Geraldine Chaplin deja huella en el festival

Esta noche se inaugura el festival en el Auditorio Alfredo Kraus, pero antes de eso ha hecho acto de presencia la actriz Geraldine Chaplin, homenajeada en el certamen y que ha plasmado sus manos en el Paseo de las Estrellas. Quedan por delante 8 días de buen cine y de muchas estrellas más.

IX Festival de Cine de Las Palmas de Gran Canaria

Durante 8 días, la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria se convierte en el foco cinematográfico más relevante de nuestro país. El IX Festival de Cine de Las Palmas de Gran Canaria abre sus puertas y nos ofrece una selección del mejor cine que veremos en salas en los próximos meses, las perlas de otros festivales, retrospectivas de figuras destacadas del séptimo arte y sobre todo el cine de difícil distribución en España y Europa.

El festival se inicia el viernes 29 de febrero con la proyección de “Cometas en el cielo”, de Marc Foster, y recogerá en su Sección Oficial 16 largometrajes llegados de Argentina, Corea del Sur, Japón, Alemania, Estados Unidos, Brasil o Filipinas, entre otros. Todos compiten por la Lady Harimaguada, el galardón que reparte el certamen, y que también nombrará a uno de los 12 cortometrajes a competición. En la Sección Informativa se podrán ver trabajos de realizadores ya habituales del festival y galardonados en pasadas ediciones, como Hou Hsiao Hsien, que presenta “El vuelo del globo rojo”, o Aureaus Solito, que nos traerá su última película, “Pisay”, tras haber triunfado hace unos años con “The blossoming of Maximo Oliveros”. Dentro de esta sección se realizarán tres retrospectivas del cine realizado en Malasia, Filipinas y Rumanía dentro del apartado PUNTOS CALIENTES. Completan las secciones la dedicada al género fantástico, La noche más freak, organizada por el crítico Jesús Palacios y que entre otras proyectará la última obra de George A. Romero, “Diary of the dead”, así como secciones dedicadas al cine infantil, La linterna mágica, y el cine hecho en Canarias o por realizadores canarios, el Foro Canario. Asimismo, la revista Cahiers du Cinemá organiza la sección Reescrituras, una mirada del cine al pasado, entre remakes y nuevas versiones inconfesas que realiza el cine de nuestro tiempo.

Entre las retrospectivas más destacadas se encuentran la realizada a los hermanos Panero, titulada Los Panero: Después de tantos desencantos, y otra dedicada a la nueva oleada de directores mejicanos. Por otra parte, el jurado lo componen rostros tan variopintos como los del actor Peter Coyote, el director Javier Rebollo, la actriz Claudette Maillé, o los realizadores Jose Fonseca e Costa y Chantal Ackerman.

Para terminar, mencionar uno de los momentos cumbre del festival, el que corresponde al homenaje que se hace a algunos profesionales del celuloide. Este año toca el turno a los actores Jeff Daniels (segunda foto) y Vanessa Redgrave (foto en estas líneas) recibir la Lady Harimaguada de Honor a toda una carrera dedicada a la interpretación en cine, teatro y televisión. Esto será en la gala de clausura, que tendrá lugar el 8 de Marzo en el Auditorio Alfredo Kraus, donde se cerrará el festival tras la proyección de “La familia Savage”, de Tamara Jenkins, film que también compite dentro de la Sección Oficial.

Web oficial del festival
Programa del festival

Dos héroes para el verano

La noticia del día es el merecidísimo Oscar a Javier Bardem por "No country for old men". Pero como ese tema ya ha sido tocado hasta la saciedad por los medios hoy voy a optar por traer dos avances de dos películas esperadas. Si hace unos días nos deleitábamos con las primeras imágenes del nuevo Indiana Jones, en esta ocasión le toca el turno al cómic. "The dark knight" será vista bajo el prisma de ser la película póstuma del malogrado Heath Ledger, pero con muchísima razón. Con sólo ver el trailer comprobarán que su caracterización como Joker es sencillamente perfecta. Lo segundo que les traigo es otra secuela, "Hellboy: The Golden Army". Guillermo del Toro se pone de nuevo gamberro (se echaba de menos tras "El laberinto del fauno") y nos trae nuevamente al socarrón demonio rojo creado por Mike Mignola y con el inigualable rostro de un grande, Ron Perlman. A ver si averiguan cuántos papeles interpreta en esta ocasión Doug Jones. Este verano en cines.





Por cierto, felicidades, Javier.

Teaser de Indiana Jones IV

El 22 de Mayo vuelve a coger el látigo y a enfundarse su polvoriento sombrero. Vuelve Indie, con varios años de más pero bajo la batuta del incombustible Spielberg. Ya circula por la red un teaser de "Indiana Jones and the Crystal Skull", la cuarta entrega de la saga que promete el mismo derroche de aventuras y buen humor de sus predecesoras, con un hijo aparecido de la nada (el emergente pero afianzadísimo en la industria Shia LaBeouf) y una mala malísima con el rostro de la angelical Cate Blanchett. Se echará de menos a Papá Jones.

LA CRÍTICA

Sweeney Todd,
el diabólico barbero de la calle Fleet ****

Ed Wood, Icabod Crane, Eduardo Manostijeras,... Pocas veces la simbiosis entre director y actor ha sido tan perfecta como la que se ha establecido en el tándem Burton-Depp. Se deben y les debemos mucho, en especial esos entrañables freaks que tan amorosamente retrata el director y encarna el actor, indudables iconos ya de la cultura popular de las últimas décadas. No podía existir un director mejor para llevar al cine el macabro musical creado por Stephen Sondheim y Hugh Wheeler. Y a la complicidad entre realizador e intérprete debemos unir en esta ocasión la que se produce entre ambos y los creadores de la obra, tanto en estética como en intenciones.

La propuesta de Burton comienza desde una fuente desconocida, como lo hacían los relatos en los que se basa el musical original, desde un reguero de sangre que emerge de ninguna parte y recorre los canales subterráneos de la putrefacta Londres, cuna del desarrollo de los nuevos ricos y pozo en el que se pudren los mendigos y comerciantes. A la ciudad regresa tras muchos años de exilio Sweeney Todd, anteriormente conocido como Benjamin Barker, alimentado por una sed de venganza hacia el hombre que le arrebató a su esposa y a su hija años atrás, el juez Turpin. Para ello se aliará en un sanguinolento pacto con una pastelera de tres al cuarto y hará las veces de barbero hasta que llegue el momento de asestar el corte final al juez.

A un servidor, muy acostumbrado al musical con mayúsculas provisto de más de un número musical gigantesco, de esos repletos de coralidad y vivacidad, se le han hecho bastante difíciles los primeros minutos de “Sweeney Todd. El diabólico barbero de la calle Fleet”. El de Sondheim/Wheeler, y por ende el de Burton, es un musical sin aspavientos, contenido en su desarrollo y rotundamente serio, sin un atisbo de resultar alegre y apoyar la complicidad con el espectador en esa vivacidad, en el colorido de su puesta en escena y números musicales como hacen otras películas del género. Sin embargo, la buena mano de su director hace que conforme avance el metraje la película, pese a su hermetismo inicial, vaya en un in crescendo continuo también visible en la fuerza de sus canciones. Superado ese tramo inicial, Burton expone sus cartas son solemnidad y la contención de su comienzo termina por estallar y brota por cada fotograma como la sangre por la hojilla del barbero asesino.

Buena parte de que la complicidad con el espectador vaya en aumento es gracias a su actor protagonista, Johnny Depp. Depp compone un barbero comedido, soberbio, sin las excentricidades de Willy Wonka o Ed Wood. Más que merecida es su nominación al Oscar, como también es meritoria su compañera de reparto, una Helena Bonham Carter que hacía años que no encajaba tan bien en un personaje.

Podemos hablar de “Sweeney Todd. El barbero diabólico de la calle Fleet” como un experimento en la carrera de Burton que se salda con un musical intenso pero sin la necesidad de resultar majestuoso ni gigantesco, en la que todos los aspectos, desde los actores hasta la puesta en escena, pasando por la banda sonora del mismo Sondheim (por una vez en la filmografía burtoniana no echamos de menos a Danny Elfman), forman un entretejido capaz de alcanzar la complicidad consigo mismo, con el espectador y con la obra musical que adapta.

Lo mejor: pese a su hermetismo va en continuo in crescendo
Lo peor: cuesta entrar al principio en su propuesta musical

Título original: "Sweeney Todd, the demon barber of Fleet Street"; Nacionalidad: EEUU; Año: 2007; Género: Musical; Duración: 117 minutos; Dirección: Tim Burton; Intérpretes: Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Sacha Baron Cohen, Timothy Spall

LA CRÍTICA

30 días de oscuridad ***1/2

“30 días de noche”, la novela gráfica escrita por Steve Niles e ilustrada por Ben Templesmith, nunca fue un gran comic book pese a su éxito. Acertaba a la hora de transmitir en imágenes la confusión que los gélidos parajes de Alaska podían crear a base de difuminar sus dibujos, todo unido a una estética gore bastante detallista pese a lo borroso de sus imágenes. Pero esta obra gráfica ya convertida por muchos en objeto de coleccionista adolecía del provecho que en cuanto a personajes se le podía sacar a una historia como la que narraba. Nunca supo transmitir la desesperación que supone esperar 30 días para poder sobrevivir y nunca fue capaz de interiorizar en sus personajes lo suficiente. Se preocupaba de ir más al grano en la acción.

La novela original fue concebida para ser una película, pero ningún estudio accedía a financiarla. Fue así como se convirtió en la novela gráfica que es hoy en día, y ha sido un abanderado del cine fantástico, Sam Raimi, el que finalmente ha sucumbido al encanto de los vampiros. Uno de los mayores aciertos de su versión cinematográfica es que su guionista es el mismo Niles, lo que la asegura cierta fidelidad hacia el cómic original, incluido ese amargo desenlace tan difícil de encajar. Niles elimina pasajes redundantes en la trama y añade más elementos de terror y acción, pero el conjunto sigue viéndose resentido por esa falta de interiorización en unos personajes situados en un enfrentamiento en el que llevan las de perder.

Del 18 de Noviembre al 17 de Diciembre el sol nunca se pone en el pueblo de Barrow, Alaska. Su población, de apenas 150 personas, se prepara para 30 días de noche sin descanso, para un invierno crudo. Escenario perfecto para que un grupo de vampiros haga de las suyas, asegurándose de que durante un mes no tendrán que preocuparse de la luz del sol. El sheriff y un grupo de supervivientes sólo tendrán una salida: mantenerse ocultos. Semejante argumento sería la base perfecta para analizar el ambiente de desesperación y angustia que pueden sufrir los desafortunados (porque era mejor estar muerto) supervivientes a la masacre inicial. Sin embargo, la película no aprovecha este punto y prefiere ofrecer un espectáculo gore, algo que ya ocurría en la novela.

A pesar de todo, “30 días de oscuridad” mantiene bien la tensión, asusta y sobrecoge en más de una secuencia al espectador y ofrece algún que otro tramo de puro gore, sin escatimar hemoglobina, como la secuencia con la niña-vampiro o las múltiples cabezas rebanadas hacha en mano. Parte del encomiable respeto hacia la atmósfera y estética de la obra de Niles y Templesmith es trabajo de David Slade, el autor de la fantástica “Hard Candy”. De nuevo, Slade sabe imprimir fuerza a las imágenes, y da al film ese halo borroso fruto de los fuertes vientos de la localidad pese a los cabos sueltos del guión.

En una época en la que el cine de zombies es el que manda, se agradece que alguien haya tenido el valor de actualizar el cine de vampiros. Los vampiros de Niles-Slade son imponentes, macabramente actuales y sanguinarios. Su única misión es aniquilar la plaga humana y cerciorarse de que nadie quede vivo para informar de su existencia. Y entre todos ellos un malo de altura, Danny Huston, tan sádico y descorazonado como atractivo. Puede que no sea la encargada de resucitar el género y colocarlo donde merece, pero es un más que digno comienzo.

Lo mejor: Danny Huston y que no escatima en elementos gore
Lo peor: la falta de profundidad en los personajes, algo ya presente en la novela

Título original: "30 days of night"; Año: 2007; Nacionalidad: EEUU; Duración: 113 minutos: Género: Terror; Dirección: David Slade; Intérpretes: Josh Hartnett, Melissa George, Danny Huston

GOYA 2008: 12+1 DESCALABROS

Debimos imaginarlo. Cuatro candidatas y de repente en lugar de "Mataharis" o "Bajo las estrellas" se cuela una película que apenas tuvo repercusión pero que encantó a los críticos. Algo olía raro, y las dudas se despejaron cuando dijeron que Jaime Rosales era el ganador al mejor director. Habrá que ver "La soledad", porque hasta en Fotogramas la dieron como ganadora a mejor film del año antes de triunfar en los Goya. Aún así, me gustaría resaltar 12+1 detalles de la gala:

1. Fernando León de Aranoa murmuraba algo extraño durante la gala, seguramente "Que le den el Goya a "Invisibles", que se lo den". Descuida, Aranoa, que el Goya es tuyo ya y de los demás implicados en el proyecto.
2. Las cansinas bromas acerca de la ausencia de Almodóvar y Garci.
3. Corbacho, y esto se notaba también el año pasado, parecía no tener guión e improvisar los chistes sobre la marcha, algunos más afortunados que otros.
4. La cara de Elías Querejeta, productor de "7 mesas de billar francés", cuando mencionaron a "La soledad" como ganadora. No terminaba de creer que se le escapara el Goya.
5. La emocionadísima Maribel, merecida mejor actriz, tan emotiva que casi...
6. ... eclipsa al mismo Alfredo Landa, tan sabio en su discurso como mal encajado su galardón en la gala, pues...
7. ... la gala en sí estaba mal organizada, transcurría a tropezones. De repente daban los premios técnicos como los alternaban con los de actores. Sigo sin saber quién propone el orden de premios, porque es para darles eso precisamente, un premio a la insensatez. Tan mal estuvo que ni el In Memoriam venía en un momento oportuno.
8. Alberto San Juan parecía fumado, como siempre, aunque bien que merecía al cabezón.
9. La ropa de Pepe Viyuela, con una simple ¡rebeca!
10. El premio para actor secundario al gran actor canario José Manuel Cervino, en una categoría que tenía, sospechosamente, cinco candidatos en lugar de cuatro.
11. El maltrato que sufren los cortos. Rapiditos y sobre todo cortos. Una vergüenza.
12. El niño mimado del cine español, el señorito Amenábar, dando una vez más el premio a Mejor Película con su soez habitual. Cuando no lo da a película lo da al mejor director. Me encajaba más como mafioso junto a Segura y compañía en la sala de los ex directores noveles.
12+1. Bayona intercambiando asientos con su compañero cuando las cámaras de TVE se equivocaron y enfocaban a este último. ¿No era más fácil mover la cámara, o Bayona sigue siendo tan desconocido que no conocen ni su cara? Si hasta Corbacho se refería a él como "el de El orfanato".

Nada, que no aprenden a organizar bien una ceremonia que si no hubiera sido por las constantes y largas pausas de TVE habría durado dos miserables horas. Como debería ser.

LA CRÍTICA

No es país para viejos ****

Que el mundo es un sin sentido de violencia lo sabemos de sobra, y que el cine como extensión de la historia es igualmente violento (aunque a veces justificadamente) también lo sabemos. La última película de los hermanos Coen, basada en la novela de Cormac McCarthy viene a confirmar lo que ya conocíamos de antemano: Estados Unidos, y por supuesto el resto del planeta, es un árido desierto sin alma en el que la vida ajena importa bastante poco.

Puede parecer un mensaje austero, pero es la sensación con la que te quedas tras ver “No es país para viejos”. Los Coen no han hecho concesiones esta vez para el humor que destilara la genial “Fargo”, ni siquiera cuando Tommy Lee Jones se sirve un vaso de leche en una casa en la que acaba de producirse un allanamiento. En otras ocasiones, el gesto impasible de su personaje ante tal situación tratándolo como algo habitual habría desencadenado alguna sonrisa en el espectador, pero no es el caso. “No es país para viejos” es una película seca, tan árida como la frontera que debe cruzar Josh Brolin para escapar de su inevitable destino. El mundo por el que nuestros abuelos cabalgaban plácidamente se ha vuelto desconfiado, sólo asimilable si usas la ley de disparar primero y preguntar lo menos posible.

Debo reconocer que tras verla me creó una sensación incontrolable de animadversión, de desánimo, de no saber encajar lo que había visto durante las casi dos horas de duración, y pocas veces una película me lo ha puesto tan difícil a la hora de disfrutarla. Y es que su desarrollo es lento, sin procurar caer simpático a nadie. Ya a la segunda vez la película no disimula sus cartas y queda claro que los Coen sabían perfectamente que trataban con una historia con fuerza que podía dar lugar a una gran película. Porque “No es país para viejos”, a pesar de su sequedad, es una película memorable desde la voz en off inicial hasta el recuerdo de un sueño evocador de Lee Jones en su desenlace. Es el ejemplo de película consciente de su propia grandeza, explotada esta de manera inteligente y sin mostrar que sabe exactamente lo que es.

El ejemplo más sólido, y el que más desasosiego creará en los espectadores, es sin duda el del papel que interpreta Javier Bardem. Su interpretación de Anton Chigurh es la de un hombre sin escrúpulos, sin verdaderos motivos para matar a nadie más allá lo que pueda dictar una moneda. Ni un ápice de bondad en un papel memorable, al que hay que temer precisamente cuando sonríe. La suya es una caracterización fiel del mismo espíritu del film: el mundo, aunque nos pese, está regido por la extrema violencia injustificada pero tristemente cotidiana. Un mundo en el que ya ni nuestros antepasados ni nosotros mismos si no nos unimos a esa reacción en cadena de violencia tenemos un hueco.

Lo mejor: es una película consciente de su propia grandeza
Lo peor: su extrema sequedad puede tirar a más de uno/a para atrás

Título original: "No country for old men"; Año: 2007; Nacionalidad: EEUU; Duración: 122 minutos; Género: Thriller-Drama; Dirección y guión: Joel y Ethan Coen, basado en una novela de Cormac McCarthy; Intérpretes: Josh Brolin, Javier Bardem, Tommy Lee Jones, Woody Harrelson.

LA CRÍTICA

Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra **

Igualito que los franceses

La fusión entre los hermanos Fesser y el mundo de Ibáñez era casi perfecta. De aquella simbiosis nació “La gran aventura de Mortadelo y Filemón”, una de las pocas adaptaciones ilustres de un cómic español a la gran pantalla, sazonada del humor de Gomaespuma y con un despliegue visual que hacía posible que sus actores se comportaran como auténticos héroes de tebeo, con mamporros, caídas y tortazos incluidos. De lo único que adolecía aquella adaptación era de una historia demasiado confusa, de la sensación de que nunca se homenajearía como merece a los dos agentes de la TIA y en definitiva de que era más una obra de Fesser que de Ibáñez, aunque eso es algo que los fans de “El milagro de P. Tinto” agradecimos.

Han pasado cinco años de aquella divertidísima película, en la que casi era imposible distinguir el celuloide de las viñetas. El encargado de revivir a los superagentes Mortadelo y Filemón una vez Javier y Guillermo Fesser se apearan del proyecto ha sido Miguel Bardem, que por su trayectoria profesional parecía ser su más digno sucesor (no hay más que ver las loquísimas “Noche de reyes” y “La mujer más fea del mundo”). Pero la fusión entre Ibáñez y Bardem no ha sido todo lo fructífera que este crítico esperaba. Será que echo de menos a Gomaespuma y su archiconocida bombona de butano naranja, pero “Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra” no es más que un vano intento por continuar la estela de su predecesora, atesorando gags inútiles y hostias a diestro y siniestro pero sin la más mínima gracia, sin un atisbo de chispa en el conjunto.

Lo que ha quedado es un producto bastante infantil, bastante mecánico en su ejecución, como si su director sintiera la necesidad de proseguir con lo que otros ya habían hecho y haciendo modificaciones que son para echarse las manos a la cabeza. Entre ellas el uso intensivo, por ejemplo, de acelerar las secuencias para buscar humor donde no lo hay. En cuanto al look visual hay situaciones en las que parece superar en medios a la anterior, y otros sin embargo en los que hace gala de una precariedad de medios alarmante.

Lo que sí soluciona esta nueva adaptación es la historia. El mundo está sufriendo una acuciante sequía, y todos los agentes secretos se reúnen para discutir el problema. Pero la sesión es interrumpida cuando el malvado Botijola hace estallar el edificio pereciendo en el accidente todos los agentes. Todos menos dos. Los dos únicos que no acudieron a la ceremonia y que serán los encargados de desbaratar los planes de Botijola: acabar con todas las reservas del planeta y aprovechar la crisis mundial para comercializar su infumable líquido como sustituto del agua. Sí, el desarrollo de la trama hace que la misma sea más inteligible, pero el problema es que el mismo desarrollo carece de la gracia con que se abordaba todo en la primera parte. Acierta en incontables momentos, pero dichos momentos quedan lastrados por otros bastante patéticos (que alguien se cargue al ambiguo oriental capaz de camuflarse fácilmente detrás de Ofelia).

En cuanto a los actores, estos sí que funcionan. Todos, desde los ya habituales Pepe Viyuela, Mariano Venancio, Berta Ojea, Janfri Topera y Emilio Gavira bordan sus papeles como ya hicieran hace años, e incluso las incorporaciones de Alex O’Dogherty y Carlos Santos son de lo mejor que posee esta segunda parte. Todos menos Eduard Soto, que obliga a pensar en el Mortadelo por excelencia, Benito Pocino. Es cierto que Soto es cómico, y que Pocino no podría haber hecho muchas de las cosas que su personaje requiere en esta (Soto sí sabe poner voces, a Pocino tuvieron que doblarle), pero no termina de encajar en su rol, sobre todo en lo que a físico e interpretación (más allá de sus imitaciones se queda en nada su aportación) se refiere.

Viéndola uno no puede más que pensar en lo que han hecho los franceses con uno de sus cómics más célebres, Astérix y Obélix. La segunda entrega de los irreductibles galos se vendía como la más cara, la más lujosa, pero una vez estrenada parecía todo lo contrario: menos original que la primera y bastante más tediosa y limitada en medios. Parece que nos ha ocurrido lo mismo con uno de nuestros mejores tebeos. Si es que se nota hasta en el cartel.

Lo mejor: Emilio Gavira como Rompetechos, que ya está pidiendo una película a gritos
Lo peor: ¿Dónde ha quedado la bombona de butano?

Título original: Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra; País: España; Género: Comedia; Año: 2008; Duración: 94 minutos; Dirección: Miguel Bardem; Intérpretes: Eduard Soto, Pepe Viyuela, Mariano Venancio, Janfri Topera, Berta Ojea, Emilio Gavira, Carlos Santos, Alex O'Dogherty, Carmen Ruiz

Una buena y una mala/triste noticia

Este 23 de Enero ha comenzado con una mala y triste noticia y otra buena para el cine español. La mala es de esas que te cuesta asimilar, y ha copado los principales titulares en las noticias. Heath Ledger, uno de los mejores actores emergentes de una generación repleta de adolescentes cinematográficamente estereotipados, nos ha dejado a los 28 años de edad. Se trunca así la fructífera carrera de una estrella capaz de robar planos al mismísimo Mel Gibson en "El patriota", ser lo más destacable de comedias juveniles como "10 razones para odiarte" o recibir el unánime reconocimiento de la crítica, por su magistral interpretación en "Brokeback Mountain", la película que le confirmó como sólido intérprete. Tenía a punto de estrenar su encarnación del Joker en el nuevo Batman de Nolan. Me uno al homenaje que merece que le hagan.

La buena noticia es la previsible nominación al Oscar de Javier Bardem por su portentosa interpretación en "No country for old men", premio con el que seguramente se alzará en vista de todas las quinielas. Entre los injustificables olvidos, el de Tim Burton como director por "Sweeney Todd", aunque Johnny Depp sí figura felizmente como actor. Pero nuestro país tiene doble motivo para la alegría, pues Alberto Iglesias, que ya consiguiera la estatuilla por la banda sonora de "El jardinero fiel", vuelve a estar nominado por el score de "The Kite Runner". Los ganadores el próximo 24 de Febrero.

Cloverfield: Se resuelven algunos misterios

Hace unas semanas les hablaba del nuevo proyecto de J.J. Abrams, el productor de "Perdidos", "Alias" y "Felicity". Finalmente, la famosa fecha 1-18-08 se correspondía con la del estreno en Estados Unidos, día en que la publicidad viral que ha usado para promocionarse, con innumerables pistas y enigmas que conducían a otras pistas en Internet, ha dado sus frutos. Gracias a ella, "Cloverfield" (otra duda despejada, el título) se ha convertido en la película más vista del pasado fin de semana, con una recaudación de cerca de 40 millones de dólares.

Tras su arrollador paso por las salas de cine, Internet se ha visto plagada de rumores, confirmaciones y spoilers de todo tipo. Les traigo tres de ellos, relacionados con el monstruo que asola la ciudad de Nueva York en la película (otra incógnita desvelada, de qué trata). Les facilito un boceto de lo que supuestamente es el monstruo y los parásitos que suelta de su cuerpo junto a una comparativa de tamaño con la Estatua de la Libertad y un humano.












Y lo más esperado, el bicho en sí, aunque grabado precariamente durante una proyección. Si agudizamos la vista podremos ver su silueta y a alguno de los seres que le acompañan, bastante parecidos a los de "Alien". Y por último el cartel de la película, que esconde más de lo que parece. Si no consiguen ver nada en Youtube tienen la respuesta. Habrá que esperar a su estreno en España, previsto para el próximo mes.
Watch The Cloverfield Monster Free Online!

Las mejores películas de 2007: las ganadoras

Ya se han cerrado las votaciones, y la ganadora es española. Muchas gracias a todas las personas que hayan participado.

La ganadora (13 VOTOS):
El orfanato

8 VOTOS:
300

6 VOTOS:
28 semanas después

5 VOTOS:
Apocalypto
El truco final: El prestigio
Los Simpson: La película
Promesas del Este

4 VOTOS:
[REC]
1408
American Gangster
Las trece rosas
Soy leyenda

3 VOTOS:
En busca de la felicidad
Zodiac
Ratatouille

2 VOTOS:
La vida de los otros
Harry Potter y la Orden del Fénix
El velo pintado
La caja
Planet Terror
Death Proof
Bajo las estrellas
Historia de un crimen
Bosque de sombras
Hitman
Diamante de sangre
Fracture
La brújula dorada

1 VOTO:
¡Porque lo digo yo!; ¿Qué tienes debajo del sombrero?; ¿Y tú quién eres?; 2 días en París; Arma fatal; Banderas de nuestros padres; Beowulf; Cartas desde Iwo Jima; Ciudad en celo; Deseo, peligro; Después de la boda; El buen pastor; El jefe de todo esto; El ultimátum de Bourne; El violín; Encantada: La historia de Giselle; Habitación sin salida; Hairspray; Half Nelson; Irina Palm; Juegos secretos; La caja Kovak; La carta esférica; La extraña que hay en ti; La jungla 4.0; La soledad; La suerte de Emma; Memorias de Queen; Miss Potter; Mr. Brooks; Naturaleza muerta; Reino de las sombras; Saw 4; Siete mesas de billar francés; Spiderman 3; Stardust; Sunshine; Supersalidos; The Host; Tierra; Transformers; Tristam Shandy: A cock & bull story;
Un funeral de muerte

LA CRÍTICA

Viaje a Darjeeling ***

Viaje a la intrascendencia

Debo reconocer que el cine independiente yanqui empieza ya a aburrirme. Todo fue bien cuando el movimiento indie comenzó, pero en la era del postindie hasta sus cineastas me parecen niños mimados por una industria privada de los recursos de las majors. Lo primeros trabajos de Sofia y Roman Coppola o Wes Anderson destilaban esa esencia del cine outsider, justo cuando éste estaba en apogeo. Pero en sus últimas películas me declaro sencillamente perdido, como si estos directores usaran su obra como vehículo de trascendencia, ya sea para contentarse a sí mismos o a sus incondicionales.

En mi caso nunca he simpatizado con Anderson tanto como con otros de su generación. Nunca he pasado de ver “Los Tenenbaums. Una familia de genios” y “Life Aquatic” como comedias resultonas, eficientes, pero con un marcado sentido del ritmo y la música, en las que ni siquiera las cámaras lentas ralentizan el metraje. Eso es “Viaje a Darjeeling” (sigo sin entender por qué han pasado del nombre de un tren al de un destino en el doblaje del título al castellano), otra comedia amable aunque menos marciana que sus predecesoras.

Para alguien como yo, que cada vez soy menos fan de este tipo de cine y al que este director ha dicho siempre bastante poco, “Viaje a Darjeeling” no es la mejor manera de hacer amigos fuera de los que ya le adoran. Plantear la historia de tres hermanos con sentidos estados carenciales de afecto que realizan un viaje espiritual por la India como catarsis de sus rencillas y ese pasado que nunca abandona en clave de comedia divierte, y de hecho la película no aburre, pero no deja de sentirse por todo el metraje ese aroma a trascendencia que parecen buscar los realizadores de esta época postindie.

Que nadie se extrañe con ese corto de obligado visionado que se exhibe justo antes del film y rodado por el mismo Anderson. Ese “Hotel Chavilier” que parece más una excusa erotómana de mostrar el cuerpo de Natalie Portman no sólo acompaña en la trama a modo de primera parte del viaje a la película que continúa con un Bill Murray al que se le escapa el tren, sino que es la carta de presentación de lo que vendrá después: un eterno travelling acerca de una travesía a ninguna parte, sin rumbo definido, en el que los lazos familiares finalmente resultan felizmente forjados. Y es en su montaje haciendo uso y abuso del plano secuencia y la cámara lenta donde Anderson da en el clavo en su última propuesta, más allá de su entretenida historia más propia del cine del este que del cine del oeste.

Es en esos momentos de frescura cinematográfica, cuando la película hace reír y entretiene, en esos interminables planos secuencia que son todo un desafío para los que tengan poca paciencia hacia las estructuras cinematográficas repetitivas, en los que “Viaje a Darjeeling” funciona, sin ser nada más que eso. Lástima que por ella pulule la idea de trascendencia que pretende su director y todos los de su generación, pobres niños mimados que logran, y este es un ejemplo de ello, justo lo contrario, un viaje a la intrascendencia.

Título original: "The Darjeeling Limited"; Género: Comedia; Nacionalidad: EEUU; Duración: 100 minutos; Año: 2007; Dirección: Wes Anderson; Guión: Wes Anderson, Roman Coppola y Jason Schwartzman; Intérpretes: Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Anjelica Huston, Natalie Portman, Bill Murray