La película del mes: La noche de los muertos vivientes

Los últimos hombres “vivos”

«George Romero creó a los zombis, él hizo las reglas, dispararles en la cabeza, si te muerden quedas infectado, los muertos regresando a la vida, George hizo todo eso».

(Eli Roth)

 

  

1968 fue un año en que dos de los géneros más explotados durante las décadas anteriores, la ciencia-ficción y el terror, sufrieron un importante cambio que determinaría el devenir de ambas tendencias en años posteriores. Si “2001: Una odisea del espacio” (Stanley Kubrick, 1968) y “El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner, 1968) revolucionaron el concepto de la ciencia-ficción, que hasta entonces se había movido en el terreno de las monster movies y la serie B, “La semilla del diablo” (Roman Polanski, 1968) y “La noche de los muertos vivientes” marcarían la clase de terror que se explotaría durante la década de los 70, desde “El exorcista” (William Friedkin, 1973) hasta “La matanza de Texas” (Tobe Hooper, 1974).

El terror avanzaba más bien poco en aquellos tiempos. Influenciada por las producciones de la Universal de los años 30 y 40, la productora británica Hammer había comenzado en la segunda mitad del siglo XX a mezclar terror, erotismo, un poco de sangre y humor en un cóctel que hizo circular por la pantalla a monstruos clásicos como Frankenstein, Drácula o la momia, y dio a conocer al público a actores ya icónicos como Peter Cushing y Christopher Lee. Esta fórmula exitosa se prolongó casi veinte años, y no parecía que el cine tuviera la más mínima intención de cambiar esta tendencia.

“La noche de los muertos vivientes” rompió esta dinámica, ofreciendo un producto de muy bajo coste que arrasó en taquilla y abrió la puerta a nuevas formas, mucho más violentas y extremas, de enfocar el género. No obstante, no fue la primera. El gore, y más específicamente el splatter –mezcla de gore y violencia gráfica, término acuñado por Romero pero no creado por él realmente- debemos atribuírselo, a pesar de que ya la Hammer diera muestra de ello, a Herschell Gordon Lewis en Estados Unidos con títulos como “2000 Maniacs”. Junto al Alfred Hitchcock de “Psicosis”, que comenzaría la buena andanza de los serial killers en el celuloide, Gordon Lewis se atrevió a probar otros caminos, mucho antes de que Romero mostrara el truculento banquete que supone su saga de muertos vivientes.

En este sentido, la película no inventa nada, ni siquiera la presencia de zombis en el séptimo arte. Los no muertos ya deambulaban por las pantallas desde los años 30, dando lugar a dos clásicos imperecederos: “White Zombie” (Victor Halperin, 1932), con Bela Lugosi, y “Yo anduve con un zombi” (Jacques Tourneur, 1943), y alcanzaría cotas mucho más salvajes con los filmes de Lucio Fulci, que si bien había comenzado su carrera mucho antes, no disfrutó del éxito que merecía hasta “Zombi II” en 1978. Hasta entonces, los zombis eran retratados como seres individuales, en ocasiones hechizados siguiendo el sagrado ritual de la zombificación, y meramente serviles. 

Analizándola con riguroso detenimiento, “La noche de los muertos vivientes” no es que no invente nada, sino que literalmente lo inventa todo. Abre una época a pesar de sus muchos referentes, da al gran público una dosis de gore que les pilló desprevenidos, y cambia la visión de los zombis en el cine, organizándolos como una horda y haciéndolos voraces caníbales. Posteriormente, Romero puliría a sus criaturas y les conferiría, como a los vampiros, la capacidad virulenta de transformar a otros en seres putrefactos solamente con una mordedura. Por ello, el director es considerado el padre cinematográfico de los zombis, el que estableció las reglas del género y el más influyente en años venideros.

Una fórmula reciclada

Como ya comentaba anteriormente, la fórmula no era nueva. Los zombis ya existían, pero se actualizaron; el gore llevaba más de diez años en activo, pero Romero lo acercó a las grandes masas; y en la historia se veían influencias de “Los pájaros” de Hitchcock y de “Soy leyenda”, de Richard Matheson, que tres años después daría lugar a “El último hombre vivo”, con Charlton Heston. 

Y, si me atrevo a teorizar, en su argumento hay un poco de “Plan 9 from outer space”. Al igual que en la cinta de culto de Ed Wood, se sugiere que el origen de la invasión de muertos vivientes procede del espacio exterior, de la radiación de un satélite de la NASA proveniente de Venus y estrellado en la Tierra, algo que no volvería a mencionarse en ninguna de sus entregas posteriores. Todo empieza cuando una chica es testigo de cómo su hermano es asesinado en un cementerio por un misterioso hombre. Ella escapa y llega a una casa en medio del bosque, donde se encuentra con que el propietario acaba de ser parcialmente devorado. Poco después se le unen otras personas, que se atrincheran dentro de la casa junto con ella, pues lo que parece estar pasando es que los muertos están saliendo de sus tumbas para comerse a los vivos. Aislados del mundo, con la televisión y la radio como único contacto con el exterior, deberán poner de acuerdo sus desavenencias si quieren sobrevivir al apocalipsis en el cual se encuentran inmersos.

La película se rodó en Pittsburgh, en cuya universidad estudiaba cuando gestó un relato llamado Anubis, en referencia al dios egipcio que guiaba a los muertos. En la universidad de Carnegie-Mellon entró en contacto con un grupo teatral independiente donde conoció a los que serían sus socios, John Russo y Russell Streiner, , con quienes formó la compañía independiente The Talent Image, para la cual rodó anuncios comerciales para autocones hasta que decidieron dar el salto al cine. Y la elegida fue la historia de Romero, transformada en guión por Russo en 1967 con la intención de convertirla en una efectiva cinta de bajo presupuesto con el nombre de “Night of the flesh eaters”, y posteriormente “Night of Anubis” por problemas legales con una cinta ya existente, “Flesh Eaters” (Jack Curtis, 1964).

Los problemas de financiación y copyright

El problema era la financiación, para lo cual pensaron que si cada miembro del equipo ponía 600$, lograrían cubrir los 6.000 que necesitaban para comenzar, rodar algo de material y mostrarlo a otros inversores con el objetivo de obtener más dinero. Funcionó, pues con el tiempo fueron entrando más y más inversores, que querían participar de los beneficios obtenidos en taquilla, siendo finalmente el presupuesto de 114.000$.

Por motivos económicos, se tomó una serie de decisiones que indudablemente jugaron a favor del resultado final. En primer lugar, el reparto era totalmente desconocido y prácticamente amateur y a los extras escogidos entre los ciudadanos de Pittsburgh para interpretar a los muertos vivientes se les retribuyó con una camiseta que ponía "yo estuve en el rodaje de La noche de los muertos vivientes". Algunos miembros del equipo realizaron cameos, como los propios Russo y Romero, y el productor y miembro del equipo Karl Hardman, que dio una gran interpretación como padre de la niña del sótano, además de hacer las veces de maquillador, fotógrafo –suyas son las fotos de los créditos finales- y técnico de efectos sonoros.

En segundo lugar, debía encontrarse la localización donde ambientar la filmación, esa claustrofóbica casa que servirá de fortín para los protagonistas. Necesitaban una casa en la que pudieran destrozar y prender fuego cuanto quisieran. Se decidieron por una vieja granja situada en Evans City, prestada por su propietario, pues iba a ser demolida en poco tiempo.

 

Pero el mayor acierto vino del formato usado para el rodaje. Por motivos económicos, y no estéticos, se rodó en blanco y negro con fotografía del mismo Romero, en una época en la que el color aún era un lujo al alcance de unos pocos, lo cual, junto al manejo amateur de la cámara de su director, confería a la película un aspecto de cine verité que incrementaba el desasosiego. Esto, además, permitió no tener que gastar tanto en maquillaje, usándose sirope de chocolate como sangre, ya utilizado en “Psicosis”.

Y pese a que tuvo que posponerse el rodaje a la primavera para evitar el frío del invierno, y solo durante los fines de semana en jornadas maratonianas para hacer compatible la realización con las obligaciones profesionales de cada miembro del equipo, se pudo finalizar el film en treinta intensivos días, quedando lista para ser proyectada en un pase privado, donde tuvo una buena acogida. Pero faltaba la distribución, una tarea que se tornó imposible debido precisamente al blanco y negro, que rechazaban las grandes distribuidoras, y más ahora que la televisión en color estaba en auge. Columbia Pictures y American International Pictures rechazaron la idea, la primera por la falta de color y la segunda porque querían un final feliz. Al final, la distribución la terminó realizando la Continental con una mínima campaña publicitaria, pues no confiaba demasiado en el éxito que acabó consiguiendo. 

Y, por una fatal negligencia, la película fue considerada de dominio público, por lo que sus responsables no pudieron disfrutar de los beneficios económicos conseguidos. En aquellos tiempos, era obligatorio un aviso apropiado para mantener el copyright, La compañía formada por Romero y sus compañeros así lo había hecho, poniendo la declaración bajo el título original. Pero una vez este cambió por la similitud con el del film de Curtis del 64, se perdió totalmente, y más cuando tomó el nombre definitivo, idea de la distribuidora, y con el cual se quedaría de por vida. Algo que no sería tan preocupante si hubiera sido un fracaso, algo que no ocurrió.

La descendencia de los muertos
Cuando se estrenó en Pittsburgh el 1 de octubre de 1968 en una pomposa premiere mundial seguida de una fiesta privada, la prensa especializada la vapuleó, acusándola de gratuitamente violenta –fue considerada X- y relegándola a los autocines y salas universitarias, donde vivió una segunda vida y poco a poco fue considerada de culto, llegando a recaudar cerca de 12 millones de dólares. Una vez más, la crítica se equivocaba, pero no el público, al que pilló por sorpresa al no saber cómo se las gastaba exactamente el gore. En Europa fue enormemente elogiada, aunque se exhibiera censurada en buena parte de países, como Alemania, Inglaterra o Francia. En total, entre reposiciones y reestrenos, alcanzó internacionalmente los 30 millones de dólares. En España tuvo el honor de estrenarse durante las navidades de 1970, en pleno franquismo, aunque en salas de arte y ensayo en versión original subtitulada.


Y, sobre todo, la película abrió el camino a toda una corriente de trabajos que imitaron su estilo hasta la saciedad. Sus imágenes realistas, muy cercanas al documental, toda la filosofía que desarrolló en torno a los zombis –palabra que no se usa durante todo el metraje; como máximo se refieren a ellos como “esas cosas”-, la crudeza de sus fotogramas, tuvieron descendencia, y las consecuencias las seguimos sufriendo actualmente. El propio Romero perpetuó su obra en cinco trabajos más, donde aprovechaba para realizar alguna crítica social, y donde introduciría variantes como la virulencia de las mordeduras de los zombis o la manera de acabar con ellos. Incluso en España tuvimos honrosas aportaciones como “No profanar el sueño de los muertos” (Jordi Grau, 1974), así como parodias como “El regreso de los muertos vivientes” y sus secuelas, o “Shaun of the dead”, que cuenta con el beneplácito del director, y cuyos creadores, Edgar Wright y Simon Pegg, realizaban cameos en “Las tierra de los muertos vivientes” (Romero, 2005). 

La misma cinta original tiene un más que solvente remake distribuido por la Columbia, la misma que rechazó la primera en su momento, en color y perpetrada por el mago de los efectos Tom Savini, a quien Romero quería como maquillador en aquella, pero con el que no pudo contar dado que Savini tuvo que ir a Vietnam como reportero de guerra. Eso sí, colaboraría en “Dawn of the dead”. En 1999, con motivo del trigésimo aniversario del estreno, Russo rodaría quince minutos de escenas y las agregaría a su propio Director’s Cut, algo que no entusiasmó a los fans. 


Lo imprevisible es el boom que el género ha tenido en los primeros años del siglo XX, con películas como “Amanecer de los muertos” (Zack Snyder, 2004), “28 días después” (Danny Boyle, 2003) o “[·REC]” (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007), que convierten a los zombis en infectados o incluso poseídos capaces de correr al doble de velocidad que una persona normal. Hasta la pequeña pantalla vivió el año pasado el resurgir zombi con el estreno de la aclamada serie "The Walking Dead". Todas son pruebas de la buena salud de los zombis en la pantalla.

Carne de sociólogos
Algo que también influyó notablemente en el terror que se exhibiría en años posteriores, descontando producciones de serie B y Z destinadas al puro entretenimiento, fue el uso del género como crítica social y política. En “Dawn of the dead” se criticaría al consumismo, en “El día de los muertos” el papel del ejército, y en “La tierra de los muertos vivientes” haría lo propio con el poder y la discriminación de clases. Y, por supuesto, en “La noche de los muertos vivientes” no escasean las sublecturas socio-políticas propias de la época.

Para empezar, rompe con los estereotipos de los héroes convencionales del cine. La chica está catatónica, y el protagonista, por primera vez en el género de terror, es negro. El personaje de su actor, Duane Jones, pelea con el de Hardman, en un acto de reivindicación racial, en una época en la que la lucha por la igualdad civil estaba llegando a su fin (un dato anecdótico es que, cuando Romero y Russo fueron a Nueva York a buscar un distribuidor para el filme, desayunaron con la noticia del asesinato de Martin Luther King Jr). En los mismos zombis vemos a personas de diferentes clases sociales, simbolizando que todos somos iguales ante la muerte. Además, tenemos a la masa de individuos no pensantes acosando a la minoría pensante, un acto de rebelión contra cualquier clase de poder. Y en el ambiente que se crea en la casa, vemos represión, asedio, lucha, desencuentros… de haberse puesto todos de acuerdo, más de uno habría salido con vida. La presencia de la guerra de Vietnam ayudó a la visión del film como una visión de la contienda, incluso del avance comunista, y tenemos incluso a una hija que se venga del yugo de sus padres devorándoles –el amor es la perdición de sus padres, como lo fue también para los protagonistas de “28 semanas después”, de Juan Carlos Fresnadillo-. 


Pero es su desenlace el que mayor número de connotaciones sociales conlleva. La última media hora de la película es la más intensa, y en su escena final, cuando parece que el protagonista negro va a salvarse y ser uno de los pocos hombres “vivos”, es abatido a tiros por unos cazadores que limpian la zona de zombis, confundiéndole con uno de ellos. Muchos ven un retrato de la América profunda, del problema racial en Estados Unidos, pero yo prefiero entender el desenlace a través de la locución latina Homo homini lupus (El hombre es un lobo para el hombre), potenciada por la situación de desacuerdo que se produce en la casa entre los personajes, y que les lleva a morir uno a uno, y esas fotografías finales en la que los cazadores asesinan fríamente y sin miramientos, tratando los cuerpos como a ganado recién salido del matadero. Un ejemplo de lo potencialmente peligrosa que es la raza humana. Como decía el militar de “28 días después”, “Hombres matando hombres… siempre ha sido así”.

Como regalo, la peli al completo, vía Youtube, en V.O. y la posibilidad de verla en HD. Un lujo.

Tráiler de XP3D y primera imagen de Leticia Dolera en [·REC] 3

Antes de acabar el mes y de pasar a la película del mes, que tiene mucho que ver con el terror y los zombis -muchas pistas, ¿no?-, aquí está el tráiler de "XP3D", la primera propuesta de terror en 3D española, y la primera imagen de Leticia Dolera en la esperadísima precuela "[·REC]: Génesis". La primera, por cierto, parece que no tiene nada que no hayamos visto antes, y el tráiler no mejora esta sensación.

Y aquí la imagen, tan guapa ella, y ensangrentada.

Taquilla internacional: Una taquilla sin grandes cambios

Esta semana, las taquillas internacional y española han vuelto a repetir los esquemas de la semana pasada, a falta de grandes estrenos en estas últimas semanas de agosto, y exceptuando nuevas incorporaciones que han entrado de manera discreta. Así, “Los Pitufos” siguen capitaneando la taquilla internacional, con un total que asciende ya a 256M$ (177,7M€), la mayor cifra conseguida para una adaptación de un clásico de la televisión infantil, superando así a “Alvin y las ardillas”, y siendo uno de los inesperados taquillazos de Sony de este año. Junto a la recaudación estadounidense, el total mundial ya es de 382M$ (265,7M€).

En España, la falta de estrenos potentes, a pesar del comienzo de la liga, hace que “Super 8” domine el primer puesto con bastante diferencia con respecto al resto de títulos. Desciende un 47%, un bajón menor de lo esperado, debido a los excelentes comentarios que está cosechando, y esto la sitúa con 6,18M€ en diez días, muy por encima de lo que se esperaba de ella.

La segunda posición de la taquilla internacional vuelve a ser para “El origen del planeta de los simios”, que sigue su triunfal éxito y un total mundial de 306M$ (212,5M€). En España, a falta de estrenos adultos, se ve beneficiada, como ocurre en el caso de “Super 8”, y desciende tan sólo un 35% situándose en tercer puesto, y rozando ya los 12M€.

El tercer puesto internacional es para “Destino final 5”, que se estrenaba esta semana en 20 mercados logrando un sólido inicio de 28M$. Warner Bros. y New Line deben mimar mucho el mercado internacional, ya que el americano no está dando las cifras esperadas. En total lleva 66M$, justo lo que su predecesora, que se beneficiaba de la novedad del 3D, logró en suelo americano. Internacionalmente, aquella alcanzó los 119M$ (85M€), por lo que aún está lejos de conseguirlo. En España ha entrado bien, sin sorprender, con 1,22M€ en segundo puesto.

En España, el estreno español de la semana, “Lo contrario al amor”, no sorprende, pero no entra mal. A pesar de su elevada presencia mediática, alcanza los 0,6M€, muy superior a lo visto en “¿Para qué sirve un oso?”, “Amigos”, y sobre todo en “No lo llames amor… llámalo X”, pero por debajo de “Primos”, a la que se esperaba que igualara. Sin embargo, la buena noticia es que es la única película que ha aumentado su recaudación durante el domingo, movida por los buenos comentarios que está recibiendo. Según una encuesta efectuada por Sony a la salida de los cines, su público ha sido un 58% femenino y mayor de 25 años, y casi un 90% la han recomendado, por lo que podría tener una buena vida en la cartelera, y haciendo que supere los 2M€ con facilidad. Habrá que ver cómo se comporta entre semana. Otra española, "Amigos", cierra el top 20 con 1,91M€, y ya dificultades para llegar a los 2M€.

Del resto de la cartelera internacional merece la pena destacar que Harry Potter prosigue sumando millones, y a nivel mundial ya se acerca a los 1.300M$ (902,7M€); “Cars 2” supera ya a “Wall-E” con sus 522M$ (362,5M€), compensado así en parte su malos datos estadounidenses. Pero la que no convence es “Cowboys & Aliens”, que se estrenaba en 21 nuevos países –ya está en 34 mercados- pero no remonta, siendo su total de 35M$ (24M€), casi 130M$ (90M€) mundiales, muy por debajo de su presupuesto. Mejor le va a “Green Lantern”, pues con un presupuesto de 200M$ lleva 206M$ (139M€), lo cual tampoco es para tirar cohetes. Pero si un film tiene las de perder es “Conan the Barbarian”, que en total lleva 22M$ (15M€) en todo el mundo, un gran fracaso para Lionsgate.

Para terminar, mencionar la buena entrada de “La piel que habito” en el Reino Unido y Francia. Lo último de Almodóvar, aún más difícil de vender que “La mala educación”, lleva un total de 2,47M€ entre los dos países. En el Reino Unido entraba con un dato similar al de “Los abrazos rotos”, 0,37M€, mientras que en Francia cae solamente un 18% en su segunda semana, alentada por los entusiastas comentarios y buenas críticas.

Fuentes: boxoffice.es y Box Office Mojo

Nuevo y último tráiler de "Apollo 18"

El Apollo 17 no fue la última misión tripulada a la Luna. En 1972, una misión secreta volvió a pisar nuestro satélite. ¿Por qué se mantuvo en secreto? ¿Por qué nunca hemos vuelto? Gonzalo López-Gallego ("El rey de la montaña") fantasea con esta idea en "Apollo 18", su salto al mercado USA que promete hacérnoslo pasar mal. Este viernes llega a la cartelera estadounidense, y si hacemos caso a lo que se dice en este tráiler definitivo, los últimos diez minutos prometen pasar a la historia del cine. 

Noticias en Cadena

Pido disculpas si, en algún momento, parezco un programa rosa de Telecirco. Vamos allá.

- Ya tenemos protagonista para el remake de "Oldboy" que prepara Spike Lee, que por fin tiene un nuevo proyecto, supuestamente comercial, entre manos. Y no será otro que el gran Josh Brolin ("No es país para viejos"), a mi juicio un magnífico actor. Brolin se pondrá a las órdenes del cineasta tras finalizar el rodaje de "Gangster Squad" y antes de trabajar con Jason Reitman en "Labor Day". Y se pretende contar con Christian Bale como villano, algo sumamente difícil, pero no imposible. De meterse Bale, esto va a ser apoteósico. 

- "Sin City 2" tiene guionista, y de renombre, según afirma Heat Vision. Se trata de William Monahan, el oscarizado autor del libreto de "The Departed (Infiltrados)", que escribirá junto a Rodríguez y Frank Miller, creador del cómic original y co-director de la primera entrega. Se rumorea que esta secuela será una adaptación de "A dame to kill for", donde aparecían Marv (Mickey Rourke" y Nancy (Jessica Alba)", pero no se sabe aún si el resto del reparto repetirá. Pero me extrañaría mucho que los amiguetes de Rodríguez -es decir, Bruce Willis, Benicio del Toro, Rosario Dawson, Carla Gugino, Elijah Wood, los mismos Rourke y Alba,...- le digan que no al cineasta mexicano. Porque algo debe tener este señor, que todos repiten con él.

- Otra que sigue adelante, no sé si por suerte o desgracia -lo digo porque la nostalgia puede jugarle una mala pasada- es "Ghostbusters 3", que sigue sufriendo retrasos. ¿Por qué, si el guión está finalizado, y gran parte del cast original, con Ivan Reitman con la batuta de director, están dispuestos a volver a reunirse? Pues por culpa del señorito Bill Murray, gran actor, genial cómico, pero tan prepotente y difícil que hace imposible trabajar con él. Y si no que se lo pregunten al trío protagonista de "Los ángeles de Charlie". Tiene el guión desde hace mucho, y al parecer ni lo ha leído. Pero Dan Aykroyd lo tiene claro: el rodaje comenzará en 2013, con o sin Murray. Estaba avisado.

- Steven Soderbergh sigue con su idea de abandonar el cine, en esta ocasión para dedicarse a la pintura. Una muy triste noticia, pues estamos ante uno de los directores más versátiles e interesantes del panorama hollywoodiense actual. Ojalá fracase como pintor, para que vuelva cuanto antes a la dirección. O al menos así pretende hacer si se queda sin dinero: "Me interesa explorar otras formas de arte mientras tenga el tiempo y la capacidad de hacerlo (...) Si no sirvo para la pintura, seré el primero en reconocerlo y, si me que me quedo sin dinero, volveré a hacer una película de la saga Ocean's Eleven". Con un par, sí señor. 

- Y acabamos con un cotilleo. No, no voy a hablar de la ruptura de Blanca Suárez y Miguel Ángel Silvestre, dos guapos oficiales del cine español, sino del altercado que Matthew Fox, el Jack de "Lost", ha protagonizado esta semana. Resulta que ha sido detenido en Cleveland (Ohio) por la supuesta agresión a una mujer de 29 años, según informa la edición digital de The Hollywood Reporter. El intérprete fue detenido por la policía -aunque sin ser formalmente arrestado- después de haber golpeado en el pecho y en el estómago, supuestamente, a la conductora de un autobús privado que transportaba a un grupo de personas a una fiesta. Según un informe policial conseguido por la publicación, al actor buscaba transporte hacia su hotel y trató de subirse a ese autobús privado. La conductora bloqueó la entrada e informó a Fox que no podía subir, ya que el transporte estaba alquilado. En ese momento, Fox supuestamente golpeó a la conductora antes de recibir un puñetazo en la boca como respuesta, lo que le causó un corte en el labio. La mujer teme haberse roto la mano en esa acción. El actor ha sido puesto en libertad y regresó al hotel donde se hospedaba, aunque la investigación del suceso está en curso. De ser cierto, merecía algo más que un simple puñetazo.

Tráilers en Cadena: La voz dormida, Hunger Games y La Cosa

Comencemos por lo nuevo de Benito Zambrano, que vuelve al cine tras la muy estimable "Habana Blues" con "La voz dormida", un drama de posguerra protagonizado por María León, en su primer gran papel protagonista muy alejado de sus trabajos cómicos anteriores, en el papel de una mujer cordobesa trasladada a Madrid para tratar de quedarse con la custodia del bebé que va a tener su hermana, Inma Cuesta, condenada a muerte. El tráiler quizá sea un tanto excesivo en algunos puntos, sobre todo cuando intenta aumentar la intensidad subiendo la banda sonora, pero promete ser otro gran aporte de su realizador, y barrer de paso con algún que oto Goya.

"Los juegos del hambre" pretende ser la próxima saga de libros exitosamente llevada a la gran pantalla, ahora que Potter está fuera de juego y Crepúsculo tiene los días contados. Basada en una trilogía de Suzanne Collins y protagonizada por Jennifer Lawrence, una chica de dieciséis años que vive en un mundo post-apocalíptico dominado por un poderoso gobierno llamado el Capitolio, que cada año organiza unos juegos donde doce niños se enfrentan a muerte entre sí para humillar a la población, en un espectáculo televisado del que solamente puede salir uno con vida. Vamos, una especie de "Battle Royale" con menos sangre. El teaser que se muestra a continuación es de lo más soso que he visto en mucho tiempo.

Y acabamos con el tráiler español del remake de "La cosa", que demuestra que pese a su atractivo look visual, poco tiene que aportar a la original.

Taquilla USA: Un huracán arrasa con la taquilla

El protagonista de este fin de semana en la cartelera estadounidense no ha sido el cine, sino el huracán Irene, que ha obligado a cerrar una importante cantidad de salas en la costa este del país, repercutiendo negativamente en algunos títulos.  Otros, en cambio, consiguen rascar millones pese a las pesimistas previsiones iniciales.

La gran beneficiada es el must see del momento, “The Help”, que repite en tercer puesto con un total de 96M$ y aumentando, pese a la situación, en 88 salas, lo que permite el menor descenso de todo el top ten, 28%. Además, su camino continúa fuerte de cara al largo fin de semana que viene.

Las que sí consiguen rascar millones son, en segundo y tercer puesto, dos de los estrenos fuertes de la semana. “Colombiana”, lo nuevo de Luc Besson, se ajusta a las previsiones realizadas con 10,3M$, mientras que “Don’t be afraid of the dark” supera las estimaciones en un 50%, alcanzando los 8,7M$, y demostrando que la nueva producción de Guillermo del Toro interesaba antes de su estreno. Su presupuesto es muy modesto, 25M$, que no debería tener problemas para superar al final de su carrera si el tirón es fuerte entre la audiencia.

Los simios prosiguen con fuerza en cuarto lugar descendiendo un 46%, víctimas de la mala situación, y 148M$ totales en cuatro semanas. “Our idiot brother”, comedia con Paul Rudd que se estrenaba este fin de semana, también confirma las previsiones y logra 6,5M$, lógicos teniendo en cuenta su escasa presencia y atractivo. Su presupuesto es de tan solo 5M$, por lo que es fácil que el producto salga rentable ahora que ha superado lo que ha costado.

Los últimos cinco puestos del top ten los ocupan cintas que tienen muy pocas posibilidades de aprovechar el largo fin de semana que viene. “Spy Kids 4” cae un 50% con unos pobres 21,5M$, y “The Smurfs” solamente cae un 38% perdiendo cada vez más salas y con 126M$ en total. Pero más preocupantes son los casos de “Conan” y “Fright Night”. La primera desciende casi un 70% en su segunda semana con 16,5M$ recaudados, mientras que la segunda lo hace un 61% con 14M$. Cierra la lista de diez más vistas “Crazy, Stupid, Love.”, que en cinco semanas ha cosechado justo lo que se esperaba de ella, casi, 70M$, cayendo solamente un 40% y posibilidades aún de rozar los 80M$, lo cual es un gran dato para ella.

Del resto de cintas conviene comentar dos casos en los cuales se ha aumentado el número de salas, y con ello el porcentaje de recaudación, algo insólito si tenemos en cuenta que son dos veteranas. “Midnight in Paris” asciende un 34% gracias al aumento de 342 salas y una cifra de 0,74M$ en estos tres días, que la hacen llegar ya a 51,6M$ en 18º puesto, confirmando que la cinta de Allen aún tiene para rato, aunque sea poco a poco. La otra es “Super 8”, que logra un mayor promedio al aumentar un increíble 194% ampliando tan sólo en 156 salas, y ya 126M$ en total. La película de JJ Abrams ya no dará mucho más de sí, pero dado su presupuesto de 50M$ y la gran acogida que está teniendo internacionalmente, junto al dato americano, la dejan como uno de los mayores éxitos sorpresa del año.

Fuente: Box Office Mojo

Gloriosos carteles de cine (II)

Como mínimo, son aceptables.Una manera ligera de empezar el domingo, sobre todo porque comenzamos con Dexter.

LA CRÍTICA: El castor

Ante una crisis, muñeco de trapo

La filmografía de Jodie Foster como directora, aunque corta, es tan interesante como su trayectoria como actriz. Con “El castor”, vuelve a hablar de la familia, aunque con la depresión como telón de fondo. Su protagonista, Walter Black, está deprimido, apático. El hombre feliz capaz de enamorarse que hubo una vez ya es pasado. Está en algún rincón de su interior, pero no consigue salir a la superficie. Su estado le ha hecho ser rechazado por su familia y expulsado de su casa, su empresa está al borde de la quiebra y tiene tendencias suicidas. Hasta que aparece el castor, una marioneta adherida a su mano a través de la que hablará y que pondrá en orden su vida. Temporalmente.

A nivel estético y visual, Foster afronta su película más lograda –la fotografía y la dirección de actores es excelente-, aunque igual de pequeña e independiente que anteriores obras. Pero a la vez, es su film más arriesgado. Y no por el tema que trata, sino por su protagonista. Habrá quienes prejuzguen la cinta porque Mel Gibson es cabeza de cartel, y de hecho así ha sido en vista de sus resultados en taquilla. Sus escándalos recientes le pasan factura entre el público, pero desde aquí animo a todos a darle una oportunidad a la película, pues es precisamente Gibson lo mejor de la propuesta. El actor da sobradas muestras de solvencia modulando su voz para transformarse en el castor, expresando depresión y felicidad con la misma facilidad con que se recita Hamlet, y dominando la función por encima de su compañero de trapo. Un gran actor que, desafortunadamente, ya no consigue bombones como este papel, que le permiten lucirse.

Desgraciadamente, el castor no domina la pantalla tanto como debiera. El guión da demasiada cancha a la desdibujada figura del hijo mayor, y el conjunto es tan irregular que, cuando no aparece su protagonista, puede resultar hasta aburrido. El retrato del hombre que se convierte en castor para aprender a ser padre y descubrir que no está solo acaba siendo un mosaico demasiado coral de personajes que piensan que la mejor manera de superar una crisis es pasar página, obviar el pasado y transmutarse en otras personas, ya sea utilizando un muñeco de trapo, renegando de la herencia paterna y escudriñando las vidas ajenas, refugiándose en el trabajo o convirtiéndose en el reflejo de lo que los demás quieren. Aún así, se deja ver.

A favor: Mel Gibson, soberbio

En contra: el guión se distrae demasiado en la figura del hijo

Valoración: ***

Tráilers en Cadena: The Lady, The Rum Diary y Drive

Tráilers acumulados, pero interesantes. Allá vamos.

- Luc Besson se pone serio, y en "The Lady" narra la vida de la activista birmana y premio Nobel de la Paz, Aung San Suu Kyi (Michelle Yeoh), encerrada durante la mayor parte de los últimos 20 años bajo arresto domiciliario y puesta finalmente en libertad hace unos meses. El film tendrá su premiere mundial en Toronto, el próximo 12 de septiembre. Pero ojo, que es solamente un teaser. De alguien como Besson espero que sea más que correcto en la realización, que nos sorprenda con alguna pirueta visual. Si no, es una decepción que se haya domesticado.

- Si Besson estaba perdido entre tanto cine 4D, Bruce Robinson lleva ilocalizable veinte años, desde que realizara la interesante "Jennifer 8". En 2009 dirigió "The Rum Diary", basada en la novela homónima de Hunter S. Thompson, que narra sus propias experiencias, las locas vivencias de un periodista alcohólico de 22 años en San Juan de Puerto Rico durante los años 50, en una época de inestabilidad política para el país. Lo extraño es por qué ha tardado en estrenarse, pues en su reparto cuenta con Johnny Depp, Aaron Eckhart, Richard Jenkins y Giovanni Ribisi. El tráiler es tan loco como la vida de su protagonista, algo parecido a lo que vimos en "Miedo y asco en Las Vegas", también basada en una obra del mismo autor y protagonizada por Depp. El 28 de octubre en Estados Unidos gracias a la nueva distribuidora independiente FilmDistrict, que este año se apuntaba un tanto con el éxito mundial de "Insidious". Y vuelvo a avisarlo, el tráiler es una feliz locura.

- Confío en la buena capacidad de elección de Ryan Gosling, uno de los mejores actores jóvenes actuales. Y la pinta de este thriller de suspense es brutal. Tanto que algunos la elevan a la categoría de obra maestra. Gosling interpreta a un conductor con una doble vida: por el día es un honrado especialista y mecánico... mientras que por la noche se dedica a conducir para maleantes y gente de mal ver. La irrupción en la vida de este solitario hombre de Carey Mulligan supondrá un vuelco no ya solo en su corazón, sino también en su vida cuando acepte echarle una mano al marido de esta, algo que le marcará como objetivo de uno de los hombres más peligrosos de Los Ángeles. Ron Perlman, Bryan Cranston, Albert Brooks, Oscar Isaac y Christina Hendricks completan el reparto de esta producción que se estrenará en septiembre en Estados Unidos, pero que no llegará a suelo español hasta noviembre.

Horribles carteles de ¿malas? películas (VI)

Seguimos con la selección de carteles del cine español. En algunos casos se entiende dado el bajo presupuesto, pero en otros, el atentado contra la vista y el buen gusto no admite justificación alguna -en el caso de "Imagining Argentina", ni se preocuparon de que la imagen de Banderas se correspondiera a la peli-. Pero antes de nada, el nuevo cartel francés de "A Dangerous Method", de Cronenberg, nuevamente con las caras pegadas directamente. Eso sí, con un rollito hipnótico y psicoanalítico que casi lo salva de la quema. Casi.

Especial Cine Español (II)