LA CRÍTICA. Turbo Kid

El estallido de la vena ochentera

Llevamos un año de pura morriña ochentera, en todas sus variantes. La era de los sintetizadores, de las máquinas recreativas, de la serie B de la Cannon, del VHS –y del BETA, para los más puristas-, del cassette y las BMX. La ópera prima de los canadienses François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell, que es la versión en largo del cortometraje “T is for Turbo”, uno de los segmentos finalistas para formar parte de la antología “The ABC’s of Death”, completa una lista que conforman propuestas como “Mad Max: Fury Road”, “Kung Fury” o “The Guest”, todas ellas cintas que han reactivado ese sentimiento en el espectador a base de puro aroma ochentero de mayor o menor presupuesto y resultados artísticos, pero siempre enfocado en el entretenimiento del espectador y en ensanchar la vena retro que late en los cuellos de todos aquellos que nacimos o crecimos en esa época.

Una vena que “Turbo Kid” se encarga de hacer estallar del todo. No porque lleve hasta sus máximas consecuencias nuestra melancolía, sino por todo lo contrario. El film, un cuento distópico ambientado en un 1997 que se muere de sed y que sucumbe a la radiación, y que se podría resumir como una mezcla entre la saga “Mad Max” y “Los bicivoladores”, no acaba por explotar todo su potencial. Se conforma con despertar nuestra nostalgia a través de su genial, aunque demasiado omnipresente, banda sonora, a través de multitud de referentes cinematográficos y culturales hacia la generación a la que rinde tributo, y a través de un espíritu de serie B ochentero muy identificable.

Lo peor es esperar de ella otra “Kung Fury”, pero en versión extendida, y que el hype este año ya está por las nubes con este tipo de propuestas.  Le falta más humor, poner toda la carne en el asador y desmadrarse, y sobre todo se resiente por culpa de una historia que, pese a tener buenos detalles, pudo tener más gancho y estar más elaborada. Algunos pasajes de guión, como las motivaciones del cowboy más allá de su hermano y su relación con el villano, la revelación final sobre el agua, o la muerta inexplicable de algún personaje sintético, carecen del suficiente desarrollo, y algunas interpretaciones dejan bastante que desear. Sacrifica todo ello en pos de la nostalgia, en conseguir evocar una época, y lo logra tanto que realmente parece haber sido realizada en los 80. Pero no lo está, y cuando ya nos damos cuenta no le dejamos pasar sus defectos. Si fuera de los 80, la vena nostálgica dejaría pasar todo.

Ahora bien, no deja de ser un producto altamente disfrutable, que no se hace pesado y divierte. Un cóctel retro en el que vale de todo, desde coquetear con la ciencia-ficción hasta el anime, pasando por el cómic, la aventura, el romance, el western y el gore. Mucho gore. Litros de sangre y vísceras, efectos cutres pero adorables, una pareja protagonista aún más adorable –especialmente ella-, un villano de altura interpretado por el gran Michael Ironside, y cómo no, toneladas de nostalgia a borbotones. Para un tipo de público muy selecto, pero nostalgia al fin y al cabo. Aunque en este caso, la sobredosis no esté a la altura, y nos hagan preguntarnos si realmente merece la pena seguir rescatando una década que es mejor dejar descansar en paz.

A favor: su vena retro, la banda sonora, y su pareja protagonista

En contra: no acaba por explotar del todo su potencial

Calificación ***

                                                                                Merece la pena

LA CRÍTICA. Goodnight Mommy

El otro

De toda la filmografía austriaca reciente, quizá no podamos mencionar a un director más influyente que Michael Haneke, un cineasta que ha sabido como muy pocos jugar con el espectador para hablar de la violencia sin necesidad de ser violento, a través de atmósferas pulcras y enrarecidas –“Funny Games”- o distorsionando de manera inocente pero malévola a los seres supuestamente más puros del planeta, los niños –“La cinta blanca”-.  

A partir de ahora, habrá que recordar otros dos nombres surgidos del país europeo, pertenecientes a toda una sola de directores que han acuñado un nuevo cine de género en el continente. Con su ópera prima, Severin Fiala y Veronika Franz aúnan esa maldad inherente y cándida del cine de Haneke con las propuestas más salvajes de Fabrice du Welz o el terror galo.

Lo que plantean en “Goodnight Mommy” es un macabro cuento sobre las consecuencias del estrés postraumático en la mente infantil, en esos pequeños seres a los que creemos incapaces de la mayor de las atrocidades. Y se toma su tiempo para asentar sus bases. La película se divide en dos partes. En la primera la acción es pausada, pero nunca aburrida ni pesada, y sus directores la aprovechan para tejer esa atmósfera viciada por la que se mueven sus personajes, contrapuesta a la limpieza del blanco de las paredes de la casa de diseño en la que habitan. Juegan de manera extraordinaria con el público para hacerle ver fantasmas donde no hay más que drama familiar, para que acompañe a esos dos niños en la fantasía de que su madre –excepcional el trío protagonista- ha sido reemplazada por otra persona.

En su segundo acto, sus responsables pegan un sonoro golpe en la mesa, el cuento se va volviendo cada vez más oscuro para dar paso a la violencia,  y empiezan a coquetear con el torture porn, sin dejar el terror psicológico y el drama a un lado. Consiguen sembrar de manera excelente la duda en el espectador, hasta llegar a un final cuyo giro argumental quizá sea lo más forzado del conjunto por su elevada previsibilidad, además de algún detalle de guión poco explicado y explotado, como la figura del padre o la razón por la que permanecen los niños solos en casa en ausencia de la madre.  

Pero son detalles que afectan poco al resultado final. Lo que realmente resalta en “Goodnight Mommy” es su perturbador análisis psicológico de la maldad infantil y cómo focalizan los niños una tragedia en aras de dicha maldad. Un trabajo con claras reminiscencias a “El otro”, de Robert Mulligan, que es pura sutileza pero que a la vez presenta una crudeza difícil de digerir, y que obligará a seguir a sus creadores con lupa.

A favor: la atmósfera, la tensión que transmite, y cómo juega con el espectador

En contra: el giro final, previsible, y algún detalle de guión poco pulido

Calificación ***1/2

                                                                       Merece mucho la pena

LA CRÍTICA. Ex Machina

La búsqueda del arte automático

No todos los cineastas son capaces de abordar el tema de la Inteligencia Artificial sin desaprovechar los muchos interrogantes que éste es capaz de suscitar. El principal, por supuesto, qué diferencia a una máquina de un ser humano. “Autómata” o “Un amigo para Frank” son perfectos ejemplos recientes de cintas con grandes premisas pero discutibles resultados. Y tan complicado como esto es cómo abordarlo sin que las muchas referencias de más de un siglo de ciencia-ficción y fantástico pesen tanto sobre la espalda del producto que éste se acabe hundiendo. Desde la literatura hasta el cine, desde el “Frankenstein” de Mary Shelley hasta el “A.I.” de Spielberg.

La ópera prima del guionista y novelista Alex Garland, autor de los libretos de propuestas tan interesantes, algunas ya de culto, como “Dredd”, “Sunshine”, “28 días después” o “Nunca me abandones”, logra ambos aspectos a pesar de todo el cúmulo de referencias e ideas que construyen la historia. Lo que el debutante consigue con “Ex Machina” es un thriller de ciencia-ficción que divaga sobre el hombre convertido en Dios, sobre el Prometeo moderno que guía la conciencia de las máquinas, y sobre cómo éstas sueñan con el color que se esconde tras la monocromaticidad con que están pintadas las paredes que les encierran.

Es meritorio que su responsable logre con tan pocos medios un nivel técnico y artístico que roza la perfección desde los efectos especiales hasta el diseño de producción. Y es tan loable que consiga insuflar vida y ritmo a un producto que se desarrolla entre conversaciones sobre la ética y la moral, sobre lo humano y lo artificial, gracias a un guión y una dirección que resultan atractivas para el espectador por lo que se cuenta y cómo lo hace, y que pese a volverse previsible en cierto punto del relato, no deja de resultar interesante.

Influyen en ellos también unos actores comedidos y acertados. Oscar Isaac está correcto, como de costumbre, y Domnhall Gleeson esboza la que quizá sea la interpretación más repleta de matices y convincente de toda su carrera. Pero sin duda es ella, Alicia Vikander, la que llena de vida a su robótico personaje, la que sobresale por encima de sus compañeros de reparto y hace aún más recomendable esta película. Ella es el símbolo definitivo de la búsqueda de ese arte automático que servía como esencia del trabajo de Jackson Pollock. El perfecto equilibrio entre predeterminación y aleatoriedad. Entre programación y libre albedrío. Entre lo artificial y lo real.

A favor: Alicia Vikander, lo bien que aprovecha su premisa y que no palidezca frente a sus múltiples referentes

En contra: Cierta previsibilidad perdonable

Calificación ****

                                                                        No se la pierda

LA CRÍTICA. Sweet Home

Survival inmobiliario

El fantaterror español sigue en pleno proceso de transformación, algo que no ha dejado de hacer desde su mismo nacimiento. Cineastas como Miguel Ángel Vivas o Alfredo Montero llegan con propuestas enérgicas, angustiosas y que destilan puro amor por el género. Sus monumentales “Secuestrados” o “La cueva” son buena prueba de ello. La ópera prima de Rafa Martínez en la dirección también apunta en esta línea. Pero va más allá, porque consigue devolver a la gloria a Filmax tras el desastre económico –y de calidad para muchos fans- que supuso la última entrega de “[·REC]”. Martínez devuelve a la productora a aquel año 1999, cuando un desconocido Jaume Balagueró debutaba con la soberbia “Los sin nombre”, demostrando que la modestia era un arma más ingeniosa que la grandeza a la hora de concebir y contar una historia.

“Sweet Home”, tras sus créditos retro, comienza como un thriller de asalto a un domicilio típico. De hecho, recuerda a “Panic Room”, de David Fincher, pero llevando la acción a un edificio barcelonés en pleno proceso de desalojo, y ofreciendo la cara más brutal y siniestra de ese mal tan dramático y terrorífico que es el desahucio. Sin embargo, llegado un punto de la narración, ésta pega un giro que la hermana más con la nouvelle horreur vague francesa que con el cine de género patrio. Es entonces cuando se vuelve salvaje, gore, desprejuiciada, cuando Martínez demuestra todo el oficio que emana de su cabeza creadora, cuando el film muestra un pulso que la diferencia de otras propuestas nacionales similares.

Porque si algo destaca de esta película es su dirección. El manejo del espacio, de la cámara, de los recursos cinematográficos y de la atmósfera de los que hace gala “Sweet Home” hacen olvidar que su guión no sea todo lo robusto que podría haber sido, que sus personajes no acaben de transmitir una enorme simpatía al espectador –especialmente él-, que en algún momento se vuelva alto tópica –el verdugo que camina en lugar de correr tras sus víctimas, y aún así las alcanza- y condescendiente hacia el público –al fin y al cabo hay que vender- o que su opción doblada tire un poco para atrás. Da igual, pues la película entretiene, tiene una fuerza arrolladora en cada fotograma y consigue contagiar de pura tensión al espectador.

Pero no es sólo un film para fervientes seguidores del terror entendido como un enorme edificio de tres pisos que funcionan como los niveles de un videojuego, repleto de llaves a encontrar y pasadizos secretos a utilizar para escapar, y donde el humor negro avanza a ritmo de Mocedades. Más que un slasher, este survival inmobiliario está hecho para el público en general, para que pase ochenta minutos pegado a sus butacas. Y esto vuelve a unirla de nuevo a los productos de sus compatriotas, siempre más pendientes de lo que el público quiere ver en el cine antes que de mirarse en sus propios ombligos. Eso y el nacimiento de una nueva heroína española. Aquí no están Manuela Velasco, Marta Castellote ni Manuela Vellés. Lo que tenemos es a una descomunal Ingrid García Jonsson, convertida desde ya en la nueva reina del grito, y en una okupa de armas tomar.

A favor: la dirección, la tensión que transmite, e Ingrid García Jonsson

En contra: algunos tópicos y escollos de guión, y tener que verla doblada

Calificación ****

                                                                         No se la pierda

LA CRÍTICA. Let Us Prey

Líbranos de ella, Señor

Ya lo dice la Biblia. No habrá paz para los malvados. Ni los adúlteros, ni los sodomitas, ni los pervertidos sexuales, ni los cobardes y los crueles. No hay sitio para ellos en el Reino de Dios. Pero los pocos habitantes que parecen quedar en un fantasmal pueblo irlandés tienen una posibilidad para salvar sus almas, siempre que sea antes de la medianoche. Tienen unas pocas horas para huir de ese infierno en el que se ha convertido la tierra que pisan, para conseguir el perdón divino y ascender a los cielos.

“Let us prey” presenta su propio Apocalipsis terrenal enclaustrado en las paredes de una comisaría, donde policías y reos deberán ajustar cuentas si evitar la condena eterna. Una premisa interesante en cuyo desarrollo vemos destellos del cine de John Carpenter –el uso de la banda sonora y la propia historia, que recuerdan a “Asalto a la comisaría del distrito 13”-, de la polémica “Martyrs” o incluso algunos segmentos y planos que rememoran a “Los pájaros” o “El resplandor”.

Sin embargo, se queda en eso, en su premisa argumental. Más allá de las ingentes cantidades de hemoglobina que bañan sus imágenes más agradecidas, lo que realmente salpica de la ópera prima del cortometrajista Brian O’Malley es que no acaba de arrancar nunca. Sus primeros setenta minutos constituyen su carta de presentación, un prólogo que no se hace pesado pero en el que el espectador se pregunta hacia dónde tirará la historia. Y es en sus últimos veinte minutos cuando, en lugar de arrancar definitivamente y dejar clara su trama, se entrega sin complejos a un festival gore repleto de excesos y poco verosímil, donde la locura se adueña de la función y no se hace ningún intento por reconducir la historia.

Y es precisamente en ese exceso, y en las secuencias más sanguinolentas, es donde O’Malley deja claro su pulso narrativo. Se regocija en las muertes y en las escenas más creepy del producto. Porque buen trabajo de maquillaje hay. Pero lo demás tiene muy poca factura técnica. Está tan mal dirigida que incluso se ve la cámara en alguna ocasión reflejada en un cristal. Ni siquiera la imponente presencia de Liam Cunningham o el carácter comedido de Pollyanna McIntosh –el resto del reparto, horrible-, convertida en la heroína del conjunto, salvan a esta película del desastre. Merece arder en el fuego eterno. Y con ella, sus responsables. No hay sitio para ellos en el Reino de los Cielos. Ni creo que pretendan hacerse un hueco.

A favor: Liam Cunningham y Pollyanna McIntosh, y las escenas gore

En contra: todo lo demás

Calificación *

                                                                                       Ni se moleste

LA CRÍTICA. Ouija

Menos terrorífico que el juego de la oca

Más importante que el hecho de que Michael Bay esté detrás de la producción de “Ouija”, cuya alargada sombra estilística no asoma afortunadamente por ninguno de los fotogramas de la película, es el que tras ella también esté implicado Jason Blum, un hombre que ha hecho de la escasez de presupuesto y recursos una de las herramientas más poderosas del cine de terror reciente. Vale, puede que los guiones y los resultados finales de las distintas “Paranormal Activity”, “Sinister”, “Insidious” o “The Purge” no estén del todo equilibrados entre sí, pero no se puede negar que en cada una de estas producciones de Blum la economía de medios ha jugado a su favor a la hora de tirar de ingenio para activar los resortes más básicos que rigen el género.

No ocurre así con esta nueva propuesta. “Ouija” trata de advertirnos de los peligros que el mítico juego de mesa paranormal puede albergar, pero el debutante Stiles White ha recurrido a la opción B a la hora de manejar su discreto presupuesto, que pasa por explotar los tópicos del cine de terror hasta el extremo. Aquí lo que tenemos es una excusa, el tablero propiamente dicho, para servirnos una especie de slasher ochentero en el que un grupo de adolescentes cuyas vidas nos importan más bien un comino van cayendo uno tras otro a manos de un ente espiritual. Por supuesto, sin un ápice de tensión, sin ningún atisbo de originalidad y rellenando el metraje con unos cuantos sustos bastante efectistas pero muy poco efectivos.

Pero, lo peor de todo, sin que se vislumbre en ella ni un solo atisbo de ganas por parte de sus responsables. Lo que hay en “Ouija” es una absoluta indiferencia general, tanto en la aséptica puesta en escena, incapaz de provocar desasosiego pese a la práctica ausencia de luz durante su desarrollo, como en un guión tan lleno de tópicos como agujeros, con resoluciones tan apresuradas –ay, ese anticlimático final- y poco lucidas como las muertes de sus protagonistas.

Lo que queda es, sencillamente, la adaptación de un juego de mesa como bien podría haber sido el Hundir la Flota o el Monopoly, pero que dada su naturaleza es carne de terror. En el caso que nos ocupa, un terror aterciopelado, repleto de los tics habituales del género, sin sangre ni terror propiamente dicho. Ni la presencia sorpresa –siento el spoiler, pero a estas alturas lo mismo me da reventar la sorpresa- de Lin Shaye ayuda a que nos divirtamos un poco. Lo dicho, un juego para niños. Pero uno aburrido y soso, al que no dan ganas de jugar. Más terrorífico habría sido adaptar el juego de la oca.

A favor: la inesperada presencia de Lin Shaye, aunque se luzca más bien poco

En contra: todo

Calificación *

LA CRÍTICA: Purgatorio

Melancólico cuento de terror

Valiente y aleccionadora la forma de distribuir “Purgatorio”. Buscando más la exhibición y promoción de nuevos talentos que el éxito de taquilla, la película se ha estrenado en cines y de manera paralela, su realizador ha lanzado a la red un nuevo montaje del film en formato corto, dividiendo el original en cuatro partes de menos de media hora de duración cada una. Un cine adaptado a los tiempos que corren, una nueva forma de explotación que mira hacia el futuro de un arte que podría tener los días contados si se sigue entendiendo como mera carne de multisalas.

Pero también, la enésima prueba de que hay historias que no dan para más que un cortometraje. Ya lo demostró hace un año “Mamá”, el exitoso debut de los hermanos Muschietti, y ahora “Purgatorio”, con la que Pau Teixidor debuta en el largometraje. La historia es la misma, pero el montaje permite verla de manera diferente, y donde el largo pierde, el cortometraje gana con contundencia.

Ni siquiera es necesario ver “Purgatorio Redux”, aunque haciéndolo te haces una idea de cuál es el pie del que cojea su hermana mayor. La sensación viendo “Purgatorio” es la de corto estirado hasta la extenuación, la de una película que se ahoga a sí misma en los tiempos muertos, de film con demasiado material de relleno. La historia deambula entre el thriller psicológico, el drama, el terror y el suspense, y ofrece un perverso juego infantil de funestas consecuencias. Pero todas sus vertientes cinematográficas funcionan mejor por separado, y en conjunto chirrían a pesar de lo modesto de un metraje que a pesar de su corta duración, puede hacerse algo pesado en algunos pasajes.

Ahora bien, como toda ópera prima, sirve muestrario de lo que podría ser un director a tener en cuenta, un talento aún por pulir, o un cineasta que poco dará que hablar. Y tanto en un lado del espejo cinematográfico como en el otro, tanto en el corto como en el largo, Pau Teixidor apunta maneras. Domina de manera elocuente los mecanismos del thriller, del suspense y el drama, sabe generar la atmósfera idónea en cada situación, juega notablemente con el sonido, y dirige con solvencia a sus actores, especialmente a esa Oona Chaplin en pleno estado de gracia. Ella es el alma de este cuento al que algunos le achacarán la ausencia de perversidad y malicia, pero que funciona bien melancólico cuento de terror sobrenatural. Con sus más y sus menos. Con sus luces y sus sombras. Pero interesante. Y prometedor.

A favor: Oona Chaplin, y el descubrimiento de un cineasta a tener en cuenta

En contra: su historia no da para mucho más que un corto

Calificación **1/2

LA CRÍTICA: Las ventajas de ser un marginado

Podemos ser héroes

El instituto es una auténtica jungla, una jauría humana en la que los populares, los capitanes del equipo de rugby y las animadoras, van con los populares. Si eres un marginado, el instituto es una jungla en la que te enfrentas, al comienzo del curso, a 1384 días de supervivencia.

“Las ventajas de ser un marginado” comienza con una serie de clichés reconocibles y realistas, con esa jungla urbana a la que el protagonista Charlie, un chico poco dotado para las habilidades sociales y retraído, debe enfrentarse a diario. Forma parte de ese grupo de personas que está ahí, sin armar ruido, pero con algo interesante que decir. Hasta que encuentra a otros de su especie, dispuestos a acogerle, escucharle, y juntos sienten que pueden pasar a la eternidad.

En su debut tras la cámara, Stephen Chbosky se une a esa estirpe de escritores que, como Dito Montiel, deciden, por el bien de su obra, trasladar a la pantalla grande su exitosa novela, asumiendo totalmente el rumbo de la adaptación. Y no podría haber tomado una mejor decisión.

La adaptación de este éxito de crítica y de ventas se traduce aquí en un retrato de una generación soñadora, impulsiva y de gustos exquisitos –aunque no conozcan a David Bowie, ya les vale-, que cree que puede comerse el mundo ajenos a su sufrimiento, que aceptan el amor que creen merecer y que miran hacia adelante pensando que el pasado siempre queda atrás. Es mérito de su director y guionista haber convertido este relato, que en otras manos podría haber caído en más de un convencionalismo, en una mirada sensible y nostálgica a una etapa de la vida tan intensa y fugaz.

El film funciona a todos los niveles, desde su carácter indie, sin abusar de artificios estilísticos, hasta su guión, pasando por sus múltiples referencias musicales y literarias, y por un reparto en el que destacan Emma Watson y Ezra Miller, deliciosos y soberbios, capaces de comerse la pantalla. Emocionante, fresca, emotiva, evocadora... Estamos comenzando el año, y ya tenemos un film de altura, con un desenlace de una sutileza y sinceridad brutales, que no consigue romper el espíritu de estos marginados destinados a ser héroes, que lo suyo no es otra triste historia. Pero no héroes por un día, sino para siempre. Infinitos.

A favor: su mirada nostálgica y sensible hacia toda una generación, y el momento “The Rocky Horror Picture Show”

En contra: que sus protagonistas no conozcan a David Bowie, por decir algo

Calificación: ****1/2

LA CRÍTICA: Project X

La fiesta más salvaje del año

Cada generación tiene su propia comedia sexual adolescente. En los 70 surgía un clásico de la comedia americana titulado “Animal House” –en España conocida con el acertado título de “Desmadre a la americana”-, que venía a sentar las bases de un subgénero al que sucedieron referentes generacionales exitosos como “Porky’s”, “American Pie” o “Supersalidos”, que desgraciadamente dejaron por el camino otras obras destacables e injustamente olvidadas como “Ya no puedo esperar” o “Road Trip”. Pero, en clave de comedias desenfrenadas y alocadas, se escondía en cada una de ellas un fiel reflejo de la generación de adolescentes a la que retrataban.

Sólo el tiempo dirá si “Project X” es un divertimento pasajero a engrosar la lista o si bien merece ser considerada una pieza de culto más allá de los jóvenes que se dedican a copiar su espíritu: romper todas las reglas posibles organizando la fiesta más épica de la historia.

En su superficie, la película podría transcurrir perfectamente en una noche de resaca del trío protagonista de “Resacón en Las Vegas”, cuyo director, Todd Philips, es, casualmente, productor de la que nos ocupa. Lo que comienza siendo un proyecto de nombre más bien anecdótico –atrás queda esa Generación X a la que diseccionaba Ben Stiller en la estimable “Reality Bites”- acaba convirtiéndose en una fiesta fuera de control con adolescentes borrachos, drogas, chicas desnudas en una piscina en la que también tiene cabida un coche, un perro volador o un enano especialista en golpear las zonas bajas.

Pero, en esencia, viene a retratar con bastante acierto una generación perdida y desarraigada, adicta a las nuevas tecnologías –el uso del found footage, más que cambiar el estilo del género, es un recurso inevitable consecuencia de la cultura social actual-, hijos de unos padres excesivamente permisivos que no han sabido transmitir deberes, sino derechos. Y, claro está, una generación extremadamente salida, aunque en eso no hemos cambiado desde el clásico de John Landis.

Sin embargo, si bien da en la diana en su retrato generacional, falla estrepitosamente en su mensaje final, cuando llegan las consecuencias de esa bacanal imposible que, mientras dura, no deja de ser divertida si uno se deja llevar por la juerga. Las consecuencias de los actos del cuarteto protagonista en parte son realistas. La defensa de los padres hacia sus hijos, la actitud del padre que no riñe, sino que se sorprende de que su hijo perdedor haya sido capaz de montar semejante embrollo, el protagonista volviendo al instituto como un triunfador, consiguiendo incluso a la chica… Todo forma parte de una crítica hacia los fallos de la educación familiar moderna, lo cual está logrado, pero sus minutos finales parecen lanzar un mensaje subliminal de apoyo a la rebelión masiva. Un desenlace feliz muy forzado que, pese a su coherencia, parece transmitir la idea de que sus actos les harán ser héroes. Y este discurso, tengamos cuidado, es más incendiario que montar la fiesta más salvaje del año.

A favor: la desenfrenada fiesta, y que esconde bajo su superficie un acertado retrato generacional

En contra: el ambiguo mensaje subliminal de sus minutos finales, invitando a la rebelión adolescente

Calificación: ***1/2

LA CRÍTICA: Shevernatze

Interesante el punto de partida de esta ópera prima de Pablo Palazón, tanto como el hecho de que ha sido financiada con capital propio, sin ayudas externas de una industria en la que entrar no es fácil sin pasar por el aro. Un profesor de autoescuela decide emprender un viaje marcha atrás con su coche rumbo a Ávila por amor, encontrándose por el camino con un grupo de personajes de lo más variopinto, relacionados unos con otros mediante un nexo de unión mucho más fuerte y poderoso de lo que imaginan.

Dicho así, podría parecer una road movie al uso. Y sí, de road movie tiene mucho, pero de típica no tiene nada. Palazón ha preferido no sucumbir a los arquetipos de este tipo de películas y la prometedora premisa de la película no es más que un pretexto para sorprender al espectador a través de unas situaciones y personajes de lo más inesperados. Nada en “Shevernatze” es previsible, y los giros de guión aumentan conforme su ajustado metraje avanza.

Y es precisamente esta capacidad de sorpresa lo que puede desubicar a más de uno. Por encima de todo, lo que aquí priman son los personajes y las situaciones que protagonizan, muy bien hilvanados por el magnífico guión de Palazón y Carlos Yuste. Un guión que tiene hueco para la comedia, el amor, la esperanza, el suspense –magnífico McGuffin hitchcockiano el del hombre bomba siendo parado por los guardias, que evita que pensemos en a quién buscan realmente- y por el destino, materializado por ese imprescindible grito de guerra que compone su propio título. Unos personajes estrafalarios –el asesino en serie quizá sea el que más descoloca de todos- que protagonizan momentos de lo más surrealista y excéntrico, más en la línea de Kusturica que del costumbrismo patrio de Berlanga y compañía, que a algunos podrán resultarle ridículos, pero que tienen una razón de ser en ese universo que el cineasta ha presentado en su puesta de largo. Y es que si algo demuestra ante todo es su enorme capacidad para concebir pequeños relatos, como el programa de radio omnipresente durante toda la cinta.

Cómo no, no sería posible sin un reparto en estado de gracia. El gran Saturnino García y la prometedora Melani Olivares –cómo necesita urgentemente esta chica demostrar todo lo que vale fuera del personaje televisivo que le ha dado la fama- acompañan al rey de la función, el genial Jesús Noguera, en esta peli de carretera nada convencional y sorprendente a la que no todos le pillarán el punto. Los que sí lo hagan, encontrarán un nuevo término que defina esos instantes en los que las coincidencias se confunden con el destino. Porque sí, todo es posible en este mundo de aparentes casualidades, incluso encontrarnos a nuestro vecino en Helsinki.

A favor: unos personajes y situaciones mimadas, propias, salidos de un excelente contador de pequeñas historias

En contra: su propio surrealismo y su carácter estrafalario pueden no convencer a muchos

Calificación: ***1/2

"Shevernatze" se estrena en Internet de forma gratuita

Hace un tiempo hablaba de "Shevernatze. Una epopeya marcha atrás", película española de 2007 financiada íntegramente con capital privado y que tuvo una distribución limitada en salas, pero que aún así logró una considerable aceptación entre su público y varios premios en su paso por festivales. Ahora, gracias al productor Hugo Serra llega la noticia de que la cinta se ha estrenado en AutoEditados de forma gratuita, y si gusta, puede comprarse en DVD. Una oportunidad especial para ver este prometedor debut de Pablo Palazón protagonizado por Jesús Nogueras, Melani Olivares, Roberto Álamo y el gran Saturnino García. Para acceder al portal, basta con pinchar en el cartel de la película.

Teaser tráiler y póster de "Fin". La ficción española está de enhorabuena

La ficción española puede vivir un buen año con el aún reciente éxito de "Grupo 7" y las inminentes "The Pelayos" y "El cuerpo". "Fin" es otra muestra de lo que dará de sí el cine de género patrio este año, y demuestra con su póster y su teaser tráiler que apunta maneras. Dirige Jorge Torregrossa, un debutante que ya ha triunfado en la pequeña pantalla con series como "Tierra de Lobos" o "La señora" y en el cortometraje con "Mujeres en un tren" o "Verano o Los defectos de Andrés", campo en el que ha cosechado más de cien premios internacionales. Clara Lago, Andrés Velancoso y una de las mejores actrices de nuestra cinematografía, Maribel Verdú, conforman parte del reparto de esta adaptación de la primera novela homónima de David Monteagudo que gira en torno a un grupo de amigos que, tras quedar aislados, se va desintegrando por el camino de vuelta mientras un nuevo orden natural se impone. Se estrena el 31 de agosto, y en un año apocalíptico como este, lo cierto es que este primer avance llama mucho la atención. Por cierto, producen los mismos que hicieron posible "Ágora" y "Los ojos de Julia", y que también nos traerán "Lo imposible", de J.A.Bayona.

Teaser trailer de "El clan", debut del canario Jaime Falero

Jaime Falero es un director canario con una amplia trayectoria en el corto, la publicidad y el género documental. Ha tocado diversos palos, pero todos coinciden en un punto importante: el poderío visual que derrocha cada plano, confirmando a Falero como un cineasta potente y repleto de ambición artística. Para l@s que no le conozcan, les recomiendo su web, donde se pueden ver sus interesantes trabajos. Ahora salta al largo con la coproducción canaria "El clan", la historia de cuatro amigos que forman una protobanda criminal en los años 40, y a los que un mafioso de peso les encarga un peligroso trabajo. Una oportunidad que puede convertirse en su problema más gordo y cambiar sus vidas para siempre. Aquí tenemos el teaser trailer, donde le vemos muy bien rodeado de buenos actores -Octavi Pujades, Borja Elgea, Domingo de Luis, Francisco Vera, Beatriz Rico, Carlos Lasarte, Carla Sánchez y uno de sus fetiches, el gran Pepe Sancho-. Pese a lo modesto de la propuesta, rodada entre septiembre y octubre en Tenerife, apunta maneras. Habrá que seguirle la pista.

LA CRÍTICA

Hierro ****

Onírico viaje hacia la aceptación

No recuerdo un debut en la realización tan portentoso por la fuerza de sus fotogramas desde “Intacto”. Ya en sus primeros minutos, la opera prima de Gabe Ibáñez ofrece una secuencia de accidente rodada con total pulcritud y preocupación por los detalles, imágenes todas que sacuden al espectador en la butaca. Hasta en eso podría asemejarse a la primera incursión en el largo de Fresnadillo, en aquella escena del “Ya no te quiero” de Mónica López y que demuestra que no estamos ante algo ya visto.

Lo que viene a continuación quizás roce demasiado los lugares comunes en su historia y pueda resultar, especialmente en el tramo final, a ratos previsible: una madre que pierde a su hijo a bordo de un ferry le busca desesperadamente por la isla a la que viajaba cuando recibe la noticia de que han encontrado el cuerpo de un niño. Trastornada, con una patológica fobia surgida a partir del incidente, María irá desarrollando un profundo estado de paranoia que se acentúa con unas pesadillas que no le dejan pegar ojo.

Pero Ibáñez tiene el suficiente talento como para convertir una historia muy típica en algo totalmente distinto. Es aquí cuando conviene dejar claro lo que el espectador se encontrará al ir a ver “Hierro”. No estamos ante un filme de terror al uso, que es lo que puede desprenderse de su campaña publicitaria, sino ante un thriller psicológico sobre cómo sobreponerse a la pérdida de un ser querido, un viaje onírico hacia la aceptación de la cruda realidad de una madre que debe aprender a vivir con sus propios fantasmas.

Lo que importa en “Hierro” no es lo que se cuenta. De hecho, si analizáramos su argumento y su desarrollo nos encontraríamos ante un telefilme de sobremesa, un dramón para ver y olvidar por su concurrencia de lugares y situaciones comunes. Hasta sus pocos golpes de efecto pueden resultar de manual cinematográfico si no fuera porque lo que impera es el cómo contar la historia, apartado en el que Ibáñez demuestra ser un as de la realización, convirtiendo un trabajo de encargo en algo propio. Tanto las pesadillas de su protagonista como el resto de la cinta poseen una potencia impropia de un debut.

Una pena que este deslumbrante salto al largo de un curtido especialista en publicidad y efectos especiales y director del desconcertante cortometraje “Máquina” no haya entrado finalmente en los Goya de este año. Habría recibido como mínimo nominaciones a los efectos especiales, el sonido, la banda sonora, la fotografía, el montaje, la dirección novel y por supuesto una nominación para Elena Anaya, sobresaliente en su interpretación, la mejor de su carrera, ya recompensada en el último festival de Sitges. Ella lleva buena parte del peso de esta película. La otra parte se la lleva la buena mano de su director para crear imágenes sugerentes, inquietantes, que no parecen aportar nada salvo dosis de tensión pero que nos obligan a recordar su nombre en el futuro.

A favor: una estupenda Elena Anaya en la interpretación y Gabe Ibáñez en la realización

En contra: habrá quien vaya a verla pensando que es un filme de terror al uso

LA CRÍTICA

Paranormal Activity **

Hoy en día es relativamente fácil hacerse un hueco en el cine. Gracias a la era Internet, a portales como Youtube y a un poco de ingenio –tampoco hace falta ser un genio- se puede conseguir que un debut con muy pocos medios se convierta en todo un éxito. Así le ha ocurrido a Oren Peli, que con tan solo quince mil dólares ya ha superado la barrera de los cien millones de recaudación. Cuando el boca-oreja hace que millones de espectadores acudan en masa a las salas, cuando las grabaciones en los cines, todo un ardid publicitario, muestran cómo muchos brincan en sus butacas y cuando se rumorea que incluso el mismo Spielberg intentó deshacerse de ella tras verla debido al horror que le causó, es que algo debe ocurrir con esta película. Eso o que el marketing viral, esta vez basado en la ingeniosa estrategia de la proyección bajo demanda, hace milagros -no olvidemos la reciente “District 9”-.

El problema fundamental de este tipo de publicidad es que crea tal fenómeno en torno al producto que éste debe finalmente ser de una calidad tal que cubra todas las expectativas. Y es ahí donde falla precisamente “Paranormal Activity”. No es que carezca de sustos, de memorables golpes de efecto -en especial el relativo a una escena en concreto, que según el espectador puede poner los pelos de punta o bien provocar la risa burlona-, pero el conjunto se puede tachar de decepcionante tras meses de intensa campaña publicitaria.

“Paranormal Activity” sigue el esquema de reality que inaugurara de manera sobresaliente “El proyecto de la bruja de Blair” hace justo una década. La tensión que crea restringir el ángulo de visión al objetivo de una cámara de vídeo juega en su favor en ese conjunto de secuencias nocturnas que componen lo mejor de la película, en las que Peli juega inteligentemente con el miedo que todos hemos sentido alguna vez en nuestra vida al oír pasos en casa a medianoche y al sentir presencias extrañas en nuestra habitación. Y poco a poco se va adentrando sutilmente en lo desconocido hasta su impactante final, pero nunca sin mostrar al verdadero causante de esos fenómenos paranormales que sufre en sus carnes, nunca mejor dicho, la pareja protagonista, actores puramente amateurs que consiguen transmitir cierta empatía hacia el público.

Debemos dar dos palmaditas en la espalda al director por haberse abierto camino poco a poco tras dos años paseando su trabajo por diversos certámenes hasta alcanzar el arrollador éxito que ha logrado. Pero a la vez debemos darle dos sonoras collejas por haber hecho un filme tan decepcionante, y lo que es peor, tan esquemático y previsible en su desarrollo. Porque si algo aburre de “Paranormal Actitivy” no es que en buena parte de su metraje no ocurra gran cosa –en realidad, las grabaciones caseras ajenas a la trama resultan hasta frescas y naturales-, sino que se repite más que el ajo. A cada una de las noches en las que ocurren fenómenos inexplicables suceden esas escenas diurnas en las que la pareja comenta lo ocurrido la noche anterior. Y con esto, el espectador ya sabe a qué atenerse y por dónde irán los tiros.

Pero todo esto dependerá del tipo de espectador que la vea. Yo por mi parte reconozco haberme sobresaltado y puesto de los nervios por culpa de alguna de sus sesiones nocturnas. Invito a que la vean a oscuras, de noche y sin compañía, a ver si vuelven a escuchar los sonidos de nuestra casa de la misma manera.

A favor: las secuencias nocturnas, y una en concreto

En contra: que tras tanta expectación, decepciona