LA CRÍTICA. Steve Jobs

El hombre tras la cortina

Genio, visionario, innovador, profeta… Pero también egocéntrico, déspota, manipulador. Muchas veces, son las mentes que reúnen los mejores y los peores apelativos las que hacen girar el mundo con cada decisión que toman.  Steve Jobs era una de esas mentes. Como Alan Turing, Pablo Picasso, o el mismísimo Dios. Jobs se permitía compararse con todos ellos. Porque al fin y al cabo, todos compartían una característica: es indiferente cuán despreciables fueran en la intimidad, pues su repercusión para la historia fue tal que millones de personas seguirían adorándoles a pesar de ello.

Esta película es un retrato del hombre tras la imagen pública. Del padre egoísta, del ególatra que nunca reconocía cuándo se equivocaba, del rey en su torre de marfil, convencido de ser el ombligo del mundo. Un retrato expuesto de una manera poco explotada por los biopics de nuestros días. Se agradece que no cuente la niñez, el ascenso y la caída del mito. En su lugar, escoge tres momentos de su vida, el lanzamiento de tres de sus productos estrella, y hace desfilar ante él a amigos, ayudantes y familiares antes de salir a escena a presentar sus creaciones.

Danny Boyle deja aparcados sus excesos cinematográficos para darnos el que es, sin lugar a dudas, el trabajo menos personal de toda su carrera. Sólo intuimos su mano para el montaje y la narración en las transiciones temporales y en alguna que otra selección musical. Pero lo hace por una razón lógica. El cineasta británico prefiere dejar respirar a los actores, y especialmente a un Michael Fassbender que no se preocupa por imitar a su personaje, pero que aún así borda su interpretación, excelentemente secundado por Kate Winslet y Jeff Daniels, entre otros.

Pero sobre todo, Boyle sabe que en este film lo que impera es el guión. A Aaron Sorkin le bastan tres segmentos para psicoanalizar a su protagonista, en uno de los libretos más brillantes de los últimos tiempos. Cada frase en manos del responsable del guión de “La red social” o la televisiva “El Ala Oeste de la Casa Blanca” es oro puro, y el director sabe que cada línea de diálogo debe hablar por sí sola, sin artificios ni alardes de montaje.

“Steve Jobs” es, en resumen, más obra de Sorkin que de Boyle. Habrá quien critique esto último, por ser un vehículo para el lucimiento del guionista y de Fassbender, en el que el director asoma tímidamente la cabeza de vez en cuando. Habrá quien la tilde de lenta. De hecho, no es una cinta pensada para aquellos que se duerman con largas escenas de diálogos sin cesar. Más de uno preferirá incluso otro estilo de biopic, y no la estructura episódica que nos propone. Pero al final resulta muy superior a aquel telefilm de hace unos años cuyo único reclamo era el parecido físico entre Ashton Kutcher y el hombre tras la cortina.

A favor: Michael Fassbender, el guión de Aaron Sorkin y su estructura

En contra: habrá a quien le sature tanto diálogo; Danny Boyle al servicio del guión

Calificación ****

No se la pierda 

AVANCES. Tráiler de "Steve Jobs", de Danny Boyle

Solamente habíamos podido ver imágenes y un primer teaser que sabía a poco. Por fin, Universal ha lanzado un tráiler completo de “Steve Jobs”, el biopic de Danny Boyle con guión de Aaron Sorkin sobre el genio tras Apple, y ahora no sólo podemos ver más sobre el trabajo de caracterización de Michael Fassbender, sino también el toque particular para el montaje de su director. Además, no estamos ante un biopic al uso, sino que se centra solamente en tres momentos de su vida, en tres escenas durante las cuales fue el padre creativo de algún producto, ofreciendo más bien un "detrás de las cámaras" del proceso creativo. Completan el reparto Kate Winslet, Jeff Daniels, Seth Rogen y Katherine Waterston. Se estrena el 9 de octubre en Estados Unidos.

AVANCES. Primer teaser tráiler de "Macbeth", con Michael Fassbender

Llevan meses asaltándonos con imágenes y noticias de todo tipo, que comprenden también las excelentes críticas que cosechó en el pasado Festival de Cannes. Por fin podemos ver un avance del “Macbeth” de Justin Kurzel con Michael Fassbender y Marion Cotillard, y la sensación no podía ser más positiva. Un tráiler intenso, dramático e inquietante para un film que adapta la obra homónima de William Shakespeare, en la que un general, con la ayuda de su esposa, asesina al rey y usurpa el trono sólo para verse invadido por la paranoia y la locura. Las interpretaciones de los dos actores lucen grandiosas en un título del que aún desconocemos su fecha de estreno, pero que prácticamente, con total seguridad, será uno de los platos fuertes de la próxima carrera al Oscar.

AVANCES. Primer tráiler de "Steve Jobs", de Danny Boyle con Michael Fassbender

Tras muchos problemas en su producción –desde la elección del protagonista, para el que se barajaron nombres como el de Christian Bale o Leonardo DiDiCaprio, hasta el director, con el nombre de David Fincher sonando con enorme fuerza-, “Steve Jobs” ha llegado a buen puerto. Ha sido de la mano de Danny Boyle con Michael Fassbender como protagonista. El film llegará el 9 de octubre, preparado para la carrera por el Oscar, y aunque este primer avance apenas muestre nada del trabajo de Fassbender, nadie duda de que lo va a clavar. Le acompañan Kate Winslet, Seth Rogen y Jeff Daniels. Vía Collider. 

LA CRÍTICA. Frank

La realidad dentro de una cabeza de papel maché

Es, posiblemente, la película más extraña del año. Hilarante, ridícula, friqui, un poco hipsterica,… pero con los pies en la tierra. Una comedia negra y algo bizarra que funciona a la vez como relato de la experiencia del guionista Jon Ronson como teclista de la banda de Frank Sidebottom, y como homenaje de la figura de su líder, Chris Sievey, que hizo de una enorme cabeza de papel maché epicentro de la música pop indie de los 70.

La descomunal cabeza de Frank, personaje que viene a confirmar que Michael Fassbender es uno de los mejores actores de su generación, aunque no muestre su cara, es un agujero negro de creatividad y talento que engulle todo lo que le rodea, el linde entre lo racional y la locura, vocalista de una banda de desequilibrados que tiene en su propio desequilibrio mental su reducto de estabilidad. En eso y en la música, siguiendo la máxima de que todo puede ser motivo de inspiración en la búsqueda de esa inspiración oculta en los rincones del alma.

La película de Lenny Abrahamson acierta a la hora de presentar una historia tan aparentemente absurda caminando siempre sobre esa fina línea que separa la genialidad de la chorrada más absoluta. Porque de eso trata “Frank”. Ya sea desde el punto de vista de esas redes sociales marcadas por los trending topics y la cantidad de seguidores, o del aspirante a músico que ve en el grupo, y en su cabeza líder, la oportunidad de hacerse famoso, lo que viene a exponernos la cinta es el irremediable choque entre la mediocridad y el talento, el culmen de la banalización de las masas hacia los productos supuestamente estrafalarios y el afrontamiento de una realidad que es más llevadera a través de los ojos de una cabeza postiza.

Pero “Frank” es tan rara que exige por parte del espectador que saque su vena más marciana para no catalogarla de auténtica ida de olla intranscendente. Es un experimento, y como tal requiere de un salto de fe, de dejarse llevar por su estridente banda sonora –magistral la mejor canción que Frank haya hecho nunca, su canción sumamente atractiva-, por su viaje de atmósferas cambiantes -perfectamente fotografiadas Irlanda y Texas-, y por esta panda de inadaptados entrañables que a ojos del mundo son tratados como dementes. Y no olvidemos que a Newton, Van Gogh o Beethoven también los tomaron por locos.

A favor: lo bien que transita la fina línea que separa la chorrada de la genialidad; un Michael Fassbender rotundo hasta con máscara

En contra: hay que ser muy marciano para pillarle el punto

Calificación ***1/2

LA CRÍTICA: Prometheus

Jugando a ser dioses

Ridley Scott no es un dios, pero puede permitirse jugar a serlo con su criatura más famosa, aquella que marcó un antes y un después en la historia del cine, de la que salieron otras honorables monster movies de los 80 como “La cosa” o “Depredador”.

No es casualidad que todo en “Prometheus” gire en torno al relato mitológico que da nombre a la nave que emprende ese viaje a los confines del universo en busca de una respuesta acerca del origen de la Humanidad. Scott parece hablar de sí mismo, de su condición de amo y señor de la función, a través de sus personajes, a través de esos humanos deseosos de conocer a sus creadores –entre ellos su protagonista, una correcta Noomi Rapace- o a través de ese carismático robot llamado David –tremendo Michael Fassbender, que una vez más demuestra que su talento no es humano-, al que sus compañeros de expedición no paran de recordarle su condición artificial.

Pero, como en el mito de Prometeo, jugar a equipararse a los dioses tiene sus consecuencias, en forma de castigo divino hacia los protagonistas de la cinta y hacia el propio director. El hecho de que el realizador británico vuelva a los orígenes de su mito constituye un inevitable hype en sí mismo, alimentado por meses y meses de marketing viral que no han hecho más que hinchar un globo que puede correr el riesgo de desinflarse. Por este motivo, mantenerse al margen del fenómeno es tremendamente complicado, pero recomendable si no quieren generarse demasiadas expectativas. Sin embargo, incluso logrando este último objetivo, su “Prometheus” no es todo lo redondo que podría haber sido, por culpa de un guión con tantos altibajos que impiden que la película acabe de despegar. Su endeble libreto, pese al oficio del cineasta –faltaría más, lleva el suficiente tiempo en la industria como para saber lo que hace, y técnicamente es impecable, además de dejar algunas secuencias para el recuerdo-, impide que te identifiques con su trama, que te intereses por lo que te está contando. Y lo peor que puede pasarte al finalizar una propuesta como la que nos ocupa es que no pare de rondarte por la cabeza la pregunta “Vale, muy bien, ¿y?”.

Su discurso, aunque desaprovechado, es interesante. Una vez encajan las piezas, y pese a plantear preguntas que en absoluto son determinantes para entender la cinta, la historia global no está a la altura de los enigmas. Aún así, el esfuerzo es loable, pues si dos cosas son realmente reseñables de “Prometheus” son, por un lado, que se atreva a expandir el universo “Alien” –en este sentido, los diseños de H.R.Giger vuelven a tomar protagonismo en todo su esplendor-, con el que guarda numerosos puntos en común, incluso en la casi copiada estructura narrativa. Y, por otro lado, que rinde homenaje a la ciencia-ficción clásica, de serie A, B o Z, desde “Planeta prohibido” hasta “Terror espacio”, pasando por “2001” –ese David que remite directamente a HAL 9000 o la búsqueda del origen de la especie- o la misma “Blade Runner”.

Es posible que esté pecando de la misma falta de visión que hizo que en su momento la crítica denostara “Blade Runner” y “Alien”. Si es así, el tiempo pondrá las cosas en su sitio. Por ahora, el castigo que ha recibido Scott de su criatura es más que merecido.

A favor: su factura técnica, Michael Fassbender y sus ecos a la ciencia-ficción clásica

En contra: el guión, lamentablemente, no se sostiene

Calificación: **1/2

LA CRÍTICA: Shame

Del hambre a la vergüenza

Nueva York, esa gran urbe de enormes edificios y no menos enormes espejos. Una ciudad repleta de máscaras, de cuerpos que desfilan sujetos al enfoque moral del mundo, obligados a ensayar ante el espejo la mejor de sus sonrisas. Y en realidad, Nueva York es como cualquier otra ciudad del mundo.

Si a finales de los 80 fue la morada de un tiburón de Wall Street sin alma obligado a rellenarla de cadáveres, en pleno siglo XXI es la cuna de un distinguido hombre de negocios, pulcro y elegante, de mirada y sonrisa magnéticas, milimétricamente estudiadas, que llena su alma de una manera menos sangrienta. Bajo esa máscara, nadie sospecharía que Brandon Sullivan es un tiburón hambriento de sexo, inquilino de un apartamento sin personalidad, sin adornos, repleto de revistas y vídeos pornográficos, que juega al cruce de miradas de una manera fría, viendo primero el cuerpo y no la persona en los demás. Brandon es un adicto, y no será hasta la llegada de su no menos promiscua e inestable hermana, que su rutina se rompa –magistral la escena inicial, que plasma la cotidianeidad con que Brandon vive su adicción- y que el hambre que le corroe por dentro se transforme en vergüenza.

En su segunda película, Steve McQueen muestra una coherencia pocas veces tan palpable en un nuevo cineasta. En primer lugar, desde el punto de vista narrativo. McQueen es un esteta, pero un esteta nada petulante, amante de los planos secuencia y los planos fijos de varios minutos, un cineasta elegante, metódico, y un excelente director de actores. Es capaz de filmar un extenso travelling persiguiendo a un personaje por las calles neoyorquinas y llenarlo de tantas lecturas como la más potente mirada a cámara.

Pero en segundo lugar, y tan importante como su gran pulso como cineasta, es su coherencia temática. Porque si en “Hunger”, Michael Fassbender llevaba su físico hasta el límite para conseguir trascender las paredes de la celda en la que se encontraba, en “Shame”, la prisión del mismo Fassbender es su propio cuerpo. Y más difícil todavía es el hecho de lograr no juzgarle moralmente por ello.

No sólo la dirección de McQueen es el punto fuerte de un film tan elegante y sobrio como este. Fassbender es el alma de la película, un actor tan rotundo que es capaz de desnudar al espectador con su mirada a la vez que se desnuda sin pudor ante la cámara, protagonizando algunas de las escenas de sexo más incómodas de la historia del cine, tan impersonales como su mismo personaje, y nada acompasadas con sus parejas. En este sentido tenemos otra escena magistral, la que tiene lugar con la compañera de trabajo, que demuestra su incapacidad para relacionarse emocionalmente a través de una secuencia de sexo entre dos personas que se mueven a distinto ritmo, y que marca su infructuoso intento de escapar de su descenso a los infiernos.

Pero todo son grandes momentos en esta película, a pesar de un tramo final que peca de ser extremadamente dramático y pasional comparado con el resto del metraje, caracterizado por un ritmo pausado y paciente. Es precisamente dicho ritmo, su contundencia y dureza y la imposibilidad de simpatizar con sus personajes –en realidad, está hecho adrede-, por culpa de un guión quizá demasiado hermético y cerrado en algunas de sus premisas –no conocemos realmente la relación con su hermana, interpretada por una brillante Carey Mulligan, ni su pasado, aunque podamos intuir cierta tensión sexual y represión socioambiental derivada de su procedencia irlandesa-, lo que puede impedir a más de uno entrar de lleno en ella, disfrutarla por completo.

Pero, a pesar de esta falta de complicidad con el espectador, que no busca en ningún momento, y más allá de la mera adicción al sexo, “Shame” habla, como su mismo título indica, de la vergüenza. Esa vergüenza que la sociedad hace sentir al que se masturba a solas en la ducha y consume pornografía, etiquetándoles como enfermos, mientras el padre de familia que comete una infidelidad no debe sentir arrepentimiento alguno. Ante esto, al solitario solo le queda sentir vergüenza ajena y salir a correr por la ciudad. Una ciudad como Nueva York, que en realidad, podría ser cualquier otra.

A favor: Michael Fassbender, y la elegancia de McQueen en la dirección

En contra: su probable incapacidad para conectar con más de uno

Valoración: ***1/2

Nuevo viral de "Prometheus". Les presentamos a David 8

Aquí tenemos a Michael Fassbender de rubio, caracterizado como su personaje en “Prometheus”, el androide David 8, la nueva generación de robots de Weyland Corp., esa empresa que vincula lo nuevo de Ridley Scott con su clásico “Alien”. No sólo tenemos su cartel, sino un vídeo viral que es para rasgarse las vestiduras. Soberbia la campaña de marketing viral que se está haciendo con este filme. 

Premios de la Asociación de Críticos de Detroit: "The Artist" suma un triunfo más

Hace unos días conocíamos las nominaciones de los críticos de Detroit. Las lideraba "Take Shelter", que finalmente se ha ido prácticamente de vacío. En su lugar, ha vuelto a triunfar "The Artist", que se ha llevado los premios a mejor película y director. En el apartado interpretativo, "Shame" logra dos galardones, actor para Michael Fassbender y actriz secundaria para Carey Mulligan (primero de la crítica que gana en esta carrera de premios), y "Beginners" el de actor secundario para Christopher Plummer, que sigue confirmando ser el gran rival de Albert Brooks, mientras que Michelle Williams se hace con el de actriz. Destacar el premio a actriz revelación para Jessica Chastain por tres filmes, incluido "Take Shelter", y el de mejor reparto para "Carnage (Un dios salvaje)".

MEJOR PELÍCULA: The Artist

MEJOR DIRECTOR: Michel Hazanavicius (The Artist)

MEJOR ACTOR: Michael Fassbender (Shame)

MEJOR ACTRIZ: Michelle Williams (My Week with Marilyn)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Christopher Plummer (Beginners)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Carey Mulligan (Shame)

MEJOR REPARTO: Carnage

MEJOR ACTOR/ACTRIZ REVELACIÓN: Jessica Chastain (The Help/Take Shelter/The Tree of Life)

MEJOR GUIÓN: Aaron Sorkin & Steven Zaillian (Moneyball)

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL: Tabloid

Noticias en Cadena

Ya van varias semanas sin encadenar noticias, y ya va siendo hora. Que se acumulan. Allá vamos.

-Esta semana ha salido una de las imágenes más esperadas, la de Daniel Day-Lewis caracterizado como Abraham Lincoln en el biopic que prepara Spielberg.   La cinta, que llegaría a los cines de todo el mundo a finales de 2012, arrancaría su rodaje a primeros de enero aunque Daniel Day-Lewis ya hace tiempo que se habría sumergido en el personaje:, según cuenta el periodista de Variety Jeff Sneider, Day-Lewis solo habla con el acento original de Kentucky del que fuera primer presidente republicano USA desde el pasado mes de marzo. Aún sin caracterizar, el parecido de Day-Lewis con Lincoln es asombroso. Sally Field, Joseph Gordon-Levitt, Tommy Lee Jones, James Spader, John Hawkes y Jared Harris, confirmado como Ulysses S. Grant esta misma semana, completan el reparto.

-Otras imágenes hechas públicas son las de Elijah Wood como protagonista deremake de la película de terror de 1980, 'Maniac', un thriller que en esta ocasión será dirigido por Franck Khalfoun y escrito y producido por el director de 'Piraña 3D', Alexandre Aja. El rodaje de esta producción ya ha comenzado y ya podemos mostrarles las primeras imágenes del set (tras el salto), en las cuales vemos a Wood en el papel de Frank, un tipo solitario que trabaja en una tienda de maniquíes antiguos de día y que por la noche se dedica a matar a mujeres indefensas, debido en gran parte al odio que procesa a su madre, la cual abusaba de él cuando era niño. La cinta llegará a los cines en 2013.

- Seguimos con Álex de la Iglesia, que no para. Tiene pendiente de estreno "La chispa de la vida", que llega a las salas este mismo mes, y ya tiene nuevo proyecto. Según informan los compañeros de El Blog del Cine Español, tiene los ojos puestos en "Las brujas de Zugarramurdi", una comedia de terror que entre otros protagonizarán Carmen Maura, Carolina Bang, Terele Pávez y Hugo Silva, y que se inspirará en un hecho real ocurrido en el año 1610 en Logroño, cuando a través de un Auto de fe la Inquisición procesó a 53 vecinas de Zugarramurdi acusadas de ser brujas, de las que 11 fueron condenadas a morir en la hoguera: 7 de ellas quemadas vivas y otras 5 ya fallecidas.

Este auto fue el último celebrado contra la brujería, un siglo antes que en el resto de Europa, gracias a la tenacidad del Alonso de Salazar Frías, uno de los inquisidores del proceso, quien tras estudiar todo el sumario concluyó que los acusados de brujería habían sido procesados "injustamente", ya que las ejecuciones se basaron en la mayor parte de los casos en testimonios basados en supersticiones y envidias que eran poco o nada fiables. En 1614, la Inquisición decidió que no se hablara más del asunto. Enrique Cerezo será uno de los productores de este proyecto que trasladará la acción a la actualidad y cuyo rodaje se anuncia para esta misma primavera, por lo que su estreno cabe esperarlo entre finales de 2012 y principios de 2013.

- Finalmente habrá adaptación cinematográfica de "24", la serie que encumbró a Kiefer Sutherland al universo fan, y que acabó, en mi opinión, demasiado abruptamente. Deadline informa que FOX planea empezar el rodaje en la primavera del año que viene, con Sutherland como protagonista, claro está. Será en cuanto acabe el rodaje de la nueva serie que estrenará la cadena FOX, "Touch", protagonizada por el actor. El nuevo guionista elegido ha sido Mark Bomback, que tiene experiencia en esto de los thrillers de acción. Buena muestra de ello son los solventes libretos de "La Jungla 4.0" o "Imparable", y últimamente se le vincula con la reescritura de "Wolverine", la vuelta de "Lobezno" al cine de la mano de James Mangold.

Dos malas noticias relacionadas. Primero, los responsables de las tramas de la serie original no estarán implicados finalmente en el guión ni la historia, y espero que Sutherland no acepte cualquier cosa en pos del dinero y haga que se respete al material de partida. Segundo, habrá que reajustar las 24 horas en un día con Jack Bauer a dos horas de metraje, perdiéndose totalmente la novedad de la serie y dejando de lado el uso del tiempo real.

- Benicio del Toro se ha apeado de "Star Trek 2". Según informa Vulture, el actor y la Paramount no se han puesto de acuerdo en los términos económicos, por lo que no le veremos como villano de la secuela del éxito de JJ Abrams. Lo que sí aseguran algunas fuentes es que el villano será el mítico Khan, interpretado por Ricardo Montalbán en 1982 en "La ira de Khan". Quien sí estará es Peter Weller, el famoso "Robocop" original, quien últimamente se ha dejado ver en la pequeña pantalla en otro proyecto de Abrams, "Fringe", y también en "Dexter" y "24". Ahora bien, no se sabe qué papel interpretará.

- De ciencia-ficción a ciencia-ficción, y tiro porque me toca. Al productor Neal Moritz no le basta con remakear "Desafío Total". Se ha fijado también en la políticamente incorrecta "Starship Troopers", del mismo realizador, Paul Verhoeven. Vulture asegura también que los autores del guión de "Thor" y "X-Men: First Class", serán los encargados de la nueva versión. Sus nombres son Ashley Edward Miller y Zack Stentz, y han estado implicados también en algunos episodios de "Fringe" y "The Sarah Connor Chronicles".

- Inicialmente iba a ser Christian Bale, pero ahora Variety informa de que Darren Aronofsky se está fijando en el actor de moda, Michael Fassbender, para interpretar a Noé en la ambiciosa "Noah", una cinta épica que contará la construcción de la famosa arca biblíca. “Desde que era niño, me he sentido conmovido e inspirado por la historia de Noé y el viaje de su familia. La imaginación de incontables generaciones han sido desatadas por esta historia épica de fe. Es mi esperanza que pueda presentar una ventana a la pasión de Noé y perdurarla en la gran pantalla”, dijo Aronofsky sobre esta producción de Paramount Pictures y New Regency Productions.

Premios BIFA: "Tyrannosaur" puede con "Shame" y "El topo"

La carrera de premios sigue con los BIFA, los galardones concedidos al cine independiente británico. Y aunque "El topo" y "Shame" partían como favoritas, rivalizando entre sí, ha sido "Tyrannosaur", ópera prima de Paddy Considine, la gran triunfadora con tres estatuillas: película, dirección novel y actriz para Olivia Colman. "Shame" se ha tenido que conformar con el de mejor actor para Michael Fassbender, casi nada.

- Mejor película: Tyrannosaur de Paddy Considine.

- Mejor dirección: Lynne Ramsay por We Need to Talk About Kevin.

- Mejor actor: Michael Fassbender por Shame.

- Mejor actriz: Olivia Colman por Tyrannosaur.

- Mejor actor de reparto: Michael Smiley por Kill List.

- Mejor actriz de reparto: Vanessa Redgrave por Coriolanus.

- Mejor guión: Submarine de Richard Ayoade.

- Mejor dirección novel: Paddy Considine por Tyrannosaur.

- Revelación: Tom Cullen por Weekend.

- Mejor producción: Weekend.

- Premio Raindance.Concedido a los cineastas que trabajan contra las cuerdas: Leaving Baghdad de Koutaiba Al-Janabi.

- Mejor contribución técnica: Maria Djurkovic por la dirección artística de El Topo.

- Mejor documental: Senna de Asif Kapadia.

- Mejor cortometraje británico: Chalk de Martina Amati.

- Mejor película extranjera: Nader y Simin: Una Separación.

- Premio especial del jurado: Graham Easton.

- Premios honoríficos: Kenneth Branagh y Ralph Fiennes.

LA CRÍTICA: Un método peligroso

Pulsiones de vida y muerte

Desde “Una historia de violencia”, el evidente punto de inflexión formal en la carrera de David Cronenberg, los detractores y seguidores han seguido caminos radicalmente opuestos. Los hay firmes en sus convicciones, pero también los que hasta entonces no congeniaban con el cine del cineasta canadiense y pasaron a recibirle con los brazos abiertos, y los que le idolatraban y acabaron acusándole de vendido al academicismo de manual. Y lo que demostraban unos y otros, sin saberlo, es que su análisis era de lo más superficial, no siendo conscientes de lo que unos creen haber descubierto y otros piensan que han perdido: que Cronenberg es uno de los mejores directores de las últimas cuatro décadas.

Porque ya sea desde el fantástico y el bioterror de filmes como “La mosca” o “Inseparables” al drama con tintes clásicos, a medio camino entre el western y el cine de gangsters, de sus dos últimos trabajos, lo que Cronenberg ha venido a contarnos es prácticamente lo mismo: la conjunción, inevitablemente inseparable, entre psique y sexo, entre mente y carne, y cómo tanto sexo como carne, intercambiables en su filmografía hasta límites enfermizos, modifican finalmente la esencia humana.

Esta coherencia temática también está presente en su nueva película, quizá la más académica de todas las realizadas hasta la fecha. La nueva etapa en su filmografía no implica abandonar ese género en sí mismo que ha acuñado como la Nueva Carne, y en esta ocasión lo hace yendo directo a la raíz de la mente humana: la relación a tres bandas, ya sea carnal o intelectual, entre tres grandes nombres del psicoanálisis, tres genios que revolucionaron a su manera este campo por entonces en plena etapa neonatal.

Las disertaciones entre sus tres protagonistas son lo mejor y más estimulante de un film que, aún así, se queda corto en plasmar la metodología que por entonces, a comienzos del siglo XX, se consideraba puntera en el psicoanálisis. No es su objetivo principal, pues a través del discurrir dialéctico entre Freud –soberbio aunque fugaz Viggo Mortensen-, Jung –Michael Fassbender, un hombre capaz de comerse la cámara cada vez que aparece- y Spielrein –Keira Knightley, que lo hace lo mejor que puede-, y la malsana relación existente entre estos dos últimos, asistimos a la rivalidad de los dos primeros y a la transformación de los dos últimos de las pulsiones de vida a las de muerte, y viceversa. Pulsiones y transformaciones guiadas por el libertino Vincent Cassel que, una vez más, son el eje central de la película de Cronenberg, y que acaba con una conclusión tan consecuente con la carrera del cineasta como necesaria para el futuro del psicoanálisis: el sexo y la muerte avanzan irremediablemente de la mano.

El tramo final es posiblemente el más correcto de todo el conjunto y en consecuencia el más flojo de una propuesta con un ritmo irregular, que se vuelve lenta en el avance de los acontecimientos pero extraordinariamente ágil en los diálogos de sus personajes, en su intercambio de ideas, y que aúna, con todo, al viejo Cronenberg con el nuevo, el formal. Un director que, como le ocurre a sus personajes, tardará en ser totalmente comprendido. Sólo esperemos que no tenga que pasar cien años para que ocurra.

A favor: las disertaciones de su trío protagonista, y Viggo Mortensen

En contra: el correcto tramo final, y la irregularidad del conjunto

Valoración: ***1/2