AVANCES. Tráiler y póster de "Predestination", la paradoja temporal de The Spierig Brothers

Pocos esperaban este tráiler, pero ha dejado varias mandíbulas desencajadas. Tras la cámara de “Predestination” se encuentran los hermanos Spierig, que hace unos años nos trajeron la reivindicable y vampírica “Daybreakers”. El protagonista de ésta es el mismo en esta ocasión, un Ethan Hawke que va camino de convertirse en el actor que mejor escoge sus proyectos en lo que a riesgo se refiere, y la trama no podía ser más sugerente: Hawke es un agente "temporal" encargado de la captura de un peligroso terrorista a través del tiempo, acompañado para ello de una persona que es en sí misma una paradoja temporal. La persona en cuestión es Sarah Snook, a la que le han llovido grandes críticas allá por donde ha pasado la cinta. Y al film, también. Porque si el argumento convence, este avance aún convence más. En agosto llegará a la cartelera USA. Al resto del mundo, ni idea.

POSTERS. El díptico de "The Expendables 3". Nuevos y coloristas carteles de personajes

Es como si Andy Warhol se hubiera aliado con Almodóvar y juntos hubieran ideado los nuevos carteles de personajes del film, muy alejados de los grisáceos y duros posters anteriores. Coloristas, psicodélicos, diferentes… Que siga la fiesta.

LA CRÍTICA: El amanecer del planeta de los simios

El nacimiento de una nación

Es fascinante cómo la saga de “El planeta de los simios” sirve como radiografía del ascenso y ocaso histórico de toda civilización en pleno estado evolutivo. Sociedades regidas por líderes carismáticos que o bien promueven el entendimiento y la paz entre semejantes y entre especies, o bien se encuentran movidos por la ira y el miedo al foráneo. Unos llevan a la evolución; otros, a la extinción.

Pero es la primera vez en toda la franquicia, continuando con el formidable camino iniciado en “El oriden del planeta de los simios”, que el discurso se pronuncia más desde el punto de vista simio y su concepto de comunidad, que del mero conflicto humano-simio. Ya en “La conquista del planeta de los simios”, con la que la que nos ocupa mantiene ciertos paralelismos, se apuntaba que no había mucha diferencia entre una especie y su oponente. Aquí, es el mismísimo César quien advierte que humanos y simios no se encuentran muy alejados los unos de los otros. La barbarie y la guerra no son solamente comunes a los primeros, sino a toda especie sobre la que comienza a alumbrar la evolución.

Así, “El amanecer del planeta de los simios” se convierte en una especie de “El nacimiento de una nación”, pero en clave darwinista. Una suerte de espectáculo no exento de pirotecnia visual –supera el mayor escollo de su predecesora, unos efectos especiales poco verosímiles; en otras palabras, aquí la artificiosidad de los simios no canta ni siquiera en el plano detalle-, inteligente y comedido, tremendamente cerebral y pausado que no obstante se pasa en un suspiro. Es tan intimista como la anterior, pero desde un punto de vista cinematográfico más gigantesco.

Todo gracias en buena parte a un gran artesano como Matt Reeves, capaz de hacer evolucionar todo trabajo de encargo y ofrecer un producto de calidad, no con una impronta personal definida, pero tremendamente inteligente en su ejecución de la acción –la escena del tanque, ese comienzo de reminiscencias kubrickianas- y las escenas de personajes. Y eso que no parte de un argumento demasiado complejo, y de que el guión acusa cierta previsibilidad –el forzado final palomitero, la enfermedad de la mujer de César, la falta de un instante que realmente impacte al espectador como en entregas anteriores-, además de que su condición de hype hinchado por culpa de una campaña que la ha vendido como el must see de prestigio del año puede jugarle una mala pasada, pero Reeves es capaz de convertir estos defectos en virtudes, y de demostrar que es posible hacer un blockbuster sesudo.

Y, cómo no, si algo hace grande a este film es Andy Serkis, que consigue dar un paso más allá en su encarnación de César y matizar digitalmente su interpretación. Que un personaje generado por ordenador sea capaz de expresar de manera tan contundente es tan acojonante que merece un Oscar. Tan bien definido están él y el resto de sus compañeros simios, con mención especial también para Koba, que los humanos palidecen a su lado. Incluso Gary Oldman está de paso a pesar de que hay un intento por vislumbrar su doloroso pasado. Están de más, porque lo que llega al corazón es la historia de estos simios tan humanos a los que sólo les ha faltado decir “¡Ave, César!”.

A favor: que centre su discurso y el espectáculo inteligente en la comunidad simia, en un fantástico Andy Serkis y sus semejantes

En contra: el peligroso hype que se ha generado en torno a ella, y unos humanos no demasiado definidos

Calificación ****

Taquilla USA: Los simios no le temen a La Purga

Y siguen las malas noticias para la taquilla estadounidense veraniega. De nuevo, un fin de semana muy por debajo del de hace un año, concretamente un 25% menos, cuando “The Conjuring” dominaba una cartelera muy variada y rica en cifras. Está siendo un verano de estrenos repartidos, de filmes que comienzan muy bien su primer fin de semana para caer fuerte en los restantes asaltos.

Parece no ser el caso de “Dawn of the Planet of the Apes”. Cierto es que su dato de apertura no fue tan alto como el de “X-Men: Days of Future Past”, “Godzilla” o “Captain America 2”, pero les está tomando ventaja a todos ellos gracias a su excelente dato de mantenimiento. Estamos ante un producto de larga duración en cartelera y elevado prestigio gracias a la crítica, los positivos comentarios del público y el buen sabor de boca que dejó su predecesora. Todo ello hace que caiga en su segundo fin de semana un 50%, casi lo mismo que la primera entrega, yéndose ya a los 138 millones de $. Tiene elevadas opciones de llegar a los 230 millones de $, e incluso más si prosigue este camino. A nivel mundial ya va por 240 millones de $, y no tendrá problemas para superar los 481 millones de $ de la anterior entrega.

Uno de los grandes estrenos del fin de semana, “The Purge: Anarchy”, da una ligera sorpresa al hacerse con 28 millones de $. Comenzó dominando durante el viernes gracias al fanbase que arrastraba, pero continuó perdiendo el liderazgo durante los dos días posteriores en beneficio de los simios. Se queda un 17% por debajo del dato de apertura de “The Purge” el año pasado, pero con la ventaja de que la crítica ha sido algo mejor y al público le ha gustado mucho más que la anterior, gracias especialmente a que James DeMonaco ha situado la acción en las calles, donde los fans argumentaron que debió transcurrir la anterior. No la tenía todas consigo por venir de un producto que decepcionó a la mayoría en su estreno, pero ha logrado remontar el bache y ha triplicado su presupuesto. No sería descabellado, si logra mantenerse gracias al boca a boca que puede generar, que alcanzase los 60 millones de $.

Le siguen otros dos estrenos que dan una de cal y otra de arena. La secuela “Planes: Fire & Rescue” entran por debajo de su primera parte, con 18 millones de $ frente a los 22 de aquélla, pero con mayor apoyo del público y posibilidades de mantenerse como la primera y llegar así a los 80 millones de $, dato más que beneficioso para una película que ha costado 50 millones de $.

La nueva comedia de Cameron Diaz, por su parte, pincha con 15 millones de $. La actriz no repite el éxito de la reciente “The Other Woman” ni de “Bad Teacher” en 2011, y el dato es más que escaso y con pocas posibilidades de mantenerse vistos los malos comentarios y críticas que arrastra. Otra comedia R del momento como “Tammy”, por ejemplo, ha sido destrozada por la crítica pero ha encontrado su público, aguantando semana tras semana y ya con unos buenos 71 millones de $ amasados.

El top 5 lo cierra “Transformers 4”, que esta vez ya no cae fuerte y suma así ya 227 millones de $. Acabará siendo la más taquillera del año con casi total seguridad, y aunque el dato USA es menor del esperado, lo compensa a nivel internacional con 659 millones de $. Su total en todo el mundo es de 886 millones de $, por lo que los 1.000 millones siguen siendo una realidad para ella.

A nivel de mantenimientos, solamente destacar la excelente media por copia que deja “Boyhood”, que añade 25 salas más y mejora un 209% con casi 2 millones de $ acumulados. Larga vida para uno de los títulos de prestigio del momento.

Fuente: Box Office Mojo

En paz descanse... Álex Angulo (1953-2014)

Todavía cuesta articular palabra. El cine español ha sufrido hoy una pérdida irreparable por culpa de la carretera, que se ha llevado a Álex Angulo. Actor respetadísimo, amadísimo y admiradísimo donde los haya, las redes sociales se han volcado para despedir al actor. Amigos como Santiago Segura, Álex de la Iglesia, Agustín Almodóvar o Paco Plaza han dado su particular adiós a través de Twitter al intérprete, que nos deja con 61 años de edad.

Casi un centenar de trabajos en cine y televisión desde 1981, año en que debutara en “La fuga de Segovia”, de Imanol Uribe, coronaban la carrera de Angulo, al que le picó el gusanillo de la interpretación con tan sólo 18 años. Comenzó sobre las tablas, en la compañía de su amigo Ramón Barea, con quien llegaría a trabajar en diversos medios, e hizo su aparición en la ETB en diversos programas antes de dar el salto a la gran pantalla.

Pero no fue hasta los 90 que su carrera en cine y televisión despegaría definitivamente tras aparecer en tres títulos en la década anterior. En 1991 participó en “El rey pasmado”, de Uribe, y en “Todo por la pasta”, de Enrique Urbizu, donde conocería a un joven Álex de la Iglesia, director artístico del film, quien le convencería de ser el protagonista de su multipremiado corto “Mirindas Asesinas”. De la Iglesia volvería a contar con él en su ópera prima en cine, “Acción Mutante”, y Álex continuaría su trabajo en el teatro, así como participaciones en series como “Los ladrones van a la oficina” y “Villarriba y Villabajo” o películas como “Los peores años de nuestra vida”.

Ahora bien, no sería hasta 1995 que vería su carrera lanzada al estrellato absoluto, cuando se convirtió en el protagonista absoluto de la comedia demoniaca imprescindible en su filmografía, y en la historia del cine español, “El día de la bestia”, de nuevo a las órdenes de de la Iglesia. Gracias a ella fue nominado al Goya y se llevó el premio Ondas. No sería la última vez que trabajaría con el bilbaíno, ya que contó con él en “Muertos de risa”, de nuevo con nominación al Goya, colaborando también durante los 90 con directores como Icíar Bollaín (“Hola, ¿estás sola?”), José Luis Cuerda (“Así en el cielo como en la tierra”), Pedro Almodóvar (“Carne trémula”) o Fernando Colomo (“Los años bárbaros”), entre otros.

A finales de los 90 encarnaría a otro de sus personajes más recordados, el televisivo periodista Blas Castellote de la serie “Periodistas”, y durante los años siguientes prestaría su aspecto bonachón y camaleónico en otras producciones televisivas como “7 vidas”, “El comisario” o “Aquí no hay quien viva”, sin abandonar los escenarios ni el cine, donde sería uno de los secundarios de lujo de nuestro cine en filmes como “El oro de Moscú”, “Isi/Disi”, “Fuga de cerebros”, “Zipi y Zape y el club de la canica”, “El laberinto del fauno” o “El Gran Vázquez”, esta última valiéndole su última nominación al Goya.

Por “14 de abril. La República” ganó el premio de la Unión de Actores como actor de reparto en televisión, premio concedido por sus compañeros de profesión, que le definían como una persona natural y encantadora, un gran profesional que dejaba algún proyecto inconcluso y al que siempre le tendremos un cariño especial. Descanse en paz, padre Berriatúa. 

En paz descanse... James Garner (1928-2014)

Fue un abanderado del western, del cine negro y del policíaco de los años 50, 60 y 70. James Garner fue uno de los primeros actores en realizar con éxito la transición al cine desde la televisión, medio que le lanzó al estrellato en 1957 tras encarnar al televisivo “Maverick”, apenas tres años después de iniciarse en la interpretación en Broadway. Convertido en la gran estrella del programa, consiguió papeles como secundario o protagonista en filmes bélicos, dramas y westerns como “Sayonara”, “Infierno bajo las aguas”, “La calumnia”, “Su pequeña aventura”o “La americanización de Emily”, que le permitieron trabajar a las órdenes de cineastas como Arthur Hiller, William Wyler, Joshua Logan, John Sturges, entre otros.

Tras una década, la de los 70, no demasiado provechosa, recuperó con éxito a su personaje más famoso, Maverick, en dos tv movies que lo presentaban como un moderno detective privado. Y llegó otro de sus grandes hitos, “Los casos de Rockford”, serie que duró seis temporadas hasta 1980 y que le valió el Emmy.

En los 80, además de recuperar nuevamente a Bret Maverick, asumió una nueva etapa en su carrera interpretando papeles más maduros en géneros más ambiciosos a nivel interpretativo, apareciendo en “¿Victor o Victoria?” y “El romance de Murphy”. Por esta última recibió su primera y única nominación al Oscar como actor, y una nueva nominación al Globo de Oro, galardón del que era habitual y que no llegó a conseguir hasta los años 90 en dos ocasiones por sendos trabajos en televisión, medio en el que se refugió durante dicha década, recuperando a Rockford y apareciendo posteriormente en series como “Chicago Hope”.

No obstante, no dejó de lado el cine, y en 1994 Richard Donner y Mel Gibson recuperaron a Maverick en la taquillera cinta del mismo título, esta vez con Gibson como Bret y Garner como el marshal dispuesto a capturarle. Amigos como Robert Benson y Clint Eastwood le dieron papeles cuasi crepusculares en las notables “Al caer el sol” y “Space Cowboys”, pero la carrera del actor ya no se encontraba en buena forma. 

Su último gran papel en cine fue en el film considerado de culto para muchos “El diario de Noa”, y a partir de entonces aparecería principalmente en cortometrajes, en la serie “No con mis hijas” y prestando su imponente voz en series y películas de animación.ado ayer sin vida en su casa, aunque las razones de su muerte siguen sin estar claras. Nos deja a los 86 años un actor imprescindible de la Generación de la Televisión de Hollywood, con casi un centenar de trabajos a sus espaldas. Descanse en paz, Maverick. 

LA CRÍTICA. Dead Snow 2: Red vs. Dead

El nuevo género de Wirkola

En un momento de esta secuela del éxito de 2009, un geek reconoce que se encuentra perdido en medio del Holocausto Zombinazi, que nunca había visto algo así en el cine, y que el protagonista ha creado su propio género cinematográfico. Tommy Wirkola pone en palabras de este personaje lo que “Dead Snow 2: Red vs. Dead” –seguramente en España la traducirán como “Zombis Nazis 2”- debería suponer para el espectador afín: un producto imprevisible, que aprovecha la premisa de la primera para engendrar algo nunca visto antes en el séptimo arte.

Porque era fácil repetirse. Aunque comience justo donde lo dejó la anterior, y tras un breve prólogo que sirve de puente entre ésta y la que nos ocupa –un recurso muy raiminiano que vuelve a vuelve a enlazar a esta saga con “Evil Dead”-, Wirkola se desmarca de ella y tira la casa por la ventana, regalando una trama ridícula y absurda en la que los escollos de guión están de más –esa escena post créditos que viene a estirar el chicle más de la cuenta- y en la que todo es posible. Miembros amputados malditos –de nuevo Raimi-, una familia zombi ampliada –a destacar el médico y su particular manera de “sanar” a los heridos o el pobre podrido que muere y resucita una y otra vez-, mayor dosis de vísceras y humor cafre, intestinos que sirven para reponer combustible… Un batiburrillo de animaladas divertidísimas en una película que se toma aún menos en serio que la primera parte.

Tras un periplo americano en el que el cineasta noruego sufrió las imposiciones hollywoodienses de la calificación por edades, vuelve a su país de origen para ajustar cuentas con el oeste a la vez que permite una segunda oportunidad para despertar viejas rencillas bélicas entre rojos y fascistas, y ofrece una propuesta brutal y repleta de humor negro, que no obstante carece de la frescura y el efecto sorpresa de su predecesora, además de verse resentida por el bajón de ritmo de algunas escenas de diálogos que bien podrían haberse quedado en la sala de montaje, como muchas de las protagonizadas por el bochornoso cuerpo de policía.

Pero lo que importa es que es cine para echarse unas risas, una guerra sin cuartel en la que bebés, niños, ancianos o discapacitados caen ante la cámara de un director sin complejos a la hora incluso de reciclar a su actor fetiche en un nuevo personaje secundario igualmente destinado a ser devorado por los muertos vivientes. Y, además, la incontestable moraleja de que el destino del mundo está en manos de los freaks –americanos, para más señas-, y de que en una cinta de estas características también hay sitio para el romanticismo en un final que es puro amor salvaje. Lo dicho, lo nunca visto.

A favor: que no repite los esquemas de su predecesora, y la vuelta de Wirkola con una propuesta que tira la casa por la ventana en todos los aspectos

En contra: su falta de frescura con respecto a aquélla y ciertas carencias de ritmo

Calificación ***1/2

POSTERS. Nuevos carteles de personajes de "Guardians of the Galaxy". Los villanos y los secundarios

El hype que está generando esta nueva aventura Marvel empieza a sobrepasar lo concebible. Sólo espero que no se deshinche una vez se estrene. Por ahora, tenemos seis nuevos carteles de personajes del film. En primer lugar, tres secundarios de lujo como John C. Reilly, Glenn Close y Michael Rooker, y en segundo, tres grandes villanos, encarnados por Lee Pace, Karen Gillan y Djimon Hounsou. Con respecto a su diseño, nada que no hayamos visto ya antes en la bien focalizada campaña de Marvel para esta peli que se estrena en Estados Unidos el 1 de agosto, y en España el 12 del mismo mes.

AVANCES. Teaser tráiler de "Annabelle". La muñeca de "The Conjuring" tiene peli propia

Lo estaba pidiendo a gritos. Annabelle, la muñeca maldita que aparecía en “The Conjuring” –basada en hechos reales, aunque la real no pusiera los pelos de punta tanto como la de la película-, conseguía llevarse prácticamente todo el protagonismo de la fantástica cinta de James Wan, tanto que al final era su espeluznante cara lo que más se te quedaba grabado en el cerebro. Pues para no dejar pasar el filón llega ahora “Annabelle”, la precuela/spin-off de la exitosa cinta de 2013, que nos relata qué ocurrió entonces con la dichosa muñequita. Dirige John R. Leonetti, director de fotografía de las dos entregas de “Insidious” y de la propia “The Conjuring”, y llegará a las salas estadounidenses el 3 de octubre. Por cierto, este primer tráiler acojona, aunque solamente sea por lo incómodo que resulta ver a Anabelle en escena. Para muestra, el plano final. Y eso que ni se mueve…

El Corto Cinéfago: "35 mm". ¿Cuántas de estas 35 películas eres capaz de adivinar?

Para el corto de esta semana proponemos un juego. Reto a cualquiera a identificar los 35 títulos que aparecen en esta pequeña pieza de dos minutos de duración, realizada por el grupo de diseñadores gráficos We Think Things, compuesto por los alemanes Felix Meyer y Pascal Monaco. Sus creadores han conceptualizado sus 35 filmes favoritos reduciéndolos a ilustraciones simples y las han dinamizando, obteniendo una joya de la animación que más que un cortometraje es un juego para comprobar nuestros conocimientos cinematográficos. A continuación, algunos ejemplos de las ilustraciones 2D de Meyer y Monaco, y después, el corto en sí. A jugar.

ACTUALIDAD. Arranca el rodaje de "Sweet Home", el debut de Rafa Martínez

¿Qué tienen en común éxitos recientes de nuestro cine como "El cuerpo", "Tres bodas de más", "Carmina y amén" o "La gran familia española" con películas tan alejadas de ellas geográficamente como "Hotel Transilvania"? Pues un nombre, el de Rafa Martínez, responsable del marketing y supervisar los tráilers de casi treinta títulos durante los últimos tres años. Pero, además, Martínez es realizador de dos cortometrajes que ya presentábamos en este blog hace un tiempo: su particular y original cinta de muertos vivientes "Zombies & Cigarettes" y la macabra pesadilla antes de Navidad titulada "Halloween Before Christmas".

Martínez es un viejo amigo y un habitual del blog, y ahora se enfrenta a un reto mayor, del que no dudo que saldrá bien parado. Su primer largo como realizador, "Sweet Home", ha comenzado su rodaje esta semana, un thriller terrorífico que ha coescrito junto a Teresa de Rosendo y Ángel Agudo, y que nos sitúa en un edificio semiabandonado en el que una asesora de inmuebles de un ayuntamiento se cuela para pasar una velada con su pareja. Todo se tuerce cuando un grupo de encapuchados se cargan al único inquilino que aún habitaba el edificio, convirtiéndose ellos en el siguiente objetivo. Una sinopsis que puede sonar ya conocida, pero a la que seguramente Martínez sabrá exprimir todo el jugo posible para hacer algo diferente.

Cómo no, produce Filmax, la gran abanderada del terror patrio, y protagonizan Ingrid García Jonsson (Hermosa Juventud) y Bruno Sevilla (Mindscape). Aún no hay fecha de estreno ni tráiler, por supuesto, pero sí un sugerente cartel para ir abriendo boca. La mejor de las suertes, compañero.