en su contra, porque puede costar a los espectadores entrar en su brevísimo cuento de terror y simpatizar con él, con sus personajes. Por eso animo a todos los que lo rechacen en su primer visionado que le den una segunda oportunidad y lo vean por segunda vez, y hasta tercera si es necesario. Porque a veces las cosas más simples esconden algo más profundo y complejo bajo su aparentemente inocente apariencia.

Web oficial Fotogramas en Corto

Si alguien no puede ver bien el corto está disponible en Youtube

Paul Naschy (1934-2009)

A pesar de interpretar a verdaderos monstruos en la pantalla, Paul Naschy era un ser muy humano. Gran amigo de todos, con contactos inimaginables dentro del mundo del cine –los mismísimos Christopher Lee, quien además firma el prólogo de su biografía, y Steven Spielberg le llamaban durante su estancia en el hospital que tanto concurría desde hacía un año debido al cáncer de páncreas que finalmente no consiguió superar-, gran profesional y en definitiva todo un referente dentro del fantaterror español. Sería él mismo quien con sus películas inaugurara durante los 70 este subgénero nacional, el que sentó las bases del terror en España, hasta entonces un género tímidamente retratado en nuestro cine por culpa del franquismo, marcando un antes y un después. Tan solo otro nombre, el del todoterreno Jess Franco, merecería antes de la aparición de Naschy tener sus letras bien escritas en oro dada su visión tan transgresora del miedo.

Fue un hombre lobo tan mítico y encarnó como nadie a tantos monstruos en el cine que podría equiparársele con Lon Chaney. Pero Paul, de nombre real Jacinto Molina Álvarez, aportó su propio toque personal a personajes como el citado licántropo, la momia o el conde Drácula. En el momento de su fallecimiento a los 75 años de edad recibía un homenaje en la XIII Muestra de Cine Independiente y Fantástico de Toledo y salía un pack con siete de sus filmes remasterizados, que en tan solo una semana se agotaban según la Fnac.



Todas las secciones de noticias de las páginas web e incluso todas las cadenas de televisión, y por supuesto mañana las ediciones de los periódicos, han realizado un merecidísimo homenaje a este gran actor, director y guionista, además de levantador de pesos en su juventud, que nos deja hoy tras más de un centenar de películas, tan incontables que he preferido publicar su filmografía al completo. Descanse en paz, MAESTRO.

Filmografía

Como director
Inquisición (1976).
El huerto del francés (1978).
El caminante (1979).
Madrid al desnudo (1979).
El carnaval de las bestias (1980).
Los cántabros (1980).
El retorno del hombre-lobo (1981).
Latidos de pánico (1983).
La bestia y la espada mágica (1983).
Operación Mantis (1984).
El último kamikaze (1984).
Mi amigo el vagabundo (1984).
El aullido del diablo (1987).
La noche del ejecutor (1992).
Como actor
La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971).
El gran amor del Conde Drácula (Javier Aguirre, 1972).
La furia del hombre lobo (José María Zabalza, 1972).
Dr. Jekyll y el hombre lobo (León Klimovsky, 1972).
Tarzán en las minas del rey Salomón (José Luis Merino, 1972).
Las ratas no duermen de noche (Juan Fortuny, 1973).
La venganza de la momia (Carlos Aured, 1973).
El retorno de Walpurgis (Carlos Aured, 1973).
Los ojos azules de la muñeca rota (Carlos Aured, 1973).
El asesino está entre los trece (Javier Aguirre, 1973).
La orgía de los muertos (José Luis Merino, 1973).
Disco rojo (Rafael Romero Marchent, 1973).
El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1973).
La rebelión de las muertas (León Klimovsky, 1973).
Los crímenes de Petiot (José Luis Madrid, 1973).
El jorobado de la morgue (Javier Aguirre, 1973).
El mariscal del infierno (León Klimovsky, 1974).
Una libélula para cada muerto (León Kimovsky, 1974).
Todos los gritos del silencio (Ramón Barco, 1975).
Muerte de un quinqui (León Klimovsky, 1975).
La maldición de la bestia (Miguel Iglesias, 1975).
Exorcismo (Juan Bosch, 1975).
Los pasajeros (José Antonio Barrero, 1975).
[[La diosa salvaje (Miguel Iglesias, 1975).
Ambición fallida (Christian-Jaque, 1975).
La cruz del diablo (John Gilling, 1975).
Inquisición (Jacinto Molina, 1975).
Tres días de noviembre (León Klimovsky, 1976).
Secuestro (León Klimovsky, 1976).
Muerte de un presidente (José Luis Madrid, 1976).
Último deseo (León Klimovsky, 1976).
El transexual (León Klimovsky, 1977).
El francotirador (Carlos Puerto, 1977).
Pecado mortal (Miguel Ángel Díaz, 1977).
[[El huerto del francés (Jacinto Molina, 1978).
El caminante (Jacinto Molina, 1979).
Madrid al desnudo (Jacinto Molina, 1979).
El retorno del hombre lobo (Jacinto Molina, 1980).
El carnaval de las bestias (Jacinto Molina, 1980).
Los cántabros (Jacinto Molina, 1980).
Misterio en la isla de los monstruos (Juan Piquer Simón, 1981).
La batalla del porro (Joan Minguell, 1981).
Buenas noches señor monstruo (Antonio Mercero, 1982).
La espada del samurái (Jacinto Molina, 1982).
Latidos de pánico (Jacinto Molina, 1983).
[[La bestia y la espada mágica (Jacinto Molina, 1983).
Operación Mantis (Jacinto Molina, 1984).
Mi amigo el vagabundo (Jacinto Molina, 1984).
El último kamikaze (Jacinto Molina, 1984).
Mordiendo la vida (Martín Garrido, 1986).
El aullido del diablo (Jacinto Molina, 1987).
Aquí huele a muerto... (¡pues yo no he sido!) (Álvaro Sáenz de Heredia, 1989).
State of mind (Reginald Adamson, 1992).
La noche del ejecutor (Jacinto Molina, 1992).
Licántropo: el asesino de la luna llena (Francisco Rodríguez Gordillo, 1996).
Científicamente perfectos (Francisco Javier Capell, 1996).
Cuando el mundo se acabe te seguiré amando (Pilar Sueiro, 1998).
El ojo de la Médusa (José Cabanach, 1998).
Érase otra vez (Juan Pinzás, 2000).
La gran vida (Antonio Cuadri, 2000).
School Killer (Carlos Gil, 2001).
El lado oscuro (Luciano Berriatúa, 2002).
Octavia (Basilio Martín Patino, 2002).
Mucha sangre (Pepe de las Heras, 2002).
Tomb of The Werewolf (Fred Olen Ray, 2004).
Countess Dracula's Orgy of Blood (Donald F. Glut, 2004).
Rojo sangre (Christian Molina, 2004).
Rottweiler (Brian Yuzna, 2004).
La duodécima hora (Rodrigo Plaza y Juanma Ruiz, 2007).
La herencia Valdemar (Jose Luis Alemán, 2008).
El apóstol (Fernando Cortizo, 2008).

Fuente: http://miedoteca.zobyhost.com/index.php/Paul_Naschy

La película del mes

Ascensor para el cadalso ****1/2
(Ascenseur pour l'échafaud)

El crimen "perfecto" a ritmo de jazz

Antes del advenimiento de esa corriente tanto artística como cinematográfica denominada Nouvelle Vague, que abogaba por la realidad fílmica al margen de los estudios y con total libertad en la filmación, Louis Malle sorprendía a la crítica de medio mundo con su primer largometraje, “Ascensor para el cadalso (Ascenseur pour l’échafaud)”. Paradójicamente, Malle nunca fue reconocido como perteneciente al movimiento debido a que sus filmes posteriores variaban excesivamente los temas y no seguían exactamente las reglas establecidas, además del hecho de que el mismo Malle prefirió no pertenecer a él sino algo mucho mejor: desarrollar su carrera en solitario según sus propias convicciones, adelantándose al movimiento en sí con la modernidad de sus películas. Todo lo que es la filmografía del cineasta galo y todo lo que sería posteriormente aquel fenómeno cinéfilo están presentes en esta joya del séptimo arte.

En realidad no hablamos del primer trabajo para el cine del realizador. Un año antes, Malle tuvo el honor de ser un tripulante en el mítico Calypso de Jacques Cousteau como camarógrafo, experiencia que dio lugar a un fenomenal documental titulado “El mundo del silencio (Le monde du silence)”. Con esta obra, Malle ganó no solo el Oscar a la Mejor Película Documental sino algo más importante, la Palma de Oro en Cannes, mención que ninguna otra cinta del género lograría hasta 48 años después, cuando hacía su aparición el bocazas Michael Moore con la sobrevalorada “Fahrenheit 9/11”. Y se trata de un galardón de mayor relevancia porque fue el mismo festival el que tres años después se rendiría ante esa horda de autores que conformarían la Nouvelle Vague, pero que ignoraría a Malle en su posterior película, a pesar de recoger buena parte de los fundamentos que tanto alabarían años después.

La conexión entre Malle y la Nouvelle Vague quizás no sea del todo casual. El mismo año que triunfaba con sus aventuras a bordo del Calypso trabajaba como ayudante de dirección junto a Robert Bresson, un abanderado del movimiento francés, en “Un condenado a muerte ha escapado”. No se puede negar que Bresson influenció en estilo al joven cineasta de 24 años, pero “Ascensor para el cadalso” no solamente recoge influencias de este filme en sus fotogramas. La idea partió de una novela policíaca no muy bien valorada de Noël Calef y el objetivo de Malle era hacer un thriller de suspense recogiendo un poco del cine negro que tuvo su época dorada durante la década anterior con títulos como “El halcón maltés” y que disfrutaba de una segunda juventud gracias a las proyecciones en la Cinématèque FranÇaise, otro tanto del cine de Hitchcock y por supuesto las enseñanzas de su maestro Bresson y de otros clásicos como Fritz Lang o Michael Curtiz.

Malle adaptó la novela con ayuda del periodista y escritor Roger Nimier, que fallecería cinco años después, y con financiación propia creando una productora. Para el reparto contó con una estrella emergente de la época, Maurice Ronet, quien ya había sido aclamado en Cannes por “La Sorcière” (André Michel, 1953), donde conocería a Malle, con quien simpatizaría creativa e intelectualmente. No obstante, solamente trabajarían una vez más, seis años después en “Fuego fatuo” (L. Malle, 1963). Con quien sí repetiría en más ocasiones, incluida “Fuego fatuo”, fue con Jeanne Moreau, convertida desde esta primera colaboración en su actriz fetiche.

Ronet y Moreau, excelentes en sus respectivos papeles, interpretan a la pareja de amantes Julien Tavernier y Florence Carala, él un héroe de la guerra de Indochina y Argelia, ella una burguesa esposa de un magnate de la industria armamentística, para más señas jefe de Julien. Juntos planean el crimen perfecto del señor Carala, haciendo que parezca un suicidio. Pero justo después de cometer el asesinato, Julien se da cuenta de que ha dejado una pista crucial que llevará seguramente a la policía hasta él y al volver a la oficina queda encerrado en el ascensor. Julien permanecerá de sábado a domingo en su interior mientras su amante le busca desesperadamente por las calles de París en una de las secuencias más famosas de la película, aquella en la que Florence recorre la noche parisina preguntándose si su amante tendrá algún otro lío que ella desconozca.

“Ascensor para el cadalso” recurre a tres tramas paralelas para contar una historia de casualidades fatales. Por un lado tenemos a una segunda pareja, Louis y Verónique, un rebelde sin causa él y una joven ingenua ella, que roban el coche de Julien y cuya identidad asume Louis. Por el camino se darán una serie de infortunios que convertirán a Julien en sospechoso del asesinato de dos turistas alemanes. La joven pareja, conmocionada por ser culpables directos y únicos de la pareja de turistas, protagonizarán una surrealista e ingenua secuencia de suicidio, el cual se verá frustrado por no tomar la suficiente cantidad de barbitúricos para matarse a sí mismos. Como segunda vía tenemos a la desesperada Florence, que espera por Julien en una cafetería y ve su coche y asomando por la ventanilla a Verónique, sin saber que el que conduce es Louis. Comienza entonces una sospecha infundada de que su amante tiene otra aventura, mientras busca durante la noche del sábado algún rastro concluyente de su paradero recorriendo bares y locales. Y por supuesto tenemos al pobre Julien, inconsciente de que sobre su nombre se cierne un cargo más importante que el asesinato de su jefe.

Tan imprescindible como la fría fotografía en blanco y negro de Henri Decaë es la atmosférica banda sonora, improvisada sobre la misma película durante un par de sesiones por Miles Davis en presencia de Malle y Moreau. Pocas veces el jazz ha acompañado de una manera tan sublime al cine, inaugurando una fértil relación entre el jazz y el cine negro que proseguiría con otras cintas de todos los géneros como “Anatomía de un asesinato” (Otto Preminger, 1959) y “Al final de la escapada” (Jean-Luc Godard, 1959). Además, la música del trompetista y compositor norteamericano, que se encontraba en Francia en aquel momento tras una desastrosa gira cuando fue presentado a Malle, carece de tema central, componiendo una serie de piezas aisladas que acompañan perfectamente a las imágenes e instaurando así una nueva moda en el séptimo arte, muy dado a los temas musicales reconocibles. Es la música, junto a un guión directo en sus diálogos, a la fotografía, y por supuesto al pulso narrativo de Malle lo que hacen de “Ascensor para el cadalso” una experiencia sugerente, por la que es mejor dejarse llevar hacia el siguiente giro de la trama y hacia la siguiente imagen evocadora.

Pese a este cúmulo de casualidades e ideas geniales, “Ascensor para el cadalso” fue recibida con frialdad por parte de la crítica especializada. Y es curioso que lo fuera porque su director había sido premiado un año antes en Cannes, el mismo festival que encumbraría a la categoría de dioses a los responsables de la Nouvelle Vague, fenómeno que tendría incontables defensores dentro de la crítica y el público, pero que no supieron reconocer dos años antes a un auténtico precursor de dicho fenómeno con una película puramente de género, especialmente el film noire, tan valorado durante las décadas anteriores y que realmente estaba en auge en Francia. Pero fueron precisamente los pertenecientes al movimiento, los instauradores de Cahiers du Cinéma, los que menospreciaron este acercamiento al género por considerarlo demasiado clásico, cuando es precisamente lo contrario.

Porque si algo también sobresale en todos los aspectos en “Ascensor para el cadalso”, algo que podemos ver en su música, su puesta en escena, su guión, su tratamiento, la fotografía,… es que se trata del nexo de unión entre dos etapas. Malle combinó de una manera magistral el viejo cine -representado por ese cine negro al que debe su historia, sus ángulos de cámara subjetivos, ese crimen perfecto que no acaba de ser tan perfecto, esos personajes de ambigua moralidad y clara deshumanización, esa femme fatale que recorre las escenas pensando que es intocable- con la nueva escuela, la que sentaría las bases del inminente futuro de la cinematografía francesa. “Ascensor…” es la sabia confirmación y la reafirmación de un genio de la historia del cine con muy poca experiencia tras las cámaras pero todo un visionario para la época, capaz de aunar a clásicos como Hitchcock, Lang, Curtiz o Bresson con la savia nueva de un fenómeno cultural al que nunca perteneció no por no merecerlo, sino porque él mismo se autoexilió y, de todos modos, al que seguramente los cahieristas, quizás sabedores de su propia hegemonía en el celuloide, habrían impedido el paso.

Sinceramente, nunca le hizo falta a un director que ha dado grandes películas, tanto en Europa como en América. Mejor quedarse con su propia identidad que no la copiada de los jóvenes prodigios del momento. Y para muestra ese final, en el que Moreau avanza ignorante hacia su destino, el que le tienen deparado unas inesperadas fotografías que revelan su hasta entonces secreto idilio con Ronet, esas que sirven para condenarla y juzgarla pero que a la vez representan el amor que ya nunca podrá romperse, que pervivirá durante años. Y a la vez unas fotografías cuya existencia el director nos esconde con inteligencia, gracias a todo ese gran McGuffin hitchcockiano que es el resto de la película. Todo un referente que ha llegado hasta nuestros días, por ejemplo en esas fotografías que ponen el broche de oro a lo último de Almodóvar, “Los abrazos rotos”.

Enlaces de descarga:

Opción 1 (by narcolepsico)(746MB)(Enlaces intercambiables)(Dual con subtítulos)

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Opción 2 (by karinuska)(694MB)(francés con subtítulos)

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