LA CRÍTICA. Mute

Dos horas de nada

A Duncan Jones le ha venido a ocurrir con cada nuevo trabajo lo mismo que a Neil Blomkamp, si bien este último siempre ha tenido una vena mucho más comercial. Ambos comenzaron con atractivas propuestas independientes de ciencia-ficción, con tantas buenas ideas como técnica, pero se han visto incapaces de mantener el status de su ópera prima una vez la maquinaria hollywoodiense les ha fagocitado, aunque los títulos que han estrenado desde entonces no merecen en absoluto las malas valoraciones que la crítica especializada les ha dado.

“Mute” es el descenso particular de Jones a su particular infierno creativo, la confirmación de que le estamos perdiendo cada vez más dentro de los parámetros del cine mainstream. En esto sí se le puede diferenciar del responsable de “Distrito 9”. Pese a su caída en picado, este último sigue manteniendo una coherencia narrativa y visual remarcable. En el caso que nos ocupa, esto no se atisba por ningún lado.

Más allá de un simpático, desconcertante por inesperado y hasta cómico juego autorreferencial, “Mute” no ofrece nada nuevo ni se preocupa por hacerlo. Es la respuesta de Netflix a “Blade Runner 2049”, pero sin alma. Las escenas se suceden unas tras otras sin que tengas la sensación de que te estén contando nada en absoluto. Las tramas se inician y cierran sin que aporten demasiado al conjunto -¿alguien me puede explicar qué pintan los vicios ocultos de Justin Theroux en todo esto?-. Sus personajes tienen elementos característicos –un prominente mostacho, la falta de habla o un dedo, el pelo azul- sin que nada de ello tenga una verdadera razón de ser más que el resultar cool. Todo parece improvisado y banal, como surgido de la mente de su responsable conforme avanza el abultado metraje.

Y lo peor de todo, que aburre. “Mute” ofrece más de dos horas de nada, de una historia de lo más simplona pero mal contada, tratando de ser original en su concepción de los planos –juega con los planos subjetivos, con los puntos de vista de sus personajes-, pero en general haciéndote plantearte la pregunta de por qué se han tomado las decisiones que se han tomado durante su concepción. Por qué los personajes son como son, por qué ocurre lo que ocurre, por qué todo es tan aséptico y hay tan poca cohesión en su conjunto. Para hacernos una idea, poco de distinto hay entre este film y la tan cacareada “The Room”. Sólo su presupuesto, y la escasa trascendencia de la que esperemos que goce la cinta de Jones con el paso de los años.

A favor: la graciosa e inesperada auto referencia de su director

En contra: nada en ella tiene cohesión, y que aburre

Calificación *

No pierda el tiempo

LA CRÍTICA. The Cloverfield Paradox

El gen Abrams

Se le pueden reprochar muchas cosas a J.J. Abrams, pero no que no sepa cómo vender sus productos, cómo atraer al público a las salas y hacer crecer las expectativas del espectador. “Lost” fue su primer producto de consumo masivo, una ficción que semana tras semana enganchaba a medio planeta, mientras iba afianzando su status de culto televisivo para toda una generación. Y luego demostró con “Monstruoso (Cloverfield)” que era un as en esto de generar revuelo en la red, de hacer del marketing viral un arma de seducción masiva.

E igual que repitió la fórmula del éxito de la publicidad con su secuela/spin-off, lo ha vuelto a hacer con “The Cloverfield Paradox”, todo un ejemplo de campaña agresiva, tan agresiva que ha resultado prácticamente inexistente. Su mera existencia es una paradoja en sí misma, como reza su título. Un estreno sorpresa con la alianza de la todopoderosa Netflix, otra abanderada contemporánea de sorprender en lo que a vender sus propuestas se refiere.

Pero por supuesto, al igual que es capaz de recoger lo mejor del responsable de la maravillosa “Súper 8”, es también portadora del gen Abrams, ese que mucho promete pero poco abarca. Porque los seguidores de la serie que le dio el salto al estrellato definitivo, y aquellos que se han sentido decepcionados por ejemplo con su aventura galáctica, lo saben de sobra. Que es un vende humo, que disfruta creando misterios y detalles de lo más cool, pero a los que luego no da salida ni explicación.

Y eso también afecta a esta nueva entrega, plagada de momentos que funcionarían sin problemas de manera aislada –el momento imán, la inundación en la cabina-, junto a otros tan cómicos como ridículos –ay, esa mano traviesa-, pero que no tienen razón de ser aparente dentro de la propia lógica del film. El guión no se preocupa por resolver los muchos interrogantes que plantea, a la espera de que alguna entrega futura lo haga.

Pero más allá de eso, que podrá indignar de nuevo a aquellos que ya no le rían las gracias a la manera de entender el cine de este señor, hay algo realmente destacable en “The Cloverfield Paradox”. Sí, tiene muchos defectos, como esa sensación de pastiche que deja su visionado –por ahí resuenan “Alien”, “Esfera” u “Horizonte final”-, su plana realización y casting, o lo soso de parte de su desarrollo, pero al final lo que destaca de ella es lo bien que abre toda una línea argumental que encaja a la perfección con lo visto en sus dos predecesoras. Porque aunque algunos se nieguen a verlo, esta odisea espacial guarda más relación con las dos anteriores que, por ejemplo, la segunda con la primera. Naturalmente, el pertenecer a esta saga, que bien podría no haberlo hecho, le da una nueva dimensión. A sí misma como la más floja de la trilogía -no por ello mala, ojo-, y a la propia franquicia abriendo nuevos y sugerentes arcos narrativos. Y la línea que abre, tan inesperada como atractiva, es digna de ser vista. Aunque sea por el gen recesivo que define su paradójica existencia.

A favor: la sugerente línea que abre en la franquicia, y lo bien que encaja con las anteriores

En contra: sus clichés, lo plano de su desarrollo, y esa maldita tendencia de su productor de lanzar ideas sin explicarlas

Calificación **1/2

Se deja ver muy bien 

LA CRÍTICA. Star Wars: Los últimos Jedi

Más allá de la Fuerza

Hay instantes cinematográficos que ya forman, de una manera cuasi inevitable, parte de la memoria colectiva, tanto de la cinéfila como de la humana en general. Leer las palabras “Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana…” sobreimpresas en color azul sobre un fondo negro, forma parte de esa instantánea que ha quedado grabada en la retina del espectador. Y la fanfarria tan característica de John Williams acompañando a unas letras amarillas que se pierden en el espacio profundo, componen otro de esos momentos indelebles del séptimo arte.

Star Wars es más que una saga de películas. Es todo un universo que ha crecido más allá de la mente de su creador. Es un sentimiento, prácticamente una religión de nueva era, que invade y rodea al espectador desde que aparece en pantalla el letrero de Lucasfilm hasta que acaba el último crédito. J.J. Abrams lo sabía, y aunque confundía la nostalgia con la copia, su “Despertar de la Fuerza” respiraba clasicismo, amor por el blockbuster ochentero, y tenía encanto, magia. No tenía que esforzarse demasiado por vender su producto, porque esta franquicia tiene vida propia.

Pero eso no era suficiente. Lo más frustrante de aquel episodio VII era que se veía incapaz de extender el universo más allá. Y vaya si se puede. “Los últimos Jedi” viene a demostrar que todavía quedan muchas más historias que contar, que hay vida más allá de la Fuerza. Sí, no es una película perfecta, sigue teniendo momentos salidos de tono –alguna trama secundaria que no lleva a ninguna parte, algún villano de postín, cierto personaje mal presentado en la anterior que sigue arrastrando en esta, algún chiste sin demasiada gracia que resta seriedad a fragmentos de enorme trascendencia-, pero en general deja un regusto a nuevo.

Y he aquí el mayor riesgo del film dirigido con brío por Rian Johnson. “Los últimos Jedi” es un salto al vacío, una aventura que podrá indignar a los fans más cerrados de mente por su osadía, por pervertir algunos de los postulados más sagrados de la saga, por ofrecer momentos de auténtico asombro que podrían ser tildados por algunos de herejía o ridiculez. Es una cinta que se desmarca de todo lo visto hasta ahora en la serie de películas, pero sin dejar de pertenecer al mundo creado por George Lucas. Porque por mucho que se distancie de ella, al final lo que queda es esa nueva esperanza de que todos podemos iniciar nuestra nueva rebelión, de que todos podemos estar llamados a ser algo más de lo que somos, de que no somos unos Don Nadie. Nos invita a mirar a las estrellas, a soñar. He ahí la magia de Star Wars.

A favor: lo bien que sabe desmarcarse de lo visto hasta ahora en la franquicia

En contra: alguna salida de tono, y el riesgo que asume pervirtiendo los mandamientos de la saga

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Blade Runner 2049

Ángeles en el paraíso

“Blade Runner” siempre ha sido lo que el tiempo ha hecho de ella. De su leyenda más que del film en sí mismo. Una indiscutible joya, por supuesto, pero beneficiada por el paso de los años, por las múltiples relecturas y versiones, por los oníricos unicornios capaces de cambiar todo su significado, y porque por aquella época no se había visto nada igual. Bien contada, pero con una trama de lo más simple.

Su esperada secuela no puede beneficiarse de ese factor temporal. Muchas lágrimas bajo la lluvia se han derramado desde el estreno de su predecesora, demasiadas odiseas científico-tecnológicas hemos disfrutado –o padecido-, muchas de ellas deudoras de la obra maestra de Ridley Scott. La nueva entrega no puede aspirar a sorprender en ese sentido, y aún tiene mucho camino que recorrer para ganarse el título de clásico del séptimo arte.

Sin embargo, “Blade Runner 2049” logra algo que es casi imposible. Consigue durante su abultado metraje –quizá demasiado abultado, todo hay que decirlo- no caer en el ridículo, no palidecer frente a su referente, lo cual era su mayor desafío. Porque esta película no es más que una expansión del universo creado por Philip K. Dick e inmortalizado por el talento de sus adaptadores cinematográficos, una propuesta en un proceso evolutivo tan claro y lógico como el de sus replicantes, o como el de la evocadora banda sonora de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch, una extensión del score de Vangelis.

Lo demás, pues una trama de lo más sencilla servida con aparente complejidad, estética cyberpunk tuneada por la mano maestra de Roger Deakins, y el saber hacer de un cineasta con tanto pulso narrativo como Denis Villeneuve, que hace primar el ritmo pausado sobre el espectáculo, pero con el suficiente nervio como para no caer en el hastío. Un Villeneuve pasado por el filtro comercial –su guión tan masticado es quizá el precio que ha tenido que pagar en el salto-, que no imita esquemas, haciendo suyo este vasto universo creativo.

Y es que no se puede replicar una joya. Sería un tremendo error. Pese a las facilonas decisiones e inevitables huecos argumentales, “Blade Runner” es un entidad propia capaz de sobrevivir por sí misma, independiente de sus progenitores, y una nueva ocasión para explorar lo que nos hace humanos, que no es más que la capacidad de decidir. De manera extendida, expandida, en pleno proceso evolutivo. Un nuevo ángel en el paraíso con el que deleitarnos.

A favor: Villeneuve haciendo suyo el universo “Blade Runner”, la fotografía y su capacidad para evolucionar y tener entidad propia

En contra: su exceso de metraje y el filtro comercial de su director

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Valerian y la ciudad de los mil planetas

Trash Space Odyssey

Quizá sea Luc Besson el cineasta mainstream europeo que mejor ha sabido hacerse un hueco en Hollywood, ya sea como productor, como guionista o como director. De los que mejor han sabido mimetizarse con la industria del entretenimiento venido del Nuevo Mundo, también sea dicho de paso. Es difícil saber dónde empieza la maquinaria hollywoodiense y dónde acaba la impronta europea en sus filmes, incluso en aquellos que cuentan con capital del viejo continente. También podría decirse que Besson es un auténtico sibarita de la imagen. Cuando se le da el capital suficiente no escatima en medios para ofrecer experiencias audiovisuales difíciles de igualar, ni siquiera para los más veteranos directores de la Meca del Cine.

“Valerian y la ciudad de los mil planetas” tiene mucho de ambas vertientes. Es un producto europeo, local por así decirlo, pero con la impronta de un blockbuster norteamericano. Efectos especiales de infarto y un trabajo de escenografía, maquillaje, dirección artística, vestuario, montaje y sonido ejemplares. Todo su apartado técnico es tan fastuoso, tan atractivo y está tan cuidado al detalle, que aquellos a los que sólo les importa la parte visual de un producto la elevarán, y con razón, más allá del universo conocido.

Y es la enésima muestra de que el galo, más que experiencias audiovisuales, propone viajes extrasensoriales, en este caso de odisea espacial cargada de alucinógenos, de space opera psicotrópica con poco miedo al ridículo. Ahí están las pasadas de vueltas aportaciones de Ethan Hawke y Alain Chabat para atestiguarlo, compensadas con el rictus actoral del otrora excelente actor Clive Owen.

Aunque quizá no demasiado psicotrópica. Porque Besson parece empeñado en convertir su producto en algo cercano al gran público, tratando de ser cool a pinceladas. Los créditos iniciales son guay, a ritmo del Bowie de “Space Oddity”, pero baja el listón con una interminable escena en un planeta en el que da rienda suelta a sus ansias visuales, y con la posterior presentación de personajes. No ayuda tampoco que meta tramas secundarias aún más sosas que la principal –ay, esa Rihanna-, ni que la pareja protagonista esté encarnada por Dane DeHaan y Cara Delevingne, posiblemente el dúo con menos química del cine reciente. Él porque no cuela como héroe intergaláctico, y ella porque debería aprender que actuar es algo más que echar miradas. Hay momentos puntuales de puro entretenimiento, como la escena de escape en el Big Market, y la excelente partitura de Alexandre Desplat intenta incrementar la sensación de que todo es cool, pero las imágenes y el guión a los que acompaña no ayudan.

Es como si Besson tratase de llegar a más espectadores convirtiendo su nueva propuesta en “Guardianes de la galaxia”, o en su ya icónica “El quinto elemento”, pero con miedo a las comparaciones. Y lo que resulta es un quiero y no puedo constante entre una película que quiere ser guay, graciosa y la quintaesencia del cine de entretenimiento, y una serie de situaciones y personajes que no aportan su grano de arena a que ello ocurra. Eso sí, bien merece la entrada por su apartado visual. Lo demás, directo a un agujero negro. Pura Trash Space Odyssey. Y no es un cumplido.

A favor: el apartado audiovisual, sublime

En contra: su quiero y no puedo constante entre el film cool y divertido en que pretende convertirse pero que no alcanza a ser

Calificación **

Se deja ver

LA CRÍTICA. Wonder Woman

La octava maravilla de DC

“Creerás que el hombre puede volar”. Ésta era la frase promocional con que se vendía la que a día de hoy sigue siendo la película más trascendental dentro de cine de superhéroes, por aquel entonces confinados a la serie B o a las escuetas dimensiones de la caja tonta. Richard Donner ponía los cimientos de la primera maravilla de DC, de lo que sería un nuevo género a explotar, uno que sorprendería y maravillaría a toda una generación de espectadores.

No se puede decir que “Wonder Woman” consiga el mismo objetivo que el “Superman” de Donner. No es una película que innove ni lleve el género a otro nuevo nivel, pero sí que durante su metraje se puede vislumbrar un sentimiento de nostalgia hacia ella y un pulso narrativo que la alejan de lo que DC nos viene ofreciendo desde que Zack Snyder diera el pistoletazo de salida a un nuevo universo compartido con “El hombre de acero”. Aquí no existe la trascendencia de Nolan, no estamos ante la oscuridad de Burton, ni ante la grandilocuencia mal interpretada y aún menos valorada del propio Snyder.

Lo que tenemos es una aventura épica y entretenida de más de dos horas consciente de su esencia de blockbuster, más enfocada al gran público que las más recientes cintas de DC, pero sin perder de vista el tono oscuro y maduro que la editorial exige. Todo nos remite automáticamente a lo que hace casi cuarenta años pretendía y conseguía el realizador de “Los Goonies”, pero con el hándicap de que todo en ella ya lo hemos visto antes, de que no ofrece nada nuevo.

Pese a esta convencionalidad, a no destacar precisamente por su autoría, a un ¿inevitable? tercer acto de dimensiones divinas algo desfasado con respecto al resto de la cinta, y pese a unos efectos especiales bastante mejorables, la sensación que deja es de satisfacción personal, de film robusto a nivel argumental, temático y narrativo. Cumple sobradamente su doble propósito de entretener y tomarse lo suficientemente en serio a sí misma como para presentar con solidez a su personaje protagonista. Y además constituye todo un logro en varios frentes. En primer lugar, por su marcado y acertado carácter feminista y humanista, que no cae en el discurso panfletario, y en segundo lugar, porque permite la reconciliación de gran parte de la audiencia -críticos incluidos- con DC, después de los recientes patinazos de guión y/o montaje de “Batman v Superman” y “Suicide Squad”.

Warner y DC pueden estar orgullosos de esta Mujer Maravilla. De la belleza inabarcable y el talento interpretativo de Gal Gadot, de su química en pantalla con Chris Pine, de hacer un producto convencional y correcto pero necesario para la compañía y consistente por sí solo, con la que se quita esa espina clavada por culpa de las malas decisiones tomadas en los despachos de algún ejecutivo con no demasiadas luces. No sabemos si se impondrá esta tendencia, lo cual podría suponer una menor autoría de sus responsables, pero ya es un comienzo. Su ansiada octava maravilla.

A favor: Gal Gadot y la convencionalidad y corrección de la cinta, justo lo que DC necesitaba

En contra: un tercer acto algo desfasado y exagerado

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Guardianes de la Galaxia Vol. 2

Todos somos Groot

Aquel “Somos Groot” con el que daba por finalizada la space opera de James Gunn en el primer volumen de este Awesome Mix que amenaza con volver en un futuro más digital, con casi 300 canciones, definía aquello en lo que se convertiría con los años su entrada triunfal en el universo marvelita. El realizador lograba insuflar de vida a una casa en la que el ingenio y la autoría no son el ideal a seguir a través de unos personajes, de un simpaticón toque retro y de un sentido del humor a medio camino entre la comedia familiar y el chiste friqui y pasado de rosca. Elementos todos ya tan característicos e identificables que nos obligaban a todos a decir eso de “Todos somos Groot”.

Porque Starlord, Gamora, Drax –bravo por darle más cancha-, Rocket Fox –perdón, Racoon-, Yondu y ahora el pequeño Baby Groot, convertido en amo y señor de los momentos más divertidos y tiernos de esta secuela, a sabiendas del enorme tirón que tiene entre las masas, ya son viejos conocidos. Y es ésta la carta más difícil que debe jugar “Guardianes de la galaxia Vol. 2”, la de desmarcarse de su predecesora, la de evitar las comparaciones. No es que salga perdiendo, pero tampoco ganando.

Gunn sabe de sobra que superar lo hecho hace tres años es inútil, y se limita a dejarse llevar por el devenir de su historia y por sus carismáticos personajes. Es ligeramente más profunda y oscura, pero el espíritu festivo sigue ahí. El sentido del humor sigue siendo cristalino y a veces subido de tono, pero ya lo hemos visto. La escena de créditos iniciales, a ritmo de música y baile, y ahora plano secuencia y a la vez fuera de campo, divierte, pero ya la hemos visto. A sus protagonistas, aunque les conozcamos un poquito más con este film, ya les conocemos.

Y así y todo, no le hace falta desmarcarse para ser un ente propio. Sí, carece del elemento sorpresa, pero Gunn sabe imprimirle la suficiente alma al producto para asegurar dos horas de diversión a raudales, más una buena dosis de inventiva –atención a la escena de fuga de la nave de los Ravagers, o el psicodélico viaje entre universos-, que sigue alejándola de otros productos marvelitas. Incluso su incidencia en la trama principal de “Los vengadores” es menos significativa, por no decir que inexistente. Sabe cómo no copiarse a sí mismo, y ahí demuestra su libertad creativa dentro de una casa en la que esto es prácticamente una quimera.

Los Guardianes de la Galaxia, ahora más salvadores que guardianes, volverán en una nueva odisea pulp espacial. Y seguramente la capacidad de sorpresa será aún menor. Pero si el nivel de entretenimiento es tan alto y la fuerza de las ataduras comerciales son tan flojas como en la que nos ocupa, habrá que unirse de nuevo a la fiesta. Y decidir si somos de los que bailan, o de los que no mueven un pelo hasta parecer cadáveres.

A favor: su capacidad de inventiva y la sobredosis de entretenimiento que propone

En contra: ha perdido ligeramente la capacidad de sorpresa

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Ghost in the Shell: El alma de la máquina

Esa concha sin fantasma

“Ghost in the Shell” fue, con permiso del “Akira” de Otomo, la encargada en los 90 de derribar definitivamente los muros entre Oriente y Occidente, entre anime y cine de acción real, de conseguir hacer soñar a millones de personas con algo más que ovejas eléctricas, de unir definitivamente inteligencia artificial, espionaje, cyberpunk, política y ciencia-ficción en un combo de aspiraciones metafísicas que supuso todo un boom en el momento de su estreno, hace veinte años, y que ha derivado en toda una franquicia y un objeto de auténtico culto.

Lo primero que podemos echar en falta en su readaptación cinematográfica es que ésta no aporte nada nuevo a lo ya visto. Tiene una estética fabulosa, pero deudora de filmes como “Blade Runner”, y una concepción de las escenas de acción que puede recordar al “Matrix” de los Wachowski, otra ramificación surgida del film original de Mamoru Oshii. Todo en ella suena a déjà vu, pero no es que tampoco la cinta de Rupert Sanders trate de desmarcarse de sus referentes, por lo que en ese sentido es honesta.

Su primer pecado es que confunde grandilocuencia con un constante ralentí del ritmo narrativo. No olvidemos que estamos ante un blockbuster, y que como tal debería cubrir unas exigencias más enfocadas hacia el gran público. Y sin embargo, Sanders prefiere darle un toque más oriental al conjunto, más pausado e intimista, más de escenas en espacios cerrados que de potenciar hasta el infinito las posibilidades del universo que está trasladando a imagen real. Ello deriva en un tempo narrativo que puede atragantarse a más de uno. Incluso sus escenas de acción resultan desangeladas, faltas de esa alma que las diferencie de otras propuestas similares. Y he aquí su segundo y mayor pecado, su hermetismo, su falta de pasión y de ser algo más de lo que es, de desmarcarse de cualquier referencia y constituir un ente propio y consistente.

Por el camino, muchas cosas interesantes y destacables. Su reparto, su apartado visual, la excelente banda sonora de Clint Mansell y Lorne Balfe, los momentos en los que copia planos de su referente, y el interés con el que se ve su historia y cala su mensaje –bastante masticado y servido en bandeja para las grandes masas, eso sí- si el espectador consigue no quedarse dormido durante su visionado. No satisfará, por supuesto, a aquellos que encuentren en el manga y la película original un mantra a seguir. Porque esto, más que una adaptación literal, es una traslación libre basada en todo un universo por explorar y a expandir. En vista de los réditos en taquilla, no es probable que esto último suceda. Al menos no de esta manera. Y es que todas sus virtudes sirven de poco si bajo su concha, si bajo su lujoso y atractivo cascarón, no hay un alma que lata con fuerza. Eso que aquí llaman un fantasma.

A favor: el apartado audiovisual y el interés con el que se ve si uno logra no quedarse dormido

En contra: le falta mucha alma a esta máquina, y que confunda grandilocuencia con tempo narrativo

Calificación ***

Merece la pena

EN SERIE. "Westworld", un mundo con posibilidades ilimitadas

Para todos aquellos que hayan tenido el placer de disfrutarla, "Westworld" -en España titulada "Almas de metal"- es todo un clásico de culto, un producto que trataba un tema por aquel entonces, hacia comienzos de los años 70, no tan manido como lo está hoy en día: la consciencia de las máquinas. El gran problema que tenía la creación del siempre interesante e imaginativo Michael Crichton era que se quedaba en la idea y se veía incapaz de sacarle todo el jugo a ese enorme parque de atracciones con infinidad de historias y posibilidades temáticas y argumentales. Y es ahí donde este remake televisivo la supera.

"Westworld", la serie, explota de manera elocuente y acertadísima la base de la original, pero también la lleva más allá y la expande para hablar de la naturaleza propia del ser humano como ente cruel y carente de emociones, autoconsciente de una falsa superioridad que se hace añicos en cuanto descubre que otros manejan sus hilos.

Y también del poder de contar historias. Porque en "Westworld" hay infinidad de relatos paralelos, tejidos no en forma de pirámide hacia la búsqueda de la memoria, la improvisación y el autointerés como motores de la consciencia, sino como un enorme laberinto cuyo centro parece imposible de encontrar. Un entramado obra de ese genial constructor de laberintos mentales que es Jonathan Nolan -sí, el hermanísimo, ese sin el que Christopher sería más bien poco-, que desafía al espectador en cada episodio, le engaña continuamente, pero sin que éste se sienta timado en ningún momento. Un excelente artesano al que sólo le falla lo mismo de siempre, su empeño en sobre explicarlo todo, en abrumar al respetable con más información de la que puede soportar el intelecto humano.

Pero por lo demás, estamos ante la serie del año. Una muestra de que hay remakes que sí merecen la pena. No sólo por su trama, sino por la banda sonora de Ramin Djawadi y esos covers musicales de Amy Winehouse, Nirvana o The Rolling Stones, la ambientación, los efectos especiales, la fotografía y un reparto en estado de gracia, en el que destacan Thandie Newton, Evan Rachel Wood y Jeffrey Wright. Magistrales los tres.

Ahora, tras un desenlace de lo más inesperado y explosivo, habrá que esperar hasta 2018 para ver qué nuevas historias nos cuentan. Una espera larga pero no tediosa. Porque las grandes series se hacen esperar. Y “Westworld”, con tan sólo una temporada, ya lo es. Su universo es enorme, infinito. Un mundo libre, donde realizar tus sueños. Un mundo con posibilidades ilimitadas.

LA CRÍTICA. Rogue One: Una historia de Star Wars

Una nueva esperanza

Todo comienza con unas palabras ya implantadas con fuerza en el imaginario colectivo. Unas letras azules sobre un fondo negro que ya son historia del cine, que anuncian una historia que comenzó hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana. Pero a continuación, se produce un corte. No vemos el título que todos esperamos, ni la famosa secuencia inicial de letras amarillas que se pierden en el vacío del espacio.

Es la primera de muchas rupturas formales que propone “Rogue One: Una historia de Star Wars”, consciente de su propia independencia. Más dura, más oscura, menos cercana a todos los públicos. A partir de ahí, ni cortinillas ni la partitura de John Williams, elementos característicos de un universo que no deja de expandirse, hasta ahora en televisión, videojuegos, cómics y libros.

Porque el mundo creado por George Lucas es tan rico en historias como estrellas hay en el firmamento. Y la película de Gareth Edwards demuestra que no es necesario tirar de nostalgia impostada, de copiar el trabajo ya hecho para atrapar a las viejas y nuevas audiencias. En ese sentido, la bofetada que le da a J.J. Abrams es más que sonora.

Pero a la vez que acierta con un relato que igualmente pudo haberse narrado en cualquier otro medio, la ruptura que plantea la hace distanciarse de lo que es realmente esta saga. Y es ahí donde “El despertar de la fuerza” se erige por encima de ella. A este producto destinado a amasar millones a toda costa, idea de una factoría que todo lo fagocita y en cierto modo prostituye –ahí quedan sus clásicos animados convertidos a innecesaria imagen real-, le falta la magia ochentera que Abrams sí supo capturar. No hay carisma ni trascendencia en sus personajes protagonistas –algunos de los secundarios sí salvan la función del hastío-, ni en sus villanos, ni siquiera en su trama. La baña una sosería general que ya acompañaba a la anterior obra de su director, aquella “Godzilla” de poderosas imágenes pero de encefalograma plano.

Afortunadamente, la última hora consigue aumentar el nivel de la producción, con la mejores escenas de acción y bélicas que ha dado toda la serie de películas. Pero no consigue compensar una primera mitad carente de la emoción y de esa capacidad para perdurar en la memoria que han ido de la mano desde que Lucas nos maravillara hace casi cuarenta años. Lo que queda es un fanfiction destinado a vender tickets, que en ningún momento llega a ser una mala película, pero sí una que no consigue unir al espectador con lo que se cuenta. Un acto de rebelión hacia “Star Wars” por parte de sus responsables, pero que no conduce hacia una nueva esperanza.

A favor: su ruptura con la estructura clásica de la saga, y la poderosa segunda mitad

En contra: la sosa primera mitad, y que el acto de rebelión formal que propone no conduce a una nueva esperanza

Calificación ***

Merece la pena

LA CRÍTICA. Midnight Special

Cuentos asombrosos

En “Take Shelter”, Jeff Nichols cargaba de ambigüedad un relato apocalíptico que no se conformaba como tal hasta bien avanzado su metraje. En “Midnight Special”, el director de la también recomendable “Mud” realiza el proceso inverso. Va cargando el relato de misterio y va diseminando pistas durante su primera mitad, y se va adentrando lentamente en lo desconocido a lo largo de todo el metraje.

Pero con naturalidad. Porque si algo caracteriza a Nichols es la naturalidad con la que reviste sus historias. Una naturalidad fronteriza, mundana, muy propia de la América rural, creyente y recóndita. Aquí, el acercamiento que hace hacia la ciencia-ficción está cargado de cotidianidad, sin caer en los arquetipos de un blockbuster, sin abandonar nunca su naturaleza indie. Hay que saber ver más allá de sus referencias spielbergianas, las cuales son más accidentales que buscadas. Porque Nichols no es Spielberg, ni lo necesita. Tampoco lo intenta. Esto no es “Stranger Things”. Nichols no busca el homenaje. Y hay que acercarse a ella libre de estos prejuicios. Es más, hay que acercarse a “Midnight Special” con cierta predisposición por parte del espectador. Es mejor no saber demasiado sobre ella para dejarse llevar y disfrutarla.

Y he ahí una de sus poderosas armas. Su capacidad para no parecerse a nada ya visto, aunque ya lo hayamos visto antes. Es una obra personal e intransferible. Eso y la magnífica música de David Wingo, el elegante trabajo de su cineasta, y un reparto en estado de gracia, con dos de los mejores actores del panorama actual, Michael Shannon y Joel Edgerton, como cabeza de cartel, y una de esas actrices que con cada nuevo trabajo demuestra aún más si cabe su valía, Kirsten Dunst, sin olvidar a una de las estrellas de la función, al epicentro de la trama, el pequeño Jaeden Lieberher.

El resultado es una especie de traslación a la gran pantalla de uno de esos cómics que lee el pequeño Alton, una especie de “Cuentos Asombrosos” que atrapa con cada minuto que pasa, y que sigue la temática ya trazada por su realizador en sus dos anteriores obras. Porque en este especial de medianoche, lo que tenemos al fin y al cabo, es una figura paternal que trata de proteger a un hijo. Aunque ello implique perderle para siempre.

A favor: la naturalidad con que está abordada la propuesta, y lo mucho que su trama engancha

En contra: que haya quien no vea más allá de sus accidentales referencias

Calificación ****

No se la pierda

LA CRÍTICA. Star Trek: Más Allá

Esperanza en lo imposible

“Star Trek: Más Allá” comienza de manera contemplativa, con James T. Kirk echando la vista atrás y haciendo balance de una misión que se alarga ya tres años en el tiempo y que separa a toda su tripulación de sus familias.  No es extraño que la USS Enterprise afronte su nueva travesía de manera pausada, reposada, sin apostar por el non stop que suponían los comienzos de sus dos predecesoras. Porque a la creación de Gene Roddenberry le pesan los años tanto como a su ahora más experimentado y maduro capitán. Cincuenta, para ser exactos.

Y lo hace de manera nostálgica. Porque si bien no está a la altura de las dos anteriores, este nuevo salto hacia territorio inexplorado recupera buena parte de la esencia del referente catódico y la serie de películas original. Con un lavado de cara acorde a los tiempos que corren, por supuesto, y aunando el sentido del espectáculo con el que J.J. Abrams renovara la franquicia allá por 2009 con ese aroma a opereta especial tan encantadoramente geek que convirtiese al producto original en todo el fenómeno de masas que es hoy en día.

Todo en ella es distinto a lo que ya habíamos visto en los dos primeros capítulos. El guión se nota escrito por Simon Pegg por la predominancia de un humor de lo más inteligente y acertado, muy propio del comediante británico pero también de lo más trekkie, que tiene enormes aciertos como convertir a Bones y Spock en una nostálgica pareja cómica, y la ágil dirección de Justin Lin apuesta por pervertir las leyes físicas, concibiendo los escenarios como si de una cámara antigravedad se tratase, donde el arriba y el abajo se confunden continuamente. El villano cumple, el reparto mucho más –atención, porque aquí Chris Pine tiene más porte de capitán que nunca-, y la espectacularidad de las escenas de acción está garantizada. Y todo acompañado, por si fuera poco, por la excelente, y también reflexiva, partitura de Michael Giacchino.

Puede que haya quien eche de menos a Abrams y su manera de inyectar savia nueva a la saga, y quien se muestre temeroso ante la elección de Lin. Pero esta vuelta a los orígenes, pese a ofrecer algo ya visto, contiene la suficiente dosis de diversión como para hacer pasar el rato en una cartelera veraniega algo falta de entretenimiento con pedigrí de blockbuster. Y permite a su director, además, continuar con el discurso sobre la importancia de la familia que ya iniciase con “Fast & Furious”. Aquí a una escala mucho mayor. Interplanetaria. Así que tranquilos. Sus muchos problemas de producción no dañan el resultado final. La Enterprise sigue en buenas manos. A veces hay que mantener la esperanza en lo imposible.

A favor: la vuelta a los orígenes de la franquicia, pero sin dejar de lavarle la cara

En contra: que habrá quien eche de menos lo iniciado por sus dos predecesoras

Calificación *****

Imprescindible