LA CRÍTICA

Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra **

Igualito que los franceses

La fusión entre los hermanos Fesser y el mundo de Ibáñez era casi perfecta. De aquella simbiosis nació “La gran aventura de Mortadelo y Filemón”, una de las pocas adaptaciones ilustres de un cómic español a la gran pantalla, sazonada del humor de Gomaespuma y con un despliegue visual que hacía posible que sus actores se comportaran como auténticos héroes de tebeo, con mamporros, caídas y tortazos incluidos. De lo único que adolecía aquella adaptación era de una historia demasiado confusa, de la sensación de que nunca se homenajearía como merece a los dos agentes de la TIA y en definitiva de que era más una obra de Fesser que de Ibáñez, aunque eso es algo que los fans de “El milagro de P. Tinto” agradecimos.

Han pasado cinco años de aquella divertidísima película, en la que casi era imposible distinguir el celuloide de las viñetas. El encargado de revivir a los superagentes Mortadelo y Filemón una vez Javier y Guillermo Fesser se apearan del proyecto ha sido Miguel Bardem, que por su trayectoria profesional parecía ser su más digno sucesor (no hay más que ver las loquísimas “Noche de reyes” y “La mujer más fea del mundo”). Pero la fusión entre Ibáñez y Bardem no ha sido todo lo fructífera que este crítico esperaba. Será que echo de menos a Gomaespuma y su archiconocida bombona de butano naranja, pero “Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra” no es más que un vano intento por continuar la estela de su predecesora, atesorando gags inútiles y hostias a diestro y siniestro pero sin la más mínima gracia, sin un atisbo de chispa en el conjunto.

Lo que ha quedado es un producto bastante infantil, bastante mecánico en su ejecución, como si su director sintiera la necesidad de proseguir con lo que otros ya habían hecho y haciendo modificaciones que son para echarse las manos a la cabeza. Entre ellas el uso intensivo, por ejemplo, de acelerar las secuencias para buscar humor donde no lo hay. En cuanto al look visual hay situaciones en las que parece superar en medios a la anterior, y otros sin embargo en los que hace gala de una precariedad de medios alarmante.

Lo que sí soluciona esta nueva adaptación es la historia. El mundo está sufriendo una acuciante sequía, y todos los agentes secretos se reúnen para discutir el problema. Pero la sesión es interrumpida cuando el malvado Botijola hace estallar el edificio pereciendo en el accidente todos los agentes. Todos menos dos. Los dos únicos que no acudieron a la ceremonia y que serán los encargados de desbaratar los planes de Botijola: acabar con todas las reservas del planeta y aprovechar la crisis mundial para comercializar su infumable líquido como sustituto del agua. Sí, el desarrollo de la trama hace que la misma sea más inteligible, pero el problema es que el mismo desarrollo carece de la gracia con que se abordaba todo en la primera parte. Acierta en incontables momentos, pero dichos momentos quedan lastrados por otros bastante patéticos (que alguien se cargue al ambiguo oriental capaz de camuflarse fácilmente detrás de Ofelia).

En cuanto a los actores, estos sí que funcionan. Todos, desde los ya habituales Pepe Viyuela, Mariano Venancio, Berta Ojea, Janfri Topera y Emilio Gavira bordan sus papeles como ya hicieran hace años, e incluso las incorporaciones de Alex O’Dogherty y Carlos Santos son de lo mejor que posee esta segunda parte. Todos menos Eduard Soto, que obliga a pensar en el Mortadelo por excelencia, Benito Pocino. Es cierto que Soto es cómico, y que Pocino no podría haber hecho muchas de las cosas que su personaje requiere en esta (Soto sí sabe poner voces, a Pocino tuvieron que doblarle), pero no termina de encajar en su rol, sobre todo en lo que a físico e interpretación (más allá de sus imitaciones se queda en nada su aportación) se refiere.

Viéndola uno no puede más que pensar en lo que han hecho los franceses con uno de sus cómics más célebres, Astérix y Obélix. La segunda entrega de los irreductibles galos se vendía como la más cara, la más lujosa, pero una vez estrenada parecía todo lo contrario: menos original que la primera y bastante más tediosa y limitada en medios. Parece que nos ha ocurrido lo mismo con uno de nuestros mejores tebeos. Si es que se nota hasta en el cartel.

Lo mejor: Emilio Gavira como Rompetechos, que ya está pidiendo una película a gritos
Lo peor: ¿Dónde ha quedado la bombona de butano?

Título original: Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra; País: España; Género: Comedia; Año: 2008; Duración: 94 minutos; Dirección: Miguel Bardem; Intérpretes: Eduard Soto, Pepe Viyuela, Mariano Venancio, Janfri Topera, Berta Ojea, Emilio Gavira, Carlos Santos, Alex O'Dogherty, Carmen Ruiz

Una buena y una mala/triste noticia

Este 23 de Enero ha comenzado con una mala y triste noticia y otra buena para el cine español. La mala es de esas que te cuesta asimilar, y ha copado los principales titulares en las noticias. Heath Ledger, uno de los mejores actores emergentes de una generación repleta de adolescentes cinematográficamente estereotipados, nos ha dejado a los 28 años de edad. Se trunca así la fructífera carrera de una estrella capaz de robar planos al mismísimo Mel Gibson en "El patriota", ser lo más destacable de comedias juveniles como "10 razones para odiarte" o recibir el unánime reconocimiento de la crítica, por su magistral interpretación en "Brokeback Mountain", la película que le confirmó como sólido intérprete. Tenía a punto de estrenar su encarnación del Joker en el nuevo Batman de Nolan. Me uno al homenaje que merece que le hagan.

La buena noticia es la previsible nominación al Oscar de Javier Bardem por su portentosa interpretación en "No country for old men", premio con el que seguramente se alzará en vista de todas las quinielas. Entre los injustificables olvidos, el de Tim Burton como director por "Sweeney Todd", aunque Johnny Depp sí figura felizmente como actor. Pero nuestro país tiene doble motivo para la alegría, pues Alberto Iglesias, que ya consiguiera la estatuilla por la banda sonora de "El jardinero fiel", vuelve a estar nominado por el score de "The Kite Runner". Los ganadores el próximo 24 de Febrero.

Cloverfield: Se resuelven algunos misterios

Hace unas semanas les hablaba del nuevo proyecto de J.J. Abrams, el productor de "Perdidos", "Alias" y "Felicity". Finalmente, la famosa fecha 1-18-08 se correspondía con la del estreno en Estados Unidos, día en que la publicidad viral que ha usado para promocionarse, con innumerables pistas y enigmas que conducían a otras pistas en Internet, ha dado sus frutos. Gracias a ella, "Cloverfield" (otra duda despejada, el título) se ha convertido en la película más vista del pasado fin de semana, con una recaudación de cerca de 40 millones de dólares.

Tras su arrollador paso por las salas de cine, Internet se ha visto plagada de rumores, confirmaciones y spoilers de todo tipo. Les traigo tres de ellos, relacionados con el monstruo que asola la ciudad de Nueva York en la película (otra incógnita desvelada, de qué trata). Les facilito un boceto de lo que supuestamente es el monstruo y los parásitos que suelta de su cuerpo junto a una comparativa de tamaño con la Estatua de la Libertad y un humano.












Y lo más esperado, el bicho en sí, aunque grabado precariamente durante una proyección. Si agudizamos la vista podremos ver su silueta y a alguno de los seres que le acompañan, bastante parecidos a los de "Alien". Y por último el cartel de la película, que esconde más de lo que parece. Si no consiguen ver nada en Youtube tienen la respuesta. Habrá que esperar a su estreno en España, previsto para el próximo mes.
Watch The Cloverfield Monster Free Online!

Las mejores películas de 2007: las ganadoras

Ya se han cerrado las votaciones, y la ganadora es española. Muchas gracias a todas las personas que hayan participado.

La ganadora (13 VOTOS):
El orfanato

8 VOTOS:
300

6 VOTOS:
28 semanas después

5 VOTOS:
Apocalypto
El truco final: El prestigio
Los Simpson: La película
Promesas del Este

4 VOTOS:
[REC]
1408
American Gangster
Las trece rosas
Soy leyenda

3 VOTOS:
En busca de la felicidad
Zodiac
Ratatouille

2 VOTOS:
La vida de los otros
Harry Potter y la Orden del Fénix
El velo pintado
La caja
Planet Terror
Death Proof
Bajo las estrellas
Historia de un crimen
Bosque de sombras
Hitman
Diamante de sangre
Fracture
La brújula dorada

1 VOTO:
¡Porque lo digo yo!; ¿Qué tienes debajo del sombrero?; ¿Y tú quién eres?; 2 días en París; Arma fatal; Banderas de nuestros padres; Beowulf; Cartas desde Iwo Jima; Ciudad en celo; Deseo, peligro; Después de la boda; El buen pastor; El jefe de todo esto; El ultimátum de Bourne; El violín; Encantada: La historia de Giselle; Habitación sin salida; Hairspray; Half Nelson; Irina Palm; Juegos secretos; La caja Kovak; La carta esférica; La extraña que hay en ti; La jungla 4.0; La soledad; La suerte de Emma; Memorias de Queen; Miss Potter; Mr. Brooks; Naturaleza muerta; Reino de las sombras; Saw 4; Siete mesas de billar francés; Spiderman 3; Stardust; Sunshine; Supersalidos; The Host; Tierra; Transformers; Tristam Shandy: A cock & bull story;
Un funeral de muerte

LA CRÍTICA

Viaje a Darjeeling ***

Viaje a la intrascendencia

Debo reconocer que el cine independiente yanqui empieza ya a aburrirme. Todo fue bien cuando el movimiento indie comenzó, pero en la era del postindie hasta sus cineastas me parecen niños mimados por una industria privada de los recursos de las majors. Lo primeros trabajos de Sofia y Roman Coppola o Wes Anderson destilaban esa esencia del cine outsider, justo cuando éste estaba en apogeo. Pero en sus últimas películas me declaro sencillamente perdido, como si estos directores usaran su obra como vehículo de trascendencia, ya sea para contentarse a sí mismos o a sus incondicionales.

En mi caso nunca he simpatizado con Anderson tanto como con otros de su generación. Nunca he pasado de ver “Los Tenenbaums. Una familia de genios” y “Life Aquatic” como comedias resultonas, eficientes, pero con un marcado sentido del ritmo y la música, en las que ni siquiera las cámaras lentas ralentizan el metraje. Eso es “Viaje a Darjeeling” (sigo sin entender por qué han pasado del nombre de un tren al de un destino en el doblaje del título al castellano), otra comedia amable aunque menos marciana que sus predecesoras.

Para alguien como yo, que cada vez soy menos fan de este tipo de cine y al que este director ha dicho siempre bastante poco, “Viaje a Darjeeling” no es la mejor manera de hacer amigos fuera de los que ya le adoran. Plantear la historia de tres hermanos con sentidos estados carenciales de afecto que realizan un viaje espiritual por la India como catarsis de sus rencillas y ese pasado que nunca abandona en clave de comedia divierte, y de hecho la película no aburre, pero no deja de sentirse por todo el metraje ese aroma a trascendencia que parecen buscar los realizadores de esta época postindie.

Que nadie se extrañe con ese corto de obligado visionado que se exhibe justo antes del film y rodado por el mismo Anderson. Ese “Hotel Chavilier” que parece más una excusa erotómana de mostrar el cuerpo de Natalie Portman no sólo acompaña en la trama a modo de primera parte del viaje a la película que continúa con un Bill Murray al que se le escapa el tren, sino que es la carta de presentación de lo que vendrá después: un eterno travelling acerca de una travesía a ninguna parte, sin rumbo definido, en el que los lazos familiares finalmente resultan felizmente forjados. Y es en su montaje haciendo uso y abuso del plano secuencia y la cámara lenta donde Anderson da en el clavo en su última propuesta, más allá de su entretenida historia más propia del cine del este que del cine del oeste.

Es en esos momentos de frescura cinematográfica, cuando la película hace reír y entretiene, en esos interminables planos secuencia que son todo un desafío para los que tengan poca paciencia hacia las estructuras cinematográficas repetitivas, en los que “Viaje a Darjeeling” funciona, sin ser nada más que eso. Lástima que por ella pulule la idea de trascendencia que pretende su director y todos los de su generación, pobres niños mimados que logran, y este es un ejemplo de ello, justo lo contrario, un viaje a la intrascendencia.

Título original: "The Darjeeling Limited"; Género: Comedia; Nacionalidad: EEUU; Duración: 100 minutos; Año: 2007; Dirección: Wes Anderson; Guión: Wes Anderson, Roman Coppola y Jason Schwartzman; Intérpretes: Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Anjelica Huston, Natalie Portman, Bill Murray

Vota tus películas preferidas de 2007

Lo propio llegado el comienzo del año nuevo es hacer balance de lo ocurrido en el año anterior. Este blog no iba a ser menos y por eso propone una votación a las mejores películas de 2007. Elige dejando un comentario tus 5 favoritas. Puedes consultar la lista en el siguiente enlace http://www.elmulticine.com/peliculas-estrenadas-2007.php

Los resultados serán publicados en breve en este mismo blog. Muchas gracias a todos los que participen.

¡Es Navidad!

Películas navideñas hay muchas. Tenemos las ñoñas estilo “Qué bello es vivir” o más recientemente “Polar Express”, por ejemplo. Ambas son cintas que transcurren en Navidad. La primera es el típico caso de película bienintencionada reconvertida en clásico y alabada por la crítica más sesuda. La segunda no fue tan bien vista por muchos (me incluyo) pero es un carrusel visual sin paradas para repostar. Son extremos opuestos dentro del mismo grupo, el de las películas dulzonas e indigestas. ¿Pero quién ha dicho que el cine navideño debe ser infantil, estar anclado a la época en la que se desarrolla y, mucho más importante, seguir los cánones del género, sin salirse de su arquetípica corrección política estival?

Cuando me hablan de cine navideño me vienen a la mente las películas que vi tal época como ésta durante mi niñez. Recuerdo la trilogía de “Regreso al futuro”, “Gremlins I y II”, las comedias de grandes como Bill Murray, Dan Aykroyd o Chevy Chase como “Cazafantasmas”, “Entre pillos anda el juego” o “¡S.O.S!, ya se Navidad”, y más recientemente la trilogía de “El señor de los anillos”. Todas caían antaño, salvo el caso de la última, por las distintas cadenas de televisión por estas fechas. Desgraciadamente se perdió esta costumbre durante una época, hasta que felizmente han sido sobre todo dos nuevos canales, Cuatro y laSexta, los encargados de reponer todo aquello que antes sólo veíamos en La Primera.

Y es que algo tiene ese cine navideño que crea nostalgia, que te hace echar de menos otros años más felices en cuanto a programación navideña, en las que veías a John McClane repartiendo regalos a los terroristas, a Jack Skellington robando la Navidad en el gran clásico “Pesadilla antes de Navidad de Tim Burton” y a Murray siendo visitado por los espectros en la inolvidable “Los fantasmas atacan al jefe”. Muchas han perdido ya el encanto y la calidad con que se disfrutaban en su momento, pero son capaces de despertar en un servidor serios atisbos de añoranza, lagrimilla impertinente incluida. Esta época del año no sería nada sin la programación navideña de toda la vida.

La lista es interminable, y me dejo en el tintero demasiadas joyas que hacen que odies un poco menos la Navidad, hasta que dicho sentimiento de odio te vuelva cuando ves que cierta cadena no cesa en su programación rosa y sangrante ni en fechas tan señaladas. Es entonces cuando las palabras del Profesor Cavan de “El día de la bestia” me asaltan y toman fuerza: “Esto es un aviso para los 10 millones de gilipollas que están viendo este puto programa. El fin del mundo es esta noche, ¿entienden? ¡Esta misma noche! ¡Se jodió la Nochebuena, se jodió la Navidad! ¡Se jodió todo! ¡Todo! Mientras ustedes disfrutan del calor del hogar y cenan felices viendo la tele, afuera, en la calle, está comenzando el reino del Anticristo.”. Porque ese contraste entre aversión y nostalgia sólo puede darse en estas fechas. Si sienten ambas sensaciones no se alarmen, ¡es Navidad!

LA CRÍTICA

SOY LEYENDA ***

El último hombre vivo

“Soy leyenda” es uno de los pilares de la ciencia-ficción y el terror psicológico del siglo XX. La historia del último hombre vivo en un mundo infestado de una especie de vampiros supone un relato en el que ciencia y fe, perseverancia y locura luchan frente a frente en medio de un ambiente apocalíptico en esta novela escrita por Richard Matheson. Robert Neville, su protagonista, busca obsesivamente la razón de la epidemia y el por qué de su inmunidad a la vez que intenta asumir su condición de único rastro de normalidad en ese universo de pesadilla.

Hay que decir que de todas las adaptaciones que se han hecho de la obra de Matheson la que ahora nos llega es con diferencia la mejor de todas. Continúa a años luz del producto original, pero supera considerablemente a sus predecesoras. Si bien los cambios son muchos, como ese forzado final que da fuerza al título y que sustituye al quizás poco cinematográfico desenlace del relato original, lo que importa es que el guión, obra del solvente Akiva Goldsman, que recoge parte del espíritu de la novela. Así, el debate de su protagonista entre creer o ver (u oír frente a escuchar, si prefieren) mezclado con la paranoia y los instantes de locura y soledad a la que se ve sometida están perfectamente plasmados.

Lo que resulta de esta cinta dirigida por Francis Lawrence, que mantiene parte de la estética que ya usara en “Constantine”, es un híbrido entre cine espectáculo, cine de ciencia-ficción con pinceladas de terror y algo de drama insertado de manera congruente. Y en contra de lo que pueda parecer a priori, la mezcla funciona. Los momentos de angustia de su personaje y su giro a la demencia encajan perfectamente con los flashbacks dramáticos y las secuencias de tensión, todo ello con un digno sentido del espectáculo para no aburrir al personal.

El último hombre vivo es Will Smith (olviden al Charlton Heston de la prescindible versión de los 70), la leyenda concienciada de su rol de único superviviente y de normal en un mundo anormal, aunque ambos apelativos son intercambiables. Durante más de la primera hora de película se encuentra solo en la pantalla, con la única ayuda interpretativa de un perro y un montón de maniquíes cual Tom Hanks en “Náufrago”. Demostrando una vez más que es un actor capaz de cualquier registro y de un indudable tirón, Smith es uno de los ejes fundamentales que da consistencia a la historia, junto al buen desarrollo de la trama.

Todo ello consigue lo imposible, mantener el interés del público con poco diálogo, con un sólo actor en pantalla y ese tramo inicial perteneciente a la atmósfera que Matheson imaginara. Juegan en su contra la sensación de que podría haber llegado a más y acabar siendo una brillante película, el exceso de efectos digitales para retratar a los infectados, unos personajes que un servidor prefiere ver maquillados al más puro estilo zombie, y un pasado del protagonista bastante predecible. Pero se engrandece a sí misma siendo un film muy entretenido en todo momento, con momentos magníficos como la vista aérea de una ciudad devastada o la dura secuencia de la muerte de Sam.

Lo mejor: Will Smith, capaz de mantener el interés aunque sea prácticamente el único actor en la película
Lo peor: el previsible destino de la familia del protagonista

Título original: "I am legend"; Año: 2007; Nacionalidad: EEUU; Género: Ciencia-ficción, Drama; Duración: 101 minutos; Dirección: Francis Lawrence; Guión: Mark Protosevich y Akiva Goldsman, basándose en la novela homónima de Richard Matheson; Intérpretes: Will Smith, Alice Braga

Goya 2008: anécdotas, sorpresas y olvidos

El pasado 16 de Diciembre se hicieron públicas las nominaciones a los Goya de 2008, que premian a las películas de 2007. El orfanato y Las trece rosas parten como favoritas con 14 nominaciones cada una. A falta de haber visto todas las nominadas no me aventuro aún a hacer una quiniela digna, pero sí un repaso por los descuidos, olvidos y anécdotas en las nominaciones. Por ahora he encontrado las siguientes:

- Extraña que Mataharis no esté entre las nominadas a Mejor Película, aunque sí en otras categorías importantes como actrices de reparto y directora para Icíar Bollaín. En su lugar se ha colado una de las películas más laureadas aunque menos conocidas del pasado año, La soledad, que tan sólo suma tres nominaciones.

- Tristán Ulloa hace doblete en las nominaciones: una a Mejor Actor por Mataharis, y otra más a Guión Original por Pudor, que dirige su hermano David.

- La academia ha olvidado completamente a Manuel Alexandre como actor por ¿Y tú quién eres?

- Alfredo Landa es el Goya de Honor este año pero a su vez se encuentra como Actor por Luz de domingo. Porque él lo merece.

- Manuela Vellés, la gran revelación de Julio Medem en Caótica Ana, no ha sido nominada por su trabajo. Para colmo la película no opta a ninguna estatuilla.

- La categoría de Actor de reparto cuenta con cinco nominaciones en lugar de las cuatro habituales. Entre ellas la de un paisano, el canario José Manuel Cervino por Las trece rosas.

- Una de las películas más vapuleadas del año, La carta esférica, sí se encuentra entre las candidatas a Mejor Guión Adaptado.

- Tan sólo una de Las trece rosas de Emilio Martínez Lázaro, Nadia de Santiago, figura como Actriz Revelación en una película de actrices.

- [REC] opta a los tres premios más obvios a los que podía aspirar: Actriz revelación para Manuela Velasco, efectos especiales y montaje. Sin embargo, se echa de menos su presencia en alguna categoría técnica más como fotografía o sonido y el reconocimiento de sus directores, que ya es hora.

- Luz de domingo opta a numerosos premios, pero la academia vuelve a dar la espalda a Garci. Esperemos que no se mosquee como los Almodóvar.

- Como era de esperar la academia ha olvidado a la canaria La caja. Sin comentarios.

Éstas son las curiosidades más llamativas en cuanto a nominaciones. Ya me arriesgaré a publicar mi quiniela. La respuesta, el próximo mes de Enero.

LA CRÍTICA

American Gangster ***1/2

Estreno el 28 de Diciembre

Frank Lucas supo aprovechar una grieta en una organización mafiosa para pasar de ser el chófer y protector del jefe a uno de los principales narcotraficantes de Estados Unidos. En una época en la que la droga era rebajada y revendida a precios desorbitados tras su considerablemente barata venta, Lucas hizo de Vietnam un negocio importando la “magia azul”, heroína pura que usaban los soldados durante la guerra. Su dinero y el del resto de clanes familiares compraban a los policías su silencio y les ofrecían suculentos favores. Entre tanto poli corrupto estaba Richie Roberts, detective venido a menos y detestado por sus compañeros a causa de su honestidad con aspiraciones a ser abogado y atrapar a todos esos compañeros con conexión con la mafia.

Lucas y Roberts representaban las dos caras de la misma moneda, la confrontación de dos hombres que comenzaron desde cero con proyectos y filosofías que no se estilaban, que los alejaban de sus compañeros pero que lograron salir a flote en sus respectivas campañas. El primero vendió droga pura al cien por cien y se hizo con el control de media ciudad y el segundo llevó su honradez hasta la desarticulación de toda una red criminal.

“American Gangster” nos muestra las dos caras de esa moneda de manera alternativa, sin enfrentarlas directamente pero cruzándolas en más de un punto. El encargado de hacerlo es un inspirado Ridley Scott, director que cada cierto tiempo realiza alguna que otra joya (“”Alien, el octavo pasajero”, “Blade Runner”, “Gladiator”) a costa de hacer películas menores en medio (“La teniente O’Neill”, “El reino de los cielos”). Es, al igual que su hermano Tony, un director apegado a la violencia y el exceso cinematográfico, pero un artesano capaz de dirigir bien una película cuando se lo propone.

Su última película forma parte de las que podemos llamar como bien dirigidas. “American Gangster” es vibrante, entretenida, está bien orquestada y puede recordar a “Scarface” o “French Connection” en su trato del ascenso al poder, el narcotráfico y la lucha de dos fuerzas opuestas pero complementarias. Juega bien sus cartas de alternar la acción de sus dos protagonistas y sólo decae un poco cuando ambos unen fuerzas de una manera un tanto forzada quizás en sus minutos finales, aunque fuera así como realmente ocurriera.

Buena parte del loable resultado final de “American Gangster” se debe a sus dos actores. Denzel Washington y Russel Crowe bordan los papeles de criminal y policía en un careo que al igual que en el “Heat” de Michael Mann nunca llega a producirse del todo, ni siquiera cuando están sentados el uno al frente del otro. Pero por mucho que huela a Oscar en cada fotograma, por muy bien que Scott y sus chicos hayan hecho su trabajo estamos ante una película grande en intenciones, medios y logros, pero no ante una gran película, que es distinto. Será vista como una muy buena cinta, pero no llega probablemente a la categoría de película para la posteridad. Aunque nunca se sabe, habrá que ver cómo la trata el tiempo.

Lo mejor: Washington y Crowe, inmensos
Lo peor: no llega a ser una película inolvidable

Título original: "American Gangster"; Año: 2007; Nacionalidad: EEUU; Género: Drama; Duración: 157 minutos; Dirección: Ridley Scott; Guión: Steven Zaillian; Intérpretes: Denzel Washington, Russell Crowe, Josh Brolin, Cuba Gooding, Jr., RZA, Ted Levine, Carla Gugino

Park Chan-wook: Trilogía de una venganza

Hablar de una nueva generación de directores coreanos es como tratar de determinar cuál es la última película de Woody Allen. Es una industria en tan continuo desarrollo que ya existen sucesores de la generación a la que pertenece el realizador que da nombre a este mini-reportaje, los hijos de la era digital. Park Chan-wook pertenece a una oleada de directores que comenzó a hacer aparición hace aproximadamente cinco años y en la que destacan nombres como los de Kim Ki-duk (Hierro 3, Time, La isla) o Bong Joon-ho (The Host, Memories of Murder), entre otros. Pero a diferencia del primero y en comparación con el segundo, Park Chan-wook pertenece a una generación cinéfila/cinéfaga que engulló los más diversos géneros, desde el cine de arte y ensayo europeo hasta el terror de serie B, en la década de los 80, justo cuando Corea del Sur empezaba su apertura y se libraba del viejo régimen autoritario.

Esto no quiere decir que Chan-wook sea equiparable a Joon-ho, pues por suerte los directores pertenecientes a la rama cinéfila han conseguido labrarse un estilo formal propio, una manera de narrar muy particular. Y es eso lo que impregna el trabajo de este cineasta, historias más o menos complicadas pero muy bien contadas, con un sentido del ritmo y la planificación encomiables.

Este mismo año llegó a España su penúltima película, con cierto retraso, Lady for Lady Vengeance, una fábula sobre la venganza y lo difícil que es perdonar nuestros propios pecados y los ajenos. Pero antes de inmiscuirnos en esta joya debemos remontarnos al año 2002, cuando el mismo director nos presentaba la primera entrega de esta “Trilogía de la venganza”. Se trataba de Sympathy for Mr. Vengeance, cuya vendetta no llegará hasta bien avanzado el metraje y que nos presenta a un joven que decide secuestrar a la hija del jefe de su novia para poder pagar el trasplante de riñón de su hermana. Todo va bien hasta que el secuestro se complica y comience su búsqueda por parte del padre de la pequeña. Es de las tres películas la más lenta, la que menos ritmo ofrece en su primera hora pero que luego, una vez la trama se ha complicado lo suficiente como para obligarte a repasar lo visto, asesta una serie de golpes de efecto que enganchan sin remedio al espectador.

Mucho más entretenida y más laureada fue su segunda película, Old Boy, la más conocida de su filmografía. Ovacionada en diversos festivales, Old Boy pecaba al igual que su predecesora de cierta complejidad redundante en la historia, pero es todo un prodigio del montaje y la puesta en escena. Es una historia simple pero muy bien contada, poseedora de varias secuencias (atentos a la disección de la matanza en el pasillo) que perduran en la retina. Un hombre es inexplicablemente secuestrado y encerrado durante años en una celda. Tan extrañamente liberado como fue capturado, el protagonista intentará buscar fuera de su prisión personal a los responsables no sólo de su encarcelamiento, sino de la desaparición de su hija y la muerte de su esposa mientras estaba preso. Chan-wook recurre al humor, la acción, el melodrama de telenovela e incluso ciertas reminiscencias del anime en las secuencias de pelea en un cóctel que por raro resulta efectivo y que la aleja del cine negro que explotaba en Sympathy for Mr. Vengeance.

Y llegamos a Sympathy for Lady Vengeance, en mi opinión la segunda mejor de la trilogía, por detrás de Old Boy. Se trata de un relato que combina el frenético montaje de ésta en su primer tramo para contar cómo una chica es encarcelada por secuestrar y asesinar a un niño, y la sobriedad de Sympathy for Mr. Vengeance en su segundo tramo. Sin embargo, esa lentitud que aburría en aquélla hace que contra todo pronóstico el segundo tramo, el de la venganza, se eleve sobre el primero. Es con ese tono de cine negro en clave de humor con el que Chan-wook nos propone un inteligente ejercicio de perdón o venganza, encarnado por esos padres que deben enfrentarse al asesino de sus hijos cara a cara. Le sobra posiblemente un final demasiado extendido y esa complejidad en la historia que ya resultaba molesta en las dos películas anteriores.

Chan-wook y sus camaradas han redefinido el cine de género, fruto de haber visto en un corto período de tiempo tanto cine de diversa índole. La conjugación imposible de géneros está haciendo que el nuevo cine sur-coreano arrase en taquilla y en festivales, ya sea en forma de cine intimista o en formato mainstream al más puro hollywoodiense. Chan-wook es autor también de uno de los tres episodios de Three... extremes, quizás un poco flojo, que completan dos grandes, Takashi Miike y Fruti Chan. Por si esto fuera poco, está pendiente de estreno en España su última obra conocida, I’m a cyborg but that’s O.K., a la cual le han llovido elogios y menciones. Les animo a descubrir por qué la cinematografía oriental en general despierta tantas pasiones últimamente. Y una última recomendación. No se pierdan ese híbrido de cine político, ciencia-ficción, cine familia y película con monstruo que es The Host, o la espléndida y original visión coreana del cine de monstruos de toda la vida.

1-18-08: Sigue las pistas del nuevo proyecto de J.J. Abrams

Que J.J. Abrams es un tipo inteligente es de sobra conocido. Por su hiperactiva mente creadora han pasado las imprescindibles “Alias” y “Perdidos”, la tercera entrega de Misión Imposible y hasta la última secuela/precuela de “Star Trek”, aún en producción. Su última vuelta de tuerca ha sido auspiciar el llamado marketing viral.

Antes de la proyección de Transformers en EEUU pudo verse un teaser que anunciaba 1-18-08 y una web que pudieron ver millones de personas, http://www.1-18-08.com/, la cual contiene una serie de fotografías que con algo de paciencia y destreza con el ratón contienen mensajes que no aportan demasiada información en su reverso. Las fotos han ido apareciendo progresivamente, y en la última de ellas el tono es radicalmente distinto a la primera, pasando en tan sólo 35 minutos de una fiesta a imágenes un tanto apocalípticas. El trailer pudo ser visto posteriormente en portales como Youtube, pero fue retirado por la productora Paramount, lo que hizo crecer toda una serie de teorías acerca del proyecto. Entre ellas que produce Abrams, dirige Matt Reeves, el reputado guionista de “Perdidos” y “Alias” Drew Godard escribe el guión, que está rodada con cámara digital y que hace referencia al ataque de un monstruo robótico que recuerda a Godzilla y al que se conoce como “parásito”.

Esta parca información se vio aclarada parcialmente con la aparición de dos webs. La primera, http://ethanhaaswaswrong.blogspot.com/, critica las enseñanzas de un profeta llamado Ethan Haas, quien habla de una guerra entre dioses que tendrá lugar en la Tierra. Un blog bastante críptico en el que sólo es legible la dirección http://www.ethanhaaswasright.com/, que propone cinco puzzles que nos llevarán a distintos vídeos en los cuales un tipo llamado Van explica que debes divulgar la palabra de Haas antes de que sea demasiado tarde para la humanidad, y tras el quinto puzzle te piden nombre y correo electrónico a través del cual conseguir información adicional sobre la película.

Abrams y los suyos han usado la misma campaña viral que “El proyecto de la bruja de Blair”, y como en aquella ocasión les está funcionando. Quedan dudas acerca del título oficial, aunque a juzgar por el nuevo trailer el definitivo es “Cloverfield”, si se trata de una película real o de una campaña promocional de la nueva temporada de “Perdidos”, e incluso que se basa en la obra de H.P.Lovecraft. Les invito a seguir el misterio que está infectando Internet, descubrir las pistas, y unirse a esta fiebre colectiva de la que desgraciadamente en España apenas nos hemos enterado. Y de paso les dejo algún que otro teaser para que juzguen ustedes mismos.

"The Key To Reserva": Scorsese dirige el último spot de Freixenet

Spielberg fue Kubrick durante dos horas en “A.I. (Inteligencia Artificial)”. Scorsese ha sido Hitchcock durante diez minutos en el nuevo spot de Freixenet. No es ninguna broma. Scorsese ha realizado el último anuncio navideño de la famosa marca y lo ha hecho como sólo los maestros son capaces de hacer. ¿La idea? Partir de un incompleto guión de Hitchcock y rodar la escena como lo habría hecho el gran maestro del suspense hace 50 años. ¿El resultado? El mejor anuncio de Freixenet de los últimos años, que ya estaban perdiendo el Norte. Les dejo el spot completo, para que comprueben cómo podría ser perfectamente una secuencia de una película de Hitchcock, con banda sonora de “Con la muerte en los talones” incluida.