VER PARA CREER. Las 10 imitaciones de Benedict Cumberbatch... ¡en un minuto!

Hace poco pudimos contemplar maravillados y con la boca rozando el suelo cómo Kevin Spacey se marcaba una serie de imitaciones gloriosas de personajes como Michael Caine o Christopher Walken en el show de Jimmy Fallon. Pues ahora le toca el turno a Benedict Cumberbatch, al que, haciendo honor al título de uno de sus últimos estrenos, “The Imitation Game”, le han propuesto realizar un juego de imitaciones… ¡en un minuto! Así, los de MTV ponen a prueba al intérprete británico, que se marca diez imitaciones en sesenta segundos. Un actorazo que también demuestra saber imitar.

LA CRÍTICA. Ouija

Menos terrorífico que el juego de la oca

Más importante que el hecho de que Michael Bay esté detrás de la producción de “Ouija”, cuya alargada sombra estilística no asoma afortunadamente por ninguno de los fotogramas de la película, es el que tras ella también esté implicado Jason Blum, un hombre que ha hecho de la escasez de presupuesto y recursos una de las herramientas más poderosas del cine de terror reciente. Vale, puede que los guiones y los resultados finales de las distintas “Paranormal Activity”, “Sinister”, “Insidious” o “The Purge” no estén del todo equilibrados entre sí, pero no se puede negar que en cada una de estas producciones de Blum la economía de medios ha jugado a su favor a la hora de tirar de ingenio para activar los resortes más básicos que rigen el género.

No ocurre así con esta nueva propuesta. “Ouija” trata de advertirnos de los peligros que el mítico juego de mesa paranormal puede albergar, pero el debutante Stiles White ha recurrido a la opción B a la hora de manejar su discreto presupuesto, que pasa por explotar los tópicos del cine de terror hasta el extremo. Aquí lo que tenemos es una excusa, el tablero propiamente dicho, para servirnos una especie de slasher ochentero en el que un grupo de adolescentes cuyas vidas nos importan más bien un comino van cayendo uno tras otro a manos de un ente espiritual. Por supuesto, sin un ápice de tensión, sin ningún atisbo de originalidad y rellenando el metraje con unos cuantos sustos bastante efectistas pero muy poco efectivos.

Pero, lo peor de todo, sin que se vislumbre en ella ni un solo atisbo de ganas por parte de sus responsables. Lo que hay en “Ouija” es una absoluta indiferencia general, tanto en la aséptica puesta en escena, incapaz de provocar desasosiego pese a la práctica ausencia de luz durante su desarrollo, como en un guión tan lleno de tópicos como agujeros, con resoluciones tan apresuradas –ay, ese anticlimático final- y poco lucidas como las muertes de sus protagonistas.

Lo que queda es, sencillamente, la adaptación de un juego de mesa como bien podría haber sido el Hundir la Flota o el Monopoly, pero que dada su naturaleza es carne de terror. En el caso que nos ocupa, un terror aterciopelado, repleto de los tics habituales del género, sin sangre ni terror propiamente dicho. Ni la presencia sorpresa –siento el spoiler, pero a estas alturas lo mismo me da reventar la sorpresa- de Lin Shaye ayuda a que nos divirtamos un poco. Lo dicho, un juego para niños. Pero uno aburrido y soso, al que no dan ganas de jugar. Más terrorífico habría sido adaptar el juego de la oca.

A favor: la inesperada presencia de Lin Shaye, aunque se luzca más bien poco

En contra: todo

Calificación *

PREMIOS. Nominaciones a los Premios del Cine Europeo 2014

Llega uno de los momentos importantes dentro de la carrera de premios, que no de la carrera al Oscar, las nominaciones a los Premios del Cine Europeo, cuyos ganadores conoceremos en un mes, el 13 de diciembre, si bien las categorías técnicas y los premios honoríficos ya están adjudicados. Entre las sorpresas y alegrías, la presencia de dos filmes españoles a competición. Por un lado, la doble nominación a “La herida”, de Fernando Franco, que opta al premio a mejor actriz para Marian Álvarez  y a mejor guión para su director. Y por el otro, la presencia de “Carmina y Amén”, de Paco León, como mejor comedia, categoría en la que tiene que competir contra dos cintas, una de ellas, “Le Week-End”, con elevadas opciones de arrebatárselo. En cuanto a las nominaciones, domina la danesa “Ida”, de Pawel Pawlikowski, y yo por mi parte habría obviado “Nymphomaniac” como película y habría metido “Dos días, una noche”, por ejemplo. Y aunque no me molesta la presencia de Charlotte Gainsbourg por la cinta de Von Trier, no puedo decir lo mismo de la de Stellan Skarsgård. Por último, y volviendo a “Nymphomaniac”, han tenido en consideración el Director’s Cut, del cual digo desde ya que no es que aporte demasiado a las versiones que vimos hace unos meses.

MEJOR PELÍCULA

“Force Majeure (Tourist)”, de Ruben Östlund (Suecia, Dinamarca, Francia, Noruega)

“Ida”, de Pawel Pawlikowski (Polonia, Dinamarca)

“Leviathan”, de Andrey Zvyagintsev (Rusia)

“Nymphomaniac Director”s Cut - Volume I & II”, de Lars von Trier (Dinamarca, Alemania, Francia, Bélgia)

“Winter Sleep”, de Nuri Bilge Geylan (Turquía, Francia, Alemania)

MEJOR COMEDIA

“Carmina y Amén”, de Paco León (España)

“Le Week-End”, de Roger Michell (Reino Unido)

“The mafia only kills in the summer”, de Pierfranceso Diliberto (Italia)

MEJOR DIRECTOR

Nuri Bilge Ceylan por “Winter Sleep”

Steven Knight por “Locke”

Ruben Östlund por “Force Majeure (Turist)”

Paweł Pawlikowski por “Ida”

Paolo Virzì por “El capital humano”

Andrey Zvyagintsev por “Leviathan”

MEJOR ACTRIZ

Marian Alvarez por “La herida”

Valeria Bruni Tedeschi por “El capital humano”

Marion Cotillard por “Dos días, una noche”

Charlotte Gainsbourg por “Nymphomaniac Director”s Cut - Volume I & II”

Agata Kulesza por “Ida”

Agata Trzebuchowska por “Ida”

MEJOR ACTOR

Brendan Gleeson por “Calvary”

Tom Hardy por “Locke”

Alexey Serebryakov por “Leviathan”

Stellan Skarsgård por “Nymphomaniac Director”s Cut - Volume I & II”

Timothy Spall por “Mr. Turner”

MEJOR GUIÓN

Ebru Ceylan & Nuri Bilge Ceylan por “Winter Sleep”

Jean-Pierre & Luc Dardenne por “Dos días, una noche”

Steven Knight por “Locke”

Oleg Negin & Andrey Zvyagintsev por “Leviathan”

Paweł Pawlikowski & Rebecca Lenkiewicz por “Ida”

MEJOR DESCUBRIMIENTO EUROPEO

“10.000 Km”, de Carlos Marqués-Marcet (España)

“71”“, de Yann Demange (Reino Unido)

“Party girl”, de Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis (Francia)

“The tribe”, de Myroslav Slaboshpytskiy (Ucrania)

“La herida”, de Fernando Franco (España)

MEJOR DOCUMENTAL

“Der Banker: Master of the Universe (Master of the Universe)”, de Marc Bauder (Austria)

“Just the Right Amount of Violence” de Jong Bang Carlsen (Dinamarca)

“Of Men and War”, de Laurent Bécue-Renard (Francia, Suiza)

“Sacro GRA”, de Gianfranco Rosi (Italia y Francia)

“Waiting for August”, de Teodora Ana Mihai (Bélgica)

“We come as friends”, de Hubert Sauper (Austria)

MEJOR ANIMACIÓN

“Jack and the cuckoo clock heart”, de Mathias Malzieu Y Stéphane Berla (Francia y Bélgica)

“Minuscule: valley of the lost ants”, de Thomas Szabo y Hélène Giraud (Francia y Bélgica)

“The art of happiness”, de Alessandro Rak (Italia)

PREMIO DEL PÚBLICO

“Philomena”, de Stephen Frears (Reino Unidos)

“Ida”, de Pawel Pawlikowski (Polonia, Dinamarca)

“Dos días, una noche”, de Jean-Pierre & Luc Dardenne (Bélgica)

“La bella y la bestia”, de Christophe Gans (Francia)

“El abuelo que saltó por la ventana y se largó”, de Felix Herngren (Suecia)

“Nymphomaniac Director”s Cut - Volume I & II”, de Lars von Trier (Dinamarca, Alemania, Francia, Bélgia)

MEJOR FOTOGRAFÍA

Łukasz Żal & Ryszard Lenczewski por “Ida”

MEJOR MONTAJE

Justine Wright por “Locke”

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

Claus-Rudolf Amler por “The Dark Valley”

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Natascha Curtius-Noss por “The Dark Valley”

MEJOR COMPOSITOR

Mica Levi por “Under the skin”

MEJOR DISEÑO DE SONIDO

Joakim Sundström por “Starred Up”

EUROPEAN FILM ACADEMY LIFETIME ACHIEVEMENT AWARD

Agnés Varda

EUROPEAN ACHIEVEMENT IN WORLD CINEMA 2014

Steve McQueen

TAQUILLA ESPAÑA. Interstellar convence en taquilla, pero no impresiona

Buen fin de semana en la taquilla española, especialmente comparado con el de la semana pasada, y tan sólo 300.000€ por debajo de los 6,92 millones de € recaudados hace un año, cuando la secuela de Thor llegaba con fuerza a la cartelera.

El tirón y espectro de público al que aspiraba Interstellar era radicalmente distinto al de Thor 2, por lo que su total no ha sido tan rotundo. La cinta de Christopher Nolan se ha hecho con 2,15 millones de €, lo que supone menos que lo que hizo “Origen” hace cuatro años, film que se exhibía en un menor número de pantallas. Ahora bien, la situación en 2010 era bien distinta, y ahora tocaría comparar el dato de esta nueva película con el de “Gravity” hace un año. Por aquel entonces, la cinta de Cuarón entraba con unos discretos 1,65 millones de €, por lo que la cifra de “Interstellar” debe ser bien recibida. Incluso si la comparamos con los 3,43 millones de € de “El amanecer del planeta de los simios”, la de Nolan sale triunfadora al salir con menor cantidad de copias –se estrenaba en 555 pantallas frente a las más de 900 de los simios-.

Esta modesta presencia por parte de Warner y este medido dato inicial hace pensar que la distribuidora piensa en ella como un producto que tendrá un buen aguante en cartelera. Lo comprobaremos el fin de semana que viene. Por ahora, su debut ha sido muy positivo, pero podría haber dado más de sí. Si aguanta como Gravity podría irse por encima de los 10 millones de €.

Menos positivo, aunque sí que es satisfactorio ante el poco tirón del producto en nuestro país, es el dato de apertura de Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso, que Disney consigue colocar con 574.000€ en 203 salas.

Entrando en los mantenimientos, la presencia de “Interstellar” no ha dado demasiados dolores de cabeza, y los descensos son en general muy buenos. Todos menos el de [·REC] 4, que confirma su nulo interés cayendo al noveno puesto por encima del 55% y yéndose a los 857.000€ en diez días. La caída es más aguda que la del anterior título de la franquicia, y acumula la mitad que aquélla en el mismo periodo de tiempo, y esta parte queda entonces como un absoluto fracaso en nuestro país.

El total de Drácula: La leyenda jamás contada es, por el contrario, cada vez más contundente: 4,84 millones de €, y con opciones de llegar a los 6 millones, algo inaudito para un film de estas características en la situación en la que se encuentra la taquilla española. Hasta el descenso de Caminando entre tumbas es positivo, un 42% con 903.000€ en su segundo asalto. Perdida y La isla mínima siguen también con sus excelentes caminos, la primera cediendo un 34% y la segunda un 23%, con 4,55 y 5,43 millones de €, respectivamente.

Y en una liga distinta juega Relatos salvajes, auténtico must see del momento, un producto con un formidable boca a boca que este fin de semana cae por debajo del 20% con 2,81 millones de €. Sus miras siguen puestas en los 4 millones de €, y no sería nada sorprendente que acabe por encima de esta cifra.

Fuente: Box Office Spain y Rentrak Spain

LA CRÍTICA. The Babadook

Cuento para no dormir

Vaya por delante que no estamos ante una cinta de terror al uso. Ni mucho menos ante un film que recuerda al cine de James Wan, cineasta que, por otra parte, tampoco ha descubierto nada nuevo en el género. Sí, cierto es que no oculta sus referencias, que van desde “Pesadilla en Elm Street” hasta “El resplandor”, pasando por el expresionismo alemán o el cine de Georges Méliès. Incluso hay un poco de “Solo en casa” en ella. Una mezcla que parece imposible pero que resulta tremendamente efectiva.

Pero seguimos sin estar ante una película de terror común, aunque sus referencias sigan siendo de manual. De manual del buen cine de género, se entiende. No, lo que “The Babadook” ofrece es un cuento para no dormir, un relato plegable y malicioso que empieza como una típica historia con monstruo involucrado y una casa aparentemente encantada, con un niño difícil e hiperactivo al que dan ganas de estrangular, y despertando el interés e incrementando la tensión gracias a su manejo de los terrores infantiles y el terror familiar más básicos. Introduce a un personaje caricaturesco pero amenazador y consigue durante su primera mitad que esa siniestra canción que acompaña al libro que protagoniza se te adhiera irremisiblemente a la piel. Una vez le dejas entrar, cuesta librarse del martilleo que en la cabeza produce ese “Ba-Ba-Dook-Dook-Dook”, similar al peor de los dolores de muelas.

Y aún así, seguimos estando ante una propuesta atípica dentro del género. Porque en el modesto debut de Jennifer Kent, que hace uso de los pocos recursos de los que consta para dejarte un mal cuerpo, el monstruo en cuestión es lo de menos. Su terror no viene de los sustos, ni de generar simplemente tensión, que lo consigue, ni de la presencia de ese ser de dedos largos y puntiagudos y sonrisa de Gato de Cheshire, sino del giro que da hacia la mitad del relato, transformando los miedos infantiles en adultos. Aquí lo que consigue ponerte los pelos de punta es la ambigüedad y lo siniestro y retorcido de su desarrollo. El monstruo no es más que un leit motiv para hablar de algo tan mundano y cotidiano como el dolor de la pérdida y lo difícil que es ser madre soltera cuando el pasado no para de perseguirte. No es más que una metáfora del trauma y el estrés post-traumático, y Kent logra ponerte los pelos de punta con una historia en apariencia sobrenatural –quizá se le vaya la mano con lo sobrenatural en el tramo final, y con algún efecto CGI redundante-, en la que su criatura es mostrada levemente cuando es necesario, manteniendo el misterio sobre su figura y su papel durante todo el metraje.

La guinda a esta original muestra de cine desde las antípodas la pone la interpretación de Essie Davis, un torrente de registros interpretativos y un ejemplo de cómo causar impresión con una sola mirada a cámara. La acompaña un pequeño Daniel Henshall que supone una sorpresa, aunque en su interpretación pueda desprenderse cierta inexperiencia y sobreactuación que, no obstante, ni molesta ni le hace menos creíble. “The Babadook” es el perfecto ejemplo de buen cine de terror que no parece cine de terror, pero que te cala hasta los huesos una vez le dejas penetrar bajo tu piel. Y un aleccionador cuento que acaba enseñándote que a los monstruos, imaginarios o no, es mejor mantenerlos cerrados y alimentarlos con galletas. O con gusanos. Lo que más le guste.

A favor: Essie Davis, lo bien que hace uso de los pocos recursos de los que dispone para generar miedo, y que no es una cinta de terror al uso

En contra: la manía de compararla con el cine de James Wan, y un tramo final quizá demasiado sobrenatural

Calificación ****

TAQUILLA USA. Big Hero 6 e Interstellar se reparten el botín y levantan la taquilla

Por fin la cosa se anima en la taquilla USA. No, no se ha superado el total de hace un año, cuando “Thor: The Dark World” llegaba a lo más alto, pero sí que se mejoran las cifras de semanas anteriores y se da el pistoletazo de salida a los grandes productos de finales de año. En concreto, los dos primeros puestos del ranking generan unos abismales 106 millones de $, y aunque uno de los dos no empezó dominando el fin de semana, ha acabado imponiéndose aunque sea por poca diferencia.

“Interstellar” partía como favorita durante el viernes, pero ha sido la esperadísima propuesta de Disney Big Hero 6 la que ha arrastrado al público familiar a las salas y ha acabado haciéndose con el podio gracias a los 56 millones de $ que ha cosechado. No es una sorpresa y debuta justo tal y como se esperaba de ella –algunos medios, eso sí, apuntaban a que podía superar los 60 millones-, por lo que Disney estará más que contenta. Quizá no tenía el potencial de “Frozen” o “Monsters University”, pero sí que era un producto más en la línea de “Wreck-It Ralph!”, film que se quedó en los 189 millones de $, cifra que esta nueva aventura animada aspira a superar sin problemas. Como hándicap tiene que tendrá que enfrentarse a “Penguins of Madagascar” en dos semanas, pero no debería suponer mayor problema ante los excelentes comentarios y críticas que ya ha generado, y ambas películas podrían repartirse el pastel. A nivel mundial roza los 80 millones de $, habiendo costado el doble.

Corta no se ha quedado Interstellar, esperadísima nueva propuesta de Christopher Nolan que viene abalada por buenas críticas –que no mayoritariamente excelentes- y por el peso de su director y su reparto. Ha ocurrido lo mismo que con “Big Hero 6”, ya que podía dar lugar a la sorpresa pero no ha ocurrido así –algunos medios vaticinaban que rozaría los 60 millones-, por lo que cumple con 52 millones de $ recaudados desde su estreno limitado en cines durante el miércoles. Para Matthew McConaughey se convierte en la mejor apertura de su carrera.  

Si la comparamos con anteriores películas del cineasta, “Inception” multiplicó por 4,7 su dato inicial y acabó en los 292 millones de $, mientras que “The Dark Knight Rises” lo hacía por 4,8 para terminar en los 448 millones de $. En principio podríamos estar ante un film nuevamente respaldado por el sector más fan del director y por el público general en vista de los buenos comentarios que ha recibido, por lo que su dato final debería superar los 230 millones de $. La semana que viene saldremos de dudas ante cómo aguante el tirón. En todo el mundo ha recaudado en su primer fin de semana 132 millones de $, y su presupuesto es de 165 millones.

Del resto de estrenos solamente es reseñable la entrada de The Theory of Everything, uno de esos productos con aroma a premio que cuenta la historia de Stephen Hawking, y que ha gozado de una estupenda recepción por parte de crítica y público. Todo ello se traduce en la mejor media por sala de la taquilla con 207.000$ cosechados en sólo cinco salas.

A nivel de mantenimientos, lo anecdótico es que la presencia de Nolan no ha producido demasiados dolores de cabeza. Así, el top 5 lo completan, con excelentes mantenimientos, Gone Girl, ya con 145 millones de $ en total; Ouija, que una vez más sorprende descendiendo un moderado 44% y ya con 43 millones de $ en su haber, más de lo esperado; y St. Vincent, con 27 millones de $ en cinco semanas. En el caso de la película de Fincher, en todo el mundo atesora ya 303 millones de $, todo un taquillazo, y no muy lejos de superar a “Seven” y “The Curious Case of Benjamin Button”.

Y mientras en el top 10 encontramos que Nightcrawler no compensa su mejorable entrada el fin de semana pasado y se queda en los 19 millones de 4 en diez días –para hacernos una idea de lo cuestionable del resultado, “Drive”, film que pudo también haber tenido más repercusión en cifras, llevaba 21 millones con el mismo tiempo-, fuera de él Birdman apenas se inmuta y se va a los 8 millones de $; Whiplash sube un 35% con 1,5 millones de $; Laggies vuelve a dar en la diana mejorando un 270% con 461.000$ en su tercera semana; y Citizenfour incrementa un 7% con 667.300$ en el mismo tiempo que la última.

Fuente: Box Office Mojo

LA CRÍTICA. Interstellar

Más allá del infinito

¿En qué momento dejamos de mirar a las estrellas y nos obsesionamos con el suelo que pisamos? Es la pregunta que se plantea a sí mismo el protagonista de “Interstellar”, cuestionándose en qué momento el ser humano abandonó sus sueños de exploración por una vida preocupándose por el cuidado de la tierra. La película presenta con estas cuestiones un futuro inmediato al nuestro, o también una realidad paralela a la que vivimos, en la que la comida escasea y el polvo lo cubre todo, en la que la ciencia ya no es prioritaria para solventar los grandes problemas de la Humanidad. Una especie que no está condenada a morir en este planeta, aunque lleve millones de años pisándolo. Su única forma de sobrevivir será abandonando no sólo la Tierra, sino a todos los que la habitan, en una misión que puede no tener retorno.

Christopher Nolan concilia la necesidad de la ciencia en un mundo que ha renegado completamente de ella con las emociones humanas. “Interstellar” es su trabajo más emocional hasta la fecha, y uno de los más logrados a nivel cinematográfico. Con ella, el cineasta británico logra tres hitos que no suelen darse la mano al unísono en su filmografía. Por un lado, los personajes más humanos de toda su carrera, matizados por las interpretaciones de Matthew McConaughey y Anne Hathaway, a los que sólo les bastan un par de primeros planos fijos para meterse al público en el bolsillo. Por el otro, y es algo que ya despuntaba en sus dos trabajos anteriores, las escenas de acción mejor resueltas y más tensas de su trayectoria, salpicadas con fotogramas de una belleza universal incalculable. Y por último, consigue calmar al Nolan expositivo, al que deja en boca de sus personajes las complicadas logísticas de sus tramas, aunque en algunos segmentos, como el de la NASA, se le vaya la mano en este asunto. Por suerte, son pocos momentos y están bien insertados en la historia.

Pero a la vez, este viaje más emotivo que interestelar sigue teniendo en la escasa capacidad de síntesis del director –la misma que ralentizaba el comienzo de “El caballero oscuro”, el desenlace de su trilogía del hombre murciélago, o la que alarga sus cintas hasta el hartazgo- y en su manía por complicar una trama en cuya simpleza radica su grandeza su gran piedra contra la que tropezar. Con “Interstellar” asistimos a la que posiblemente sea la propuesta más asequible y lineal a nivel estructural de la carrera de un entusiasta de los saltos temporales, los sueños dentro de otros sueños y los laberintos mentales, un acierto que se ve lastrado en el momento en que el Nolan se saca de la chistera una argucia para dar cohesión completa a la historia, cuando ésta no necesitaba de arquitecturas complejas para mantenerse por sí misma.

Por tanto, esta larga, que no pesada, lucha con rabia contra la agonía de una luz que va difuminándose en lo más hondo del espacio combina lo peor de un ingeniero poco dado a la síntesis y demasiado a lo cerebral con lo mejor de un realizador que prefiere dejar que las emociones humanas hablen por sí solas. Y, afortunadamente, es esta última vertiente la que sale triunfadora, plasmando los detalles humanos más irrisorios como grandes constantes cósmicas, y enseñándonos que, más allá del infinito, el amor es una fuerza tan relevante como la gravedad.

A favor: su viaje más emocional que cerebral; McConaughey y Hathaway

En contra: la escasa capacidad de síntesis del director, y un acto final algo cerebral en una propuesta que funcionaba mejor desde la sencillez

Calificación ****

AVANCES. Primeros carteles y galería de personajes de "World of Warcraft"

El 11 de marzo de 2016 podría producirse un evento histórico para el cine. Podría convertirse en el día en que un videojuego puede dar lugar a una película para el recuerdo. Así se lo propone Duncan Jones (“Moon”, “Source Code”) con su ambiciosa adaptación de “World of Warcraft”, el videojuego de rol online de mayor repercusión de los últimos tiempos. Una producción tan mastodóntica que aún le queda más de año y medio de posproducción para reproducir fielmente todo su universo de fantasía, un mundo en permanente guerra entre la Alianza (compuesta por humanos, gnomos, enanos, elfos de la noche, draenei y huargen) y la Horda (compuesta por  orcos, no-muertos renegados, trols, tauren, elfos de sangre y goblins). Y aunque aún queda mucho para poder verla, sus responsables ya han hecho públicos dos carteles y una galería de personajes, para ir abriendo boca.

Pertenecen a la Alianza: el Rey Llane Wrynn (Dominic Cooper), líder de la Alianza de la ciudad de Ventormenta y un faro de esperanza para su pueblo en tiempos de oscuridad; Medivh (Ben Foster), más conocido como El Guardián, un protector misterioso y solitario que ejerce un poder formidable; Khadgar (Ben Schnetzer), un mago joven dotado embarcado en una búsqueda audaz de la verdad; Taria (Ruth Negga), reina real de Ventormenta, el gran amor de Rey Llane y el consejo más confiable; y Garona (Paula Patton), una superviviente de carácter fuerte que debe decidir si su verdadera lealtad está entre la Alianza o la Horda.

Por su parte, forman parte de la Horda: Durotan (Toby Kebbel), líder de la Horda, un noble cacique del clan Lobo Gélido, que lucha para salvar a su pueblo y a su familia de la extinción; Orgrim (Rob Kazinsky), mano derecha de Durotan y un valiente guerrero destinado a ejercer el Doomhammer; Blackhand (el gran Clancy Brown), conocido como El Destructor, Puño Negro es uno de los más temibles y titánicos jefes de guerra del orco-amables; y Gul'dan (Daniel Wu), un gobernante supremo de los orcos, alimentado por una magia oscura que ni siquiera él puede controlar.

Y como ya avanzaba anteriormente, para seguir haciendo brotar babas de las bocas de todos, allá van dos carteles preliminares de una adaptación que prevé arrasar en taquilla. Quizá estamos ante la mejor adaptación de un videojuego al cine, y no lo sabemos.

LA CRÍTICA. ABC's of Death 2

R is for Reset

Cuando tu estructura narrativa, como antología del terror que pretendes ser, consiste en presentar 26 cortos en los que la muerte juega un papel crucial, con el abecedario como única herramienta de cohesión, partes de una cualidad y a la vez de un talón de Aquiles: la capacidad de presionar el reset cerebral que te otorga el fin de cada pieza y el comienzo de la siguiente. Una cualidad porque si un corto te aburre, la agonía tiene fin y puede dar paso a una genialidad. Y un punto débil porque no te da tiempo a saborear cada entrega, para bien o para mal, y ya estás ante una nueva.

“ABC’s of Death 2” sigue adoleciendo de los mismos hándicaps de su predecesora. 26 cortos de terror embutidos en dos horas de metraje sigue constituyendo algo excesivo, una forma de poner a prueba la paciencia del espectador, que cuando llega a la última letra ya está exhausto. Y, por supuesto, la irregularidad de los trabajos presentados, en los que se da quizá demasiada libertad a sus creadores, es algo inherente a toda antología en la que participan distintos realizadores.

Sí, esta secuela aún tiene por delante la difícil y prácticamente imposible tarea de solventar estos dos grandes escollos, pero al menos consigue que la sensación general que te llevas sea ligeramente más positiva que la de su predecesora. Hay una mejor realización, un trabajo más depurado en la presentación y confección de los segmentos, y ya no te llevas la impresión de que en la mayoría de los cortos han tratado de tomarte el pelo, haciendo alarde de un humor absurdo y grotesco que no encaja con una antología de terror. E incluso las grandes tomaduras de pelo de la película –por ejemplo, “G is for Grandad”, “P is for P-P-P-P-P Scary!” o “W is for Wish”- poseen una media superior a aquel bochornoso corto de Ti West de la primera entrega o aquellas “W is for WTF” o “F is for Fart” que eran de vergüenza ajena.

Y entre propuestas que empiezan bien pero acaban desinflándose –“K is for Knell” o “U is for Utopia”- y trabajos que funcionan bien en solitario pero que sigo preguntándome que pintan en un film de estas índole –“E is for Equilibrium” o “H is for Head Games”-, destacan cuatro piezas que, en comparación con el resto, se convierten en genialidades, especialmente durante su recta final: “R is for Roulette” de Marvin Kren, un estiloso relato en blanco y negro inteligentísimo y con giro final; “S is for Split” de Juan Martínez Moreno, en el que sorprende el buen uso que hace el director de “Lobos de Arga” de la multicámara y el fuera de plano como mecanismos para generar suspense; “X is for Xylophone”, o lo macabros y juguetones que pueden ser los directores de “À l’intérieur”; y sobre todo “Z is for Zygote”, la más bestia, bizarra y polémica de toda la cinta.

Pero mucho ojo, constituyen genialidades dentro del conjunto y en comparación con sus compañeras de pesadilla, que no llegan mucho más allá del pasable. Pero ya es un paso de gigante en una franquicia que ha pasado de la calificación de horrible a pasable en una sola entrega. Y una antología que, como ocurre con sus distintos segmentos, invita a darle al reset. Sólo eso explica que haya ganas de ver una tercera parte.

A favor: ya no existe esa sensación de que te están tomando el pelo

En contra: la propuesta en sí sigue siendo irregular y agotadora

Calificación **

PÓSTERS. Carteles alternativos de secuelas que nunca existieron

Algunas porque quedaron en el limbo. Otras porque, sencillamente, eran innecesarias. La siguiente galería de póster alternativos recogen sólo una pequeña muestra que la exposición Secuel Art, con trabajos de cerca de 40 artistas, mostrará el próximo 13 de noviembre en Los Ángeles sobre esas secuelas que jamás llegaron a hacerse. Una muestra original y creativa que nos recuerda que algunas segundas partes era mejor mantener en el olvido. Aunque en algunos casos, como el de “Hellboy 3”, igual nos habría hecho ilusión otra continuación. Vía Collider.

AVANCES. Nuevo tráiler de "The Hobbit: The Battle of the Five Armies". Puro espectáculo CGI

Poco más de un mes falta para que los Cinco Ejércitos reclamen un tesoro que ahora ya no está siendo custodiado por Smaug. Peter Jackson, MGM y Warner no quieren que nos olvidemos de que el viaje, que hace ya film y medio que dejó de pertenecer a El Hobbit para ser algo más, está a punto de concluir, y lo hará con una batalla que se prevé épica. Así intenta ser este nuevo avance de “El Hobbit: La batalla de los Cinco Ejércitos”, que sería redondo si no fuera por la aparición de cierto personaje que ya lastraba la segunda entrega y que esperemos que aquí se carguen por el bien de la Tierra Media. Por lo demás, bravo. Por cierto, el 60% del film es animado. ¿Se nota? A esperar al 17 de diciembre.

VER PARA CREER. Kevin Spacey también clava lo de imitar a famosos

Kevin Spacey es un gran actor. Lo sabemos. Lo ha demostrado con creces. Pero además, es un excelente imitador. Así lo constató durante el programa especial de Halloween del late night que regenta Jimmy Fallon, cuando el presentador le retó a una ronda de imitaciones en la que a cada uno le tocaba, al azar, un personaje famoso y un tema a improvisar. Pues Spacey clavó a sus personajes, entre ellos Christopher Walken o Bill Clinton. Pero el plato fuerte llegó cuando se puso a imitar a la perfección el acento inglés y el tono de voz de Michael Caine. Qué grande es este tío.

LA CRÍTICA. Autómata

El robot que bajó del árbol

Treinta años hacia el futuro. La superficie terrestre se ha convertido en un interminable desierto radiactivo. Poco más del 99% de la población mundial ha sobrevivido, y los que lo han conseguido malviven en el interior de una ciudad atendida por autómatas proporcionados por la Corporación Roc. Dos protocolos dominan la conducta de los robots: primero, un robot no puede causar daño a un ser humano, y segundo, un robot no puede modificarse a sí mismo. Pero esta última ley se verá peligrosamente cuestionada cuando un robot modificado por dentro llega a la morgue. O se ha modificado a sí mismo, o existe un relojero que está modificando las máquinas.

Durante sus primeros compases, “Autómata” desprende cierto aroma a “Blade Runner” por la presentación de la atmósfera en la que se desenvuelve, su propia temática y hasta el look –chubasquero anti radiación incluido- que visten los agentes de la corporación. Y los protocolos por el que se rigen los robots condensan los postulados de Asimov. Las referencias de las que bebe son claras, y “Autómata” recoge grandes ideas durante la primera mitad de su metraje, la mejor balanceada del conjunto, ofreciendo un thriller de ciencia-ficción que consigue captar cierto interés y nivel de suspense, aunque haya que aguantar el sintético rostro de Melanie Griffith o a ese personaje tan mal trazado que es el interpretado por Dylan McDermott, una especie de villano que merecía estar mejor definido.

Pero durante la segunda mitad, sus ideas se aturullan y pierden peso y relevancia. La trama alterna de forma paralela escenas en el desierto con los robots, quizá las más humanas e interesantes, con soporíferas secuencias corporativas de despacho protagonizadas por personajes tan insulsos e inútiles para el desarrollo como el de Robert Forster. Y aunque el tramo final intenta imprimir algo de acción al conjunto, sus ambiciosas ideas hace ya una hora que quedaron bien plasmadas y ya se han vuelto algo redundantes y repetitivas. El film se empeña en reincidir en ellas una y otra vez, pero sin dirigirlas a ninguna parte.

Y es una pena, porque insisto, sus ideas son enormes. No originales, ya que la temática del robot que toma conciencia de su existencia y decide bajar del árbol, así como el principio del fin de nuestro status como especie dominante del planeta, ya ha sido explotada con anterioridad en el cine. El problema es lo que rodea a dichas ideas, la historia en la que se desenvuelven, y el mal rumbo que toman hasta resultar reiterativas. Y una mayor pena da que la factura final del producto, pese a ciertos efectos digitales poco logrados –los planos generales de la ciudad o la persecución nocturna en el desierto-, resulta de lo más convincente, que Banderas lleva con dignidad el peso de la narración, o que Gabe Ibáñez confirma que es un director con pulso visual, pero que merece un libreto mejor. Quizá la propuesta habría mejorado de haber combinado sus grandiosos temas con una mayor dosis de entretenimiento y acción antes que apostar por la ciencia-ficción existencialista. Pero lo que ha quedado finalmente es un soso ejercicio de prometedoras reflexiones, pero incapacidad para evolucionar y bajarse del árbol.

A favor: las prometedoras ideas que aglutina en su tramo inicial

En contra: que esas ideas se desarrollen en un guión tan flojo, y que pierdan interés durante su segunda mitad

Calificación *1/2