LA CRÍTICA

La niebla (The Mist) ***1/2
Fecha de estreno: 30 de Mayo

La obra de Stephen King parte siempre de un prometedor planteamiento, que desgraciadamente en muchas ocasiones acaba perdiendo atractivo e interés por innecesariamente extenso y por desgastarse a sí mismo a los pocos capítulos. Se trata de uno de los escritores más sobrevalorados de las últimas décadas, sobre todo teniendo en cuenta que cada vez publica más a la ligera. No es de extrañar pues que las adaptaciones que se han hecho de sus novelas, y tomemos como ejemplos “El resplandor” o “Misery”, hayan superado al papel.

Ha sido Frank Darabont uno de los pocos que ha establecido una extraña comunión con King. Ha sido capaz de coger dos aceptables novelas, “The Shawshank Redemption” y “The Green Mile”, y las ha convertido en dos grandes películas, “Cadena perpetua” y “La Milla Verde”. Para su cuarto trabajo huye del drama carcelario de ambas pero se aproxima al halo sobrenatural de la última y opta por una de esas historias de ciencia-ficción y terror claustrofóbico y paranoico que tan asiduamente, y con bastante poco acierto en ocasiones, vomita el novelista.

El planteamiento de la película no puede ser más prometedor. Un pueblecito de Maine en el que todos se conocen se ve envuelto por una espesa niebla que remite directamente a la del maestro Carpenter. Una figura ensangrentada emerge de ella en dirección al único refugio aparentemente libre de todo mal: un gran supermercado. Aterrados por el incidente y por la imposibilidad de no poder ver más allá de unos pocos metros, los supervivientes se encierran en el establecimiento a la espera de que el nuevo huésped se disipe o venga ayuda.

Lejos de lo que ocurriría en manos de King, el desarrollo posterior de la películasigue una lógica aplastante difícil de asimilar por los que aún crean en la bondad innata del ser humano, y siempre siguiendo una verdad irrevocable: somos seres dementes capaces de realizar cualquier atrocidad con la suficiente dosis de miedo. El personaje de Toby Jones lo expresa claramente: “si juntamos a más de dos en un cuarto, elegimos un bando y empezamos a soñar con motivos para matarnos”. Y es eso lo que precisamente ocurre en la cinta de Darabont, la confrontación de dos bandos de mentalidades opuestas capitaneados por una ferviente religiosa que usa el miedo a la condena eterna como herramienta de control y por un héroe aparentemente racional y justo, un defensor de la familia y la razón que tomará la decisión extrema en el momento menos indicado.

En ese microcosmos limitado por unos enormes ventanales que no aguantarán el envite de la amenaza externa desconocida, Darabont realiza su certera disección de la condición humana, mucho más sanguinaria y ácida que la casquería que fluye por el metraje. Es precisamente en ese momento, cuando se aleja del cine de monstruos y momentos de tensión bien dosificados y resueltos para las taquillas, cuando “The Mist” logra ir más allá de las convenciones del género y proponer su sugerente discurso, el de la política del miedo mezclado con la capacidad del hombre para destruirse a sí mismo. Lo demás es un artificio perfectamente orquestado, una mezcla del splatter más soft y del entretenido cine jurásico del amigo Spielberg.

No escatima en elementos gore, marca imprescindible de la casa Nicotero, y huye de los clichés del género con elegancia, a pesar de algunos instantes y roles estereotipados. A todo esto se le suma un desenlace que posiblemente, y por sus múltiples lecturas psicológicas y socio-políticas con el resto de la película, merezca un sitio en la historia como el Charlton Heston maldiciendo a la raza humana en “El planeta de los simios”, pero que desgraciadamente rompe el gratificante clímax apocalíptico inevitable que llevaba el conjunto antes de la llegada de ese giro final.

Lo mejor: consigue mantener más la atención en lo que ocurre en el interior que en el miedo al exterior
Lo peor: un giro final que rompe la atmósfera apocalíptica del desenlace

Crítica en locoporelcine.com

Título original: "The Mist"; Género: Terror; Nacionalidad: EEUU; Año: 2007; Duración: 127 minutos; Dirección y guión: Frank Darabont, basado en un relato de Stephen King; Intérpretes: Thomas Jane, Marcia Gay Harden, Laurie Holden, Toby Jones, Andre Braugher, William Sadler, Jeffrey Demunn, Frances Sternhagen

JOE HA VUELTO

Joe ha vuelto. El personaje de Manuel Lasaga interpretado por David G. Gallardo se enfrenta en esta ocasión a los peligros de las citas a través de Internet. Al gañán alterego del protagonista se une en esta ocasión una chica sospechosamente masculina, un mono toca-timbales y un desenlace desconcertante en el que sin duda es el trabajo más bizarro de su realizador. Se echaba de menos al gran Joe, y al otro Joe también. Mención especial al agradecimiento final. Son las consecuencias de un trabajo bien duro.

El corto de los 66 millones de euros

Internet vuelve a ayudar a los que empiezan. Guillermo Zapata, guionista habitual de la serie Hospital Central, rodó Lo que tú quieras oír con 10.000 euros y decidió distribuirlo por la red de manera totalmente gratuita y bajo la licencia copyleft, que a diferencia del copyright permite que su obra se distribuya con total libertad, permitiendo incluso su transformación y manipulación, siempre que se cite al autor y sea sin ánimo de lucro. Toda esa libertad se ha visto recompensada. Lo que tú quieras oír es el tercer vídeo más visto de Youtube, con cerca de 66 millones de entradas, con las cuales se habría embolsado su director 66 millones de euros de haber cobrado cada entrada a 1 euro. Gracias a esto, Zapata ha conseguido que una productora financie su siguiente proyecto, Y todo va bien, el cual pueden ver ya en la web www.ytodovabien.com Les dejo el corto, protagonizado por una estupenda Fátima Baeza.

P.D. : Felicidades a otro gran cortometrajista y mejor compañero, Manuel Lasaga, que ha sido seleccionado para representar a la Universidad del País Vasco con Familia colateral en el Unifest, que cierra sus puertas hoy. Le hicieron una entrevista y usaron como reseña mi crítica, enviada por el mismo Lasaga como información adicional. De nuevo gracias, Manu.

Web oficial del Unifest
Reseña de un diario digital

LA CRÍTICA

Cloverfield (Monstruoso) ****

Estamos ante un espectacular documento del Apocalipsis, ni más ni menos. La sombra de “El proyecto de la bruja de Blair” es alargada, y tras “[REC]” y la todavía por estrenar “Diary of the dead” de Romero, “Cloverfield” (aquí bajo el discutible título de “Monstruoso”) toma el testigo con acierto para presentar el día del fin del mundo en formato digital. La idea es la de siempre: una cámara recoge los hechos en tiempo real de una catástrofe siguiendo el más estricto dogma del reportaje televisivo, en el que uno de los protagonistas sirve de cámara del horror, se manifieste éste de cualquier manera, cuyo final es tan apocalíptico y desesperanzador como los fatídicos hechos que se registran.

Muchos puntos equidistan a la película de Matt Reeves de las anteriormente citadas. En primer lugar, lo bien que su director toca todos los temas con el mismo recurso. Por sus ajustado metraje fluyen el suspense, la ciencia-ficción, el terror y el gore (inolvidable la explosión interna de una de las protagonistas), el drama y por supuesto la paranoia con monstruo de fondo. Reeves es capaz de mover la cámara de una manera magistral en las escenas de acción a pesar de contar con un encuadre tan cerrado. En segundo lugar, el encanto que despiertan las películas con mastodóntico monstruo godzilliano, el mismo encanto que encumbró a “Tiburón” o la reciente e ilustre “The Host”. En tercer lugar el interés que muestran las múltiples etapas en las que se divide: la presentación inicial en la fiesta, que permite identificar al espectador con los humanos personajes; el desconcierto inicial y las múltiples teorías para explicar el ataque, que crean un sobrecogimiento similar al que Spielberg conseguía en la denostada “La guerra de los mundos”; la tensión de la secuencia de los túneles y el edificio inclinado, con la ya habitual visión nocturna que consigue reducir aún más el encuadre... Y por último, la mano del genio J.J. Abrams, creador entre otras de la genial serie “Perdidos”, moviendo los hilos de este pequeño gran proyecto. Solamente mencionar en su contra esa ampulosa banda sonora de los créditos finales, quizás demasiado colosal para una película que debería seguir incluso en su final las convenciones del documental.

Mencionar a Spielberg no ha sido gratuito. “Cloverfield” combina la radicalidad del cinema verité y la veracidad del documental con el espectáculo de “Parque Jurásico”, la intriga que otorga no mostrar del todo al monstruo de “Tiburón” y la componente apocalíptica, marcada en esta ocasión por la decapitada Estatua de la Libertad, y sobrecogedora de “La guerra de los mundos”. Esta película es eso: un enorme espectáculo no exento de inteligencia y buen juicio que ha sabido apostar al caballo ganador ayudándose del marketing viral, que lleva inundando la red desde el estreno de “Transformers” y que la ha dejado plagada de pistas que conducen a otras pistas. Es probablemente este punto el que ha provocado que los muchos fans que acumulaba la película antes del estreno no hayan entendido del todo la sutileza de la propuesta. La expectación que creó ha jugado en su contra, pero le ha asegurado un éxito de público sobresaliente, que es de lo que se trata. A todo ese sector que no la ha tratado como merece, que se han sentido estafados una vez visto el resultado, un mensaje: el tiempo la colocará donde le corresponde.

Lo mejor: no pierde fuelle en casi ningún momento
Lo peor: la banda sonora de los créditos finales, no acorde con la propuesta

Título original: "Cloverfield"; Género: Ciencia-ficción/Suspense/Terror; Año: 2008; Duración: 84 minutos; Nacionalidad: EEUU; Dirección: Matt Reeves; Guión: Drew Goddard; Intérpretes: Michael Stahl-David, Odette Yustman, Jessica Lucas, Lizzy Caplan, T.J. Miller

Charlton Heston (1924-2008)

Fue el último hombre vivo en nuestro propio planeta en dos momentos diferentes de nuestro futuro más lejano pero inminente, el Moisés que separaba las aguas del Mar Rojo y el Rodrigo Díaz de Vivar cinematográfico. En todas fue el gran héroe americano, y es así como será recordado en base a su filmografía. Charlton heston ha fallecido a los 84 años de edad tras seis años conviviendo con el Alzheimer, enfermedad que le obligó a retirarse de las pantallas hace seis años, aún reciente una de sus últimas incursiones cinematográficas en "El planeta de los simios" según Tim Burton. Puede presumir de haber trabajado con Nicholas Ray ("55 días en pekín"), Orson Welles ("Sed de mal"), Cecil B. DeMille ("Los 10 mandamientos"), Anthony Mann (""El Cid"), Sam Peckinpah ("Mayor Dundee"), William Wyler ("Ben-Hur", el único Oscar de su carrera), y más recientemente con James Cameron ("Mentiras arriesgadas") o John Carpenter ("En la boca del miedo"), entre otros. Uno de los peores papeles lo encarnó como presidente de la Asociación Nacional del Rifle, imagen por la que ha sido recordado los últimos años. Algunos preferiremos obviar detalles escabrosos y centrarnos en su filmografía de héroe no a su pesar, sino todo lo contrario, muy orgulloso de serlo.

Anthony Minghella (1954-2008)

Quizás esté poco informado, o un poco desvinculado del cine desde las últimas semanas, pero no me enteré del fallecimiento de Anthony Minghella hasta el pasado miércoles. O puede que los medios no se hicieran mucho eco de la noticia, como ocurrió con la muerte de Brad Renfro o el intento de suicidio de Owen Wilson. El caso es que el cine ha perdido a un gran director, ganador de un Oscar en 1997 por "El paciente inglés", y realizador de una de mis películas favoritas de los 90, "El talento de Mr. Ripley", basadas a su vez en dos grandes novelas. Dirigió casi por obligación la irregular aunque visualmente deslumbrante "Cold Mountain" y por último la interesante "Breaking and Entering". Buen guionista, modélico director cinematográfico y teatral, su última incursión fue como productor de la aclamada "Michael Clayton". Su muerte a los 54 años el pasado 18 de Marzo pilló por sorpresa a todo el mundo, en un momento en que está pendiente de estreno en España su último trabajo, el telefilm británico "The No. 1 Ladies Detective Agency".

Las 50 mejores series de tv de todos los tiempos

No me arriesgaría yo a hacer una lista con las mejores series de la historia. Siempre tendría una dura pugna por los primeros puestos. Lo mejor es realizar una lista alfabética con las mejores, sin realizar un ranking, como hizo la revista Times el año pasado, en la que resultaron ganadoras “24” y “Lost”. En dichas listas lo más criticable sería la ausencia o presencia de algunos títulos. Pero los hay que se mojan, como la revista Empire, que ha hecho pública una lista con las 50 mejores de la historia de la televisión. Ésta es la lista con los nombres originales

1. The Simpsons
2. Buffy, the vampire slayer
3. The Sopranos
4. The West Wing
5. Lost
6. 24
7. Friends
8. The Wire
9. The X-Files
10. Spaced
11. Seinfeld
12. Family Guy
13. Battlestar Galactica
14. Firefly
15. Heroes
16. Doctor Who
17. South Park
18. Arrested Development
19. Scrubs
20. Blackadder
21. Angel
22. The shield
23. The office
24. Twin Peaks
25. Futurama
26. Red Dwarf
27. Six feet under
28. Fawlty Towers
29. ER
30. Dexter
31. Deadwood
32. Babylon 5
33. CSI
34. Frasier
35. Alias
36. Father Ted
37. Star Trek: The next generation
38. Curb your enthusiasm
39. Monty Python’s Flying Circus
40. Life on Mars
41. Band of brothers
42. Only fools and horses
43. Star Trek
44. Cracker
45. Farscape
46. Sex and the city
47. Star Trek: Deep space nine
48. Veronica Mars
49. Prison Break
50. Quantum Leap

Al crear un ranking, la cosa se pone más seria, y las críticas son más justificadas. A pesar de que en su tercera temporada, pendiente de estreno en laSexta, “Prison Break” ha decaído considerablemente, siempre será sustancialmente mejor que otras que ocupan lugares más avanzados, como por ejemplo “Angel”, que a su vez aventaja injustamente a “CSI”, “Star Trek”, “Monty Python’s Flying Circus”, etc. Por qué “Frasier”, “Twin Peaks”, “Urgencias” o “Sexo en Nueva York” figuran tan atrás y precedidas por series de buena factura pero aún verdes como “Héroes” es una cuestión para la que aún no encuentro respuesta. Y por qué “Buffy cazavampiros”, de la cual procede “Angel”, está en el segundo lugar, tiene aún menos sentido, por muy de culto que sea. Como ganadoras las de siempre: “Los Simpson”, “Los Soprano”, “El Ala Oeste de la Casa Blanca”, “Perdidos”, “Friends” y “Expediente X”, entre otras. Yo adelantaría a algunas de ellas, pero en mi lista entrarían sin duda otras grandes series como “House”, “Yo, Claudio”, “Roma”, “Juzgado de Guardia”, “Enredo”, “Cheers”, “Jericho” y un largísimo etcétera. Gracias a las chicas de Lostzilla por la información.

Las 50 mejores series de todos los tiempos (reportaje original)

Medio siglo de "La noche del cazador"

Recupero la versión íntegra del reportaje que dediqué hace dos años a una de mis películas favoritas, "La noche del cazador", cuya imagen ilustra la portada de esta web. Y digo versión íntegra porque la original ha sufrido innumerables cambios para poder ser publicada en periódicos y revistas.

Medio siglo de La noche del cazador

Muchos son los actores que se han pasado a la dirección, pero muy pocos, o casi ninguno, pueden presumir de haber gestado en su ópera prima una auténtica obra maestra. Es el caso de Charles Laughton, un grandísimo actor británico que eligió la novela de Davis Grubb adaptada por James Agee como fuente para su primera y única incursión tras las cámaras en “La noche del cazador”.

El best seller de Grubb, al igual que la cinta, transcurre en tiempos de la crisis económica de los años 20, aquella que sumió a clase obrera y acomodada en la más absoluta miseria. Una época en la que, mientras los ricos se suicidaban arrojándose desde los edificios, los pobres intentaban subsistir a través del pillaje o el asesinato.

Como si de una historia bíblica se tratara, la Sra. Cooper (una magistral Lillian Gish, actriz activa desde los albores del cine) recuerda a sus niños ante un cielo estrellado las enseñanzas de la última sesión, entre las que destaca una frase: “desconfiad de los falsos profetas con piel de cordero, pues en su interior se esconden feroces lobos; por sus actos los reconoceréis”. Tras un plano de unos niños contemplando el cadáver de una mujer de la que sólo vemos las piernas, la advertencia de la Sra. Cooper sirve como carta de presentación del protagonista, el predicador Will Powell (Robert Mitchum en uno de los mejores papeles de su carrera), un hombre que en sus conversaciones con Dios deja clara su intención: casarse con viudas ricas para conseguir su dinero, según él, en nombre del Señor. Laughton consigue en apenas unos segundos que el espectador sienta aversión ante el personaje y quede advertido de su presencia y su ambigua religiosidad, que él mismo califica como “el camino religioso que el todopoderoso y yo hemos convenido”. Powell es apresado por el robo de un coche en un cabaret, donde mira con desprecio a una bailarina mientras cierra su mano izquierda con la palabra HATE (ODIO) escrita en los nudillos.

En prisión se enterará por casualidad de un hecho interesante: Ben Harper (Peter Graves), antes de ser arrestado por asesinato y condenado a la soga ante la atónita mirada de su hijo que parece no entender qué ocurre, entrega a sus dos hijos diez mil dólares y les hace jurar que no dirán dónde se encuentran. A la vista de la cuenta que lleva Powell de sus víctimas el espectador sabe ya que intentará casarse con la viuda de Harper, Willa (Shelley Winters). Laughton nos deja claro que es así en varias secuencias. En una de ellas, Willa y su jefa, la señora Spoon, hablan de la necesidad de la primera de un marido mientras el realizador alterna la palabra hombre con un plano de un tren (acompañado de una banda sonora que seguirá al personaje de Mitchum el resto de la película) en el que sabemos sin necesidad de verlo que va el predicador. En otra secuencia, mientras Ben cuenta a su hermana Pearl la historia de un rey despojado por los malos de sus tierras y que esos hombres volverán al reino en busca de las riquezas del monarca, vemos que el niño contempla la silueta característica de Mitchum en la pared. Powell se casará con Willa y la someterá a su ferviente y puritana forma de entender la religión.

Antes de asesinar a Willa somos testigos de un momento crucial en la película y en el cine en general: la historia del AMOR y el ODIO. El primero, escrito en la mano derecha, lucha con el segundo entrelazando sus dedos en una batalla que dura ya milenios, y en la que el amor triunfa con aplastante fuerza. Esta secuencia es rememorada incluso actualmente en películas como “Master & Commander”.

Tras varios intentos de soborno a los ya huérfanos hijos de los Harper y secuencias simplemente redondas (como la del predicador avanzando hacia la casa mientras la imagen se cierra cual ojo de buey para mostrar dónde están los pequeños), los niños dan esquinazo a su cazador y emprenden la huida en barca. Pero el cazador, como advierte el joven Ben en una frase, no duerme nunca, y su sombra en el horizonte acompañada de su tema musical (ese Dreaming, Dreaming tan poco tranquilizante) atemoriza también al público. Es el arte de infundir terror sin mostrar, mediante la sugestión; un arte explorado por ejemplo por Spielberg en obras como “Tiburón” o, más recientemente, en la infravalorada “La guerra de los mundos”.

Tras ese viaje son recogidos por la Sra. Cooper, siendo llevados a su casa de acogida repleta en su mayoría de niños huérfanos por la crisis. Allí, los pequeños aprenderán una nueva forma de fe fundamentada en el amor y radicalmente opuesta a la de Powell. La contraposición entre la idea de Cooper de la fe y la del reverendo queda clara en un solo papel, el de la mayor de los Cooper, una adolescente con inquietudes por los hombres. A estas alturas de la película queda clara la visión del papel de Mitchum acerca de este tipo de mujeres (recordar la secuencia del cabaret), pero la del personaje de Lillian Gish se resuelve mediante el perdón de la joven por parte de la anciana.

Sin embargo, es el personaje de Ben el que avanza realmente en la película. De su mirada de incompresión ante el arresto de su padre pasamos a una mucho más adulta, manifestada en sus conversaciones con la Sra. Cooper en la que ésta le habla de tú a tú, como si de un adulto se tratara. Todo lo que venga luego, la lucha entre AMOR (Lillian Gish) y ODIO (Robert Mitchum), entre el BIEN y el MAL, se convierte en secundario, quedando el personaje de Powell y su ya claro futuro en un segundo plano. Como dice la Sra. Cooper, los niños son los verdaderos afectados en esa tragedia, pero sorprende la fuerza con que asimilan y superan las cosas. Su carácter y en parte su visión infantil de la vida les hace sobrevivir y esto a su vez les hace madurar.

Sorprende esta enseñanza en un actor como Laughton que nunca tuvo buenos roces con los niños (fue el mismo Mitchum quien servía de intermediario entre estos y el director), pero que terminó dando una joya poco reivindicada y en la que se rumorea que tuvo algo que ver en el resultado final del guión porque el libreto original de Agee le parecía horroroso. Con una fotografía en blanco y negro simplemente sublime la película, llena de múltiples matices y lecturas que no cabrían en un reportaje, cumple ahora 50 años. A pesar de que en su época fue mal entendida e ignorada por crítica, público e industria (fue hecha en una época en la que el color era la moda y fue rodada en formato standard cuando todos los cines proyectaban en Cinemascope), el tiempo se ha encargado de ponerla en el sitio que merece. Pero buena parte de este reconocimiento es gracias a la misma película, una obra maestra que sorprende y crece con cada nuevo visionado, como si el espectador fuera un niño en pleno proceso de madurez.

RAFAEL AZCONA (1926-2008)

"La vaquilla", "Plácido", "El vergudo", "Belle Epoque", "¡Ay, Carmela!",... Todo obra de la misma mente, del mismo cineasta. Rafael Azcona, escritor y guionista, falleció el domingo a los 82 años de edad en el más absoluto secretismo. Así era él, poco dado a los homenajes multitudinarios, tanto que su muerte sólo trascendió una vez fue incinerado, tal y como rezaban sus deseos. Lo mejor que podemos hacer, lejos de hablar de su vida y logros, es revisar su extensa obra a las órdenes de los grandes, de Trueba, Berlanga, Saura,... directores que deben a Azcona todo su sabio humor negro que ha hecho posible algunas de las mejores películas de la historia del cine español. Descanse en paz.

LA CRÍTICA

Pozos de ambición
(There will be blood) ****

No ha hecho falta la ampulosidad y artificio del Scorsese de Gangs of New York para contar el gran sueño americano en lo que llevamos de siglo XXI. Era necesario narrarlo desde el sudor y la sangre de quien lo ha forjado con el trabajo y el sacrificio, y sin necesidad de hacerlo cinematográficamente majestuoso, con grandes batallas o guerras.

Ya el título original, no esa traducción española de telenovela, nos lo advierte. Durante dos horas y media correrá la sangre, incluso más que el petróleo. There will be blood es la pequeña gran historia del magnate del petróleo Daniel Plainview, grande en el fondo y pequeña en su forma. Lo que se nos cuenta es la lucha de dos grandes poderes, el capitalismo más feroz y la cristiandad fundamentada en una mezcla de fe y superchería, en la vida de un ambicioso hombre de negocios que acabará odiando a todos por el poder y su oposición ante un predicador y su manera de entender la fe. Plainview no es un hombre de fe, es un capitalista en el más etimológico sentido de la palabra, el del trabajador incansable que persigue un gran sueño, ganar dinero a costa de abandonarlo todo y a todo el mundo.

Si bien Daniel Day-Lewis compuso un personaje ya mítico en la película de Scorsese, es en There will be blood donde sus gestos, su manera de hablar y caminar y su sola presencia llenan toda la pantalla. No habría película sin él. El actor da forma a uno de los más salvajes y despreciables personajes de la historia del cine, un particular Ciudadano Kane que va disminuyendo en humildad y humanidad conforme avanza la película, y que experimenta un ascenso y caída moral, aunque no social y económico. Frente a él está la otra alma de este filme, el director y guionista Paul Thomas Anderson. A priori podría pensarse que el otrora artífice de las excéntricas historias cruzadas de las geniales Boggie Nights, Magnolia y de la aún más febril aunque a la vez más injustamente comprendida Punch-Drunk Love no es el mejor candidato para llevar el pulso de este proyecto. Sin embargo, Thomas Anderson, lejos de perder su vivo estilo personal lo lleva a un nivel más depurado y clásico pero sin dejar atrás su hambre megalómana ni su manera de entender el ritmo fílmico. Se gana así un lugar en el olimpo de los grandes.

There will be blood es, en definitiva, la unión de dos grandes mentes para construir una historia épica sin concesiones a los efectos especiales ni a la grandiosidad que podría esperarse de una obra como esta. Su propia grandilocuencia emana de su alma de película independiente, alma que sólo podía darle un cineasta indie que no ha perdido ni un ápice de su verborrea cinematográfica original. No es la mejor de sus películas, incluso le sobra algo de metraje, a pesar de que no sepa decir dónde, pero nos regala uno de los mejores recitales interpretativos, fotográficos y musicales (dos factores estos últimos también presentes en películas anteriores) de los últimos años. Para terminar resaltar la secuencia final, esa que da fin a la lucha entre el magnate y el falso profeta, y la última frase del personaje protagonista. Efectivamente, corrió la sangre.

Lo mejor: Daniel Day-Lewis, sin lugar a dudas
Lo peor: puede hacerse un poco larga

Título original: "There will be blood"; Año: 2007; Nacionalidad: EEUU; Género: Drama; Duración: 158 minutos; Dirección y guión: Paul Thomas Anderson, adaptación libre de la novela "Oil" de Upton Sinclair; Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Ciarán Hinds, Dillon Freasier, Kevin J. O'Connor

Primeras imágenes de Watchmen

No, no es un espejismo. Se trata de dos de las primeras imágenes que han salido a la luz de la adaptación de "Watchmen que realiza" Zack Snyder. Ambas están relacionadas con Rorscharch, y en la segunda podemos ver una de las más representativas de la novela gráfica original: Rorscharch paseando por la calle ante un cartel que anuncia el nuevo mandato de Richard Nixon y un graffitti en el que se lee "¿Quién vigila a los vigilantes?". En la web oficial hay storyboards, detalles de la producción, entrevistas, etc.

Por fin Snyder ha hecho públicas las imágenes reales de los anti-héroes de la obra de Allan Moore. El Comediante/Edward Blake (Jeffrey Dean Morgan)








Búho Nocturno/Dan Dreiberg (Patrick Wilson)








Ozzymandias/Adrian Veidt (Matthew Goode)








Rorscharch (Jackie Earlie Haley)








Espectro de Seda/Laurel Juspeczyk (Malin Akerman)







Los caracteres están bien conseguidos, aunque quizás uno más que otros, pero la cosa va prometiendo. A la vista de ello, estoy deseando ver cómo será el Dr. Manhattan cinematográfico.

"Watchmen" se estrenará el 6 de Marzo del próximo año, y se verá las caras con la adaptación de George Miller ("Mad Max", "Babe", Happy Feet") de la reunión de héroes de DC Comics en "La Liga de la Justicia", con la cuarta de "Terminator" y con el último y esperadísimo trabajo de James Cameron, "Avatar". Y por cierto, se está considerando realizar otra película coral de superhéroes llevando a la gran pantalla "Los vengadores", el compendio de estrellas de la Marvel.

LA CRÍTICA

IX Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria
GALA DE INAUGURACIÓN

Cometas en el cielo ***

América mira hacia Oriente

En el cine actual estamos acostumbrados a que el cine estadounidense diseccione su misma sociedad, que el cine europeo y de Oriente hagan lo propio con la suya, e incluso que Europa mire al otro lado del Atlántico y analice la política e hipocresía yanquis. Así, Lars Von Trier se ha preocupado por entender el presente de América diseccionando con inteligencia el pasado en “Dogville” y “Manderlay”, y su compatriota Thomas Vinterberg hizo las veces del Michael Moore de “Bowling for Columbine” en “Querida Wendy”. Los estadounidenses son expertos en cuestionar su propio sistema, en especial últimamente con la administración Bush, pero fallan estrepitosamente al mostrar al bando contrario, cayendo en tópicos y estableciendo dos claros frentes, el de los buenos y el de los malos. Pocas películas han acertado tanto en mostrar a los “malos” y los “buenos” como “United 93”. Pero claro, su director, Paul Greengrass, es británico.

El objetivo es criticar la guerra sin más, obviando en todo momento las vidas de los otros o en última instancia mostrándolos como los malos absolutos. Por ello sorprende que se haya hecho una película como “Cometas en el cielo” con patrimonio hollywoodiense. El habitualmente interesante Marc Foster (“Monster’s Ball”, “Descubriendo Nunca Jamás”, “Más extraño que la ficción” y la próxima de James Bond) se pone tras la cámara para adaptar la novela de Khaled Hosseini, y lo hace sin tremendismos, sin exagerar las situaciones dramáticas al estilo hollywoodiense, a excepción de la excelente idea de seguir las cometas en su vuelo.

Ya sea por mantenerse fiel al libro, algo que consigue con creces, o por ese sentimiento de realizar algo distinto, la mirada de Foster hacia Oriente resulta respetuosa, sincera y realista. La historia del joven que intenta volver al Afganistán talibán tras haber sufrido la invasión soviética, ser testigo directo desde su posición acomodada de la discriminación a su mejor amigo en un país dividido por una latente guerra civil y su posterior cobardía personal está retratada con honestidad, sólo lastrada por las pocas veces que la película destila sabor yanqui (ese final tan cinematográfico). Sin embargo, no hay concesiones a la gloria americana, sólo a la realidad del pueblo afgano.

En este relato en pocos momentos dulce acerca de la redención y el perdón, de la discriminación de otros por su procedencia y creencias, hay una serie de secuencias pequeñas pero mucho más interesantes que las más ampulosas y aparentemente importantes. De todas me quedo con el empujón del padre del protagonista al médico de origen ruso y la valentía del mismo comparada con la de su hijo cuando hace frente al soldado soviético.

Película cruda y esperanzadora cuando le conviene serlo, en la que puede que ciertas partes del viaje de regreso a casa suenen a estrambóticas, quizás por el hecho de que en la ficción las cosas siempre resultan menos cercanas y más cuestionables que en la realidad. Especial mención a la dirección de Foster, a los actores y a la música de Alberto iglesias.

Lo mejor: su profunda honestidad
Lo peor: la realidad supera a la ficción

Título original: "The kite runner"; Año: 2007; Nacionalidad: EEUU; Género: Drama; Duración: 127 minutos; Dirección: Marc Foster; Guión: David Benioff, basado en la novela de Khaled Hosseini; Intérpretes: Khalid Abdalla, Homayoun Ershadi, Zekiria Ebrahimi, Ahmad Khan Mahmoodzada, Shaun Toub

Geraldine Chaplin deja huella en el festival

Esta noche se inaugura el festival en el Auditorio Alfredo Kraus, pero antes de eso ha hecho acto de presencia la actriz Geraldine Chaplin, homenajeada en el certamen y que ha plasmado sus manos en el Paseo de las Estrellas. Quedan por delante 8 días de buen cine y de muchas estrellas más.