El corto cinéfago: "Casa"

De todos los cortos que he visto, puede que "Casa" sea el que mayor desasosiego me ha causado. Su enrarecida atmósfera que se acentúa con un final desconcertante y que presagia un peligro que desconocemos, lo cual lo hace más aterrador, y una historia extraña y atractiva que es mejor no desvelar -por ello no haré una sinopsis- son su mejor carta de presentación. Sólo apuntar que se trata de una historia de terror psicológico que juega con el reverso tenebroso de las cosas, como podemos notar en su cartel con letras invertidas.

"Casa" está dirigida por Manuel Sánchez Muñoz, guitarrista del grupo Los Punsetes y ayudante de dirección en diversos cortometrajes de colegas. A destacar el sonido de Roberto Fernández y la fotografía tan hermética de Isabel Ruiz, así como las interpretaciones, breves pero equilibradas, de Marta Belenguer ("Aquí no hay quien viva", "Camera Café") y la niña Tatiana Fernández. Fue finalista en el III Festival Fotogramas en Corto, en una edición que para mi gusto premió otras obras de mayor complejidad artística pero de mucho menor interés y contenido.

Como comentario a favor de este estupendo trabajo habría que destacar lo bien que aprovecha los escasos seis minutos que dura. En una época en la que incluso los cortos se alargan innecesariamente, "Casa" es capaz de plantear una historia simple en muy poco tiempo y además hacerlo con inteligencia y sobriedad, cuidando cada aspecto del guión y la realización, muy milimétricos. Pero su misma duración juega en su contra, porque puede costar a los espectadores entrar en su brevísimo cuento de terror y simpatizar con él, con sus personajes. Por eso animo a todos los que lo rechacen en su primer visionado que le den una segunda oportunidad y lo vean por segunda vez, y hasta tercera si es necesario. Porque a veces las cosas más simples esconden algo más profundo y complejo bajo su aparentemente inocente apariencia.

Web oficial Fotogramas en Corto

Si alguien no puede ver bien el corto está disponible en Youtube

Paul Naschy (1934-2009)

A pesar de interpretar a verdaderos monstruos en la pantalla, Paul Naschy era un ser muy humano. Gran amigo de todos, con contactos inimaginables dentro del mundo del cine –los mismísimos Christopher Lee, quien además firma el prólogo de su biografía, y Steven Spielberg le llamaban durante su estancia en el hospital que tanto concurría desde hacía un año debido al cáncer de páncreas que finalmente no consiguió superar-, gran profesional y en definitiva todo un referente dentro del fantaterror español. Sería él mismo quien con sus películas inaugurara durante los 70 este subgénero nacional, el que sentó las bases del terror en España, hasta entonces un género tímidamente retratado en nuestro cine por culpa del franquismo, marcando un antes y un después. Tan solo otro nombre, el del todoterreno Jess Franco, merecería antes de la aparición de Naschy tener sus letras bien escritas en oro dada su visión tan transgresora del miedo.

Fue un hombre lobo tan mítico y encarnó como nadie a tantos monstruos en el cine que podría equiparársele con Lon Chaney. Pero Paul, de nombre real Jacinto Molina Álvarez, aportó su propio toque personal a personajes como el citado licántropo, la momia o el conde Drácula. En el momento de su fallecimiento a los 75 años de edad recibía un homenaje en la XIII Muestra de Cine Independiente y Fantástico de Toledo y salía un pack con siete de sus filmes remasterizados, que en tan solo una semana se agotaban según la Fnac.



Todas las secciones de noticias de las páginas web e incluso todas las cadenas de televisión, y por supuesto mañana las ediciones de los periódicos, han realizado un merecidísimo homenaje a este gran actor, director y guionista, además de levantador de pesos en su juventud, que nos deja hoy tras más de un centenar de películas, tan incontables que he preferido publicar su filmografía al completo. Descanse en paz, MAESTRO.

Filmografía

Como director
Inquisición (1976).
El huerto del francés (1978).
El caminante (1979).
Madrid al desnudo (1979).
El carnaval de las bestias (1980).
Los cántabros (1980).
El retorno del hombre-lobo (1981).
Latidos de pánico (1983).
La bestia y la espada mágica (1983).
Operación Mantis (1984).
El último kamikaze (1984).
Mi amigo el vagabundo (1984).
El aullido del diablo (1987).
La noche del ejecutor (1992).
Como actor
La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971).
El gran amor del Conde Drácula (Javier Aguirre, 1972).
La furia del hombre lobo (José María Zabalza, 1972).
Dr. Jekyll y el hombre lobo (León Klimovsky, 1972).
Tarzán en las minas del rey Salomón (José Luis Merino, 1972).
Las ratas no duermen de noche (Juan Fortuny, 1973).
La venganza de la momia (Carlos Aured, 1973).
El retorno de Walpurgis (Carlos Aured, 1973).
Los ojos azules de la muñeca rota (Carlos Aured, 1973).
El asesino está entre los trece (Javier Aguirre, 1973).
La orgía de los muertos (José Luis Merino, 1973).
Disco rojo (Rafael Romero Marchent, 1973).
El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1973).
La rebelión de las muertas (León Klimovsky, 1973).
Los crímenes de Petiot (José Luis Madrid, 1973).
El jorobado de la morgue (Javier Aguirre, 1973).
El mariscal del infierno (León Klimovsky, 1974).
Una libélula para cada muerto (León Kimovsky, 1974).
Todos los gritos del silencio (Ramón Barco, 1975).
Muerte de un quinqui (León Klimovsky, 1975).
La maldición de la bestia (Miguel Iglesias, 1975).
Exorcismo (Juan Bosch, 1975).
Los pasajeros (José Antonio Barrero, 1975).
[[La diosa salvaje (Miguel Iglesias, 1975).
Ambición fallida (Christian-Jaque, 1975).
La cruz del diablo (John Gilling, 1975).
Inquisición (Jacinto Molina, 1975).
Tres días de noviembre (León Klimovsky, 1976).
Secuestro (León Klimovsky, 1976).
Muerte de un presidente (José Luis Madrid, 1976).
Último deseo (León Klimovsky, 1976).
El transexual (León Klimovsky, 1977).
El francotirador (Carlos Puerto, 1977).
Pecado mortal (Miguel Ángel Díaz, 1977).
[[El huerto del francés (Jacinto Molina, 1978).
El caminante (Jacinto Molina, 1979).
Madrid al desnudo (Jacinto Molina, 1979).
El retorno del hombre lobo (Jacinto Molina, 1980).
El carnaval de las bestias (Jacinto Molina, 1980).
Los cántabros (Jacinto Molina, 1980).
Misterio en la isla de los monstruos (Juan Piquer Simón, 1981).
La batalla del porro (Joan Minguell, 1981).
Buenas noches señor monstruo (Antonio Mercero, 1982).
La espada del samurái (Jacinto Molina, 1982).
Latidos de pánico (Jacinto Molina, 1983).
[[La bestia y la espada mágica (Jacinto Molina, 1983).
Operación Mantis (Jacinto Molina, 1984).
Mi amigo el vagabundo (Jacinto Molina, 1984).
El último kamikaze (Jacinto Molina, 1984).
Mordiendo la vida (Martín Garrido, 1986).
El aullido del diablo (Jacinto Molina, 1987).
Aquí huele a muerto... (¡pues yo no he sido!) (Álvaro Sáenz de Heredia, 1989).
State of mind (Reginald Adamson, 1992).
La noche del ejecutor (Jacinto Molina, 1992).
Licántropo: el asesino de la luna llena (Francisco Rodríguez Gordillo, 1996).
Científicamente perfectos (Francisco Javier Capell, 1996).
Cuando el mundo se acabe te seguiré amando (Pilar Sueiro, 1998).
El ojo de la Médusa (José Cabanach, 1998).
Érase otra vez (Juan Pinzás, 2000).
La gran vida (Antonio Cuadri, 2000).
School Killer (Carlos Gil, 2001).
El lado oscuro (Luciano Berriatúa, 2002).
Octavia (Basilio Martín Patino, 2002).
Mucha sangre (Pepe de las Heras, 2002).
Tomb of The Werewolf (Fred Olen Ray, 2004).
Countess Dracula's Orgy of Blood (Donald F. Glut, 2004).
Rojo sangre (Christian Molina, 2004).
Rottweiler (Brian Yuzna, 2004).
La duodécima hora (Rodrigo Plaza y Juanma Ruiz, 2007).
La herencia Valdemar (Jose Luis Alemán, 2008).
El apóstol (Fernando Cortizo, 2008).

Fuente: http://miedoteca.zobyhost.com/index.php/Paul_Naschy

La película del mes

Ascensor para el cadalso ****1/2
(Ascenseur pour l'échafaud)

El crimen "perfecto" a ritmo de jazz

Antes del advenimiento de esa corriente tanto artística como cinematográfica denominada Nouvelle Vague, que abogaba por la realidad fílmica al margen de los estudios y con total libertad en la filmación, Louis Malle sorprendía a la crítica de medio mundo con su primer largometraje, “Ascensor para el cadalso (Ascenseur pour l’échafaud)”. Paradójicamente, Malle nunca fue reconocido como perteneciente al movimiento debido a que sus filmes posteriores variaban excesivamente los temas y no seguían exactamente las reglas establecidas, además del hecho de que el mismo Malle prefirió no pertenecer a él sino algo mucho mejor: desarrollar su carrera en solitario según sus propias convicciones, adelantándose al movimiento en sí con la modernidad de sus películas. Todo lo que es la filmografía del cineasta galo y todo lo que sería posteriormente aquel fenómeno cinéfilo están presentes en esta joya del séptimo arte.

En realidad no hablamos del primer trabajo para el cine del realizador. Un año antes, Malle tuvo el honor de ser un tripulante en el mítico Calypso de Jacques Cousteau como camarógrafo, experiencia que dio lugar a un fenomenal documental titulado “El mundo del silencio (Le monde du silence)”. Con esta obra, Malle ganó no solo el Oscar a la Mejor Película Documental sino algo más importante, la Palma de Oro en Cannes, mención que ninguna otra cinta del género lograría hasta 48 años después, cuando hacía su aparición el bocazas Michael Moore con la sobrevalorada “Fahrenheit 9/11”. Y se trata de un galardón de mayor relevancia porque fue el mismo festival el que tres años después se rendiría ante esa horda de autores que conformarían la Nouvelle Vague, pero que ignoraría a Malle en su posterior película, a pesar de recoger buena parte de los fundamentos que tanto alabarían años después.

La conexión entre Malle y la Nouvelle Vague quizás no sea del todo casual. El mismo año que triunfaba con sus aventuras a bordo del Calypso trabajaba como ayudante de dirección junto a Robert Bresson, un abanderado del movimiento francés, en “Un condenado a muerte ha escapado”. No se puede negar que Bresson influenció en estilo al joven cineasta de 24 años, pero “Ascensor para el cadalso” no solamente recoge influencias de este filme en sus fotogramas. La idea partió de una novela policíaca no muy bien valorada de Noël Calef y el objetivo de Malle era hacer un thriller de suspense recogiendo un poco del cine negro que tuvo su época dorada durante la década anterior con títulos como “El halcón maltés” y que disfrutaba de una segunda juventud gracias a las proyecciones en la Cinématèque FranÇaise, otro tanto del cine de Hitchcock y por supuesto las enseñanzas de su maestro Bresson y de otros clásicos como Fritz Lang o Michael Curtiz.

Malle adaptó la novela con ayuda del periodista y escritor Roger Nimier, que fallecería cinco años después, y con financiación propia creando una productora. Para el reparto contó con una estrella emergente de la época, Maurice Ronet, quien ya había sido aclamado en Cannes por “La Sorcière” (André Michel, 1953), donde conocería a Malle, con quien simpatizaría creativa e intelectualmente. No obstante, solamente trabajarían una vez más, seis años después en “Fuego fatuo” (L. Malle, 1963). Con quien sí repetiría en más ocasiones, incluida “Fuego fatuo”, fue con Jeanne Moreau, convertida desde esta primera colaboración en su actriz fetiche.

Ronet y Moreau, excelentes en sus respectivos papeles, interpretan a la pareja de amantes Julien Tavernier y Florence Carala, él un héroe de la guerra de Indochina y Argelia, ella una burguesa esposa de un magnate de la industria armamentística, para más señas jefe de Julien. Juntos planean el crimen perfecto del señor Carala, haciendo que parezca un suicidio. Pero justo después de cometer el asesinato, Julien se da cuenta de que ha dejado una pista crucial que llevará seguramente a la policía hasta él y al volver a la oficina queda encerrado en el ascensor. Julien permanecerá de sábado a domingo en su interior mientras su amante le busca desesperadamente por las calles de París en una de las secuencias más famosas de la película, aquella en la que Florence recorre la noche parisina preguntándose si su amante tendrá algún otro lío que ella desconozca.

“Ascensor para el cadalso” recurre a tres tramas paralelas para contar una historia de casualidades fatales. Por un lado tenemos a una segunda pareja, Louis y Verónique, un rebelde sin causa él y una joven ingenua ella, que roban el coche de Julien y cuya identidad asume Louis. Por el camino se darán una serie de infortunios que convertirán a Julien en sospechoso del asesinato de dos turistas alemanes. La joven pareja, conmocionada por ser culpables directos y únicos de la pareja de turistas, protagonizarán una surrealista e ingenua secuencia de suicidio, el cual se verá frustrado por no tomar la suficiente cantidad de barbitúricos para matarse a sí mismos. Como segunda vía tenemos a la desesperada Florence, que espera por Julien en una cafetería y ve su coche y asomando por la ventanilla a Verónique, sin saber que el que conduce es Louis. Comienza entonces una sospecha infundada de que su amante tiene otra aventura, mientras busca durante la noche del sábado algún rastro concluyente de su paradero recorriendo bares y locales. Y por supuesto tenemos al pobre Julien, inconsciente de que sobre su nombre se cierne un cargo más importante que el asesinato de su jefe.

Tan imprescindible como la fría fotografía en blanco y negro de Henri Decaë es la atmosférica banda sonora, improvisada sobre la misma película durante un par de sesiones por Miles Davis en presencia de Malle y Moreau. Pocas veces el jazz ha acompañado de una manera tan sublime al cine, inaugurando una fértil relación entre el jazz y el cine negro que proseguiría con otras cintas de todos los géneros como “Anatomía de un asesinato” (Otto Preminger, 1959) y “Al final de la escapada” (Jean-Luc Godard, 1959). Además, la música del trompetista y compositor norteamericano, que se encontraba en Francia en aquel momento tras una desastrosa gira cuando fue presentado a Malle, carece de tema central, componiendo una serie de piezas aisladas que acompañan perfectamente a las imágenes e instaurando así una nueva moda en el séptimo arte, muy dado a los temas musicales reconocibles. Es la música, junto a un guión directo en sus diálogos, a la fotografía, y por supuesto al pulso narrativo de Malle lo que hacen de “Ascensor para el cadalso” una experiencia sugerente, por la que es mejor dejarse llevar hacia el siguiente giro de la trama y hacia la siguiente imagen evocadora.

Pese a este cúmulo de casualidades e ideas geniales, “Ascensor para el cadalso” fue recibida con frialdad por parte de la crítica especializada. Y es curioso que lo fuera porque su director había sido premiado un año antes en Cannes, el mismo festival que encumbraría a la categoría de dioses a los responsables de la Nouvelle Vague, fenómeno que tendría incontables defensores dentro de la crítica y el público, pero que no supieron reconocer dos años antes a un auténtico precursor de dicho fenómeno con una película puramente de género, especialmente el film noire, tan valorado durante las décadas anteriores y que realmente estaba en auge en Francia. Pero fueron precisamente los pertenecientes al movimiento, los instauradores de Cahiers du Cinéma, los que menospreciaron este acercamiento al género por considerarlo demasiado clásico, cuando es precisamente lo contrario.

Porque si algo también sobresale en todos los aspectos en “Ascensor para el cadalso”, algo que podemos ver en su música, su puesta en escena, su guión, su tratamiento, la fotografía,… es que se trata del nexo de unión entre dos etapas. Malle combinó de una manera magistral el viejo cine -representado por ese cine negro al que debe su historia, sus ángulos de cámara subjetivos, ese crimen perfecto que no acaba de ser tan perfecto, esos personajes de ambigua moralidad y clara deshumanización, esa femme fatale que recorre las escenas pensando que es intocable- con la nueva escuela, la que sentaría las bases del inminente futuro de la cinematografía francesa. “Ascensor…” es la sabia confirmación y la reafirmación de un genio de la historia del cine con muy poca experiencia tras las cámaras pero todo un visionario para la época, capaz de aunar a clásicos como Hitchcock, Lang, Curtiz o Bresson con la savia nueva de un fenómeno cultural al que nunca perteneció no por no merecerlo, sino porque él mismo se autoexilió y, de todos modos, al que seguramente los cahieristas, quizás sabedores de su propia hegemonía en el celuloide, habrían impedido el paso.

Sinceramente, nunca le hizo falta a un director que ha dado grandes películas, tanto en Europa como en América. Mejor quedarse con su propia identidad que no la copiada de los jóvenes prodigios del momento. Y para muestra ese final, en el que Moreau avanza ignorante hacia su destino, el que le tienen deparado unas inesperadas fotografías que revelan su hasta entonces secreto idilio con Ronet, esas que sirven para condenarla y juzgarla pero que a la vez representan el amor que ya nunca podrá romperse, que pervivirá durante años. Y a la vez unas fotografías cuya existencia el director nos esconde con inteligencia, gracias a todo ese gran McGuffin hitchcockiano que es el resto de la película. Todo un referente que ha llegado hasta nuestros días, por ejemplo en esas fotografías que ponen el broche de oro a lo último de Almodóvar, “Los abrazos rotos”.

Enlaces de descarga:

Opción 1 (by narcolepsico)(746MB)(Enlaces intercambiables)(Dual con subtítulos)

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Opción 2 (by karinuska)(694MB)(francés con subtítulos)

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Subtítulos: http://rapidshare.com/files/79091015/Ascenseur.pour.L_Echafaud_Louis.Malle_1958_.anarKish.karinuska.srt

AVISO:

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LA CRÍTICA

SAW VI **1/2

Torturando a una saga agotada

A partir aproximadamente de la tercera entrega de la saga, “Saw” se había convertido en un macabro juego que se deleitaba en el sufrimiento y en una desesperanzadora visión del ser humano, cogiendo una idea prometedora y torturándola hasta el extremo. Tras el abandono de Leigh Whannell y Darren Lynn Bousman, creadores originales junto al irremplazable James Wan, del proyecto, la nueva pareja, Marcus Dunstan y Patrick Melton , casi consiguen dar un soplo de aire fresco a una saga que quizás nunca debió pasar de la primera parte. Pero sus intentos fueron vanos tras la rutinaria “Saw V”, que se limitaba a explicar los cabos sueltos más que en dar una nueva dimensión de la historia y en poseer el mismo engranaje de insuperable e insufrible máquina de tortura.

En eso se ha convertido el juego de Puzzle, en pura casquería y violencia gratuitas salpicada de incontables flashbacks que explican la relación entre los personajes y el pasado del asesino, en pruebas ya no tan originales pero bastante repugnantes, en trucos de guión que deparan una sorpresa final valiéndose de lo que no se nos ha mostrado, en explicar hasta la saciedad lo que ocurre en películas anteriores, lo que hace que posea aún más agujeros de guión si cabe. Pero lo más alarmante es el carácter de mala serie B que ha cogido el producto por culpa de su pobre estética de filme televisivo de sobremesa. Cada entrega está realizada con menos ingenio, pero paradójicamente más presupuesto, que la anterior. Sus responsables prefieren liar la madeja hasta lo imposible con una estructura no lineal que sirve como perfecto McGuffin, como medio de distracción para que el espectador no se anticipe al final sorpresa, pero han ido descuidando cada vez más el aspecto visual.

“Saw VI” es exactamente igual a todas las anteriores. Los nuevos dueños de la franquicia conocen al dedillo los gustos de sus fans y dan más de lo mismo, lo cual para ellos será más que suficiente. Pero si algo la alza por encima de sus predecesoras es que su director, Kevin Greutert, sin abandonar las constantes de la saga ha cuidado bastante más que ellas el aspecto visual. Ya no da tanto la sensación de encontrarnos ante un mal producto de serie B, y a la vez que vuelve a diseccionar de una manera tan radical la condición humana, manda un mensaje político muy poco sutil, pero efectivo, hacia el precario sistema sanitario americano. Si Puzzle existiera, la ley cambiaría rápidamente.

El prometedor arranque ya deja claro de qué va el juego. Es posiblemente esta sangrienta secuencia, una de las más salvajes de toda la saga, la que haya hecho que se gane la calificación X. Esto sin duda atraerá a mucha gente a verla presa del morbo. Pero hay que advertir que no hay nada en “Saw VI” que no hayamos visto anteriormente, y la película no está por encima en crueldad que, por ejemplo, “Hostel”. Posiblemente estemos, junto a la segunda y cuarta entregas, ante una de las mejores secuelas de la saga. Pero en conjunto todo vuelve a sonar conocido y bastante agotado. Por lo menos esperemos que no deje de aparecer el ya imprescindible Tobin Bell.

A favor: por fin cuidan el aspecto visual

En contra: no deja de ser más de lo mismo

El corto cinéfago: "Zombies & Cigarettes"

En España hay talento, eso no puede ponerse en duda. Y que en el terreno del suspense y el terror hay muy buenos talentos menos se puede poner en duda. Lo demostraron Jaume Balagueró y Paco Plaza en las dos estupendas entregas de "[REC]" y Juan Carlos Fresnadillo en "28 semanas después", haciendo sombra a la película de Danny Boyle de la que era secuela. Y ahora nos llega en forma de corto otra de zombies, de esas que demuestran que con talento y muchas ganas se puede hacer un producto potable.

Iñaki San Román, guionista de la serie "Aida", y Rafa Martínez son los artífices de "Zombies & Cigarettes", un cortometraje que hace un claro homenaje al cine de Romero, especialmente a "Zombie (Dawn of the Dead)", a esa ya al parecer obra de culto que fue "Shaun of the Dead" -o "Zombies Party", por si alguien se pierde- y en definitiva a toda esa horda de cine de zombies/infectados que atacan nuestras salas desde hace unos pocos años. Ganadora del Premio del Público en el Shots 2009 -Certamen Internacional Scifiworld de Cortometrajes Fantásticos.

"Zombies & Cigarettes" sorprende por recoger todos los tópicos del cine zombie y lograr, en parte, hacerlos propios -curiosa la nueva forma de matar a un infectado-, y por supuesto por su puesta en escena, donde fotografía, banda sonora, maquillaje y montaje son muy notables. En el reparto el gran Paco Hidalgo y la guapísima y sensacional Aroa Gimero -"Amar en tiempos revueltos", "Sin tetas no hay paraíso", "SMS"-, aunque el resto de actores dejen bastante que desear, en especial Samuel Viyuela -"SMS", "Águila Roja"-, el pagafantas protagonista reconvertido en ¿héroe? de la historia. Pero lo peor no es eso, sino que dura muy poco. Les dejo los enlaces para que la descarguen o la vean on-line a través de la web de Scifiworld. Con ella inauguro una nueva sección en la que cada semana traeré algún cortometraje destacable, solo apto para cinéfagos.

Enlaces:
Opción de descarga directa (2 enlaces)(español con subtítulos en inglés)(187MB)

http://rapidshare.com/files/283567729/Zombies_And_Cigarettes__Rafa_Martinez___I_aki_San_Rom_n__-2009.part1.rar
http://rapidshare.com/files/283583396/Zombies_And_Cigarettes__Rafa_Martinez___I_aki_San_Rom_n__-2009.part2.rar

Ver on-line a través de Scifiworld (español)

AVISO:

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4. Agradecer mediante comentarios el esfuerzo anima arealizar futuros aportes.

"Saw VI" en descarga directa

Tarde o temprano iba a ocurrir. "Saw VI" fue censurada en nuestro país hasta el punto de que solo iba a ser exhibida en salas X. Touchstone Pictures, la distribuidora que otrora se especializara en cine infantil y familiar se negó en rotundo y cortó por lo sano: directamente no estrenó la película. Pues finalmente ha pasado: la película ha llegado a España por otra vía, la todopoderosa Internet. Les doy la oportunidad de descargar la película mediante descarga directa, en multitud de servidores y opciones, en inglés con unos subtítulos bastante buenos. Que la disfruten y a comprobar si es tan violenta como los censores anunciaban. Es lo que tiene prohibir las cosas, que incita a que las consumamos en masa.

SAW VI (2009)[R5 Line XviD AC3-VISION]

Capturas:

Enlaces:

Opción 1 (by TANO1221) (enlaces intercambiables) (subtítulos pegados al vídeo)(1.4GB)(2 servidores)

http://rapidshare.com/files/310739621/Saw.VI.2009.r5.vision.tano1221.part1.rar

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Opción 2 (by Lillosking)(no intercambiables)(subtítulos pegados al vídeo)(804MB)(unir con HjSplit)

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Opción 3 (by ViryRo)(intercambiables)(archivo de subtítulos aparte)(693.81MB)
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Subtítulos: http://www.megaupload.com/?d=NGT3Y2N9

Opción 4 (by Ajhs)(intercambiables)(subtítulos pegados al vídeo)(1.23GB)

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AVISO:

1. Los enlaces son una recopilación de los ya existentes en diversos foros de Internet. No es responsabilidad mía el mantenimiento de los archivos en los distintos servidores. Si algún archivo ha sido borrado inténtelo con otra opción y si no funciona esa alternativa ponerse en contacto conmigo a través de gerardomedina84@gmail.com o mediante un comentario en esta misma entrada.
2. Ninguna opción es igual a las demás. Varían en si tienen o no los subtítulos insertados, en el peso total de la película y en los servidores en los que se encuentran. Cualquiera de las opciones tiene la calidad de vídeo que se muestra en Capturas.
3. Ante cualquier error en el post, como puede ser haber repetido un enlace varias veces o que falte una contraseña, remitirse a la dirección de correo anteriormente expuesta o avisar mediante un comentario.
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GRACIAS A TODOS LOS UPLOADERS POR LOS ENLACES.

Entro a formar parte de Therapy of Terror

Husmeando por la red me encontré esta semana con una web que me atrajo enormemente por su estructura, diseño y contenido. Therapy of Terror está dedicada al cine fantástico en general, en especial al terror y la ciencia-ficción. Filmes de autor, de terror gore, indispensables del género, de Europa, Asia y América. Y además un apartado en el que buscan a nuevos críticos. El fantaterror tiene un rincón destacado en esta página en la que me enorgullezco de entrar como colaborador. Hoy mismo estará publicada la crítica de "Paranormal Activity". Invito a los cinéfagos que me lean a darse una vuelta.

"The Hole 3D", la vuelta de Joe Dante al fantástico

Fue elegida mejor película en 3D en el pasado Festival de Venecia por encima de títulos como "San Valentín sangriento en 3D" -cosa fácil- y "Los mundos de Coraline" -algo ya más difícil-. Pero por encima de esta noticia, que ya posee importancia de por sí, lo que resalta de "The Hole 3D" es que supone la vuelta al fantástico de todo un clásico, Joe Dante, desde su participación en la serie "Masters of Horror", aportación de la que ya hemos hablado en este blog.

"The Hole 3D" cuenta la historia de una familia que encuentra en una casa apartada un agujero que conduce a sus peores pesadillas. Supone una feliz noticia el reencuentro con uno de los genios del fantástico de los 80, con filmes como "Gremlins" y "No matarás... al vecino" -Bruce Dern vuelve a trabajar con el realizador tras esta película- a sus espaldas . Desgraciadamente, durante los 90 su carrera siguió un marcado declive y solo es remarcable la simpática "Pequeños guerreros".

Pese al gran revuelo que causó en el último Comic-Con, "The Hole 3D" no ha disfrutado de una gran campaña publicitaria ni se sabe mucho de ella. De hecho, ni se ha estrenado en Estados Unidos, por lo que la fecha de llegada a nuestro país puede demorarse un tiempo, o incluso puede no llegar a producirse. ¿La razón? Que es un producto indie sin distribuidora. Esperemos que a partir de su éxito en Venecia y el Comic-Con corra mejor suerte. Por ahora solo disponemos de capturas y del cartel promocional, además de clips en movieset.com con entrevistas y pequeños making off.

Clips en movieset.com

LA CRÍTICA

2012 **

Juntos de la mano hacia la extinción

No contento con helar medio planeta ante el inminente cambio climático en “El día de mañana” o someter a la humanidad a un exterminio alienígena en “Independence Day”, Roland Emmerich teoriza ahora acerca de las consecuencias de una famosa predicción maya que apunta el año 2012 como aquel en que el Sol emitirá una inmensa llamarada radiante que alcanzará de lleno a la Tierra.

Lo que sorprende de “2012”, más allá de sus demoledoras secuencias de devastación mundial, es que Emmerich haya optado por dar dos enfoques paralelos a la historia. Por una parte tenemos ese terreno que tan bien domina y que es el que resalta en la película, el del cine de catástrofes llevado al extremo siguiendo la filosofía de “cuanto más grande, mejor”. Así, se impone el más difícil todavía en cuanto a efectos y destrucción y sus miras se ciernen ahora sobre el mundo entero, dando escenas tan impactantes como la del portaaviones cayendo sobre la Casa Blanca o la del parque de Yellowstone reconvertido en un inmenso volcán.

Pero la predicción maya podría ser entendida como un cambio espiritual en el ser humano, una evolución hacia una especie unida que toma conciencia de toda criatura viviente y abraza los lazos entre semejantes, y es esta la segunda vía que el director explota tanto visualmente como conceptualmente a través de ese utópico desenlace que roza la ciencia-ficción de Aldous Huxley.

Emmerich se ha creído un profeta de nuestro tiempo, aunque un profeta que funciona a golpe de talonario. Porque en otras manos la película no caería en los tópicos en los que cae siempre el director –el sacrificado padre de familia que lucha por salvar a los suyos, el presidente heroico, la destrucción de importantes monumentos y edificios- y haría hincapié en esa segunda vía que tanto jugo podría haber dado. Al contrario, su visión tan bíblica de la humanidad tras el diluvio, Arca de Noé incluida, llega demasiado tarde en una película que busca más hacer caja y reventar tímpanos que adoctrinar a las masas, por mucho que Emmerich se empeñe en asegurar que sus intenciones son las opuestas. Y por supuesto, impregna el metraje de tópicos visuales previsibles y un tanto ridículos como la ruptura de la Basílica de San Pedro abriendo la grieta justo en el punto más álgido de la “Creación de Adán” de Miguel Ángel. ¿A que no adivinan cuál?

No faltan los agujeros de guión, el patriotismo, los diálogos pobres –el chiste en el supermercado es para abandonar la sala inmediatamente-, los momentos desaprovechados –el egoísmo de los gobiernos y los ricos, por ejemplo- y todo lo que ya acusan los anteriores títulos del realizador, “Stargate” aparte. Y por si fuera poco cae en la misma ingenuidad que la novela de su protagonista -un John Cusack poco más que correcto como de costumbre, más maniquí que actor entre tanta pantalla verde- al confiar en el altruismo del ser humano en situaciones de riesgo, sin duda consecuencia de la demócrata y optimista era Obama en que se encuentra sumido el país. Porque eso es “2012”: hija de su tiempo, aunque pretenda ser agorera, un entretenimiento pasajero al que le falta incluso la gracia de “Independence Day”. Con la era Bush seguramente el presidente habría resuelto la situación con un caza como Bill Pullman en su momento. Ahora, en cambio, hay que recurrir al diálogo. Cinematográficamente hablando, hubiera preferido la primera.

A favor: las secuencias de devastación y el utópico final
En contra: desaprovecha, en pos del espectáculo, haber sido una gran película de ciencia-ficción

LA CRÍTICA

Paranormal Activity **

Hoy en día es relativamente fácil hacerse un hueco en el cine. Gracias a la era Internet, a portales como Youtube y a un poco de ingenio –tampoco hace falta ser un genio- se puede conseguir que un debut con muy pocos medios se convierta en todo un éxito. Así le ha ocurrido a Oren Peli, que con tan solo quince mil dólares ya ha superado la barrera de los cien millones de recaudación. Cuando el boca-oreja hace que millones de espectadores acudan en masa a las salas, cuando las grabaciones en los cines, todo un ardid publicitario, muestran cómo muchos brincan en sus butacas y cuando se rumorea que incluso el mismo Spielberg intentó deshacerse de ella tras verla debido al horror que le causó, es que algo debe ocurrir con esta película. Eso o que el marketing viral, esta vez basado en la ingeniosa estrategia de la proyección bajo demanda, hace milagros -no olvidemos la reciente “District 9”-.

El problema fundamental de este tipo de publicidad es que crea tal fenómeno en torno al producto que éste debe finalmente ser de una calidad tal que cubra todas las expectativas. Y es ahí donde falla precisamente “Paranormal Activity”. No es que carezca de sustos, de memorables golpes de efecto -en especial el relativo a una escena en concreto, que según el espectador puede poner los pelos de punta o bien provocar la risa burlona-, pero el conjunto se puede tachar de decepcionante tras meses de intensa campaña publicitaria.

“Paranormal Activity” sigue el esquema de reality que inaugurara de manera sobresaliente “El proyecto de la bruja de Blair” hace justo una década. La tensión que crea restringir el ángulo de visión al objetivo de una cámara de vídeo juega en su favor en ese conjunto de secuencias nocturnas que componen lo mejor de la película, en las que Peli juega inteligentemente con el miedo que todos hemos sentido alguna vez en nuestra vida al oír pasos en casa a medianoche y al sentir presencias extrañas en nuestra habitación. Y poco a poco se va adentrando sutilmente en lo desconocido hasta su impactante final, pero nunca sin mostrar al verdadero causante de esos fenómenos paranormales que sufre en sus carnes, nunca mejor dicho, la pareja protagonista, actores puramente amateurs que consiguen transmitir cierta empatía hacia el público.

Debemos dar dos palmaditas en la espalda al director por haberse abierto camino poco a poco tras dos años paseando su trabajo por diversos certámenes hasta alcanzar el arrollador éxito que ha logrado. Pero a la vez debemos darle dos sonoras collejas por haber hecho un filme tan decepcionante, y lo que es peor, tan esquemático y previsible en su desarrollo. Porque si algo aburre de “Paranormal Actitivy” no es que en buena parte de su metraje no ocurra gran cosa –en realidad, las grabaciones caseras ajenas a la trama resultan hasta frescas y naturales-, sino que se repite más que el ajo. A cada una de las noches en las que ocurren fenómenos inexplicables suceden esas escenas diurnas en las que la pareja comenta lo ocurrido la noche anterior. Y con esto, el espectador ya sabe a qué atenerse y por dónde irán los tiros.

Pero todo esto dependerá del tipo de espectador que la vea. Yo por mi parte reconozco haberme sobresaltado y puesto de los nervios por culpa de alguna de sus sesiones nocturnas. Invito a que la vean a oscuras, de noche y sin compañía, a ver si vuelven a escuchar los sonidos de nuestra casa de la misma manera.

A favor: las secuencias nocturnas, y una en concreto

En contra: que tras tanta expectación, decepciona

"Celda 211" arrebata a "Ágora" el liderazgo de la taquilla

"Celda 211", dirigida por Daniel Monzón y protagonizada por Luis Tosar, se ha colocado como número uno en recaudación en su primer fin de semana en los cines españoles, desbancando a "Ágora", de Alejandro Amenábar, que ya acumula más de 18 millones de euros.

Así, "Celda 211", que se lanzó con 220 copias en toda España, ha conseguido en su primer fin de semana 1.250.0000 euros de recaudación, 5.681 euros por copia. En concreto, casi 200.000 personas han visto la película este fin de semana, lo que la convierte en la mejor del ranking en lo que se refiere a rentabilidad por copia, y a gran distancia de sus competidores, según explicó la productora Vaca Films. Habrá que ver si el boca a boca y las inminentes nominaciones a los premios Goya la ayudan a proseguir su marcha a los 5 millones, cifra que se estima supere con facilidad.

Se trata de una nueva diana en la taquilla de Telecinco Cinema tras el filme de Amenábar, y que aún tiene pendiente otro supuesto taquillazo, "Spanish Movie".