EL CORTO CINÉFAGO. "La ciudad vida de Horacio Coppola", de Ignacio Ortega

Reconozco que no conocía el trabajo fotográfico de Horacio Coppola. Conocía el nombre, pero no al artista. Ahora, a poco más de dos años de su fallecimiento, Ignacio Ortega le dedica un corto documental gracias al cual he descubierto su formidable obra. El trabajo de un genio de la imagen, de un fotógrafo y cineasta que capturó en tonos monocromáticos toda la belleza y la geometría de la ciudad latinoamericana más cosmopolita y europea, Buenos Aires.

“La ciudad viva de Horacio Coppola” no es un retrato sobre la vida del artista, sino sobre su personalidad artística, sobre una inabarcable galería de fotografías que le definían como profesional y que sirven para echar una mirada atrás a lo que fue toda una urbe cuyas calles podían confundirse con esos callejones laberínticos que recorren cualquier rincón de París.

Ortega realiza un fantástico trabajo de edición y montaje que amenizan los escasos once minutos que dura esta pieza, que sirve a su vez para arrojar luz sobre la exposición “Horacio Coppola. Fotografía”, instalada en el Centro Andaluz de la Fotograía (C.A.F.), que durará hasta el 14 de septiembre y constará de 121 instantáneas, cuatro películas y 12 libros-catálogo. Un corto que pretende captar en formato digital la obra de un artista apegado a lo analógico, y que tiene en su propia naturaleza cinematográfica su talón de Aquiles. Porque nunca será lo mismo ver esta galería in situ que a través del objetivo de una cámara digital, y uno no puede más que sentirse impotente ante la idea de no poder asistir a verla. Pero esto, claro está, no es culpa del cortometraje.

LA CIUDAD VIVA DE HORACIO COPPOLA (THE CITY LIVING OF HORACIO COPPOLA) from NACH SEGOR on Vimeo.

AVANCES. Tráiler final de “[·REC] 4: Apocalipsis”

Dos meses. Dos quedan para que la saga “[·REC]” eche el cierre a una franquicia que, para muchos, y eso se ha notado en la taquilla, ha ido a menos, algo con lo que no estoy para nada de acuerdo. Simplemente ha mutado, para gusto o disgusto de los fans del género.  El 31 de octubre, en pleno Halloween, llegará este “[·REC] 4: Apocalipsis” que dudo que se convierta en un éxito patrio, pero en el que tengo depositada toda mi fe. Básicamente porque el gran Jaume Balagueró está detrás, esta vez en solitario, y sus seguidores sabemos cómo se las gasta este señor en lo que a terror se refiere. Y aunque este tráiler final pueda parecer forzado en situaciones –el comienzo es muy “Resident Evil”- e interpretaciones, compro.

RTVE.es estrena el tráiler de [REC] 4, de Jaume Balagueró

AVANCES. Cartel y tráiler de "Exists", el "regreso" de Eduardo Sánchez al found footage campestre

Hubo un antes y un después de “El proyecto de la Bruja de Blair”. No, la película no inventó el found footage, pero sí que supo aprovechar el formato, y una buena redonda publicitaria, para devolver al subgénero a las primeras filas del terror. Tan relevante fue que dio pie a un sinfín de películas que explotaron el recurso hasta límites extenuantes. Hoy en día se estrenan una multitud inabarcable de filmes que lo utilizan como pretexto narrativo, pero sin aportar nada a lo que Eduardo Sánchez y Daniel Myrick hicieron en su momento. Vamos, que ya no da más de sí. Entonces ¿por qué es importante “Exists”? Pues porque marca el regreso de uno de sus realizadores, Sánchez, al terreno que le dio la fama, en un escenario que le dio la fama –descontaré su segmento campestre para “V/H/S 2”, pero ésta es su vuelta a las primeras ligas- y un género en el que no ha vuelto a brillar con la misma luz que hace 15 años. Ahora cambia los elementos naturales del bosque y la magia negra por un mito, el del Big Foot, algo menos sutil pero que debería asegurar sustos a mansalva. Eso sí, ni su cartel ni este primer avance dejan mucho para la imaginación, algo que el misterio en torno a su debut sí lograba.

ACTUALIDAD. Emmy 2014: Otra noche sin sorpresas

Anoche se dieron a conocer los ganadores en las categorías principales de los Emmy –una semana antes conocíamos los vencedores en el sinfín de categorías técnicas que atesoran estos premios-, en una gala sin demasiado lugar para la sorpresa en sus galardonados. “Breaking Bad” volvió arrasó en su despedida, más que en la primera mitad de su temporada final en la edición pasada, llevándose menciones tan gordas como las de drama, actor –Matthew McConaughey se queda con las ganas de confirmar su éxito, pero bastante tiene ya con el Oscar-, actor y actriz de reparto –segundo para Anna Gunn y Aaron Paul-. Además, “True Detective” tan sólo se hace con el premio a la dirección, y Julianna Margulies su tercer Emmy como actriz.

En comedia, tampoco hubo sorpresas. De nuevo tenemos como ganadora a “Modern Family”, Ty Burrell se hace con su segundo Emmy como secundario, Jim Parsons ya va por cuatro, Julia Louis-Dreyfus el quinto –además, es la única actriz en lograr tres estatuillas por tres comedias, y lleva ya tres seguidos por “Veep”-, y la gran Allison Janney se convierte en la primera actriz en doce años en conseguir dos Emmy en el mismo año, ya que se ha llevado el de actriz de reparto en comedia y de estrella invitada en drama.

En cuanto a miniserie, “Fargo”, “AHS: Coven” y “Sherlock” se han repartido los galardones, cada una con dos galardones.

A continuación, la lista de ganadores principales. Para conocer la lista completa, se puede consultar la web oficial de los Emmy. Pero antes, un momentazo, Weird Al Yankovic interpretando su propia versión de los temas musicales principales de las grandes nominadas de la noche. Y sí, es en serio, es él.

MEJOR DRAMA

Breaking Bad

MEJOR ACTOR. DRAMA

Bryan Cranston por Breaking Bad

MEJOR ACTRIZ. DRAMA

Julianna Margulies por The Good Wife

MEJOR ACTOR DE REPARTO. DRAMA

Aaron Paul por Breaking Bad

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO. DRAMA

Anna Gunn por Breaking Bad

MEJOR DIRECCIÓN. DRAMA

Cari Joji Fukunaga por True Detective

MEJOR COMEDIA

Modern Family

MEJOR ACTOR. COMEDIA

Jim Parsons por The Big Bang Theory

MEJOR ACTRIZ. COMEDIA

Julia Louis-Dreyfus por Veep

MEJOR ACTOR DE REPARTO. COMEDIA

Ty Burrell por Modern Family

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO. COMEDIA

Allison Janey por Mom

MEJOR DIRECCIÓN. COMEDIA

Gail Mancuso por Modern Family

MEJOR MINISERIE

Fargo

MEJOR ACTOR. MINISERIE

Benedict Cumberbatch por Sherlock

MEJOR ACTRIZ. MINISERIE

Jessica Lange por American Horror Story: Coven

MEJOR ACTOR DE REPARTO. MINISERIE

Martin Freeman por Sherlock

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO. MINISERIE

Kathy Bates por American Horror Story: Coven

MEJOR DIRECCIÓN. MINISERIE

Colin Bucksey por Fargo

En paz descanse... Sir Richard Attenborough (1923-2014)

Cuando se nos muestra una imagen de Sir Richard Attenborough, es inevitable pensar en el bonachón John Hammond de “Jurassic Park”. Así le conocerán muchos espectadores, como el icónico anciano dueño de la isla de dinosaurios de Spielberg. Pero Attenborough, hermano del naturalista Sir David Attenborough, ya era un respetado actor y cineasta británico que inició su carrera en la interpretación en plena II Guerra Mundial, sobre los escenarios y posteriormente en la película propagandística de Noel Coward y David Lean “Sangre, sudor y lágrimas”, en 1942 o en 1946 en “A vida o muerte”, de Michael Powell y Emeric Pressburger, con las que ganó solidez en su estilo interpretativo.

Pero fue en 1947 cuando alcanzó la fama en sendas adaptaciones del novelista Graham Greene, “The Man Within” y “Brighton Rock”, con las que acabó encasillándose en papeles de cobarde realizado. Una década se pasaría interpretando este tipo de personajes en el cine británico hasta que recuperó la estrella gracias a “Private’s Progress”, a partir de la cual despegaría su carrera y probaría otros registros, especialmente dentro del cine bélico. A esta etapa pertenece “Amargo silencio” y “The Dock Brief”, con las que consiguió sus dos primeras nominaciones al BAFTA. No lograría su primera estatuilla de la Academia de Cine Británica hasta 1964, y por partida doble, con “Plan siniestro” y “Guns at Batasi”. Mientras, se lanzaría a Hollywood a participar en exitosos filmes como “La gran evasión”, “El vuelo del Fénix”, “El Yang-Tsé en llamas” o “Dr. Dolittle”. Por estas dos últimas, además, se hizo con dos Globos de Oro.

Seguiría apareciendo en películas como “Diez negritos” o “Rosebud” hasta 1979, año en el que hace un largo parón en la interpretación y se centra en su carrera de director, que había iniciado diez años antes con “¡Oh, qué guerra tan bonita!”. Dirigió, entre otras, “Un puente lejano”, pero fue en 1982 cuando estrenaría la obra cumbre dentro de su filmografía como realizador, “Gandhi”. El film le valió dos Oscar –película y director, además de otras seis estatuillas-, el Globo de Oro, dos BAFTA, tres David Di Donatello, así como varios premios de la crítica estadounidense y europea.

No volvería a igualar este hito en su carrera, pero sí que dirigió algunos títulos remarcables, como “Grita libertad”, “Chorus Line”, “Tierras de penumbra” o “Chaplin”. En 1993, Spielberg le recuperaría para la interpretación en “Jurassic Park”, y a partir de entonces aparecería en su secuela, “El mundo perdido”, en el “Hamlet” de Kenneth Branagh, o en “Elizabeth".

Llevaba 12 años retirado de la interpretación, y su última cinta como director fue en 2007 con “Cerrando el círculo”. Casi un centenar de trabajos en cine, delante y detrás de la cámara, y en cine abalan una carrera portentosa de más de 70 años, de un clásico que nos dejó ayer a los 90 años de edad, y que alimentó a varias generaciones. Descanse en paz.

TAQUILLA USA. Duelo de cómics: Épico fracaso para Sin City. Marvel recupera el podio

Fin de semana sin grandes emociones, sin grandes estrenos que den la sorpresa. Y aún así, un fin de semana de nuevo superior al de hace un año, en un mes de agosto para el recuerdo. Un fin de semana marcado por la recuperación del podio por parte de Guardians of the Galaxy, que en su cuarto fin de semana acumula 251 millones de $, siendo la tercera cinta más taquillera del año y a pocos días de ser la más exitosa del año en Estados Unidos. Su ritmo a estas alturas es superior al de “Iron Man” hace cinco años, film que llegó a los 318 millones de $ al final de su carrera. Veremos si llega hasta este punto. A nivel mundial aún le queda camino por recorrer con 489 millones de $.

Pero la noticia no es esa, ni los previsibles 16 millones de $ del drama juvenil con Chloe Moretz If I Stay, que ya ve beneficios al haber costado 11 millones –fue número uno el viernes, pero se le adelantaron los dos días siguientes-, sino el sonoro batacazo que se ha pegado Sin City: A Dame To Kill For. La secuela del éxito de culto de 2005 se queda en los tristes 6,4 millones de $ y el octavo puesto, casi una quinta parte de lo logrado por la primera entrega. Ni la inflación de las entradas ni el 3D la han ayudado, y su fracaso, pese al fanbase que arrastraba, sólo puede justificarse en el tiempo que ha transcurrido entre ambas entregas. En vista de que la mitad de estas cifras las consiguió el viernes, difícil lo tendrá para llegar a los 20 millones de $. El desastre es aún mayor si consideramos que algunas fuentes aseguran que ha costado casi diez veces más de lo que ha recaudado en casa. Un fiasco de proporciones épicas.

El top 5 lo cierra otro estreno, When Game Stands Tall, producto de 15 millones de $ que consigue unos decentes 9 millones, por lo que no debería tener problemas en ser mínimamente rentable. Todos los estrenos del fin de semana han cosechado críticas raquíticas, menos Love Is Strange, que ha enamorado a la crítica y logra en el sector limitado la mejor media por sala. 127.000$ recaudados en cinco salas son la prueba de su buena conexión con el público.

A partir de aquí, decentes mantenimientos ante la falta de oponentes. Teenage Mutant Ninja Turtles pierde el número uno en su tercer fin de semana y se va a los 145 millones de $, todo un taquillazo para una película por la que no se apostaba hasta este nivel. La comedia Let’s Be Cops sigue dando la sorpresa tras su buen estreno hace diez días. Cae solamente un 38% y acumula unos magníficos 45 millones de $.

Fuera del top 5, los hermanos Weinstein ven ligeramente compensado el descalabrado de Sin City con The Giver, que en diez días casi iguala su presupuesto con 24 millones de $, bueno para un título sin expectativas demasiado altas. La que no se salva es The Expendables 3, que en su segundo asalto se desploma un 58%, fatídico tras su mal estreno hace una semana, y con tan sólo 27 millones de $ conseguidos. Difícil lo tiene hasta para llegar a los 40 millones de $, menos de la mitad de lo logrado por su predecesora.

En los mantenimientos, tres triunfadoras. Boyhood apenas cede con 16,5 millones de $ en total, y perdiendo salas. Calvary mejora un 33% con 1,6 millones de $, mientras que The Trip to Italy sube un 59% con 221.000$ en diez días.

Fuente: Box Office Mojo 

LA CRÍTICA. The Zero Theorem

Fe en el caos

A modo de barroquismo pythoniano, Terry Gilliam ya buscaba en sus orígenes como cineasta el sentido de la vida a la vez que su lugar dentro del mundo cinematográfico, y definía, trabajo tras trabajo, sus manías y rarezas como autor. Para un realizador tan personal como él cabe preguntarse si ya ha encontrado el final de su propia carretera hacia la autoría absoluta, si aún le queda algo interesante por contar o se ha convertido en un espejo de sí mismo. Y aunque la respuesta sea afirmativa, el director británico sigue levantando expectación con cada nuevo trabajo, dando buena cuenta de lo imprescindible que ha sido para el séptimo arte. Sin embargo, podría decirse que desde “Miedo y asco en Las Vegas”, la carrera de Gilliam se encuentra malherida, y sus posteriores proyectos no han sido más que llagas supurantes de lo que en su día fue, sin por ello haber estrenado en este periodo de tiempo una obra que pueda considerarse olvidable. Pero mucho menos memorable.

“The Zero Theorem” es 100% Terry Gilliam, para bien o para mal. Será bien recibida por todos sus admiradores, con lanzas y antorchas por sus detractores, y con escepticismo por quienes no se decantan ni por un bando ni por el otro. Recuperamos, eso sí, al Gilliam artesanal, no al que lleva años sucumbiendo al CGI, pero por lo demás todo suena a ya visto. Ese mundo otaku orwelliano, a caballo entre lo retro y lo futurista, burocrático y frío, ya se nos presentó en “Brazil”, aunque aquí vertiendo las tintas hacia la sociedad de la sobreinformación y la globalización informática. La historia del triste hombre encerrado en su propio mundo, y que vive aferrado a sus propias fantasías en medio de un entorno aburrido y salido de una cadena de montaje, lo hemos visto en la citada “Brazil”, en “Doce monos” o en “El rey pescador”. Y la locura a la que sucumbe su protagonista en busca de su reducto de felicidad personal puede aplicarse a cada uno de los seres que habitan su filmografía. Y a nivel estético tenemos su particular uso de la música, una galería de personajes estrafalarios –en este sentido funcionan mejor los secundarios que el correcto Christoph Waltz- y su predilección por los encuadres cerrados, los planos cenitales y el surrealismo visual.

Pero más allá de que Gilliam se repita a sí mismo en sus pulsiones cinematográficas, que soportará el espectador según su grado de tolerancia, lo que no encuentra desde hace años es un guión férreo a la altura de su particular mirada. Y es aquí donde falla “The Zero Theorem”. Pat Rushin firma un libreto que ha sido escrito sin ninguna impronta personal, destinado al parecer para que Gilliam lo ejecute, creando un futuro tan enrevesado y hermético que acaba perdiéndose en sus propias líneas argumentales.

Y es una pena, porque la historia tiene muchas sublecturas interesantes, desde la sátira sobre el materialismo, el existencialismo como moneda de cambio, y sus disertaciones sobre la Nada y el Caos, y la relación de éstas con la vida de un individuo con una profunda fe en el caos. Un ser tan aferrado al ideal de una llamada telefónica que no llega y que de sentido a su vida, que en su propia búsqueda del sentido de la vida ha llevado una vida sin sentido. Gilliam parece hablar de sí mismo y de su cine, de un universo en expansión permanente que tiende hacia la nada. Todo lo que quedará al final es lo mismo que había al principio. Un agujero negro súper denso. Pero hasta en el vacío más absoluto puede existir una playa paradisiaca bañada por un Sol con el que jugar, al ritmo del “Creep” de Karen Souza. Esperemos que así ocurra con su carrera un día, y nos deleite con la gran película que todos esperamos, y que sabemos que es capaz de hacer.

A favor: que es puro Gilliam, para bien o para mal

En contra: el guión y la sensación de que Gilliam se repite

Calificación **1/2 

AVANCES. Nuevo y escalofriante tráiler de "Annabelle"

De lo que se entera uno. Al parecer, el escalofriante tráiler que pudimos ver hace un mes de “Annabelle” era tan sólo un teaser. Pues ahora llega el tráiler principal -así lo denominan los de Warner a través de su canal oficial de Youtube-, también de esos que ponen los pelos de punta, y que dura… ¡lo mismo que el teaser! Ya creo que ni los mandamases de Hollywood saben diferenciar entre una cosa y la otra. En fin, allá va, para que nos hagamos caquita. Por ahora tenemos hasta el 3 de octubre para ir preparando los pañales.

EL CORTO CINÉFAGO. "Máquina", de Gabe Ibáñez

Ayer salía a la luz el primer avance de “Autómata”, el segundo trabajo de Gabe Ibáñez tras la cámara con Antonio Banderas como protagonista. Hoy toca el turno de revisar el que fue su primer y único cortometraje, realizado en 2006 bajo el título de “Máquina”, una pieza de 16 minutos en la que una chica descubre a través del dolor y el desconcierto su nueva naturaleza y cómo estar en armonía con ella.

Y hasta ahí puedo decir. Porque extenderse más en la sinopsis de esta experiencia visual sería poco menos que arruinarla por completo. En este relato, precursor a nivel estético de lo que sería posteriormente su ópera prima, la interesantísima “Hierro”, Ibáñez, anteriormente realizador de videoclips y encargado de los efectos especiales de filmes como “El día de la bestia”, “Perdita Durango” o “El corazón del guerrero”, funde técnicas como la animación en stop motion o el 2D –al estilo años 20 y 30 pero con un punto más hardcore- y baña sus imágenes de una excelente fotografía y una expresiva banda sonora clásica.

Un deleite para los sentidos que merece ser visto más de una vez para captar sus múltiples matices, y que se alzó con el Premio Especial del Jurado en el festival de cortos de Clermont-Ferrand. Por cierto, la protagonista de este corto rodado en México, la debutante Iazua Larios, participaría ese mismo año en “Apocalypto”, de Mel Gibson.

AVANCES. Primer tráiler de "Autómata", el thriller futurista de Gabe Ibáñez con Antonio Banderas

Tras unos cuantos sugerentes pósters, que también recuperamos a continuación, nos viene por fin el primer tráiler de “Autómata”, lo nuevo del interesante realizador Gabe Ibáñez, que hace unos años despuntara con la reivindicable “Hierro”. En esta ocasión, Ibáñez se zambulle de lleno en la ciencia-ficción para tratar la Singularidad Tecnológica, que predice que el progreso tecnológico y el cambio social se acelerarán hasta tal punto que la Inteligencia Artificial podrá alcanzar y superar a la humana. En este sentido, el realizador ha declarado que “Autómata, de alguna manera, es la historia del mono que se queda en el árbol, la historia de la especie que se queda atrás. Y de cómo esa especie, la nuestra, no tiene otra opción que, al igual que ya hizo en el comienzo de su periplo evolutivo, seguir luchando por la supervivencia”. Primera incursión de Antonio Banderas en el género, acompañado de Dylan McDermott, su ex mujer Melanie Griffith y Robert Forster, entre otros. Un muy buen avance, en el que se ven varias referencias al género, el policiaco y el spaghetti western, con buenos efectos y haciendo uso de las Leyes de la Robótica de Asimov, en el que quizá tan sólo sobre eso de From visionary director… Por cierto, la cinta se presentará en el próximo Festival de San Sebastián, dentro de la sección oficial a concurso.

VER PARA CREER. 10 estrellas que dan la nota

Hace un tiempo dedicábamos esta entrada a los spots televisivos asiáticos que las estrellas de Hollywood protagonizaban para sacarse unas perrillas extra. Hoy le toca el turno al mundo de la música, ámbito en el que algunas estrellas han intentado hacerse un hueco aprovechando su fama, con resultados más que dispares. Algunos alcanzaron la gloria, otros conocieron solamente abucheos. Pero siempre habrá un hueco en el corazón de sus fans para los siguientes diez ejemplos. Porque para todos ellos, el ser artista es algo más que colocarse ante una cámara. Juzgar su calidad vocal y musical ya queda a la elección de los lectores.

Jamie Foxx

Foxx ya era cantante cuando comenzó en el mundo de la interpretación, y combinó siempre ambas facetas. Pero en cuando se alzó con el Oscar por encarnar a Ray Charles decidió aprovechar su fama para volver al ruedo. Desde entonces se ha vuelto un habitual de la música, y ha editado discos de soul y R&B en los que han colaborado amigos como Kanye West, Ludacris, Mary J Blige, Snoop Dogg y Justin Timberlake.

Álex González

Lanzado al estrellato absoluto gracias a la serie "El Príncipe", González se ha subido hace poco al carro de la música grabando junto a su hermana, integrante del grupo "El mundo de Murphy", el disco benéfico "En tus manos". Y parece haberle cogido el gustillo, porque amenaza con probar suerte en más ocasiones.

Ryan Gosling

El actor de "Drive"  formó un dúo con Zach Shields llamado Dead Man's Bones, cuando ambos descubrieron que tenían varios intereses en común. Su debut homónimo se editó en 2009, y lo presentaron con una gira que incluía un concurso de talento en cada ciudad por la que pasó, y la participación del coro infantil local de cada una de las paradas del tour.

Lindsay Lohan

Hace diez años, a la ex estrella infantil le dio por probar suerte en la canión y lanzó el álbum "Speak", al que pertenece este sexy videoclip correspondiente al primer corte de difusión "Rumors". Por cierto, aquí aún podía mirarse a la Lohan sin preguntarse qué cirujano, o qué sustancias ilegales, la destrozó por completo convirtiéndola en lo que es hoy en día.

Robert Pattinson

La estrella de la saga "Crepúsculo" ya había grabado algunos temas para la banda sonora de la saga, pero en 2011 aprovechó el tirón para sacar trabajos tan intimistas como este "It's All On You", que hizo furor entre sus incondicionales fans con acné.

Daniel Radcliffe

Tranquilos, a la estrella de Harry Potter no le ha dado por sacar un álbum en solitario, por ahora, pero sí que ha colaborado prestando su voz en el disco navideño benéfico "A Christmas Carol". Prueba de ello es este "Carols For A Cure" que espero no le de muchos dolores de cabeza a nadie.

Keanu Reeves

Keanu formó Dogstar con otro actor, el televisivoRobert Mailhouse. En realidad lo hicieron como pasatiempo, pero el grupo acabó ganando relevancia y acabaron compartiendo escenario con Bon Jovi, David Bowie y Weezer, y estos últimos llegaron a telonearles.  Se separaron en el año 2000, pero Keanu jamás ha abandonado su carrera musical.

Maribel Verdú

No muchos se acuerdan, pero hará 20 años una de nuestras mejores actrices, Maribel Verdú, sacó un disco de boleros titulado "Tres palabras", banda sonora de la película del mismo título. Eso sí, sin demasiado éxito.

Kate Winslet

Una excelente actriz, de las mejores de su generaión, pero no contenta con ello, Winslet quiso dejar huella en la música grabando en 2002 el tema "What If", que pasó sin pena ni gloria. Aquí va el sencillo, y rápidamente entenderán por qué no triunfó. 

INSTANTÁNEAS MÍTICAS. Freddy Krueger y sus compañeros de reparto... incluido Johnny Depp

Freddy Krueger no era tan malo. En realidad, era el amigo de los niños. Porque bajo su máscara había un tipo simpático llamado Robert Englund, un actor del que sus compañeros de reparto siempre han hablado maravillas. Aquí le tenemos, posando junto a sus víctimas de “Pesadilla en Elm Street”, entre ellas la protagonista Heather Langenkamp y un jovencísimo Johnny Depp, en el que sería su primer papel en la pantalla grande. Eso sí, que Englund fuera un tipo simpático no quiere decir que se hiciera amigos de sus compañeros. De hecho, sobre Johnny Depp dijo lo siguiente, cuando le preguntaron si seguían siendo amigos: "Nunca fuimos amigos, tan sólo trabajamos juntos en dos películas (la primera y la sexta entregas de la saga Pesadilla en Elm Street). Le encontré en un bar hace años y él había hecho una película que se había estrellado en Estados Unidos pero que había triunfado en Europa. Le dije que tal vez debería mudarse a Europa, donde estaba consiguiendo mejores críticas- tal vez puse un pensamiento subliminal en su cabeza que le motivó a mudarse a Francia". A todo esto, Englund escucha en esta instantánea música, justo lo que hace Depp en el film original mientras duerme, antes de morir.

LA CRÍTICA. Sharknado: The Second One

Mejor a veces es peor

“Sharknado” no era más especial que ninguna otra de las propuestas con la que nos asaltaba periódicamente la productora The Asylum, experta en lanzar subproductos de serie B en televisión y en copias ideas de otros, como “Transmorphers” o “Mega Piranha”. Si me denuncian es indiferente, las ganancias son tan altas que puedo permitirme las querellas. Y pese a que no existía apenas diferencia con otros títulos del canal SyFy, lo cierto es que su éxito fue tan mayúsculo que solamente puede atribuírsele al boca a boca y a la excelente campaña mediática que la acompañaba. ¿Una peli de tiburones voladores por obra y gracia de un tornado, igual de voraces y peligrosos en su caída? Eso tengo que verlo, y de hecho esto fue lo que me motivó a verla el verano pasado. ¿Era una buena película? Por supuesto que no, pero tenía tal concepto despreocupado de lo que debe ser la producción cinematográfica que era hasta divertido contar sus innumerables errores de continuidad, su pésimo guión, la poca gracia de sus actores y sus horribles efectos especiales. Pero, sobre todo, era un producto entretenidísimo, más incluso que otros que llegan del otro lado del charco con mayor despliegue de medios.

La secuela era inevitable, y lo más difícil de “Sharknado: The Second One” es cómo juzgarla. Es a la vez peor y mejor que su predecesora. Mejor porque su producción está ligeramente más cuidada, ya no hay tantos errores de racord, su protagonista Ian Ziering ha asumido su rol con mayor convicción –atención a la escena durante los créditos a lo “Los Vengadores”-, atesora un par de homenajes cinematográficos bastante cachondos –desde “Aterriza como puedas” hasta su particular versión de “Cómo entrenar a tu dragón”- y, dado su boom mediático, ha podido contar con unos pocos cameos bastante resultones que evidencian a su vez su mayor holgura de presupuesto.

Pero a la vez, todos estos detalles positivos la hacen ser peor película que la anterior. Porque lo que uno espera de una secuela de “Sharknado” es que mantenga el mismo espíritu cutre, no que tire de amiguetes famosos que quieren ser devorados ante la cámara ni que intente simular que está mejor hecha. Y, especialmente, lo que se habría agradecido es que Anthony C. Ferrante hubiera explotado la idea original hasta límites insospechados, que hubiese tirado la casa por la ventana en cuanto a vísceras, a guión putrefacto y situaciones descacharrantes. No es el caso. “Sharknado: The Second One” se limita a repetir los esquemas de la primera, pero cambiando de escenario y añadiendo subtramas. No hay más sangre, ni más humor, ni despunta por llevar su propuesta al extremo más allá de lo que se espera de ella. Se limita a cumplir, y ni siquiera hay más escenas con tiburones. Diría que hay incluso menos.

Y he aquí la paradoja de la propuesta. No dar al espectador lo que espera –en mi caso, que de mayor diversión que la anterior- es precisamente lo que supone el espíritu del primer “Sharknado”. Es tan mala que no se preocupa por sorprender y por ser mínimamente original –tiene incluso el previsible recurso del miembro amputado al que agregar un arma-. Esperar algo más de ella es un error si hablamos de una productora como The Asylum, una maestra en los platos rápidos precocinados. Es tan mala que no puede ser buena. Y es tan horrible que no se le puede pedir más. Pobre iluso fui al pensar que podrían ofrecerme algo diferente.

A favor: el homenaje inicial a “Aterriza como puedas”, quizá

En contra: que trate de ser mejor de lo que debería ser, y esperar de ella algo más

Calificación *

TAQUILLA USA. Los chicos de Stallone se estrellan frente a los héroes del momento

Fin de semana a la par del de hace un año, con los dos grandes blockbusters del momento comiéndose a los estrenos del fin de semana. “Teenage Mutant Ninja Turtles” y “Guardians of the Galaxy” han rivalizado por el podio, pero al final ha sido la primera en hacerse con el primer puesto, descendiendo un 56% y con 117 millones de $ recaudados. Su ritmo es similar al de “G.I. Joe 2”, pero su total es superior, por lo que no será raro que se vaya por encima de los 165 millones de $. En todo el mundo acumula 185 millones, aún con territorios por conquistar.

Por su parte, el taquillazo de la cinta de Marvel es incontestable, y es el único blockbuster veraniego que ha mantenido el tipo día a día y no se ha quedado solamente en las excelentes cifras de su estreno. Por eso, los 222 millones de $ que lleva acumulados superan con diferencia a todo lo que han conseguido éxitos como “Captain America 2” en el mismo periodo de tiempo. Su descenso este fin de semana es similar al de ésta, y todo hace presagiar que se convertirá en la película más taquillera del año en Estados Unidos. Por ahora, en todo el mundo lleva 418 millones de $.

Y llega el momento de analizar los estrenos del fin de semana, que a excepción de “The Expendables 3” consiguen decentes debuts. La nueva aventura de Sly y sus chicos ha llegado precedida de malos comentarios y críticas, del bajón que sufrió la franquicia ya tras el primer título –para muchos la saga no se acerca al cine de acción de los 80, que era lo que se esperaba-, y de la filtración del film en Internet hace casi un mes. Con todo esto entra directa al cuarto puesto y recauda unos pobres 16 millones de $, muy por debajo de los 34 y los 28 de la primera y la segunda entrega, respectivamente. No tiene visibilidad ni fuerza para mantenerse, y sus opciones estarán en el mercado internacional, donde la segunda fue más exitosa que la anterior.

“Let’s Be Cops” y “The Giver” completan el top con 17,7 y 12,7 millones de $, respectivamente. No son grandes datos, pero sí decentes para cada una en vista de sus costes. La primera ha sido incluso una sorpresa, especialmente porque se estrenó el miércoles y ha amasado desde entonces 26 millones de $, más de lo que ha costado, y muy positivos para un producto que no se ha vendido con excesivo mimo por parte de sus responsables. En cuanto a la segunda, estamos ante un film que nuevamente adapta una saga de libros adolescentes, pero con unos costes de tan sólo 25 millones de $ -“The Host” o “Mortal Instruments”, por ejemplo, recaudaron menos y costaron más-, por lo que no le costará ser rentable, especialmente cuando invada otras vías de explotación.

Del resto de estrenos destacar, exhibiéndose en tan sólo tres salas, el excelente dato de apertura de lo nuevo de Michael Winterbottom, “The Trip to Italy”, con 71.600$ en su conjunto. Y de los mantenimientos, también en el ámbito limitado, de “Boyhood”, que cierra el top 10 con 13,8 millones de $ en total; “Magic in the Moonlight”, con 4,7 millones de $ en total y un aumento del 147%; “What If”, que sube un 519% con 1 millón de $; y “Calvary”, que mejora un 57% con 890.000$ recaudados. Todas ellas se enfrentaban, eso sí, a un sustancioso incremento de su número de copias.

Fuente: Box Office Mojo

LA CRÍTICA. Guardianes de la Galaxia

Awesome Mix Vol.1

Antes de que aparezca el logo de Marvel tiene lugar un prólogo sumamente emotivo, a modo de introducción. Tras el logo, unos créditos iniciales y un baile que son toda una declaración de intenciones y un aviso sobre lo que veremos durante las siguientes dos horas, como si Indiana Jones se pusiera a bailar al ritmo del "Come and get your love" de Redbone en el principio de "En busca del Arca Perdida". Así, en unos pocos minutos, tirando de descaro y de una falta total de prejuicios, se desmarca James Gunn de todo lo que Disney/Marvel nos haya podido ofrecer en entregas anteriores. Ha logrado el destello de ingenio definitivo con el que otros directores como los hermanos Russo, Kenneth Branagh o el propio Joss Whedon tan sólo pudieron soñar, dejando sus filmes como agonizantes set pieces repletos de sellos autorales fugaces.

“Guardianes de la Galaxia” es la película más cargada de personalidad de toda la franquicia marvelita/disneyiana, un cuádruple salto mortal a una piscina sin agua que poco o nada tiene que ver con ese cine de superhéroes que el sello nos ha venido vendiendo estos últimos años. Aquí lo que tenemos es a cinco antihéroes, cinco perdedores destinados a salvar a toda la galaxia, protagonistas de una space opera como un servidor no veía desde los tiempos de “El quinto elemento” de Luc Besson, con permiso de las aventuras trekkies de J.J. Abrams. De hecho, sus momentos más flojos son precisamente aquellos en los que la todopoderosa Marvel mete la mano para hacer encajar la trama con el futuro de “Los Vengadores”.

Afortunadamente, la diversión, la comedia inteligentemente insertada, la acción, la aventura desmedida, su ritmo, la banda sonora y el reparto –todos, sin excepción- imperan sobre cualquier intento de enmarcar la película en una trama mucho más ambiciosa. Pero, sobre todo, lo que sobresale en ella es esa cinta de cassette que a la vez funciona como sosías de unos capullos espaciales que se desenvuelven en su propia inmadurez y en una infancia sostenida en el tiempo, y como metáfora de una de las herramientas más potentes del universo cinematográfico: la nostalgia.

“Guadianes de la Galaxia” recorre con sentida melancolía los 80 –atención a los muñecos y la planta bailarina a ritmo de la música, a Kevin Bacon convertido en héroe galáctico, y al pato Howard como icono a recuperar de toda una generación- en forma de remix musical condenado a repetirse una y otra vez y a un tipo de cine de aventuras que ya prácticamente hemos perdido. Ese cine ochentero repleto de gañanes, ladrones, interesados y truhanes que acaban siendo entrañables –el fantasma de Han Solo planea sobre Star-Lord y los suyos- que amenaza con volver. Yo, por mi parte, estoy esperando ansioso el volumen 2 del remix. Aunque desearía que Marvel metiese mucho menos las narices.

A favor: la nostalgia ochentera que desprende

En contra: los momentos en los que Marvel mete las narices

Calificación ****

PÓSTERS. Dos nuevos carteles para "Dumb and Dumber To"... parodiando a "Lucy"

Ya era hora. Quedan apenas cuatro meses para que Lloyd y Harry vuelvan a llenar los cines de estupidez, y apenas hemos visto nada promocional de su peli. Porque un film como “Dos tontos todavía más tontos” necesita soltarse la melena en la promoción y tirar de parodias y parodias, como bien hacen estos dos nuevos carteles de lo nuevo de los Farrelly, en el que se ríen del póster americano de la “Lucy” de Besson. Ahora el reclamo no es “El ser humano utiliza de media un 10% de su capacidad cerebral. Imagina lo que podría hacer con un 100%”, sino “Imagina lo que podría hacer con un 1%”. Y ojo, que lo de estos dos tiene más mérito. No han necesito tirar de drogas experimentales para conseguirlo.