CINÉFAGOS ANÓNIMOS: abril 2010

viernes, 30 de abril de 2010

La película del mes

La cosa *****
(The Thing)

El enigma de otro mundo

Hace más de medio siglo, Christian Nyby, avalado por la leyenda Howard Hawks, se adentraba en las inquietantes páginas del “Who goes there?”de John W. Campbell para construir "The thing from another world”, auténtico clásico de la ciencia-ficción de serie B de los años 50, época en la que el género estaba en auge gracias a títulos como “Ultimátum a la Tierra”. Aquella película, pese a las limitaciones típicas de la época, consiguió aterrorizar a toda una generación, incluyendo a las dos personas que inspiraron la película de este mes, “La cosa (El enigma de otro mundo)”.

El relato corto de Campbell impresionó tanto al ejecutivo de la Universal Stuart Cohen desde que era niño que ya en los años 70 perfiló la idea de llevarla de nuevo a la gran pantalla con más medios. Junto con los productores Lawrence Turman y David Foster buscó al guionista Bill Lancaster, hijo de Burt Lancaster, para escribir un primer tratamiento del guión. Para la dirección pensaron en Tobe Hooper, pero Cohen tenía una opción mejor.

John Carpenter se empezaba a ganar el favor de las productoras en aquel momento gracias a “La noche de Halloween”, “La niebla” o “1997: Rescate en Nueva York”, que habían acumulado una importante cantidad de seguidores y fans en todo el mundo, erigiéndole como un nuevo realizador a tener muy en cuenta. En definitiva, catapultándole a la categoría de culto, y eso que su carrera apenas había comenzado. Cohen le conocía de la USC Film School y admiraba su trabajo, pero los estudios se mostraban reticentes a confiarle un proyecto de tanta envergadura por parecerle poco capaz de asumirlo. Sin embargo, Hooper se encontraba en las manos de Spielberg y su “Poltergeist” y las miradas se giraron de nuevo hacia Carpenter. Y éste no pudo decir que no. Había un factor determinante: para Carpenter, “La cosa de otro mundo” era una de esas películas capaces de hacer que tus palomitas saltaran pos los aires. Así definió su experiencia al verla en un reestreno con apenas cinco años. Pero había una razón más crucial. Howard Hawks está tan presente en la filmografía del director como lo está H.P. Lovecraft. Su primer gran éxito, “Asalto a la comisaría del distrito 13” es una carta de amor al “Río Bravo” de Hawks, y el western es uno de los elementos dominantes en su filmografía. Así que tenía una segunda oportunidad para reverenciar a su ídolo.

Con esta película, Carpenter pasaría a jugar en una liga superior, de trabajar en películas de serie menor a codearse con los ejecutivos de un gran estudio. Esto podría haber creado conflictos provocados por la falta de libertad creativa, como le ocurriría a Hooper en la citada “Poltergeist”. Pero en contra de lo que puede pensarse, Carpenter tuvo toda la libertad que quiso. Se llevó a su director de fotografía habitual, Dean Cundey, y trabajó sin mayor problema con Lancaster, con quien mantuvo una cordial relación, hasta el punto de variar juntos diversos puntos del guión. La única imposición que podríamos denominar extraña fue la de asignar la banda sonora a Ennio Morricone, cuyo trabajo fue nominado aquel año al Razzie a la peor banda sonora. No obstante, cuentan las malas lenguas que dicha banda sonora fue originalmente compuesta por el propio Carpenter, quien hasta ahora había compuesto buena parte de los temas de sus películas. De hecho, si la analizamos veremos más puntos en común con sus trabajos anteriores como compositor que con la trayectoria del compositor italiano. No es de extrañar pues su nominación, ya que los scores que compone Carpenter son más propios de la serie B que de una película como la que nos ocupa, más bien dirigida a un público más amplio.

Tanta libertad tuvo el realizador que concibió junto a Cohen la película más como una adaptación de la novela original más que como un remake del clásico de los 50. La historia transcurriría en una base científica norteamericana en la Antártida en la que no ocurre nada fuera de lo común hasta que un día otro grupo de científicos noruegos sobrevuelan en helicóptero la zona disparando a un perro que huye por la nieve y se refugia en el campamento norteamericano. Comienza un tiroteo contra los noruegos que acaba en victoria americana. Pero el perro esconde un terrible secreto venido de otro mundo. Se trata de una réplica de otro perro, ejecutada por un organismo capaz de cambiar de forma y asumir varias a la vez. Los miembros de la estación se darán cuenta y comenzarán a desconfiar unos de otros. ¿Quién será humano y quién no?

John Carpenter tenía claro que no quería repetir los esquemas de otras cintas del género como, por ejemplo, “Alien”. Es decir, no quería a un hombre disfrazado de alienígena. Buscaba algo totalmente distinto, y fue entonces cuando conoció no por casualidad al especialista en efectos especiales Rob Bottin. Éste era un gran admirador del cineasta e insistió a su amigo Dean Cundey que les presentara. La primera impresión fue tan buena que Carpenter, sin ver previamente su trabajo, le quería en su equipo. Y es aquí donde comienza uno de los puntos fuertes de la película, uno de los muchos factores que hacen de “La cosa” una joya indiscutible del género: los efectos especiales y el maquillaje. Suyos son los diseños del monstruo extraterrestre en todas las formas que adopta, dando lugar a secuencias tan inolvidables como la de la reanimación en la enfermería, esa en la que el pecho del actor Charles Hallahan se abre en dos y corta los brazos del médico de la base, para posteriormente desprenderse su cabeza de su cuerpo, caer al suelo, salirle patas como a una araña y salir huyendo de la sala. Secuencia que costó rodar en varias tomas, tras las cuales había que rehacer todo el trabajo desde el principio. Su trabajo fue tan meticuloso y se lo tomó tan en serio que tuvo que ausentarse varios días, siendo sustituido por otro genio, Stan Winston, que se encargó, entre otras, de la secuencia en la perrera cuando el perro portador del ente extraterrestre asimila los cuerpos de otros perros en presencia del atónito grupo de científicos. Secuencias todas de un nivel de veracidad y repulsión asombrosas que hacen que este filme no pertenezca del todo a la serie A. Después de todo, qué podíamos esperar de Carpenter, todo un artesano de la vieja escuela fiel a sus principios que gozó de toda la libertad que quiso.

Tanta libertad poseyó que había todo el tiempo del mundo para la preproducción, la más larga de toda su carrera. Casi un año duró la preproducción, rodaje y posproducción, debido sobre todo a que había que diseñar desde cero todo el campamento científico. Se construyó en los estudios de la Universal en Los Angeles, en el glaciar Taku, y en la localidad de Stewart (Canadá). En ambos sitios había temperaturas que podían alcanzar los 40 grados, pero el interior de la base una vez construida se enfrío hasta los -15 grados centígrados para simular las condiciones de las extremas bajas temperaturas de la Antártida. Mientras trabajaban a bajísimas temperaturas, fuera hacía un calor extremo. Y para abaratar costes, el campamento noruego no es más que el mismo campamento americano reducido a cenizas, justo después del incendio que arrasa con él al final de la película. Dentro de este campamento los personajes ven un vídeo acerca de la extracción de la nave en la que viajaba el ente, que no son más que imágenes de la película de Nyby y Hawks.

“La cosa”, como ya apuntaba anteriormente, es un extraño caso de película de encargo en la que todo el mundo, incluso un director venido de películas pequeñas con pocos medios, estaba agusto. Incluido el reparto. Kurt Russell no era la primera opción para interpretar a McReady. De hecho, Carpenter y él buscaban un actor que encajara en el perfil, y el mismo Russell no estaba vinculado al proyecto. Pero actor y director, que habían colaborado juntos en “Rescate en Nueva York” y el telefilm “Elvis”, llegaron a la conclusión de que él debía interpretarlo. Desde entonces, Russell se ha convertido en su actor fetiche. El resto del reparto, enteramente masculino, está repleto de caras conocidas de la pequeña pantalla o leyendas semi-acabadas, pero desconocidas posiblemente para el gran público de la época, está compuesto por Charles Hallahan, Wilford Brimley, T.K. Carter, Keith David, Richard Masur o Donald Moffat, entre otros.

Desde el principio a Carpenter le interesaba el carácter paranoico del relato, y era el aspecto que más quería explotar. Le interesaba ese inquietante juego de no saber quién está “infectado” y quién no, jugando con la banda sonora y los planos de tal manera que la desinformación que posee el espectador en algunos momentos hace aumentar la tensión. Tanto que la película experimenta un in crescendo continuo y la tensión aumenta igual que en “Alien”, por mencionar un ejemplo. Y todo rematado por ese final abierto que deja todo a la imaginación del espectador. Por el camino hay suspense, acción, terror, aislamiento, paranoia y buenas dosis de gore.

Pero todos estos elementos positivos no le valieron para ganarse el favor del público. Y es que, aunque resulte triste, “La cosa” es el mayor fracaso económico de Carpenter, un director que nunca ha reventado taquillas precisamente. El público de la época prefirió a otro extraterrestre bondadoso marca Spielberg, E.T., antes que a este organismo cambiante preparado solamente para hacer el mal. Al mismo Carpenter le propusieron dirigir “E.T.”, pero inteligentemente eligió a los alienígenas malos. Aunque habría sido interesante comprobar el resultado final en sus manos.

Carpenter supo aprovechar hasta el extremo el presupuesto con el que contaba pero sin perder su sello personal, haciendo como Ridley Scott unos pocos años antes una película de serie B con envoltorio de serie A –o viceversa, como prefieran-, en la que es su película más elaborada hasta la fecha. Y lo digo abiertamente: “La cosa” es mi película favorita de su director. La vi con apenas 12 años y me impactó tanto como a su director la primera versión de los 50. Una obra maestra que por esto, y porque lo merece, es la película del mes, y que, supuestamente, conocerá una precuela que hipotéticamente comenzó a rodarse en marzo. Claro está, sin nadie de su equipo original tras las cámaras.

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Jordi Estadella (1948-2010)

Sé que su nombre era más bien sinónimo de televisión, pero un servidor se crió con programas como "No te rías que es peor", "Un, dos, tres" o "El semáforo". Nos ha dejado Jordi Estadella, periodista, presentador y actor de doblaje. Su imponente voz y su experiencia le abrieron las puertas de la radio catalana y le permitió doblar al Inspector Gadget y a personajes de otras series como "24", "El Ala Oeste de la Casa Blanca" o "Corrupción en Miami". Pero también dobló en algunas películas como "Prêt-À-Porter", "La loca historia de las galaxias", "El Imperio contraataca" y otras muchas. Nos ha dejado este gran profesional a los 61 años tras una larga enfermedad. En paz descanse, maestro.

He seleccionado algunos vídeos para rendirle tributo. Pero la lista que pueden encontrar en la red es interminable.

miércoles, 28 de abril de 2010

El corto cinéfago: Notodofilmfest

El corto cinéfago de esta semana no es uno en particular, sino nada más y nada menos que 700 a la vez. Notodofilmfest, ahora conocido como Jameson Notodofilmfest nació hace nueve años auspiciado por Javier Fesser como una plataforma en la que los nuevos creadores podían demostrar su talento enviando sus piezas en corto, y permitiendo que los internautas valorasen, criticasen y puntuasen los trabajos presentados. 706 cortometrajes que no superan los 4 minutos de duración se presentan en esta octava edición. Por supuesto, no voy a facilitar aquí los más de 700 cortos, pero sí destacar cinco trabajos de los miembros del jurado, que bien lo merecen.

"2012", de Isaki Lacuesta. Un viaje en el tiempo compuesto de imágenes subliminales de un antiguo amor, imágenes tomadas a una mujer distinta de la que el narrador amó, encarnada por la guapísima Barbara Lennie. El montaje de las imágenes y la reveladora frase final son lo mejor de este corto en el que Lacuesta demuestra su sabiduría cinematográfica, su dominio de los recursos narrativos y el tiempo.

"Pues vale", de David Serrano. Obra de un gran guionista, esta historia nos presenta a una pareja, Noelia Castaño y Quim Gutiérrez, con serios problemas de comunicación, tantos que la frase de él sentencia la relación, pero para entonces la comunicación ya se ha perdido del todo.

"Un novio de mierda", de Borja Cobeaga. Otro gran guionista, y director, nos presenta a otra pareja ya disuelta, la formada por Bárbara Santa-Cruz y Ernesto Sevilla. Él acude a la casa de ella para usar el baño como motivo de venganza, y este hecho conduce a una discusión y finalmente a una aparente reconciliación. Atentos a lo que ocurre tras los créditos, es impagable.

"Última voluntad", de Javier Fesser. El fundador del festival no podía faltar a esta edición con una de sus cómicas piezas, en esta ocasión encarnada por víctima y verdugo que hablan acerca de la última voluntad del primero.

"(Uno de los) Primos", de Daniel Sánchez Arévalo. Sí, estamos ante un corto sacado de la próxima película de Sánchez Arévalo. Un magnífico guión, como es habitual en Arévalo, nos presenta a uno de estos primos, interpretado por Quim Gutiérrez, donde hay puro diálogo y todo manteniendo la cámara fija en el monólogo de su protagonista. Atentos a la audiencia de dicho monólogo. Sánchez Arévalo prometió que volvería a la comedia que explotara en sus primeros cortometrajes, y que dejó más o menos de lado en las tragicómicas "azuloscurocasinegro" y "Gordos". Y lo prometido, en vista de este adelanto, es deuda.

Si quieren ver todos los cortos que componen el certamen solo tienen que pasarse por Notodofilmfest y dejar sus comentarios.

sábado, 24 de abril de 2010

LA CRÍTICA

Fantástico Mr. Fox ****

(Fantastic Mr. Fox)

Anderson-Dahl: una comunión salvaje

Hace unos meses un outsider del Hollywood comercial demostraba cómo su ingenio y su toque personal podían congeniar de manera indiscutible con el mundo imaginado por Maurice Sendak, dando como resultado un clásico infantil moderno que sin duda será recordado con los años, “Donde viven los monstruos”. Ahora es un director todavía más difícil e independiente el que da el salto al cine de animación llevando a la pantalla al imprescindible Roald Dahl de “El Superzorro”.

“Fantástico Mr. Fox” es un claro ejemplo de cómo realizar una adaptación de todo un clásico literario sin perder el toque personal que te caracteriza como cineasta. Wes Anderson funde la temática de Dahl con sus propias paranoias personales tales como las dificultades en las relaciones paterno-filiales y sin huir de su propia verborrea cinematográfica, sin perder la impronta que le ha hecho erigirse como uno de los realizadores indies más ensimismados pero a la vez más sugerentes y de mayor identidad. Amado y odiado a partes iguales –confieso que yo mismo le tengo algo de tirria a sus delirios de grandeza-, Anderson vuelve a inmiscuirnos en medio de una fauna de personajes disfuncionales, juegos con los travelling, predilección por el amarillo, una tangencial banda sonora, primerísimos primeros planos y demás recursos estilísticos ya típicos de su filmografía.

Con todo, consigue lo que Spike Jonze en “Donde viven los monstruos”: hacer suyo el universo dahliano, sacar el animal que llevamos los espectadores y él mismo. Y para ello, y aquí viene lo que puede hacer que a más de uno le repela la propuesta, rehusa cualquier concesión al infantilismo exagerado. Su Mr. Fox está más destinado a un público irremediablemente adulto, algo que la diferencia en parte del filme de Jonze, pero sin duda ambas merecen ser vistas en una sesión doble como una buena muestra de lo que debe ser el cine para niños que ya no son tan niños.

No estamos ante la mejor película de su director, pero paradójicamente, a pesar de usar el stop-motion con aspecto añejo salpicado con reminiscencias al western y al cine bélico americano de hace medio siglo, logra su película más humana, la más cercana al gran público. Ayudan en ello las acertadísimas voces de George Clooney, Meryl Streep y de los habituales de la casa Jason Schwartzman, Owen Wilson y, cómo no, Bill Murray. Lo dije con la película de Jonze, incluso con la última de Selick, y lo vuelvo a decir ahora: otro cine infantil sí es posible.

A favor: lo bien que encajan los universos de Dahl y Anderson, y cómo este no pierde su sello personal ni ante un film de animación
En contra: no todos simpatizarán con esta atípica propuesta, menos infantil de lo que puede parecer

viernes, 23 de abril de 2010

100 clásicos modernos que debes ver antes de morir

Me vuelven loco las listas, saber qué opinan otros acerca del cine. A muchos no les agradará la idea, pero a mí me encanta. La que les traigo aquí ha sido elaborada por el equipo de Yahoo! Cine y recoge las 100 mejores películas de las últimas dos décadas. Es bastante acertada, aunque se echan de menos muchos títulos, como "Bailando con lobos" o "El paciente inglés". Pero lo más alarmante es la presencia de filmes como "Supercop" -sí, la de Jackie Chan-, "Jóvenes desorientados" -una de los comienzos de Richard Linklater, de la que nadie se acuerda ya me temo-, o "El Reportero" -comedia con Will Ferrell que no es que no tenga gracia, sino que las hay infinitamente mejores-, entre otras muchas que es mejor no mencionar. Y extraño, pero de la trilogía "El señor de los anillos" solo figura "La comunidad del anillo". Un día tendré que sacar mi propia lista al respecto, pero por ahora pueden comentar con sus impresiones.

1990:

* Uno de los nuestros, de Martin Scorsese. Con Ray Liotta, Robert De Niro y Joe Pesci
* Misery, de Rob Reiner. Con Kathy Bates y James Caan.

1991:
* La Bella y la Bestia, de Kirk Wise y Gary Trousdale.
* El silencio de los corderos, de Jonathan Demme. Con Anthony Hopkins y Jodie Foster.
* Terminator 2: el juicio final, de James Cameron. Con Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton y Robert Patrick.
* Thelma y Louise, de Ridley Scott. Con Susan Sarandon y Geena Davis.

1992:
* Hervidero, de John Woo. Con Chow Yun-Fat y Tony Leung Chiu-wai.
* Malcolm X, de Spike Lee. Con Denzel Washington y Angela Bassett.
* El juego de Hollywood, de Robert Altman. Con Tim Robbins y Greta Scacchi.
* Sorgo rojo, de Zhang Yimou. Con Gong Li y Ma Jingwu.
* Supercop, de Stanley Tong. Con Jackie Chan, Michelle Yeoh y Maggie Cheung.
* Sin perdón, de Clint Eastwood. Con el propio Eastwood, Morgan Freeman y Gene Hackman.

1993:
* Jóvenes desorientados, de Richard Linklater. Con Jason London, Wiley Wiggins y Matthew McConaughey.
* Atrapado en el tiempo, de Harold Ramis. Con Bill Murray, Andie MacDowell y Stephen Tobolowsky.
* La lista de Schindler, de Steven Spielberg. Con Liam Neeson, Ben Kingsley y Ralph Fiennes.

1994:
* Chungking Express, de Wong Kar-Wai. Con Brigitte Lin, Tony Leung Chiu-wai y Faye Wong.
* Ed Wood, de Tim Burton. Con Johnny Depp, Martin Landau y Sarah Jessica Parker.
* Forrest Gump, de Robert Zemeckis. Con Tom Hanks, Robin Wright y Gary Sinise.
* Cuatro bodas y un funeral, de Mike Newell. Con Hugh Grant y Andie MacDowell.
* Pulp Fiction, de Quentin Tarantino. Con John Travolta, Uma Thurman, Samuel L. Jackson y Bruce Willis.
* Cadena perpetua, de Frank Darabont. Con Tim Robbins y Morgan Freeman.
* Tres colores: rojo, de Krzysztof Kieslowski. Con Irene Jacob y Jean-Louis Trintignant.

1995:
* Babe, el cerdito valiente, de Chris Noonan.
* Antes de amanecer, de Richard Linklater. Con Ethan Hawke y Julie Delpy.
* Fuera de onda, de Amy Heckerling. Con Alicia Silverstone, Paul Rudd y Brittany Murphy.
* Heat, de Michael Mann. Con Robert De Niro y Val Kilmer.
* Vivir rodando, de Tom DeCillo. Con Steve Buscemi y Catherine Keener.
* Sentido y sensibilidad, de Ang Lee. Con Emma Thompson, Kate Winslet y Hugh Grant.
* Toy Story, de John Lasseter.
* Sospechosos habituales, de Bryan Singer. Con Kevin Spacey, Gabriel Byrne y Chazz Palminteri.

1996:
* Big Night: una gran noche, de Campbell Scott y Stanley Tucci. Con Tony Shaloub, Stanley Tucci e Ian Holm.
* Dead man, de Jim Jarmusch. Con Johnny Depp, Gary Farmer y Lance Henriksen.
* Fargo, de Joel Coen. Con Frances McDormand y William H. Macy.
* Ghost in the Shell (Kokaku kidotai), de Mamoru Oshii. Con Atsuko Tanaka y Akio Otsuka.
* Lone Star, de John Sayles. Con Chris Cooper, Elizabeth Pena, Kris Kristofferson y Matthew McConaughey.
* Scream. Vigila quién llama, de Wes Craven. Con Neve Campbell y Drew Barrymore.
* Secretos y mentiras, de Mike Leigh. Con Brenda Blethyn, Marianne Jean-Baptiste y Timothy Spall.
* El otro lado de la vida, de Billy Bob Thornton. Con Thrnton, Dwight Yoakam y Lucas Black.
* Swingers, de Doug Liman. Con Jon Favreau, Vince Vaughn y Heather Graham.
* Trainspotting, de Danny Boyle. Con Ewan McGregor, Jonny Lee Miller y Robert Carlyle.

1997:
* Boogie Nights, de Paul Thomas Anderson. Con Mark Wahlberg, Burt Reynold y Julianne Moore.
* Eves Bayou, de Kasi Lemmons. Con Samuel L. Jackson, Lynn Whitfield y Debbi Morgan.
* L.A. Confidential, de Curtis Hanson. Con Russell Crowe, Guy Pearce y Kevin Spacey.
* El dulce porvenir, de Atom Egoyan. Con Ian Holm, Bruce Greenwood y Sarah Polley.
* Titanic, de James Cameron. Con Leonardo DiCaprio y Kate Winslet.

1998:
* El gran Lebowski, de Joel Coen. Con Jeff Bridges, John Goodman y Julianne Moore.
* Hana-bi (Flores de fuego), de Takeshi Kitano. Con Kitano y Kayoko Kishimoto.
* Un romance muy peligroso, de Steven Soderbergh. Con George Clooney, Jennifer Lopez y Catherine Keener.
* Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg. Con Tom Hanks y Tom Sizemore.
* Algo pasa con Mary, de Peter y Bobby Farrelly. Con Cameron Diaz, Matt Dillon y Ben Stiller.

1999:
* Todo sobre mi madre, de Pedro Almodóvar. Con Cecilia Roth, Marisa Paredes y Penélope Cruz.
* American Beauty, de Sam Mendes. Con Kevin Spacey, Annette Bening y Thora Birch.
* Cómo ser John Malkovich, de Spike Jonze. Con John Cusack, Cameron Diaz, Catherine Keener y John Malkovich.
* Election, de Alexander Payne. Con Matthew Broderick, Reese Witherspoon y Chris Klein.
* El club de la lucha, de David Fincher. Con Brad Pitt y Edward Norton.
* Matrix, de Larry y Andy Wachowski. Con Keanu Reeves y Laurence Fishburne.
* La princesa Mononoke, de Hayao Miyazaki.
* Corre Lola, corre, de Tom Tykwer. Con Franka Potente y Moritz Bleibtreu.
* El sexto sentido, de M. Night Shyamalan. Con Bruce Willis, Haley Joel Osment y Toni Collette.
* Tres reyes, de David O. Russell. Con George Clooney, Mark Wahlberg y Ice Cube.

2000:
* Casi famosos, de Cameron Crowe. Con Patrick Fugit, Frances McDormand y Kate Hudson.
* Very important perros, de Christopher Guest. Con Eugene Levy y Catherine OHara.
* Tigre y dragón, de Ang Lee. Con Chow Yun-Fat, Michelle Yeoh y Ziyi Zhang.
* Yi Yi, de Edward Yang. Con Wu Nien-jen, Issey Ogata y Elaine Jin.

2001:
* Amelie, de Jean-Pierre Jeunet. Con Audrey Tautou y Mathieu Kassovitz.
* Donnie Darko, de Richard Kelly. Con Jake Gyllenhaal, Drew Barrymore y Patrick Swayze.
* Deseando amar, de Wong Kar-Wai. Con Maggie Cheung y Tony Leung Chiu-wai.
* El Señor de los Anillos: La comunidad del Anillo, de Peter Jackson. Con Elijah Wood, Ian McKellen y Viggo Mortensen.
* Memento, de Christopher Nolan. Con Guy Pearce, Carrie-Anne Moss y Joe Pantoliano.
* Mulholland Drive, de David Lynch. Con Naomi Watts y Laura Elena Harring.
* Los Tenenbaums, una familia de genios, de Wes Anderson. Con Gene Hackman, Ben Stiller y Gwyneth Paltrow.

2002:
* El Pianista, de Roman Polanski. Con Adrien Brody, Thomas Kretschmann y Emilia Fox.
* Y tu mamá también, de Alfonso Cuarón. Con Maribel Verdu, Gael Garcia Bernal y Diego Luna.

2003:
* Ciudad de Dios, de Fernando Meirelles. Con Alexandre Rodrigues, Leandro Firmino De Hora Phellipe y Seu Jorge.
* Elephant, de Gus Van Sant. Con Alex Frost, Eric Deulen y John Robinson.
* Buscando a Nemo, de Andrew Stanton.

2004:
* El Reportero: la leyenda de Ron Burgundy, de Adam McKay. Con Will Ferrell y Christina Applegate.
* ¡Olvídate de mi!, de Michel Gondry. Con Jim Carrey y Kate Winslet.
* Zombies party de Edgar Wright. Con Simon Pegg, Nick Frost y Kate Ashfield.
* Entre copas, de Alexander Payne. Con Paul Giamatti, Thomas Haden Church y Virginia Madsen.

2005:
* Virgen a los 40, de Judd Apatow. Con Steve Carell, Catherine Keener y Seth Rogen.
* Brokeback Mountain - En terreno vedado, de Ang Lee. Con Heath Ledger y Jake Gyllenhaal.
* Una historia de violencia, de David Cronenberg. Con Viggo Mortensen, Maria Bello y Ed Harris.
* Old boy, Park Chan-wook. Con Choi Min-shik y Kang Hye-jeong.

2006:
* Borat, de Larry Charles. Con Sacha Baron Cohen y Kenneth Davitian.
* Hijos de los hombres, de Alfonso Cuarón. De Clive Owen, Michael Caine y Julianne Moore.
* La vida de los otros, de Florian Henckel von Donnersmarck. Con Martina Gedeck, Ulrich Muehe y Sebastian Koch.
* El laberinto del Fauno, de Guillermo del Toro. Con Maribel Verdú, Ivana Baquero y Doug Jones.

2007:
* 4 meses, 3 semanas y 2 días, de Cristian Mungiu. Con Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov
* El ultimátum de Bourne, de Paul Greengrass. Con Matt Damon, Joan Allen y David Strathairn.
* La escafandra y la mariposa, de Julian Schnabel. Con Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner y Marie-Josée Croze.
* Michael Clayton, de Tony Gilroy. Con George Clooney, Tom Wilkinson y Tilda Swinton.
* No es país para viejos, de Joel y Ethan Coen. Con Tommy Lee Jones, Javier Bardem y Josh Brolin.
* Pozos de ambición, de Paul Thomas Anderson. Con Daniel Day-Lewis y Paul Dano.

2008:
* El caballero oscuro, de Christopher Nolan. Con Christian Bale, Heath Ledger y Aaron Eckhart.
* Slumdog Millionaire, de Danny Boyle. Con Dev Patel, Anil Kapoor y Freida Pinto.
* Wall-E, de Andrew Stanton.

2009:
* Avatar, de James Cameron. Con Sam Worthington, Zoe Saldana y Sigourney Weaver.
* En tierra hostil, de Kathryn Bigelow. Con Jeremy Renner, Anthony Mackie y Brian Geraghty.
* Malditos bastardos, de Quentin Tarantino. Con Brad Pitt, Christoph Waltz y Melanie Laurent.

lunes, 19 de abril de 2010

El corto cinéfago: "Batman. Dead End"

Imaginen que están viendo una posible adaptación de "Batman. Año Uno" con una ambientación impecable, muy cercana a la de Christopher Nolan en su visión del hombre-murciélago, y de repente el Joker es atacado por un Alien (sí, el de la peli de Ridley Scott). Y por si fuera poco, a Batman le salva un Predator, con quien mantendrá una encarnizada lucha de la que solo uno puede salir victorioso. Este estrambótico argumento no me lo he inventado yo, sino que es la base del corto cinéfago que les traigo esta semana. Lo que más sorprende de este híbrido de nada menos que tres sagas es que su estética visual es similar a la del filme de Nolan, a pesar de haber sido rodada dos años antes de "Batman Begins", y el vestuario, la banda sonora y los efectos especiales están cuidados al detalle. Pero no debería sorprendernos, ya que su director, Sandy Corolla, es un aventajado alumno que con tan solo 17 años ya se codeaba con el genio Stan Winston, convirtiéndose en todo un experto en el campo de los efectos especiales gracias a películas como "Leviathan", "Alien Nation", "El cuervo", "Abyss", "Men In Black" o la misma "Depredador 2". Los fans verán referencias claras a "The KIlling Joke"" o la ya citada "Batman. Año Uno", con mezclas del "Alien vs. Predator" en un corto que en tan solo ocho minutos echa por tierra el trabajo de las dos peores películas de Batman hasta la fecha. Sí, las de Joel Schumacher.

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sábado, 17 de abril de 2010

LA CRÍTICA

Alicia en el País de las Maravillas **

¡Que le corten la cabeza a Tim Burton!

Se encienden las luces de la sala. Tras un desenlace alargado hasta la saciedad acaba por fin la película. Entonces es cuando empiezan a oírse unos tímidos aplausos por parte de media sala. El compañero con el que fui a ver la película y yo nos quedamos mirando el uno al otro preguntándonos por qué esta película merece más aplausos al acabar la proyección que, pongamos por ejemplo, “Avatar”. Será que no hemos sido partícipes de la fiesta durante las dos horas de metraje.

Las expectativas eran demasiado altas estando Tim Burton, uno de los máximos exponentes del fantástico palomitero actual, al frente del proyecto. Pero ya en sus primeros minutos su visión de “Alicia en el País de las Maravillas” adolece de falta de guión, algo característico de la filmografía del cineasta pero que aquí alcanza niveles de encefalograma plano. Burton tiene demasiada prisa por entrar en el País de las Maravillas, por mostrar lo que él ve al otro lado del espejo, y deja el tramo del mundo real demasiado cojo, avanzando la historia de una manera apresurada y poco creíble con una lánguida y pétrea Mia Wasikowska que poco o nada hace por creerse su papel ni por mostrar la más mínima expresión facial. Hasta las criaturas digitales gesticulan más que ella.

Y quien espere originalidad por parte de esta nueva puesta de largo del clásico de Lewis Carroll se llevará una decepción. Esta Alicia es un mejunje de la novela homónima y de su segunda entrega, “A través del espejo y lo que Alicia encontró allí”, unida a “Oz. Un mundo fantástico”. Pero lo peor de la falta de originalidad es que en esta ocasión no intuimos el genio de Burton, más allá de algún toque siniestro y árbol enroscado, engullido por la vorágine digital en la cual no sabe incluir a sus actores, a los cuales superan sus compañeros digitales. Incluso la ya citada “Oz” poseía más componentes burtonianos reconocibles. Por otra parte, los efectos son más propios de una película de animación, lo cual hace aún más difícil que la sosa sosísima Alicia, el sobreactuado, en su línea habitual, Johnny Depp y la ridículamente exagerada Anne Hathaway se inmiscuyan de manera convincente en este mundo de fantasía. Tan sólo Helena Bonham Carter –qué grande es esta mujer, aunque aquí tenga serios problemas de tamaño- en su recreación de la Reina Roja merece mantener la cabeza en su sitio.

Si en la espléndida “Charlie y la Fábrica de Chocolate” Tim Burton lograba hacer llegar la obra de Roald Dahl a todas las edades, por muy ridículas que fueran las situaciones que se presentaban, en esta Alicia que ahora nos llega, donde para colmo no se intuye su genio por ningún lado, ha conseguido justamente lo contrario. De vergüenza ajena son algunas secuencias por su infantilismo y cursilería, rematadas por ese baile de El Sombrerero Loco que acaba por poner el broche final a esta tonta revisión donde lo que impera es la forma y no el contenido.

Hace unos años comparaban al Terry Gilliam de la fallida “El secreto de los hermanos Grimm” con Tim Burton. Ahora yo me atrevo a comparar al vendido Burton de esta ocasión con el Gilliam de entonces. Un Burton filtrado por la factoría Disney, cuya mano se deja ver en casi todo el metraje de la película, y que hace que añoremos aquel clásico animado de sus estudios. Cursi, infantil, a ratos aburrida, plana… pero eso sí, estéticamente bonita. En lo demás, este filme tiene peor guión y estructura que “El planeta de los simios”. Al menos con esta no tuve ganas de que me cortaran la cabeza.

A favor: Helena Bonham Carter y la estética

En contra: que dicha estética no sea del todo burtoniana, y que es cursi, infantil, plana, pedante...

miércoles, 14 de abril de 2010

Vicente Haro (1930-2010)

El actor madrileño Vicente Haro, padre del también intérprete Quique San Francisco y del productor Vicente Haro, ha fallecido hoy en Madrid a los 80 años. La empresa del teatro Maravillas, donde San Francisco interpreta "Arte", ha informado hoy del fallecimiento de Haro e indica que sus hijos comunicarán también a través de ella dónde y cuándo será el funeral en memoria del actor.

Compañero de generación de Agustín González, Fernando Guillén, Jesús Puente o Juanjo Menéndez, algo más joven que Manuel Alexandre o José Bódalo y mayor que Juan Diego o Emilio Gutiérrez Caba, nombres con quienes ha compartido escena, Haro pertenece a ese gran grupo de actores españoles de sólida formación. Haro, que también hizo en el cine, desde 1961, varias películas, una de ellas la de David Trueba "Bienvenido a casa", debutó como galán joven de la compañía teatral de Ernesto Vilches. En el teatro Infanta Isabel interpretaría obras policíacas como "La Ratonera", "Testigo de cargo" o "Milagro en la plaza del Congreso", entre otras. Tras diversas temporadas en el teatro Lara, comenzó a trabajar en el María Guerrero y allí formó parte del elenco de clásicos de la escena como "Los verdes campos del edén" o "Eloísa está debajo de un almendro". Más tarde, con Javier Escrivá y Ana María Vidal, con la que tuvo una larga relación sentimental de la que nació su hijo Vicente, forma su propia compañía teatral y estrena "Juegos de medianoche". Después, en el Teatro Español representaría obras como "Las mocedades del Cid", "Tres sombreros de copa" o "Don Juan Tenorio".

En pleno despegue de la televisión, Haro participó en los espacios más prestigiosos del medio y era una presencia habitual en las "Novelas" y "Estudio 1" de TVE. En la "era de las series" sus últimos trabajos realizados incluyen, entre otros, "Colegio Mayor", "Farmacia de guardia", "Pepa y Pepe", "Médico de Familia" y "Al salir de clase", aunque en los últimos años estaba prácticamente retirado de la interpretación. El Festival Internacional de Cine de Comedia de Peñíscola otorgó en 2006 su premio "Pepe Isbert" a Haro por ser uno de los actores de reparto "más conocidos y estimados" del cine español.

"The Big Lebowski - A XXX Parody", el film de los Coen en clave de parodia pornográfica

¿Recuerdan al Nota, aquel de "El Gran Lebowski"? Título ya convertido en clásico de culto de toda una generación, aquella comedia que recogiera las constantes -y manías- del universo de los hermanos Coen tiene ahora una parodia pornográfica. Dirigida por Lee Roy Myers, "The Big Lebowski - A XXX Parody" recupera a aquel personaje y a todos los que componían el imaginario coeniano en una versión porno que al menos en estética, teniendo en cuenta el tipo de producción ante la que nos encontramos, nada tiene que envidiar a la original. En el reparto tenemos a Tom Byron -todo un clásico de la industria recuperando el rol de Jeff Bridges-, Bobbi Star, Kristina Rose y Kimberly Kane, entre otros. El trailer, ante todo, desprende mucho humor y la sensación de que se lo han pasado como nunca rodando la película, algo de lo que podrían aprender muchas producciones hollywoodienses actuales. Lo que falta en el trailer, algo lógico habiéndolo sacado de Youtube, es sexo. Pero para eso ya tienen la película.

lunes, 12 de abril de 2010

"Pesadilla en Elm Street": El origen del nuevo Freddy Krueger

¿Innecesario remake? Seguramente, pero el nuevo trailer de "Pesadilla en Elm Street. El Origen" es de esos que hacen que se nos pongan los dientes bien largos. Tras las cámaras de este refrito de otras cintas de la saga -ahí tenemos la escena de la cuchilla saliendo de la bañera o las niñas cantando mientras saltan a la comba- está toda una eminencia de los videoclips, Samuel Bayer -suyos son varios de los vídeos de Garbage, Green Day, David Bowie, The Smashing Pumpkins o The Cranberries, entre otros-, que debuta gracias a la mano de Michael Bay, ahora reconvertido en productos de cine de terror, y cuyo estilo visual parece haberse impuesto a esta puesta al día del largo de Wes Craven como ocurriera con "Carretera al infierno" o "La matanza de Texas (2004)".

Pero el mayor morbo que ha despertado esta película ha sido la del nuevo rostro de Freddy Krueger. Ya no resulta tan estremecedora como la de antaño, pero se ajusta como un guante a la cara de su nuevo actor, Jackie Earle Haley, como otrora lo hiciera con la de Robert Englund. No se dudará aquí de la valía interpretativa de Haley, pues es un magnífico actor, pero seguiremos añorando las maneras de Englund. Para salir de dudas habrá que esperar hasta Agosto de este año, aunque en Estados Unidos tendrán un poquito más de suerte y el 30 de este mes podrán disfrutar de ella. Pero la red obra milagros...

viernes, 9 de abril de 2010

LA CRÍTICA

Truco o trato ****

(Trick'r Treat)

Hay determinadas películas que tristemente nunca llegan a las pantallas de cine por algún estúpido conflicto entre productoras y distribuidoras que demuestran hasta qué punto el cine ha sido siempre, es y será un mero negocio. Paradójicamente, estas películas, ya vayan destinadas directamente al mercado del DVD o permanezcan inéditas, suelen ser joyas a redescubrir. Y “Truco o trato” es un claro ejemplo de ello. Realizada en 2008, y a pesar de contar con el aval de Bryan Singer en la producción, fue a parar en 2009 a la venta y a engrosar la lista de filmes obviados en su momento.

Y es una pena, porque este debut firmado por el guionista del propio Singer en “X-Men 2” y “Superman Returns”, bien merecía un destino mejor, destino que incluso ha provocado que el doblaje en nuestro país sea de los peores que un servidor recuerda en años (aconsejo verla en versión original).

“Truco o trato” es un sentido homenaje al cine de terror que acuñaran Craven, Carpenter y Cunningham, entre otros, allá por los 80, mezclado con la mala baba y el humor macabro de “Historias de la Cripta” o “Creepshow”. Con estar comparte incluso su ambiente puramente televisivo y su estética de cómic en los créditos y en la presentación de las historias. Un cine que ya no se estila y que su director, Michael Dougherty, recupera con mano de hierro y los deberes muy bien hechos.

En una noche de Halloween cualquiera se mezclan todas las leyendas posibles en cuatro historias que irán cruzándose de una manera muy inteligente. Prefiero no desvelar las tramas de dichas historias para no estropear los mil y un giros de guión de la cinta, pero en ellas se dan cita leyendas urbanas, vampiros, hombres-lobo, asesinos, niños psicópatas y hasta una entrañable a la par que estremecedora criatura que responde al nombre de Sam y que sirve de hilo conductor entre los sucesivos relatos.

A nivel técnico y artístico, a pesar de contar con un bajo presupuesto, “Truco o trato” no escatima en medios y es de sobresaliente, en especial por no cortarse incluso en asesinar a un niño y mostrar su cabeza sobre un plato, algo de lo que deberían aprender otras películas del género actuales, más preocupadas por hacer caja y evitar la tan temida calificación R que por divertir a los aficionados al género. A nivel interpretativo cumple también con su cometido, y ahí tenemos especialmente a Dylan Baker y Brian Cox dándolo todo en dos de las mejores historias de la cinta. Y los cuatro relatos, que alcanzan niveles de comicidad y tenebrosidad considerables, están muy bien orquestados y resueltos, si bien no todos gozan de la misma credibilidad en pantalla y a alguno se lo podría acusar de cierto toque infantil, sin perder por ello su carácter siniestro. Completa este cóctel un guión inteligente que consigue convertir lo increíble en plausible en una noche en la que todo es posible.

Pero si algo destaca por encima de todo en este díptico que nos muestra Halloween como la noche en la que campan a sus anchas todo tipo de monstruos, y que en sus comienzos puede recordar al clásico de Carpenter “La noche de Halloween”, visión en primera persona del asesino incluida, es en su sana y sobre todo divertidísima recuperación de aquel cine en el cual Jason, Freddy, Michael y compañía hicieran de las suyas. Desde su espíritu gamberro hasta su estética televisiva, esta recuperación encantará a todos los fans del terror ochentero del cual “Truco o trato” es digna heredera, y que merece ser reivindicada con los años. Una pena que haya recibido un trato tan malo.

A favor: Dylan Baker y Brian Cox -y sus respectivas historias- y lo bien que recupera el estilo del cine de terror de los 80
En contra: que fuera a parar directamente al DVD, y con un doblaje tan malo

A continuación les dejo la película en calidad DVDRip y en inglés, gracias a wikiwiki131

Película: http://www.megaupload.com/?d=45IGB7SQ
Subtítulos: http://www.megaupload.com/?d=Y8VEG273

jueves, 8 de abril de 2010

El corto cinéfago: "Temporada 92-93"

No soy precisamente un apasionado del fútbol, pero el cortometraje que les traigo esta semana lo descubrí hace unos dos años y es de los más divertidos que he visto. Dos amigos de toda la vida, unidos por una misma pasión, su querido Celta de Vigo, están escuchando un partido decisivo de liga de la temporada 92-93, el Celta de Vigo-Sporting de Gijón. El Celta va perdiendo y sus ánimos están por los suelos, pero uno de ellos cambia su estado de ánimo al descubrir que en la quiniela ha marcado un 2, lo que le convierte en acertante de 13 apuestas. Su amigo verá este acto como una traición en pos del dinero. Comienza una discusión por la lealtad y el dinero que minará la amistad de ambos personajes.

Carlos Blanco y Miguel de Lira son los dos flamantes protagonistas de este cortometraje de 2007 realizado por Alejandro Marzoa, galardonado con tres premios en el XXX Festival de Cine Independiente de Elche para su dúo protagonista, su director y con un Premio de Honor. Un sencillo pero excelente guión para esta comedia que les traigo para ver online.

Temporada 92-93
Cargado por short_film. - Todas las temporadas y episodios enteros online.

sábado, 3 de abril de 2010

LA CRÍTICA

Survival of the dead *1/2

Romero está más muerto que vivo

Por mucho que reniegue de ella, con “Land of the dead” Romero consiguió recuperar el espíritu de su aún transgresora trilogía de los muertos original, logrando que la temática zombi volviera a encajar con la crítica política y social. Si en aquella vertió su ira contra el racismo, el consumismo y el papel del ejército, en la primera entrega de la que podríamos denominar “Trilogía de la Resurrección Zombi” realizaba una feroz disección del abuso de poder y la diferencia de clases. Pero lo más llamativo del discurso era que al parecer Romero se había modernizado en la puesta en escena para hacer el producto más comercial pero sin abandonar sus aires clásicos, su filosofía del cine de muertos vivientes que tanto revolucionara el género hace más de cuarenta años.

Pero entonces llegó “Diary of the dead”, film plomizo y un rotundo paso atrás en el cual fallaba el montaje, donde Romero demostraba no encontrarse cómodo alternando nuevas tendencias (la cámara en primera persona, el formato digital, etc.), y sobre todo el mensaje, repetitivo e incapaz de ligar la denuncia de nuestra dependencia de las nuevas tecnologías con la temática zombi. Su última aportación al género podría definirse como secuela de aquella, tanto por usar a algunos de sus personajes como por lo patético de su resultado final.

La historia sigue dos tramas paralelas que acaban confluyendo en una única. Por un lado tenemos dos clanes familiares, los O’Flynn y los Muldoon, que viven conjuntamente en una isla apartada del mundo y cuyas formas de ver a los muertos vivientes son radicalmente opuestas: mientras los O’Flynn defienden el exterminio zombi sin miramientos, los Muldoon tienen la firme creencia de poder cambiar los hábitos alimenticios de los zombis en un intento por hacerlos menos peligrosos, encadenando a sus seres queridos en busca de una cura a su adicción a la carne humana, a la vez que pretenden así preservarlos como antaño las personas recordaban a sus familiares muertos mediante las fotos de sus cadáveres adoptando posturas cotidianas. Y por el otro tenemos al grupo de guerrilleros con los que los protagonistas de “Diary” se cruzaban, y que buscan un lugar idílico donde vivir. Como ya podrán imaginarse, ese sitio utópico será la susodicha isla.

Romero reincide en la misma idea que ya explotara en la primera entrega de esta nueva trilogía y en “Dawn of the dead” y “El día de los muertos”, la de ver a los zombis como seres que rememoran y repiten hábitos de cuando aún estaban vivos, y lo usa para justificar la hipótesis de los Muldoon. Y al menos consigue que esta vez la crítica social hacia la barbarie de los vivos sí hermane con el género, algo que en la anterior no consiguió. Pero falla en todo lo demás incluso más que en aquella. Porque esta nueva vuelta de tuerca del “maestro” posee un guión ridículo –solo se salvan contados momentos de la película, como la limpieza de zombis de los coches en el ferry o el incidente del pescador de zombis en la azotea-, una puesta en escena que a pesar de las claras reminiscencias al western resulta muy pobre, unos medios evidentemente limitados por la falta de presupuesto –el maquillaje y los efectos son de risa-, unas interpretaciones demasiado mediocres y, lo que es peor, la sensación de que el otrora maestro está en horas bajas, incapaz de renovarse a sí mismo. Porque de alguien como Romero, de alguien cuyo nombre es sinónimo de “padre del cine zombi”, se espera mucho más que esta aburrida propuesta que no aporta nada nuevo al género, y cuya figura empieza a oler demasiado mal. Como si estuviera más muerto que vivo, cinematográficamente hablando.

A favor: que esta vez la crítica social sí encaja con la temática zombi
En contra: todo lo demás, en especial la sensación de que Romero está más muerto que vivo