La película del mes

La ciudad de los niños perdidos ****1/2

(La cité des enfants perdus)

Una delicatessen de dos genios

Mientras estudiaba animación, el reputado realizador francés Jean-Pierre Jeunet rodaba cortometrajes con su primera cámara, comprada a los 17 años, y fue cuando conoció a un diseñador y dibujante de cómics, Marc Caro. Juntos ganaron numerosos premios por su trabajo, que van desde cortometrajes hasta vídeos musicales. Su primer trabajo con personas reales fue “The Bunker of Last Gunshots”, en el que se recogía buena parte de la estética futurista desoladora que explotaran una década después en su debut en el largometraje, “Delicatessen”. Con esta comedia negra, hoy una película de culto, se coronaron como renovadores absolutos del cine francés de comienzos de la década de los 90 y consiguieron a partir de su éxito encontrar la financiación suficiente para rodar su siguiente y más ambiciosa nueva propuesta.

Nacía así “La ciudad de los niños perdidos”, la por entonces película más cara de la historia del cine francés, con un presupuesto de 18M$ (o 90 millones de francos) que permitirían a Jeunet y Caro llevar al límite sus ansias creativas. Todo esto fue posible gracias a la intervención de Alemania y España en la producción, esta última representada por el gran Elías Querejeta y por TVE.

La atmósfera barroca y post-apocalíptica de la que hacen gala sus creadores en “La ciudad…” es obra de varios geniales técnicos en diversos campos. Mientras Jeunet dirigía a los actores y todo el apartado técnico, Caro hacía lo propio con el artístico. De ahí que solamente las tres primeras películas de Jeunet, contando “Alien: Resurrección”, gocen de la misma estética. Caro fue responsable del diseño de producción y la dirección artística de esta última, pero no codirigió la película, y eso se deja ver en el resultado final, algo que no apreciamos en obras posteriores como “Amélie” o “Largo domingo de noviazgo”. Podríamos pues hablar de un beneficio mutuo, sin que ninguno de los dos se coma el terreno del otro.

Pero no podemos olvidar la fabulosa fotografía de Darius Khondji, quien ya trabajara en “Delicatessen” y ese mismo año en la taquillera “Seven”, otra película donde la fotografía juega un papel esencial. Ni tampoco podemos obviar los efectos especiales, los mejores de la época para una película europea, obra del mago Pitof, autor también de los efectos de “Alien: Resurrección” y de la fantástica “Vidocq”, entre otras –sí, prefiero olvidar “Catwoman”-; ni tampoco el fastuoso diseño de vestuario de Jean Paul Gaultier ni la evocadora banda sonora de un maestro, Angelo Badalamenti, el compositor habitual de David Lynch. Todos juntos aportaron su particular grano de arena a la imaginería visual de Jeunet y Caro y convirtieron a “La ciudad de…” en todo un derroche visual.

Lo que ofrece “La ciudad…” es una distopía de ambiente retro acerca de un futuro triste, donde predominan los tonos oscuros y una gama de seres estrafalarios en un conjunto que bien podrían recordar al cine de Terry Gilliam. La película se mueve entre dos mundos, la realidad y la ficción, o los sueños, para dar rienda suelta a la imaginación de dos genios. Comienza de manera inocente, con un hogar de decoración típicamente navideña en la que un niño pequeño oye ruidos en su habitación. Es cuando ve que alguien baja por la chimenea. Es Papá Noel, que irá enseñándole los juguetes que le ha traído. Pero es entonces cuando se desvela la verdadera naturaleza de la secuencia y se nos introduce en el terreno onírico en el que se sustentará la mayor parte del filme: uno tras otro comienzan a aparecer numerosos Papá Noel y el sueño se acabará convirtiendo en pesadilla.

De repente la pesadilla termina con el grito ensordecedor de Krank que acaba de despertar de ella. Está conectado a una máquina y a su lado lo está también el niño protagonista del, en principio, sueño. Y es que Krank no puede soñar, y es por ello que envejece cada vez más rápido, y necesita robar los sueños de los niños de la ciudad portuaria que se encuentra a unos kilómetros de su base en medio del mar, atravesando un campo de gigantescas minas acuáticas. Un ser oscuro y triste que ni siquiera sabe lo que es llorar.

Krank está rodeado de una serie de variopintos personajes, todos hijos de un mismo creador, un científico que ha perdido la memoria y ahora vive recluido en un bunker subterráneo. Le acompañan seis clones idénticos afectados de narcolepsia, creados a imagen y semejanza del científico; una enana que surgió como esposa del creador pero que al final no consiguió superar la estatura normal; y un cerebro, Irvin, criado en una pecera y auténtica voz de la conciencia de Krank. Entrañable y mágica es la secuencia en que éste relata a modo de cuento la historia de cómo todos ellos fueron creados.Y al otro lado de la niebla, en la ciudad portuaria, tenemos a One, un gigante forzudo sin demasiadas luces que busca desesperadamente a su hermano Comida con la ayuda de una huérfana, Miga, con la cual surgirá una extraña historia de amor no consumado. A Comida lo han secuestrado Los Cíclopes, unos seres invidentes que gracias a la tecnología son capaces de ver, los encargados de robar a los niños con la ayuda también de un encantador de pulgas –la pulga digital que aparece en la cinta supuso toda una revolución en el campo de la animación infográfica europea, aunque vista con los ojos de hoy se haya quedado anticuada- y dos hermanas siamesas unidas por un solo pie.

¿Se han hecho un lío con la historia? Pues es precisamente éste el punto más polémico de “La ciudad…”. Hay quienes la ven como un derroche de originalidad, como algo novedoso para el cine, pero también hay quienes la ven pretenciosa y excesivamente liosa. Yo reconozco que la primera vez que la vi, con apenas 12 años, no entendí nada de lo que veían mis ojos. Pero en el segundo visionado me maravillé y hoy en día es de mis películas favoritas. Fue la primera de ambos genios que pasaba por mis manos. Una vez entras en su laberíntico juego te dejas llevar por este cuento aparentemente infantil pero muy macabro, cargado de profundos mensajes como la importancia de soñar para mantenernos vivos y jóvenes, un relato gótico pero poético de niños que ya no son niños y de adultos que pretenden preservar una parte de los niños que llevan dentro.

Los actores merecen un análisis aparte en el filme. Todos están correctos en sus papeles, forzosamente sobreactuados debido a las exigencias de Jeunet. Pero esto es ya una marca de la casa del director. En el reparto encontramos al gran Ron Perlman, que se reserva el papel del gigante One; Judith Vittet como la pequeña Miga, prometedora actriz que se evaporó en tan solo dos años; el fallecido Daniel Emilfork como Krank; y Mapi Galán, la única aportación española al elenco. Y rodeándoles tenemos a actores ya clásicos en la filmografía de Caro y, especialmente, Jeunet: Dominique Pinon, que interpreta al creador y a los seis clones, protagonista de la anterior película del tándem; Jean-Claude Dreyfus, el carnicero asesino de su primer trabajo; el francés Rufus y el ya fallecido Ticky Holgado. Y para poner el broche de oro tenemos la voz de todo un clásico, Jean-Louis Trintignant, que presta sus cuerdas vocales al sabio y juicioso Irvin. El mismo Caro realiza un cameo como cíclope.

Gracias al éxito de “Delicatessen”, Jeunet y Caro lograron abrir el Festival de Cannes de 1995, con división de opiniones tras su proyección, con “La ciudad…”, la cual a su vez les abrió las puertas de Hollywood para rodar la cuarta entrega de la saga “Alien”. Sería ésta su última colaboración juntos. El dúo se disolvería unos pocos años después y los dos emprenderían caminos separados. Caro continuó su carrera como diseñador y dibujante y fue en 2008 cuando volvió al cine con la futurista “Dante 01”. Por su parte, la carrera de Jeunet fue mucho más prolífica y exitosa, llegando incluso a los Oscar con Amélie. Su cine no posee el toque de terror gótico de sus dos primeras películas, pero lejos de la influencia de Caro no ha abandonado su manera surrealista de ver el cine, creando un lenguaje cinematográfico propio, una manera personal de presentar formalmente sus historias.

Buscando por la red opiniones sobre esta película, me he encontrado perlas para todos los gustos. Hay quien la odia, quien no la entiende y luego están los que han quedado asombrados con todo lo que contiene, que no es poco. Han pasado 15 años de su estreno y lo que sí no pueden negar unos y otros es que estamos ante un espectáculo visual, un derroche de virtuosismo único, que para mí la colocan como un clásico de culto a reivindicar.

Enlaces de descarga

Opción 1: 1 link (español) (700.75MB)

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Opción 2: francés con subtítulos en español (by Parangutin)(1.37GB)(enlaces intercambiables)

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Subtítulos: http://rapidshare.com/files/249824999/THE_CITY_OF_LOST_CHILDREN.srt

AVISO:
1. Los enlaces son una recopilación de los ya existentes en diversos foros de Internet. No es responsabilidad mía el mantenimiento de los archivos en los distintos servidores. Si algún archivo ha sido borrado inténtelo con otra opción y si no funciona esa alternativa ponerse en contacto conmigo a través de gerardomedina84@gmail.com o mediante un comentario en esta misma entrada.

2. Ninguna opción es igual a las demás. Varían en si tienen o no los subtítulos insertados, en el peso total de la película y en los servidores en los que se encuentran. Cualquiera de las opciones tiene la calidad de vídeo que se muestra en Capturas.

3. Ante cualquier error en el post, como puede ser haber repetido un enlace varias veces o que falte una contraseña, remitirse a la dirección de correo anteriormente expuesta o avisar mediante un comentario.

4. Agradecer mediante comentarios el esfuerzo anima arealizar futuros aportes.

5. Gracias a todos los uploaders.

Elige tus películas favoritas del mes de Enero

Comienza en Cinéfagos Anónimos una encuesta que se irá repitiendo cada mes del año. Les propongo elegir sus películas favoritas de cada mes, con el objetivo al finalizar el año de hacer un recuento y una lista con las más votadas en este blog. Por ello tienen todo el año para votar, y pueden hacerlo a mano derecha, debajo de Etiquetas, eligiendo cuantas películas deseen.

Aclarar antes de pasar a las candidatas que la lista la componen los filmes estrenados cada mes en España. Soy consciente de que pueden leerlos personas de fuera del país, y por eso junto a cada título recibido en España he puesto el original (salvo en el caso de “La cinta blanca”, de Michael Haneke, que tiene un título muy largo).

Pues éstas son las candidatas de este mes, y los enlaces a las críticas que he ido haciendo sobre ellas:

¿Qué fue de los Morgan? (Did you hear about the Morgans?)

Amerrika

Chéri

Capitalismo: Una historia de amor (Capitalism: A love story)

El cónsul de Sodoma

El mejor (The Greatest)

En tierra hostil (The hurt locker)

Escapada perfecta (A perfect getaway)

Hierro

Invictus

Krabat y el molino del diablo

La cinta blanca

La cuarta fase (The fourth kind)

La decisión de Anne (My sister’s keeper)

La herencia Valdemar

La mujer sin piano

Los fantasmas de mis ex novias (The ghosts of girlfriends past)

Love Happens

Nine

Número 9 (9)

Ricky

Rompedientes (Tooth Fairy)

Sherlock Holmes

Sobrepasando el límite (Noise)

Solomon Kane

Teniente corrupto (Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans)

Todo incluido (Couples Retreat)

Todos están bien (Everybody’s Fine)

Un tipo serio (A serious man)

Up in the air

El corto cinéfago: "Santiago Martínez, cazador de Ovnis y Alienígenas"

Tenía pensado colgar como corto cinéfago de la semana otra pieza distinta a la que les traigo. Pero la actualidad me pierde, y saber que Manuel Ortega Lasaga ha realizado otra nueva joya en corto bien merece ocupar esta entrada.  Los que sigan este blog asiduamente conocerán ya a este cántabro cazador de imágenes y personajes estrambóticos a los que bauticé en su momento como infraurbanitas -o infraurbanistas si así lo desean-. Un productor, montador, guionista y director -si es que no hace otra cosa para sacar adelante sus arriesgados proyectos- con una visión muy particular de las cosas.

Su último trabajo ha ganado el Primer Premio en el ya desvirgado I maratón de cortometrajes express Juvecant y tiene como estrella principal y absoluta a Santiago Martínez (en la foto junto al director), un cazador de lo paranormal, un Íker Jiménez menos mediático pero con el mismo espíritu investigador. No estamos ante una biografía, sino ante un diálogo acerca de la vida en otros planetas, los viajes espacio-temporales y otras virguerías de ciencia-ficción. El mismo Martínez, del que me he tenido que hacer admirador en Facebook como amante de lo desconocido que soy, me recriminaría si hablara en términos de ciencia-ficción. El diálogo pasa a debate cuando aparece un espontáneo, ese al que nadie ha invitado, un escéptico que no cree en la vida en otros planetas y que considera un charlatán a nuestro protagonista.

Reitero lo que le dije a su creador sobre este cortometraje: "Consigue más en 12 minutos que Oren Peli y su sobrevalorada Paranormal Activity en 90 minutos usando el mismo formato". Un gran guión, una gran realización y como siempre en su director, actores naturalmente creíbles. A mí me ha encantado, espero que a todos ustedes también.

Santiago Martínez, cazador de Ovnis y Alienígenas from Manuel Ortega Lasaga on Vimeo.

"Avatar", la película más taquillera de la historia

Mientras leen estas líneas, “Avatar” seguramente ya sea el filme más taquillero de la historia. Y es que hasta el domingo, la película de James Cameron se encontraba solamente a 5 millones de igualar los 1843M$ de Titanic, también de Cameron. A nivel mundial la película sí que le lleva una ventaja de 40M$, con 1287M$. A nivel local la separan de los 600M$ de aquella solamente 49M$, cifra que se espera que alcance en un par de semanas. A la que sí ha superado es a la segunda película más taquillera de Estados Unidos, “El caballero oscuro”, que había recaudado la increíble cifra de 533M$, y eso sin contar con el respaldo de la tecnología 3D, cuyo atractivo y sobre todo precio han posicionado a “Avatar” como la película más taquillera de la historia. Bueno, aún no, pero es cuestión de días. A nivel de espectadores, eso sí, la última y colosal proeza de Cameron se encuentra lejos de superar a ambas.

En España, y también gracias al 3D, la película ha batido records, aunque esto no sería así si hablásemos en términos de espectadores. Como ocurriera en su país natal, vuelve a ser número uno en su sexta semana y acumula ya 51.7M€ y va rumbo a los 60M€. En segundo lugar vuelve a figurar Sherlock Holmes, que ya suma 6.4M€.

En general, las cifras en nuestro país han sido más altas que las del año pasado durante el mismo mes, confirmando la buena vida que está viviendo el cine económicamente hablando. En total va camino de acumular solamente en Enero 80M€.

En cuanto a las otras cintas de estreno, ha habido reparto para todas, colocándose una detrás de la otra. George Clooney sitúa la comedia “Up in the air” en tercer lugar con 1.3M€, mientras que el musical “Nine” hace lo propio en cuarto puesto con 0.95M€. Les siguen “El rompedientes” con 0.7M€ y toda una sorpresa, “La herencia Valdemar”, una de las últimas películas de nuestro queridísimo Paul Naschy, que ha conseguido convencer al público con una campaña vistosa y llamativa y ha logrado 560.000€, bastante por encima de las expectativas iniciales. El boca a boca no se cree que la ayude a mantenerse, pero tiene cuerda para rozar los 1.7M€. Peor suerte ha tenido “Hierro”, que en su segunda semana cae un 69% y acumula solamente 240.000€, muy por debajo de las expectativas creadas en torno a ella.

Y en noveno puesto encontramos en el top 10 por duodécima semana consecutiva a la incombustible “Celda 211”, que solamente cae un 17% gracias al efecto Goya y ya lleva recaudados 10.77M€. Pero para rentabilidad la de “La cinta blanca”, que con tan solo 40 copias cierra la lista con 490.000€ recaudados, aumentando esta semana un 7% gracias a su éxito en los Globos de Oro. La distribuidora Golem ha apostado por ella y aumenta una copia, y parece que su recaudación será lenta, pero su vida larga, en taquilla.

LA CRÍTICA

En tierra hostil ***

(The Hurt Locker)

Adictos a la guerra

“La furia de la batalla es a menudo una potente y letal adicción, para la guerra es una droga”. Que En tierra hostil comience con estas palabras del corresponsal de guerra estadounidense Chris Hedges no es mera casualidad. La última película de Kathryn Bigelow analiza un conflicto tan manido como la guerra de Irak y nos extrae una conclusión que remite directamente a la obra de Hedges: la guerra, además de corromper la memoria colectiva e individual, acaba transformándose en una droga para todos aquellos que toman parte activa en ella.

Como si de un reportaje televisivo se tratara, En tierra hostil no realiza ninguna concesión al dramatismo gratuito, al discurso megalómano ni a las lecturas entre líneas hacia la política o los devastadores efectos secundarios de toda guerra. Y lo más sorprendente, no abusa de grandes secuencias de acción, algo increíble teniendo en cuenta que Bigelow es una curtida directora de este género. Lo que nos presenta la realizadora es una historia de bajo presupuesto, de ahí que se beneficie del formato documental en que está rodada y que le da una enorme sensación de realismo, sin cruzar la peligrosa línea de la moraleja socio-política que ya transitan otras cintas del género.

El mayor mérito de Bigelow durante dos horas, y no es poco, es el de transmitir la misma tensión que viven esos desactivadores de bombas a los que retrata en su trabajo diario durante 38 días, los que restan para que vuelva el equipo de relevo. Pero el mayor interés se recoge en esas secuencias que plasman su estresante día a día. En medio hay unas escenas que hacen que el ritmo decaiga, que convierten a En tierra hostil en un filme irregular en su desarrollo pero necesario como alegato anti-belicista, con unos personajes no demasiado bien dibujados. Tan sólo uno, el protagonista, se encuentra bien trazado, reforzado gracias a la convincente interpretación de Jeremy Renner. Su personaje es el que realmente da sentido a la frase de Hedges: un drogadicto de las emociones fuertes, de la adrenalina que desprende en cada turno, en el cual solo juega con una moneda de dos caras, vida o muerte, y que guarda los dispositivos que podrían haberle arrebatado la vida.

Su destino se adivina al poco de empezar la película. El final de este aterrador y vibrante relato es lógico y previsible, pero era el único que podía ofrecer. Por el camino destila el mismo sentimiento fascista del género bélico americano, ese que impide mostrar al enemigo como algo más que un simple verdugo, pero en este caso eso se vuelve un problema menor. Para el recuerdo dos secuencias crudas, la del cadáver y el hombre bomba, en medio de una película necesaria pero que toca un tema, el de la guerra de Irak, que podría parecer a más de uno ya demasiado manoseado por el séptimo arte. Aún así, un filme más que recomendable para aquellos que busquen cierta visión de la contienda alejada de las que nos tienen acostumbrados.

A favor: el realismo de sus imágenes y lo bien que sabe mantener la tensión

En contra: su ritmo irregular

El corto cinéfago: "Tachaaan!" y "Margarita"

Sigamos con los cortometrajes nominados a los Goya de este año. Hoy le toca el turno a dos propuestas de animación radicalmente opuestas: una apuesta por las nuevas técnicas gráficas y la otra por la animación tradicional. Pero antes de presentarlas lanzo un mensaje a las compañías y distribuidoras, y a cualquier organismo que esté haciendo imposible el visualizar este tipo de contenidos por la red: lo importante es difundir una obra, y me parece lógico que se persiga la piratería de largometrajes que se encuentran en cartelera, pues al fin y al cabo es una industria y esto hace perder dinero; pero un cortometraje, que no tiene las mismas aspiraciones comerciales y en el que debería primar la exhibición por cualquier vía, merece un trato distinto. Y esto va porque algunos de estos cortometrajes, en especial los de la categoría de ficción, son muy difíciles de encontrar. Es más, algunos ya estaban en Youtube pero, por problemas de copyright, se les ha eliminado el sonido o han desaparecido. Así que gracias a Vimeo y a sus creadores por brindar la oportunidad de disfrutar de algunas de estas joyas en corto.

Entrando en materia, el primer cortometraje es obra de Rafael Cano "Rafiki", Carlos del Olmo y Miguel A. Bellot, que en "Tachaaan!" nos traen una divertidísima historia de rivalidad entre el hombre bala por excelencia de un circo y un elefante que le hará la vida imposible. Con este trabajo, estos tres cortometrajistas, habilidosos animadores primero del 2D en flash y posteriormente emigrantes hacia al 3D, se acercan, como en el caso de "Alma", al nivel de la gran Pixar. Y no exagero, si no compruébenlo por su cuenta. Mención especial a la banda sonora de Jazz de Marras y una recomendación: visitar los blogs de dos de sus creadores que encontrarán más abajo.

TACHAAAN! from Rafikisland on Vimeo.

Y el segundo cortometraje cinéfago es una joya que me ha recordado al gran Miyazaki. Su nombre es "Margarita", es obra de Álex Cervantes y Hampa Studio y se basa en el poema homónimo de Rubén Darío, relatando un precioso cuento de una princesa en busca de su sueño. Una brillante adaptación que invita a soñar y a maravillarse con unas imágenes de una belleza sublime.

MARGARITA from Pedro Segura on Vimeo.


Ver "Tachaaan!" en vimeo
Ver "Margarita" en vimeo
Blog de "Rafiki"
Blog de Carlos del Olmo

LA CRÍTICA

The Road (La carretera) ****

Supervivencia en medio del caos

Quizás hayan sido los hermanos Coen los que mejor han sabido plasmar el espíritu de la obra de Cormac McCarthy en imágenes, sin por ello tener que ser del todo fieles al desarrollo de sus novelas. Los Coen convertían párrafos cortos, contundentes, de una austeridad que podía llevar a la depresión, en planos secos, sin un atisbo de complicidad hacia el espectador, ayudados por desérticos parajes estadounidenses. En definitiva, los convertían en una fabulosa película, “No es país para viejos”, que dejaba el mismo sabor agridulce que dejaba el original de McCarthy.

Es solamente este detalle el que el director australiano John Hillcoat no ha conseguido adaptar fielmente. “La carretera” cinematográfica por donde se mueven esos cadavéricos padre e hijo no logra transmitir el pesimismo y la falta de esperanza que consiguiera la novela en que se basa.

No obstante, en el resto de apartados, su versión de “La carretera” resulta la mejor que podría haberse realizado. Una adaptación muy fiel, salvo licencias que la hacen más cinematográfica y que no desmerecen al conjunto –por ejemplo, el personaje de Charlize Theron aparece mucho más que en el libro, pero sus apariciones están muy bien medidas e insertadas-, un guión espléndido, una fotografía y diseño de producción que trasladan perfectamente el mundo post-apocalíptico que McCarthy imaginara en sus páginas y sobre todo dos actores, Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee, que interpretan de una manera soberbia los dos roles protagonistas. Sobre ellos recae el mayor peso de toda la narración. Mortensen confirma su valía como buen actor y el pequeño, cuyo papel en la novela era crucial, se perfila como la mejor elección posible para interpretarlo y se convierte en toda una sorpresa. Porque Hillcoat, consciente quizás de la delicadeza del material que adapta, ha sido inteligente y ha apoyado el eje de su film en torno a la difícil relación de ese padre y ese hijo que sobreviven en medio del caos, sin abandonar la crudeza con que el autor mostrara dicha relación en su novela.

“La carretera” evita algún que otro momento estremecedor de la novela original –el pasaje del bebé o el del camión cisterna- , lo cual no se echa siquiera de menos, y ofrece una de las más brillantes adaptaciones de los últimos años. Miedo tenía quien esto escribe a las manos de un outsider prácticamente desconocido dentro de la maquinaria hollywoodiense, pero Hillcoat dirige de manera más que notable, casi sobresaliente, este desolador y filosófico relato que no consigue el nivel de pesadumbre del original, hasta el punto de que los momentos de alegría de la película –el descubrimiento del cobertizo o de una lata de Coca Cola- no son tan felices como esos mismos momentos en el libro. Pero ya bastante presión debía tener el director encima como para encima pedirle que tuviera la sabiduría que demostraron los Coen en ese aspecto. Después de esto habrá que seguirle los pasos.

A favor: la elección del dúo protagonista y la lograda ambientación de la película

En contra: no logra transmitir el mismo pesimismo que la novela original

Teaser trailer de "Buried (Enterrado)"

El talento de Rodrigo Cortés ya lo descubrimos en "Concursante". Ahora, ayudado de la interpretación del tan de moda Ryan Reynolds nos presenta "Buried", la historia de un contratista secuestrado en Irak que despierta en un ataud acompañado únicamente de un teléfono móvil, una vela y un cuchillo. Un claustrofóbico planteamiento que ha permitido que el filme sea seleccionado para participar en Sundance y que su director haya sido escogido como uno de los "10 directores que ver" en este 2010 según Variety. Les dejo el teaser trailer de esta película que promete ser uno de los platos fuertes del año.

LA CRÍTICA

Up in the air ***1/2

Maletas vacías

A Ivan Reitman, el mítico aunque impersonal director de “Cazafantasmas”, le ha salido un hijo con talento. Ya lo intuíamos en sus dos trabajos anteriores, y “Up in the air” vuelve a confirmarlo. Capaz a través de pequeñas historias de tocar la fibra, aunque sin hacer sangre, de los más espinosos temas, Jason Reitman, habilidoso guionista y solvente realizador, ha vuelto a dar en la diana con esta comedia con espíritu indie pero con alma de gran película, destinada a las grandes audiencias a las que el director ya empieza a estar acostumbrado pero sin abandonar su mirada independiente.

En un mundo excesivamente globalizado y afectado por una enorme crisis financiera encontramos a un experto en el aquí convertido en arte de despedir a las personas tratando de proporcionarles la experiencia menos traumática posible. La empresa para la que trabaja Ryan Bingham gana así más clientes mientras más despidos sufran las grandes compañías, y encuentran en la crisis su mejor momento financiero contratados por aquellos que no tienen lo que hay que tener para echar a los trabajadores de sus puestos. Bingham es un errante, un nómada con demasiadas tarjetas vip en su cartera, un dinosaurio sin tiempo para las relaciones personales y con una maleta poco abultada. ¿El objetivo? Recorrer la mayor cantidad de millas y ahorrar tiempo para llegar al siguiente destino.

Pero algo hace peligrar la filosofía de vida de este tiburón en su negocio: la aparición de una aprendiz con muchas ideas pero sin demasiada experiencia profesional que ha logrado juntar la globalización y la localización en un único término, la “glocalización”, por la cual la compañía ahorrará dinero en viajes mediante el despido a distancia, con una pantalla de ordenador como intermediaria.

De lo único de lo que puede acusarse a “Up in the air” es de acomodarse en cierto tramo de su relato, cuando aún están perfilándose sus personajes, y pisar terrenos demasiado convencionales. Es decir, que en sus viajes con la joven aprendiz, que aboga por la importancia de tener una familia, una pareja y un destino marcado más allá de lo que deparará el próximo aeropuerto, y a partir de las relaciones esporádicas con una guapísima ejecutiva que sigue su mismo estilo de vida, Bingham irá descubriendo el valor de llevar la maleta más llena de recuerdos, lugares y sobre todo personas de confianza que vacía de contenido.

Este agotamiento de la historia era algo de lo que ya padecían “Gracias por fumar” y “Juno”, prometedoras e ingeniosas en su planteamiento pero que a medida que se desarrollaba la historia se volvían demasiado arquetípicas. Pero como ocurría en aquellas, Reitman remonta el vuelo en el tramo final y toma una vía secundaria que no satisface, para bien, las previsiones y los deseos de los bienpensantes.

Un gran guión el de su director para esta comedia cargada de cotidianeidad y de diálogos brillantes que se apoya en las soberbias interpretaciones de su trío protagonista. George Clooney brilla con luz propia y encandila a la cámara, mientras que Vera Farmiga corrobora su status como una de las mejores actrices del Hollywood actual. Por su parte tenemos un descubrimiento, el de Anna Kendrick, sorprendente en su papel de ilusa en la vida pero fiera en los negocios (cuando no tiene que lidiar con las personas a las que despide, claro está). El primero con la maleta preferiblemente vacía y sin nada que le ate al suelo, la tercera con la maleta totalmente llena y la segunda en tierra de nadie, y que marca ese giro que consigue que la última película de Reitman se vuelva imprevisible tras ese tramo que desprende demasiado convencionalismo por frase.

A favor: el guión de Reitman, el trío protagonista y que al final remonta el vuelo
En contra: se agota a sí misma a medio metraje y pisa terrenos demasiados convencionales

Ganadores de los Globos de Oro 2010: El rey del mundo se impone de nuevo

Ha sido una edición con resultados inesperados. Las grandes favoritas del año, como "Nine" o "Hurt Locker", se han ido de manos vacías en beneficio de la gran "Avatar". James Cameron abre camino hacia los Oscar con dos galardones, el de película de drama y director. Como comedia del año sorprende "Resacón en Las Vegas" por encima del musical de Rob Marshall. Como actor de comedia o musical el escogido ha sido un actor de moda, Robert Downey Jr., en detrimento de Daniel Day-Lewis ("Nine" o Michael Stuhlbarg ("Un tipo serio"); en el apartado de drama lo gana Jeff Bridges ("Crazy Heart") y no George Clooney ("Up in the air") o Morgan Freeman ("Invictus"); Mery Streep gana a Meryl Streep por "JUlie & Julia"; y éste es el año de Sandra Bullock, como así confirma el Globo de Oro a mejor actriz en drama por "The Blind Side".

Solamente los galardones para actores de reparto de Mo'nique ("Precious") y Christoph Waltz ("Malditos bastardos"), el de mejor película de animación para "Up", que también ha recibido el de mejor banda sonora para Michael Giacchino, y el de mejor película extranjera para "La cinta blanca" de Haneke han seguido los pronósticos en una ceremonia marcada por la solidaridad por el desastre en Haití y por un maestro de ceremonias, el cómico Ricky Gervais, que ha brillado con luz propia y ha amenizado la velada. Eso sí, el cine español se va con las manos vacías.

Lista completa de premios


MEJOR PELÍCULA-DRAMA: "Avatar"
MEJOR PELÍCULA DE COMEDIA O MUSICAL: "Resacón en Las Vegas"
MEJOR DIRECTOR: James Cameron - "Avatar"
MEJOR ACTOR DE DRAMA: Jeff Bridges- "Crazy Heart"
MEJOR ACTRIZ DE DRAMA: Sandra Bullock- "The Blind Side"
MEJOR ACTOR DE COMEDIA O MUSICAL: Robert Downey JR- "Sherlock Holmes"
MEJOR ACTRIZ DE COMEDIA O MUSICAL: Meryl Streep - "Julie & Julia"
MEJOR ACTOR DE REPARTO: Christoph Waltz - "Malditos bastardos".
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Mo'nique - "Precious.
MEJOR PELICULA EXTRANJERA: "La cinta blanca" (Alemania)
MEJOR PELÍCULA ANIMADA: "Up"
MEJOR GUIÓN CINEMATOGRÁFICO: Jason Reitman - "Up In The Air"
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: "The Weary Kind" - "Crazy Heart"
MEJOR BANDA SONORA: Michael Giacchino - "Up"


Televisión: "Dexter" triunfa
Michael C. Hall, protagonista de "Dexter" y a que hace poco revelaba a los medios que padece un cáncer a cuyo tratamiento responde favorablemente, ha ganado el Globo de Oro en una serie dramática, mientras que John Lithgow hacía lo propio como actor de reparto. En lo demás pocas sorpresas: "Mad Men", "Rockefeller Plaza (30 Rock)", "The Good Wife", "The United States of Tara" y "Big Love" triunfan en un apartado, el de televisión, muy bien repartido.


MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN- DRAMA: Mad Men (AMC)
MEJOR ACTOR EN UNA SERIE DE TELEVISION- DRAMA: Michael C. Hall - "Dexter"
MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN- DRAMA: Julianna Margulies - "The Good Wife"
MEJOR SERIE DE TELEVISION- COMEDIA Y MUSICAL: "Glee" (FOX)
MEJOR ACTOR EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN- COMEDIA O MUSICAL: Alec Baldwin- "30 Rock" (NBC)
MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN - COMEDIA O MUSICAL: Toni Collette - "United States of Tara"
MEJOR ACTOR DE REPARTO EN TELEVISIÓN: John Lithgow - "Dexter"
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN TELEVISIÓN: Chloë Sevigny - "Big Love" (HBO).
MEJOR MINISERIES PARA TELEVISIÓN: Grey Gardens (HBO)
MEJOR ACTOR EN UNA MINISERIE DE TELEVISIÓN: Kevin Bacon - "Taking Chance"
MEJOR ACTRIZ EN UNA MINISERIE DE TELEVISIÓN: Drew Barrymore - "Grey Gardens"

LA CRÍTICA

Sherlock Holmes ***1/2

Guy Ritchie reinventa el blockbuster

Estamos ante la visión de un cineasta con un estilo narrativo particular y un desquiciado sentido del montaje de los personajes creados por sir Arthur Conan Doyle en su primer salto al cine tras más de veinte años inactivos. Los Holmes y Watson que se nos presentan ahora bien podrían ser la versión madura, ya pasada de rosca y embriagada de éxito, del bonachón aprendiz de doctor y del sagaz y tunante aprendiz de detective que prefería crear misterios en vez de estudiar de todo un clásico de los 80, “El secreto de la pirámide”, otra alternativa al original bien llevada por Barry Levinson. Con los años, Holmes se ha vuelto un fanfarrón, un ególatra petulante consciente de su propia importancia y que necesita más un caso que resolver que la cocaína para conciliar el sueño. Un camorrista adicto a las peleas, pero siempre usando su cerebro antes que los puños, incluso en el combate. Por su parte, Watson sigue siendo Watson, arrastrado irremediablemente por su compañero de fatigas.

Tal refrito consistente en una reinterpretación del original basado en unos personajes ya excesivamente populares y pasados por el filtro de un director inquieto como Guy Ritchie es lo que nos encontramos en “Sherlock Holmes”, gran divertimento victoriano dotado de grandes dosis de comicidad y misterio, como marcan los cánones del personaje. Porque ¿qué ocurriría si el director de las febriles “Snatch. Cerdos y diamantes” y “RocknRolla” aplicara su toque a un producto destinado a amasar dinero? La respuesta es que inauguraría un nuevo concepto de cine entretenimiento.

Ritchie, ya aparentemente recuperado del tifón Madonna, pone toda la carne en el asador y se convierte en un eficiente realizador, y auténtico renovador, del blockbuster de siempre. Ofrece una comedia de acción y suspense con clase, con un estilo narrativo portentoso mezclado con la estética gótica propia de la época, un guión inteligente que no abusa de sus propios golpes de efecto, y una trama que se complica a medida que avanza más que la manera de pensar de su protagonista.

Lo advertimos ya en sus primeras secuencias. Ritchie no es capaz de hacer un taquillazo al uso, y eso le pasa factura durante casi la primera mitad. Es tan difícil entrar en la dinámica de su juego que más de uno desconectará de la historia. Los que no lo hagan experimentarán cómo el interés en la trama y su inteligente desarrollo van in crescendo. A mí, por ejemplo, me ha costado entrar de lleno en su propuesta al principio, para luego dejarme llevar por ella sin resistencia.

Además consigue algo muy importante: una complicidad entre sus dos actores protagonistas que traspasa la pantalla. Jude Law da la réplica perfecta y necesaria a un Downey, Jr. irresistible en el papel del mítico investigador, amo y señor de la función que se pasea a sus anchas por los planos de este londinense paisaje digital sublimemente ambientado. Hasta su banda sonora choca con lo que estamos acostumbrados en un producto de estas características. Un cine comercial diferente sí es posible.

A favor: la complicidad entre sus dos protagonistas y el nuevo concepto de cine entretenimiento de su director

En contra: ese nuevo concepto puede hacer que cueste entrar en su juego desde el principio

LA CRÍTICA

Hierro ****

Onírico viaje hacia la aceptación

No recuerdo un debut en la realización tan portentoso por la fuerza de sus fotogramas desde “Intacto”. Ya en sus primeros minutos, la opera prima de Gabe Ibáñez ofrece una secuencia de accidente rodada con total pulcritud y preocupación por los detalles, imágenes todas que sacuden al espectador en la butaca. Hasta en eso podría asemejarse a la primera incursión en el largo de Fresnadillo, en aquella escena del “Ya no te quiero” de Mónica López y que demuestra que no estamos ante algo ya visto.

Lo que viene a continuación quizás roce demasiado los lugares comunes en su historia y pueda resultar, especialmente en el tramo final, a ratos previsible: una madre que pierde a su hijo a bordo de un ferry le busca desesperadamente por la isla a la que viajaba cuando recibe la noticia de que han encontrado el cuerpo de un niño. Trastornada, con una patológica fobia surgida a partir del incidente, María irá desarrollando un profundo estado de paranoia que se acentúa con unas pesadillas que no le dejan pegar ojo.

Pero Ibáñez tiene el suficiente talento como para convertir una historia muy típica en algo totalmente distinto. Es aquí cuando conviene dejar claro lo que el espectador se encontrará al ir a ver “Hierro”. No estamos ante un filme de terror al uso, que es lo que puede desprenderse de su campaña publicitaria, sino ante un thriller psicológico sobre cómo sobreponerse a la pérdida de un ser querido, un viaje onírico hacia la aceptación de la cruda realidad de una madre que debe aprender a vivir con sus propios fantasmas.

Lo que importa en “Hierro” no es lo que se cuenta. De hecho, si analizáramos su argumento y su desarrollo nos encontraríamos ante un telefilme de sobremesa, un dramón para ver y olvidar por su concurrencia de lugares y situaciones comunes. Hasta sus pocos golpes de efecto pueden resultar de manual cinematográfico si no fuera porque lo que impera es el cómo contar la historia, apartado en el que Ibáñez demuestra ser un as de la realización, convirtiendo un trabajo de encargo en algo propio. Tanto las pesadillas de su protagonista como el resto de la cinta poseen una potencia impropia de un debut.

Una pena que este deslumbrante salto al largo de un curtido especialista en publicidad y efectos especiales y director del desconcertante cortometraje “Máquina” no haya entrado finalmente en los Goya de este año. Habría recibido como mínimo nominaciones a los efectos especiales, el sonido, la banda sonora, la fotografía, el montaje, la dirección novel y por supuesto una nominación para Elena Anaya, sobresaliente en su interpretación, la mejor de su carrera, ya recompensada en el último festival de Sitges. Ella lleva buena parte del peso de esta película. La otra parte se la lleva la buena mano de su director para crear imágenes sugerentes, inquietantes, que no parecen aportar nada salvo dosis de tensión pero que nos obligan a recordar su nombre en el futuro.

A favor: una estupenda Elena Anaya en la interpretación y Gabe Ibáñez en la realización

En contra: habrá quien vaya a verla pensando que es un filme de terror al uso

El corto cinéfago: "Dime que yo" y "Alma"

El pasado sábado 9 de Enero se dieron a conocer las nominaciones a los Goya 2010. Dado que la academia pasa de puntillas por las categorías dedicadas a los cortometrajes, voy a dedicar el Corto Cinéfago de la semana a dos de las candidatas de este año, las dos únicas que he podido encontrar por la web. Porque merecen más reconocimiento que un discurso limitado en el tiempo.

El primero de los cortos es de un viejo conocido por todos, mi paisano Mateo Gil. A Gil lo conocerán fundamentalmente por ser el amigo de correrías de Alejandro Amenábar en los guiones de las películas de éste. Suyos son los libretos de todas las películas que hasta la fecha ha dirigido Amenábar, salvo “Los Otros”, pero también lo es el excepcional guión de “El método”, por el cual recibió el Goya al Mejor Guión en 2005. Y no olviden su carta de presentación en celuloide, la fabulosa “Nadie conoce a nadie”, todo un éxito de nuestro cine. Pues bien, tras embarcarse en uno de los episodios de la serie “Películas para no dormir” y tras colaborar de nuevo con Amenábar en el guión de “Ágora”, Gil se toma una especie de descanso para volver a la dirección con un cortometraje que demuestra lo buen guionista que es. “Dime que yo” es la historia de dos desconocidos, encarnados por Fele Martínez y Judith Diakhate, que tras dejarlo con sus respectivas parejas se psicoanalizan mutuamente y descubren las razones por las cuales deberían, o no, iniciar una nueva relación juntos. Todo un acierto a todos los niveles que se ha visto reconocido con una nominación al Mejor Cortometraje de Ficción. Se lo dejo en descarga directa y para ver este blog.

Y el otro trabajo es una joya de la animación que deslumbra en su respectiva categoría. “Alma” es una absorbente historia muy bien realizada y de la que mejor no desvelo la trama, para que se sorprendan tanto como yo, y que cosecha elogios allá donde va. Sólo decir que es un trabajo del debutante Rodrigo Blaas, uno de nuestros españoles afianzados en la todopoderosa Pixar, que ha trabajado como animador en, agárrense, “Buscando a Nemo”, “Los Increíbles”, “Wall•E” y “Up!”. Casi nada. Pueden disfrutar de “Alma” en HD en Vimeo, para disfrutarlo al máximo, para ver online en este mismo blog o en menor resolución para descarga directa.

Enlaces de descarga

Dime que yo (gracias a La guarida de bizzentte)(195.38MB)

http://www.megaupload.com/?d=6WM931JJ

Alma (by cremoso)(17.53MB)(2 servidores)

http://www.megaupload.com/?d=UW2TBCPY

http://rapidshare.com/files/329578648/Alma.avi

Ver online:

Dime que yo

Alma

Alma from Rodrigo Blaas on Vimeo.

Ver "Alma" en Vimeo en HD

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1. Los enlaces son una recopilación de los ya existentes en diversos foros de Internet. No es responsabilidad mía el mantenimiento de los archivos en los distintos servidores. Si algún archivo ha sido borrado inténtelo con otra opción y si no funciona esa alternativa ponerse en contacto conmigo a través de gerardomedina84@gmail.com o mediante un comentario en esta misma entrada.
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